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Viernes 8 de octubre, 2021 / Edificio Nouvel, Auditorio 400
Sesión 1
10:30 - 11:30 h Neblinas que son moluscos, que son paisajes, que son teatros
Encuentro con María JerezEn su trabajo María Jerez explora la agencia de las cosas, de los materiales, del lenguaje, de los espacios y de otros aliados tanto humanos como no humanos que participan en sus piezas. En ellas se genera un plano donde las jerarquías de los cuerpos cambian en una especie de animismo crítico que propone un encuentro con aquello que se escapa a las lógicas antropocéntricas. En palabras de la artista: “Siempre he pensado que cada vez que vuelves a leer un texto, el texto ha cambiado. De pequeña incluso abría los libros muy rápido para ver si sorprendía a las letras y a las palabras moviéndose; sospechaba que eso es lo que hacían mientras el libro permanecía cerrado. Creo que es Foucault el que dice que el lenguaje no es una herramienta para observar y describir la naturaleza, sino que el lenguaje es naturaleza en sí mismo. Mutante, ecosistémico, vivo”.
11:30 - 12:30 h Sinergias y conexiones algorítmicas entre cuerpo, sonido y luz
Encuentro con Pablo PalacioEsta presentación se centra en el análisis de algunos principios comunes a las artes del movimiento, la música y las artes visuales, buscando la retroalimentación entre estas disciplinas mediante el empleo de sistemas interactivos digitales y algoritmos generativos. Analizando de forma práctica cómo este estudio puede contribuir a la composición musical y coreográfica, y a la generación y manipulación de la luz y la imagen en tiempo real, se busca reflexionar sobre la validez de estos instrumentos como herramienta para construir entornos interactivos multimodales en un contexto escénico, y cómo el desarrollo de esta tecnología puede ser un medio para amplificar la consciencia corporal y los límites de la propia fisicidad.
13:00 - 14:30 h Sesión de cine
Heiner Goebbels, Stifters Dinge [Las cosas de Stifter]
Suiza, 2007, color, VO en inglés y francés sin subtítulos en español, 70’. Vídeo de Marc PerroudBasándose en el escritor Adalbert Stifter y su obra Granite [Granito] (Verlag von Gustav Heckenast, 1853), donde se describe de manera casi obsesiva el paisaje alpino, Heiner Goebbels asume el rol de un arquitecto del espacio escénico donde un universo de formas, tramas y colores readquiere vida, agencia y movimiento, lejos de la estampa estática y fría de la pintura de paisaje. Goebbels construye un paisaje visual y sonoro animado, lleno de actividad, al que dan voz y cuerpo nombres como Bach, Lévi-Strauss, indios colombianos grabados por el propio Goebbels en un viaje a Sudamérica en 1985 o Malcolm X, entre otros. Se trata de un tableau muy tecnificado que entra en diálogo y tensión con las energías primarias del universo natural.
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Viernes 8 de octubre, 2021 / Edificio Nouvel, Auditorio 400
Sesión 2
17:00 - 17:30 h Presentación de la Cátedra de Teatralidades expandidas
Intervienen: Diana Delgado Ureña, Fernando Quesada, Isabel de Naverán, Victoria Pérez Royo y José A. Sánchez17:30 - 18:45 h Aesthetics of Absence
Conferencia de Heiner Goebbels
Inglés con traducción simultánea al españolEn esta conferencia magistral, Heiner Goebbels analiza las estrategias estéticas en las prácticas performativas y musicales que, de forma cada vez más frecuente, tienen el vacío como su centro. En lugar de los supuestos básicos del teatro de “presencia e intensidad”, Goebbels reflexiona sobre una noción alternativa de drama, que pasa de serlo entre figuras en el escenario a un drama de los elementos, un drama de la percepción del espectador. Tejiendo una compleja red de sonido, música, literatura, sociología y bellas artes, y en colaboración con artistas como Romeo Castellucci, William Forsythe, Douglas Gordon, Ryoji Ikeda, Michal Rovner, Gregor Schneider, y muchos otros, Goebbels produjo obras que, junto a otras piezas individuales, se muestran en esta conferencia en formato de extractos en sonido y vídeo.
18:45 - 19:45 h Conversación con Heiner Goebbels
Intervienen: María Jerez y Pablo Palacio
Modera: Fernando Quesada -
Sábado 9 de octubre, 2021 / Auditorio 200
Sesión 3
17:00 h Sesión de cine y coloquio
María Jerez y Silvia Zayas. The Boogie-Woogie Ghost [El fantasma de Boogie-Woogie]
España, 2018, color, VO en español, 34’’The Boogie-Woogie Ghost [El fantasma de Boogie-Woogie] es una película circular filmada en el interior de una casa de pueblo. La imagen se modifica constantemente a través del movimiento de unos cuerpos que permanecen invisibles frente a la cámara, actuando como fantasmas. Los objetos de la casa se mueven de lugar, tiemblan o caen sin causa aparente, lo que les impregna de agencia. El espacio muta persistentemente, como si fuerzas no humanas insistieran en desestabilizarlo y accionarlo sin descanso. La tensión entre lo visible y lo invisible genera la aparición del suceso. El montaje de las imágenes funciona dentro de la lógica de lo invisible en el momento de la captura convirtiéndose en danza, o la danza en montaje; una danza de fantasmas.
Celebrada el 08 oct 2021
En esta edición inaugural de la Cátedra Teatralidades expandidas, la obra y las ideas del compositor y director Heiner Goebbels (Alemania, 1952) se ponen en diálogo con las propuestas de l+s creador+s María Jerez, Pablo Palacio y Silvia Zayas, para continuar el debate sobre las teatralidades expandidas en esta época de crisis del Antropoceno. Crisis que también podría ser contemplada como la de la insurgencia de la materia, siguiendo las ideas de Suely Rolnik.
Heiner Goebbels es uno de los creadores escénicos más importantes del panorama artístico contemporáneo cuya producción y escritos más se han dejado influir por la “agencia de la materia” —concepto referido a la materia como agente de acción—. Durante los últimos 30 años, Goebbels ha desafiado los límites y deconstruido las estrategias estéticas convencionales, aportando grandes novedades en el panorama de las artes escénicas y performativas. En su obra Ästhetik der Abwesenheit. Texte zum Theater [Estética de la ausencia. Textos sobre teatro, 2012], que reúne todos sus textos sobre teatro y sus obras musicales, propone la idea de un teatro “como cosa en sí”, un teatro en el que se desarrolla un “drama de los sentidos” o un “drama de los medios”. Esta idea dio lugar, anteriormente, a producciones como Stifters Dinge [Las cosas de Stifter, 2007] en la que Goebbels, inspirado por la intensa percepción del paisaje en la novela Granito de Adalbert Stifter, elabora un experimento escénico sin actores, en el que la maquinaria teatral y los elementos de la escena asumen el protagonismo; o When the Mountain Changed its Clothing [Cuando la montaña cambió sus vestiduras, 2012], trabajo inspirado en una canción popular de Resia, Da Da Pa Ćanynu, que refleja los cambios estacionales en la montaña de Kanin (Eslovenia). En su obra recopilatoria, Goebbels escribe: “Haciendo retroceder a las personas que actúan y minando de ese modo los automatismos antropocéntricos, [Stifter] nos fuerza, por medio por ejemplo de la descripción de catástrofes naturales, a dejarnos asombrar por las fuerzas que escapan a nuestro ámbito de influencia”.
Comisariada por el grupo de investigación-creación ARTEA, esta Cátedra analiza el pensamiento que habita las prácticas escénicas y performativas, e invita a escuchar y promover los diálogos que se dan entre las prácticas artísticas y los modos de teatralidad social. El objetivo es incidir en la potencia política del teatro, la coreografía y el arte de acción, teniendo en cuenta aquello que les es inherente: los modos de producción colaborativa y la copresencia de los cuerpos, diferenciados y singularizados, convertidos en lugares de enunciación de discursos, de manifestación de disidencias y de emergencia del deseo como motor de vida.
Esta edición de la Cátedra está vinculada al proyecto de investigación La nueva pérdida del centro. Prácticas críticas de las artes vivas y la arquitectura en el Antropoceno, desarrollado por ARTEA desde junio de 2020. Este proyecto se centra en el estudio de las teatralidades en el marco de las humanidades ambientales, un campo transdisciplinar que busca tender un puente entre las ciencias y las humanidades, asumiendo que lo humano es solo un agente más entre otros que configuran el ambiente. Anteriormente, la primera actividad pública vinculada a este proyecto de investigación fue el grupo de estudio Cuerpo, territorio y conflicto (Museo Reina Sofía, 2020-2021), coordinado por Fernando Quesada, integrante del colectivo ARTEA.
Comisariado
Programa
Con el apoyo de
Organiza
Museo Reina Sofía
Programa educativo desarrollado con el patrocinio de
Participantes
Diana Delgado Ureña es investigadora en artes escénicas y agente cultural independiente.iit. Desde 2013 es directora académica y artística del Máster en Práctica Escénica y Cultura Visual (Universidad de Castilla La Mancha y Museo Reina Sofía). Entre sus últimos trabajos destacan el comisariado, junto con el artista Jaime Vallaure, del ciclo de performances Dame Cuartelillo en el centro cultural Conde Duque de Madrid (2019) y la publicación, junto con el artista Vicente Arlandis, la editora Gabriela Halac y el investigador Miguel Martínez de El libro agotado (DocumentA/Escénicas, 2019), un laboratorio escénico sobre bibliodiversidad.
Heiner Goebbels es compositor y director de música y su producción abarca desde piezas de teatro musical, conciertos escénicos y composiciones para orquesta, entre otras disciplinas. Ha participado en importantes festivales de música, teatro y arte en todo el mundo y ha expuesto su obra en instituciones como el Centre Pompidou de París, el Museo de Arte de la Universidad Nacional de Bogotá o el Musée d’art contemporain de Lyon. Ha sido profesor del Institut of Applied Theatre Studies de la Universidad Justus Liebig de Gießen (Alemania) y actualmente es primer titular de su Cátedra Georg Büchner. Cuenta con numerosos premios internacionales, como el Prix Italia, European Theatre Price, o el International Ibsen Award.
María Jerez es artista. Su trabajo se sitúa entre la coreografía, el cine y las artes visuales. En sus últimos trabajos cuestiona las convenciones teatrales y cinematográficas y la comprensión implícita del espectador en estas, abriendo espacios potenciales a través de encuentros con aquello que el espectador encuentra extraño y ajeno, y estableciendo bordes difusos entre lo conocido y lo desconocido, el objeto y el sujeto, lo animado y lo inanimado. Su obra trata de escapar de las lógicas logocéntricas y antropocéntricas, donde el conocimiento humano se convierte en un algo vulnerable ante otros ecosistemas enigmáticos y complejos.
Isabel de Naverán es doctora en Bellas Artes por la Universidad del País Vasco e investigadora independiente. Forma parte del grupo de investigación ARTEA y sus estudios exploran el cruce entre el arte, la coreografía contemporánea y la performance en proyectos de comisariado, edición y escritura. En 2010 funda, junto con Beatriz Cavia, Miren Jaio y Leire Vergara, el proyecto Bulegoa z/b – Oficina de arte y conocimiento, al que permaneció vinculada hasta 2018. Actualmente es asesora de artes en vivo en el Departamento de Actividades Públicas del Museo Reina Sofía e investigadora asociada en el Centro de Sociedad y Cultura Contemporánea Azkuna Zentroa de Bilbao.
Pablo Palacio es compositor de música electroacústica e instrumental. Su trabajo se centra en el desarrollo de enfoques algorítmicos en la composición y de nuevas tecnologías en el ámbito de la música interactiva. Junto con la coreógrafa Muriel Romero, es director y fundador de Instituto Stocos, e un proyecto centrado en la interacción entre música, movimiento corporal e imaginería visual, que integra abstracciones tomadas de otras disciplinas tales como la inteligencia artificial, la biología, las matemáticas o la psicología experimental en un contexto escénico.
Victoria Pérez Royo es profesora de Estética y Teoría de las Artes en la Universidad de Zaragoza e investigadora de ARTEA. Ha sido codirectora del máster en Práctica Escénica y Cultura Visual (Universidad de Castilla la Mancha y Museo Reina Sofía), y ha impartido seminarios en programas universitarios de arte en países como Argentina, Alemania, Costa Rica, Bélgica, Holanda o México, entre otros. Además, ha editado libros como Danza contemporánea, espacio público y arquitectura (2008) o Componer el plural. Cuerpo, escena, política (2016, con Diego Agulló), entre otros. En los últimos años ha desarrollado actividades de comisariado e iniciativas de investigación en instituciones como La Casa Encendida, el Museo Reina Sofía o Matadero Madrid.
Fernando Quesada es arquitecto y profesor titular de Proyectos Arquitectónicos de la Universidad de Alcalá de Henares. Desde su fundación, pertenece al grupo de investigación-creación ARTEA. Su trabajo se centra en dos grandes campos: la teoría e historia de la arquitectura moderna y contemporánea, y su relación con las artes escénicas y la performance. Los principales ejes de trabajo en este marco crítico son el cuerpo, la biopolítica, la espacialidad y la teatralidad sociales. Entre sus últimas publicaciones destacan Tecnopastoralismo. Ensayos y proyectos en torno a la Arcadia tecnificada (Ediciones Asimétricas, 2020) y Mobile Theater. Architectural Counterculture on Stage (Actar Publishers, 2021).
José Antonio Sánchez es catedrático de la Facultad de Bellas Artes de Cuenca y fundador del grupo de investigación ARTEA y del Máster en Práctica Escénica y Cultura Visual (Universidad de Castilla La Mancha y Museo Reina Sofía). Entre sus publicaciones figuran La escena moderna (1999), Prácticas de lo real (2007) y Cuerpos ajenos (2017). Entre sus actividades recientes destaca la dirección de la versión escénica de Palabras ajenas, del artista argentino León Ferrari, en colaboración con Juan Ernesto Díaz y Ruth Estévez (2017- 2018), y la edición, junto con Esther Belvis, de un número monográfico de la revista Performance Research “On Disappearance” (2019).
Silvia Zayas es artista y trabaja en los límites de las artes en vivo, el cine y la coreografía expandida. Busca formas híbridas de investigación y producción artística, como se aprecia en su proyecto Jumping Scales (Matadero Madrid, 2018). Entre sus trabajos destacan Talking pictures [Una película hablada, 2018] con Esperanza Collado y, de 2021, los filmes Brilliant Corners con el colectivo Orquestina de Pigmeos, Puebla, con María Jerez, y la pieza escénica U.
Más actividades
Expedientes de revoluciones tropicales
Sábado 20 y 27 de junio, 2026 - 19:00 H
El ciclo Reencuadrando las imágenes bananeras cierra con dos obras que condensan la culminación y el ocaso de este período histórico, epopeyas que cruzan fronteras y registros para encarnar las vivencias de la lucha armada en la región. Las cámaras conviven con los fusiles, las fronteras entre naciones se difuminan y la paciencia alcanza su límite. Es aquí donde llega el punto de inflexión, cuando la sangre derramada se vuelve demasiado pesada y los murmullos de aquella cofradía regional son sepultados de nuevo.
Pan y dignidad (Carta abierta de Nicaragua) recuenta los antecedentes históricos y el proceso de reconstrucción nacional en Nicaragua a partir de la insurrección popular sandinista. Historias prohibidas de Pulgarcito sumerge la cámara en el centro de la lucha revolucionaria salvadoreña, intercalando testimonios de violencia cotidiana con los versos del poeta Roque Dalton.
Ambas obras entienden la revolución armada como un expediente abierto y en vías de construcción. La cofradía insurgente, aunque disuelta, aún resuena en la historia regional.
Circular sobre cuerpos exprimidos
Viernes 19 y 26 de junio, 2026 - 19:00 H
Cuando las formas de la violencia se someten a la sociedad, el cine responde desde la urgencia. Las imágenes se abstraen, los sonidos se difuminan y el registro disidente viene desde las vísceras. La zona intertidal es un acercamiento ensayístico y poético a la represión sufrida por docentes en El Salvador durante los años setenta; un maestro estudia la biodiversidad de la costa salvadoreña mientras un niño encuentra un cuerpo en la misma playa. A propósito de la mujer entrelaza testimonios de miseria e ira hacia las estructuras patriarcales, con escenas de ficción de una procesión simbólica a través de un desierto hostil.
Ambas películas entienden el cuerpo como blanco de violencia y como territorio de insurrección; un espacio donde la sangre derramada por la militancia y la cruz del yugo patriarcal transforman el dolor en denuncia y la existencia fuera del statu quo en un acto de disidencia política.
Sello de origen centroamericano
Jueves 18 y 25 de junio, 2026 - 19:00 H
Las tierras fértiles, las manos campesinas, los rostros de la ruralidad. Este primer programa del ciclo Reencuadrando las imágenes bananeras entiende los cimientos de la experiencia centroamericana desde la explotación, el extractivismo y el desplazamiento, así como desde la organización y resistencia que surge como reacción. Las cuatro películas que lo componen van de la lírica documental de la solidaridad campesina a la subversión lúdica del formato institucional de la United Fruit Company.
Bananeras es un combativo retrato de las condiciones inhumanas en las plantaciones estadounidenses situadas en Nicaragua durante gran parte del siglo XX. Costa Rica Banana Republic presenta una incisiva sátira del documental institucional bananero que vislumbra la naturaleza extractiva de este modelo agroexportador en la década de 1970. Organización Campesina encuadra la resistencia rural hondureña desde el registro directo y la lírica documental. Dos veces mujer disecciona la invisibilización de la doble jornada a la que es sometida la campesina centroamericana: trabajo en el campo y en el hogar. En conjunto, estas obras presentan la tierra como un cuerpo herido y, a la vez, un espacio de dignidad.
Políticas y prácticas de acogida
19, 20 JUN 2026
Coincidiendo con el Día Internacional de las Personas Refugiadas, que se celebra el 20 de junio, Museo Situado y GRIGRI organizan este encuentro internacional que promueve la discusión, el debate y el intercambio de prácticas que sostienen la solidaridad con las personas migrantes en los países de la Unión Europea.
El programa, que se concibe como un espacio de intercambio y construcción colectiva de conocimientos, incluye un taller de creación colaborativa, conversatorios, una comida popular y un cinefórum —actividades diseñadas por un comité local integrado por jóvenes menores de 30 años de diferentes territorios de Europa—. Las recomendaciones políticas sobre acogida y hospitalidad en contextos urbanos surgidas de este encuentro se presentan en Bruselas a finales de 2026.
Estas jornadas se desarrollan en el contexto del proyecto de cooperación europea Bridging Borders y en el marco del décimo aniversario del proyecto GRIGRI Pixel.
![Agnes Essonti Luque, A Journey [Un viaje], 2024. Museo Reina Sofía](https://recursos.museoreinasofia.es/styles/small_landscape/public/Actividades/AGNESESSONT.jpg.webp)
De Viva Voz 3. Agnes Essonti Luque
Lunes 15 de junio, 2026 — De 18:30 a 20:00 h
La obra Un viaje (2024), de la joven artista española-camerunesa Agnes Essonti Luque, invita al público a acompañar a una réplica de una estatuilla africana de madera del Museu Etnològic i de les Cultures del Món (Barcelona) en su periplo de retorno a Camerún. La documentación visual y fotográfica que narra esta historia actúa como estrategia de reparación y restitución simbólica frente a las políticas extractivistas de la institución museo en la modernidad occidental. De esta manera, la instalación permite activar la conversación en torno a la violencia y el vaciado que producen ciertas dinámicas coloniales, pero también sobre la memoria familiar y los saberes comunitarios.
En diálogo con la comisaria Suset Sánchez, esta visita-encuentro busca propiciar una conversación en torno a la pieza y el contexto en que se muestra, así como atender a otros desafíos, tensiones o preguntas que la obra de Essonti lanza al público.