INTERFAZ EMOTIVA. Las películas de Metahaven
![Metahaven, The Sprawl: Propaganda about Propaganda [La diseminación: propaganda sobre propaganda], 2015, película](https://recursos.museoreinasofia.es/styles/small_landscape/public/Actividades/interfaz_emotiva_0.jpeg.webp)
Metahaven, The Sprawl: Propaganda about Propaganda [La diseminación: propaganda sobre propaganda], 2015, película
Celebrada el 27, 28, 29 nov 2025; 08, 09, 10 ene 2026
El Museo Reina Sofía y Márgenes. Festival Internacional de Cine de Madrid presentan en su 15ª edición este ciclo dedicado al colectivo artístico Metahaven. El programa se enmarca en la línea de trabajo iniciada por ambas instituciones en 2024 dedicada a explorar las narrativas audiovisuales contemporáneas, la hibridación de lenguajes y la imagen en movimiento como herramienta para ensayar miradas críticas sobre el presente. Interfaz emotiva. Las películas de Metahaven consiste en dos sesiones de proyecciones y una masterclass de este colectivo sobre la relación entre Internet, tecnología, tiempo e imagen en movimiento. Todas las sesiones cuentan con la presentación de los autores.
El trabajo de Metahaven articula gráficas, vídeo, instalaciones, escritura y diseño en torno a preguntas urgentes sobre gobernanza, identidad, poder y transparencia en la era digital. La obra de este dúo, integrado por los holandeses Vinca Kruk y Daniel van der Velden, se sitúa en la intersección entre el arte, el cine y el pensamiento crítico, utilizando el lenguaje audiovisual como una herramienta para explorar las tensiones entre tecnología, política y percepción. Su práctica combina el rigor del ensayo visual con una fuerte dimensión poética, donde el diseño gráfico, la animación digital y el material documental se funden en composiciones densas y emocionalmente ambiguas, que hablan de un romanticismo posdigital con una formulación alegórica. El foco incluye obras recientes como The Feeling Sonnets (Transitional Object) (2024), en la que el colectivo examina el lenguaje, la poesía y el tiempo digital, a la vez que trabajos históricos, como The Sprawl (Propaganda about Propaganda) (2015), un ensayo que explora cómo Internet y las redes sociales han alterado radicalmente la relación entre verdad, poder y percepción. La masterclass, por su parte, se plantea como un recorrido por los principales temas de este colectivo artístico.
Colabora
Embajada de los Países Bajos en España
Organiza
Museo Reina Sofía y Márgenes. Festival Internacional de Cine
Actividad accesible
Esta actividad cuenta con dos plazas para personas con movilidad reducida
Agenda
jueves 27 nov 2025 a las 19:00
Sesión 1. Metahaven. Home, The Sprawl: Propaganda about Propaganda e Information Skies
Metahaven. Home
Países Bajos, 2014, archivo digital, color, sonido, versión original en inglés, 6' 12"
Metahaven. The Sprawl: Propaganda about Propaganda [La diseminación: propaganda sobre propaganda]
Países Bajos, 2015, archivo digital, color, sonido, versión original en inglés, ruso y árabe con subtítulos en inglés, 70'
Metahaven. Information Skies [Cielos de información]
Países Bajos, 2016, archivo digital, color, sonido, versión original en húngaro con subtítulos en inglés y coreano, 24'
—Con la presentación de Metahaven
Abre la sesión Home, uno de los dos vídeos musicales que el colectivo realiza con Holly Herndon, compositora y solista que explora las intersecciones entre música electrónica, inteligencia artificial y voz humana.
The Sprawl:Propaganda about Propaganda es un ensayo audiovisual que explora la transformación de la información y la propaganda en la era digital. A medio camino entre el documental, las artes visuales y la teoría crítica, la película analiza cómo la propaganda es un flujo descentralizado y viral que se infiltra en los espacios digitales, propagándose a través de memes, vídeos, algoritmos y emociones compartidas. Partiendo de los orígenes del conflicto en Ucrania, imágenes de archivo, animaciones digitales, interfaces de Internet y paisajes abstractos crean una atmósfera hipnótica que reproduce la experiencia de navegar por la red e invita al espectador a experimentar la confusión y la ambigüedad propias del entorno digital.
Information Skies continúa la exploración sobre la verdad, la percepción y la subjetividad en la era digital. La pieza presenta una narrativa fragmentada en la que una voz en off se entrelaza con imágenes de paisajes naturales, entornos virtuales y rostros humanos digitalizados. A través de esta mezcla, Metahaven plantea cómo vivimos en una «realidad informacional» donde las emociones, las creencias y los algoritmos se confunden.
viernes 28 nov 2025 a las 19:00
Sesión 2. Metahaven. Interference, Chaos Theory y The Feeling Sonnets (Transitional Object)
Metahaven. Interference [Interferencia]
Países Bajos, 2015, archivo digital, color, sonido, versión original en inglés, 5’18”
Metahaven. Chaos Theory [Teoría del caos]
Países Bajos, 2021-2024, archivo digital, color, sonido, húngaro, francés, vasco e inglés con subtítulos en inglés, 25’
Metahaven. The Feeling Sonnets (Transitional Object) [Los sonetos del sentimiento (objeto transicional)]
Países Bajos, 2024, archivo digital, color, sonido, neerlandés, inglés y francés, con subtítulos en inglés, 32'
—Con la presentación de Metahaven
Esta sesión comienza con Interference, el segundo de los dos vídeos musicales que el colectivo realiza con Holly Herndon, compositora y solista que explora las intersecciones entre música electrónica, inteligencia artificial y voz humana.
Chaos Theory y The Feeling Sonnets (Transitional Object) son alegorías poéticas y abstractas sobre los estados de ánimo de la tecnología. En Chaos Theory, las divagaciones de sus dos personajes X e Y/Z sobre el mundo contemporáneo dan pie a reflexiones sobre la fragilidad emocional y cognitiva del individuo frente a la sobrecarga informativa y las crisis sociales y ecológicas que caracterizan el presente. A través de una atmósfera meditativa, paisajes digitales, cielos en movimiento y rostros difuminados, la experiencia humana aparece mediada por pantallas y datos, pero aún atravesada por la sensibilidad y el deseo de conexión.
The Feeling Sonnets (Transitional Object) continúa esta introspección existencial examinando cómo el lenguaje poético resiste la lógica instrumental de la información digital. Basado en un poemario del escritor Eugene Ostashevsky (Leningrado, 1968), el vídeo sigue a la protagonista, ONE, una descendiente de poetas dedicada a la recolección de basura que descubre «los sonetos del sentimiento», unos poemas en los que las palabras, las expresiones, las frases y las convenciones poéticas se desarraigan y se desfamiliarizan para transmitir la experiencia de vivir en una tierra y un idioma ajenos. The Feeling Sonnets (Transitional Object) indaga sobre el sentimiento y su pertenencia en un paisaje mediático saturado.
sábado 29 nov 2025 a las 12:00
Sesión 3. Interfaz emotiva: masterclass de Metahaven y proyección de Capture
Metahaven. Capture [Captura]
Países Bajos, 2022, archivo digital, color, sonido, italiano y francés, con subtítulos en inglés, 40’
—Con la presentación de Metahaven
La sesión inicia con la proyección de Capture, ficción documental sobre la Organización Europea para la Investigación Nuclear (CERN) y sobre los límites entre ciencia, tecnología y las formas de conocimiento especulativas, como las encontradas en el mundo natural.
A continuación, Metahaven imparte una masterclass sobre su práctica artística como una forma de pensamiento visual y político. A través de fragmentos de sus obras, como The Sprawl: Propaganda about Propaganda, Information Skies, Chaos Theory y The Feeling Sonnets (Transitional Object), el colectivo explora cómo las imágenes, los datos y las emociones configuran la realidad contemporánea. Los artistas comparten sus principales referentes, que abarcan desde la teoría crítica y la poesía contemporánea hasta el diseño gráfico, el cine-ensayo y la cultura digital. La sesión aborda su método de trabajo, basado en la combinación de investigación teórica, experimentación estética y narrativas fragmentarias, mostrando tanto obras históricas como futuras.
jueves 08 ene 2026 a las 19:00
Sesión 3 (Segunda proyección). Interfaz emotiva: masterclass de Metahaven y proyección de Capture
Metahaven. Capture [Captura]
Países Bajos, 2022, archivo digital, color, sonido, italiano y francés, con subtítulos en inglés, 40’
viernes 09 ene 2026 a las 19:00
Sesión 2 (Segunda proyección). Metahaven. Interference, Chaos Theory y The Feeling Sonnets (Transitional Object)
Metahaven. Interference [Interferencia]
Países Bajos, 2015, archivo digital, color, sonido, versión original en inglés, 4'
Metahaven. Chaos Theory [Teoría del caos]
Países Bajos, 2021-2024, archivo digital, color, sonido, húngaro, francés, vasco e inglés con subtítulos en inglés, 25’
Metahaven. The Feeling Sonnets (Transitional Object) [Los sonetos del sentimiento (objeto transicional)]
Países Bajos, 2024, archivo digital, color, sonido, neerlandés, inglés y francés, con subtítulos en inglés, 32'
sábado 10 ene 2026 a las 19:00
Sesión 1 (Segunda proyección). Metahaven. Home, The Sprawl: Propaganda about Propaganda e Information Skies
Metahaven. Home
Países Bajos, 2014, archivo digital, color, sonido, versión original en inglés, 6'
Metahaven. The Sprawl: Propaganda about Propaganda [La diseminación: propaganda sobre propaganda]
Países Bajos, 2015, archivo digital, color, sonido, versión original en inglés y en ruso con subtítulos en inglés, 70'
Metahaven. Information Skies [Cielos de información]
Países Bajos, 2016, archivo digital, color, sonido, versión original en húngaro con subtítulos en inglés, 24'
Participantes
Metahaven
es un colectivo artístico afincado en Ámsterdam, fundado en 2007 por Vinca Kruk y Daniel van der Velden. Su trabajo propone experiencias sensoriales e intelectuales en las que la información se convierte en materia visual y el espectador se ve inmerso en un flujo hipnótico de imágenes, sonidos y texto. Su estética, a menudo caracterizada por la saturación cromática, las tipografías flotantes y las texturas digitales, no busca ilustrar conceptos, sino provocar una reflexión sobre la belleza y la violencia inherentes a la comunicación contemporánea. En su obra, la pantalla se transforma en un espacio crítico y meditativo donde la política de la información se vuelve una experiencia estética. Metahaven ha expuesto en MoMA PS1, ICA de Londres, Stedelijk Museum de Ámsterdam, Yerba Buena Center for the Arts de San Francisco, Guggenheim Bilbao o Matadero Madrid, entre otros. Sus películas se han visto en International Film Festival de Róterdam o CPH:DOX de Copenhague. Han sido responsables del diseño de Wikileaks o de Sealand, un Estado soberano fundado en una plataforma marina en el Mar del Norte.
Recursos
Folleto de mano
Fichas técnicas
![Metahaven, Information Skies [Cielos de información], 2016, película](https://recursos.museoreinasofia.es/styles/small_landscape/public/Actividades/interfaz_emotiva_1.jpg.webp)
![Metahaven, Home [Casa], 2014, película](https://recursos.museoreinasofia.es/styles/small_landscape/public/Actividades/interfaz_emotiva_2.jpg.webp)
![Metahaven, Chaos Theory [Teoría del caos], 2021-2024, película](https://recursos.museoreinasofia.es/styles/small_landscape/public/Actividades/interfaz_emotiva_3.jpg.webp)
![Metahaven, The Feeling Sonnets (Transitional Object) [Los sonetos del sentimiento (objeto transicional)], 2024, película](https://recursos.museoreinasofia.es/styles/small_landscape/public/Actividades/interfaz_emotiva_4.png.webp)
![Metahaven, Interference [Interferencia], 2015, película](https://recursos.museoreinasofia.es/styles/small_landscape/public/Actividades/interfaz_emotiva_5.png.webp)
![Metahaven, Capture [Captura], 2022, película](https://recursos.museoreinasofia.es/styles/small_landscape/public/Actividades/interfaz_emotiva_6.png.webp)
Más actividades
Dificultad. Formas y efectos políticos del desvío en la escritura y el arte contemporáneo
23 de febrero – 14 de diciembre, 2026 – Consultar programa
Dificultad. Formas y efectos políticos del desvío en la escritura y el arte es un grupo de estudio orientado a pensar cómo ciertas prácticas artísticas y culturales contemporáneas se resisten a la referencialidad que domina las lógicas de producción y consumo del arte actual. Esta propuesta pone en su centro los conceptos de dificultad y desvío, bajo los que convoca a todo procedimiento capaz de evitar la absorción de las formas artísticas por un sentido que aparece como si fuera anterior e independiente de su expresión. Al garantizar la perceptibilidad de sus lenguajes, la dificultad invita a pensar el sentido como efecto de una tensión significante; es decir, como una actividad productiva y creativa que, desde la materialidad de los objetos artísticos, libera la experiencia estética del mandato representacional y a quienes participan en ella de la pasividad asociada a las tareas de mímesis y descodificación.
La economía de la norma referencial traduce la lógica social del capitalismo, donde operan formas insidiosas de captura de subjetividad y sentido. A principios de los ochenta, y adoptando un esquema marxista, el poeta Ron Silliman señaló que esta lógica consistía en separar el lenguaje de cualquier marca, gesto, grafía, forma o sintaxis que lo vinculara a las condiciones de su producción, quedando, así, fetichizado (como sin sujeto), y alienando a sus usuarios en un uso del que no son responsables. Esta doble desposesión cifra la estrategia política de la objetividad referencial: sin sujeto y sin marca de su propia consistencia, el lenguaje es solamente objeto, esa realidad en la que desaparece.
Los usos políticos de la referencialidad, hoy más sofisticados que nunca, sostienen también la fase neoliberal-extractivista del capitalismo que atraviesa política, económica y estéticamente las sociedades actuales. Contra ellos emergen prácticas artísticas fugitivas que, desde los estudios negros, queer y otras posiciones críticas subalternas, rechazan los límites objetivos de lo que existe, inventan formas para nombrar lo que está fuera de lo ya nombrado, y devuelven a los sujetos la capacidad de participar en los procesos de emisión e interpretación.
Leída desde el trabajo artístico, a la captura objetiva de la referencialidad se le puede llamar transparencia. Mirada desde un contrato social que reproduce la desigualdad sobre posiciones identitarias fijas, lo que en esta objetividad se transparenta son, precisamente, los discursos que sostienen el statu quo de la dominación. Frente al infierno de esos discursos, la intención de este grupo es explorar de forma colectiva, a partir de obras desviadas o fugitivas, el paraíso del lenguaje que Monique Wittig encontró en las prácticas extrañadas de la literatura. Porque la potencia política de la dificultad —esto es, su contribución a la utopía de una lengua libre entre iguales— pasa por hacer ver, primero, sus propios desvíos, desde ahí la norma que esos desvíos transgreden, y, por último, la estrechez de una norma que en ningún caso agota las posibilidades de decir, significar, referir y producir un mundo.
Desde esta denuncia de la alienación, fetichización y captura referenciales, Dificultad. Formas y efectos políticos del desvío en la escritura y el arte atiende a las estrategias de resistencia que llevan a cabo artistas y poetas de la contemporaneidad. Su interés se orienta a propuestas tan evidentemente difíciles o esquivas como las de Gertrude Stein, Lyn Hejinian, Theresa Hak Kyung Cha, Kameelah Janan Rasheed, Kathy Acker, María Salgado o Ricardo Carreira, y tan en apariencia sencillas como las de Fernanda Laguna, Felix Gonzalez Torres o Cecilia Vicuña, entre otros ejemplos que pueden ser añadidos según los deseos y las dinámicas del grupo.
Las diez sesiones del grupo de estudio, desarrolladas entre febrero y diciembre, combinan seminarios teóricos, trabajo con obras de las Colecciones y con exposiciones del Museo, talleres de lectura y aperturas al público. Todas estas modalidades sirven como espacios de encuentro para pensar en común ciertos problemas de poética —es decir, algunas cuestiones políticas— de la escritura y del arte actual.
Dificultad. Formas y efectos políticos del desvío en la escritura y el arte inaugura la línea de investigación Adiós, representación, con la que la Dirección de Estudios del Museo Reina Sofía se propone explorar la emergencia de prácticas artísticas y culturales contemporáneas que se alejan de la representación como estrategia estético-política dominante, y dirigen su atención hacia lenguajes artísticos que cuestionan la tendencia de señalar, nombrar y fijar, para abogar por estéticas fugitivas. A lo largo de sus tres años de duración, la línea de investigación se materializa en grupos de estudio, seminarios, proyecciones y otro tipo de programación pública.
RECREO #1. Maruja Mallo. Máscara y compás
Miércoles, 18 de febrero, 2026 - 17:30
RECREO #1. Maruja Mallo: Máscara y compás propone un acercamiento a la figura y la obra de Maruja Mallo como recurso para la práctica educativa en el aula. Dirigida a docentes de Educación Primaria y Secundaria de cualquier contexto territorial, esta formación se celebra en modalidad online con el objetivo de diseminar el trabajo de la artista gallega más allá de los muros de la exposición retrospectiva que acoge el Museo Reina Sofía.
La sesión se estructura en torno a dos líneas: por un lado, la naturaleza y su diálogo con la geometría en las composiciones de la artista; por otro, la mirada sobre lo popular, prestando especial atención a las verbenas y al mundo rural. A partir de estos ejes se exploran los vínculos entre la obra de Maruja Mallo y los contenidos de diferentes materias, así como su potencial para activar formas de aprendizaje transversales y creativas. Cada bloque incluye propuestas y dinámicas prácticas pensadas como punto de partida para el diseño de actividades educativas.
Este taller forma parte del ciclo de formación online para profesorado RECREO. Organizado por el Área de Educación del Museo Reina Sofía en diálogo con el colectivo Cápsula Cultura, RECREO combina la reflexión con propuestas prácticas adaptables a distintos niveles y contextos de enseñanza, además de fomentar el intercambio de experiencias entre docentes.
Algorave. Compartiendo código vivo
Jueves 12 de febrero, 2026 - 19:30 h
La actividad Algorave. Compartiendo código vivo celebra, en diálogo con la exposición Oliver Laxe. HU/هُوَ. Bailad como si nadie os viera, la cultura del código abierto y la música electrónica. Se trata de una muestra-concierto en la que el alumnado de Sonología y Composición del Real Conservatorio Superior de Música de Madrid (RCSMM) pone cuerpo y sonido a los aprendizajes activados durante las VI Jornadas de Creación Sonora del RCSMM celebradas del 10 al 12 de febrero de 2026.
Al inicio de esta Algorave se introduce a las personas asistentes en algunos datos básicos de la cultura del live coding y en nociones elementales que les permitan seguir, a través de proyecciones, el proceso compositivo en tiempo real. A continuación, la música corre a cargo del alumnado del RCSMM, acompañado y respaldado por participantes de Toplap Madrid, colectivo de referencia en la práctica comunitaria y horizontal del live coding.
Este encuentro nace del compromiso didáctico del equipo de Educación del Museo Reina Sofía con el alumnado y el profesorado del Real Conservatorio Superior de Música de Madrid (RCSMM), colaboración iniciada en 2023 con el proyecto Una grieta: Escúchame a través de los oídos de un extraño.
El monstruo del trabajo
12 FEB 2026
Este ciclo está organizado por equipoMotor, un grupo de adolescentes, jóvenes y personas mayores que han participado en proyectos comunitarios educativos del Museo Reina Sofía. El programa consiste en cuatro bloques temáticos alrededor de lo monstruoso.
Esta segunda entrega propone abordar el cine como un lugar desde el que se visibilizan el trabajo cultural y los procesos de producción que dialogan con la creación artística. A partir de esta premisa, la sesión se centra en explorar cómo se producen, ensamblan y distribuyen los contenidos audiovisuales, desde las manos que manipulan las imágenes hasta los cuerpos que participan en su circulación. Se pretende reflexionar así sobre el esfuerzo invisible, la precariedad y las formas de colaboración que sostienen la vida cultural, que transforman la experiencia cinematográfica en un acto de reconocimiento y cuidado del trabajo común.
A partir de la idea de «el monstruo del trabajo», EquipoMotor abre un diálogo sobre cómo el museo podría volverse «un poco más Frankenstein» desde el abordaje de las condiciones materiales que reproducen, entre otras, situaciones como las que refleja Get into The Zone, la pieza elegida por el grupo intergeneracional. Es una sesión para seguir habitando la fricción, plantear preguntas incómodas y afinar el lenguaje con el que imaginar futuros en los que el malestar laboral no se silencie, sino que se organice.
Get into The Zone es un vídeoensayo de Juan David Galindo que explora estados de concentración intensiva asociados al trabajo y al ocio en entornos digitales. La pieza, cuyo título parte de la expresión usada en programación para describir un estado de hiperfoco productivo, pone en relación este estado con diagnósticos y malestares contemporáneos como TDAH, síndrome de desgaste profesional, ansiedad, depresión e hiperestimulación.
El recorrido propuesto por Galindo combina elementos narrativos y conceptuales. Conecta el uso de estimulantes —desde fármacos derivados de anfetaminas hasta café, té, mate o bebidas con taurina— con la historia económica y cultural de estas sustancias. Y también vincula estas prácticas con dinámicas de trabajo frente a pantallas, videojuegos, música electrónica y formas de ocio atravesadas por estimulación continua. La experiencia personal del autor funciona aquí como hilo conductor para situar estos procesos en un marco social e histórico más amplio.
Alberto Greco. Viva el arte vivo
Martes 10 de febrero, 2026 - 19:00 h
Con motivo de la inauguración de la exposición Alberto Greco. Viva el arte vivo, Fernando Davis, comisario de la muestra, y Amanda de la Garza, subdirectora artística del Museo Reina Sofía, conversan en el Auditorio 400 del Edificio Nouvel sobre la vida y la obra del artista argentino, figura fundamental de la vanguardia experimental.
La exposición y la charla toman el título de la proclama «Viva el arte vivo», con la que Alberto Greco (Buenos Aires, 1931- Barcelona, 1965) inundó las calles y los muros de Roma. Para Greco, el arte vivo fue el arte del futuro. Un arte basado en un conjunto de gestos irreverentes e intempestivos, de aventuras abiertas a lo imprevisto que se fundían con la propia vida, que inicia en 1962 y para el que más tarde acuña el término «vivo-dito». En su Manifiesto dito dell´arte vivo, con el que empapeló las paredes de Génova, animaba a entrar en contacto «con los elementos vivos de nuestra realidad: movimiento, tiempo, gente, conversaciones, olores, rumores, lugares, situaciones». También en Madrid irrumpe en la cotidianidad de la calle cuando convoca un «momento vivo-dito» que culmina con la quema de un lienzo pintado de manera colectiva en el barrio de Lavapiés.
Además de fundador del arte vivo, Alberto Greco fue pintor informalista, flâneur queer o poeta y actor ocasional. Esta intensa singladura vital y artística está íntimamente conectada además con su deriva migrante, que comenzó en 1950 en Buenos Aires, pasando por Atacama y Humahuaca, París, Río de Janeiro, São Paulo, Génova, Roma, Madrid, Piedralaves, Nueva York o Ibiza, para terminar abruptamente en Barcelona, donde se quitará la vida poco después de escribir su última gran obra, la novela Besos brujos (1965).
Estas charlas inaugurales, que forman parte de una de las líneas de trabajo principales del Área de Programas Públicos, tienen como objetivo profundizar en los contenidos de las exposiciones organizadas por el Museo desde la perspectiva de artistas, comisariados y especialistas.