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Lunes 13 de septiembre, 2021 - 17:30 h / Edificio Sabatini, Auditorio y Plataforma online
Sesión 1. Etnocidio
Segundo pase: lunes 20 de septiembre, 2021 - 17:30 h
Marta Rodríguez y Jorge Silva. Planas: las contradicciones del capitalismo. Testimonio de un etnocidio
Colombia, 1971, b/n, VO en español, 16 mm transferido a AD, 37’. Estreno español de la versión restaurada por la Fundación Cine Documental con el apoyo del Ministerio de Cultura de Colombia. (No disponible en segundo pase, accesible del 23 al 29 de septiembre en Plataforma online)Paul Leduc. Etnocidio. Notas sobre la región del Mezquital
Canadá y México, 1977, b/n, VO en español, 16 mm transferido a AD, 130'Dos documentales históricos y portentosos del nuevo cine latinoamericano y de la historia del medio. Ambos unen la vanguardia estética con la política en un cine de denuncia que también reformula el lenguaje documental. En Planas: las contradicciones del capitalismo. Testimonio de un etnocidio, Marta Rodríguez y Jorge Silva cuentan, en un ensamblaje entre cinéma vérité e imágenes de archivo, la persecución de la comunidad sikuani por el ejército colombiano, auspiciado por los terratenientes, en la región de los Llanos Orientales (Orinoquía). Justificada como la eliminación de una guerrilla, la intervención buscaba poner fin a la cooperativa indígena que evitaba la explotación intensiva del territorio por grandes latifundistas. De otro lado, en Etnocidio. Notas sobre la región del Mezquital, Paul Leduc sintetiza visión estructural y compromiso social al narrar el exterminio cultural de la comunidad otomí en el estado mexicano de Hidalgo mediante un abecedario de la violencia: A de antecedentes, B de burguesía, C de clase, D de democracia... Hasta 18 capítulos que articulan el glosario de la explotación enunciada únicamente en las voces de la minoría otomí, con guion e investigación del antropólogo Roger Bartra.
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Miércoles 15 de septiembre, 2021 - 18:00 h / Edificio Sabatini, Auditorio
Sesión 2. Ritos. Artistas indígenas
Segundo pase: miércoles 22 de septiembre, 2021 - 18:00 h
Isael y Sueli Maxacali. Yãmîy
Brasil, 2012, color, VO en maxacali con subtítulos en español, AD, 15'Tawna. Cine desde territorio. Tuku
Ecuador, 2021, color, VO en quechua con subtítulos en español, AD, 12'Charles Fairbanks y Saúl Kak. Ecos del volcán
México, 2020, color, VO en español, AD, 18'Francisco Huichaqueo. Kuifi ül. Sonido antiguo
Chile, 2020, color, sonido, AD, 10’Francisco Huichaqueo y Leonel Lienlaf. Kuzen. Cantos en luna llena
Chile, 2016, color, VO en mapuzungun, AD, 4’―Presentan el primer pase Sara Buraya (Museo Reina Sofía) y Massimiliano (Mao) Mollona (Institute of Radical Imagination). Tras el primer pase se lleva a cabo un coloquio con Francisco Huichaqueo, artista participante en el ciclo y en la exposición Somos fragmentos de la luz que impide que todo sea noche, Natalia Arcos (comisaria de la exposición), Chema González (Museo Reina Sofía) y Massimiliano (Mao) Mollona (Institute of Radical Imagination).
Sesión colectiva con cineastas y artistas contemporáneos indígenas que utilizan el cine como medio clave para representar la cosmovisión de los pueblos originarios. Todos ellos comparten la búsqueda de un lenguaje audiovisual adaptado al rito entendido como paradigma de una identidad indígena que preserva una estrecha relación con su comunidad y la naturaleza. Isael y Sueli Maxacali, de la comunidad maxacali de Minas Gerais (Brasil), ruedan un teatro colectivo en su propia aldea, en la que su gente se metamorfosea en los “yamiys”, los espíritus del panteón maxacali que mutan en distintos seres animados e inanimados. Tawna. Cine desde territorio es un colectivo dedicado a proyectos audiovisuales que tiene como meta descolonizar miradas y narraciones desde la Amazonía ecuatoriana. Proponen, para ello, que las historias vernáculas sean contadas y filmadas desde el lugar que habitan y defienden los mismos pueblos autóctonos, en un comprometido ejercicio de autorrepresentación. En Tuku, unos niños buscan un gusano mientras se escucha una leyenda sobre los poderes curativos que se les atribuyen a estos invertebrados. De otra parte, Saúl Kak, indígena zoque, en colaboración con el cineasta norteamericano Charles Fairbanks, trata el desplazamiento masivo de la población zoque tras la erupción del volcán Chichonal (México). También narra cómo esta comunidad se ha refugiado en un lugar en que la cultura oral chiapaneca marca su día a día a través de unos altavoces ubicuos distribuidos por todo el pueblo, una tecnología azarosa entre monumento, tótem y vecino del pueblo. Por último, el artista mapuche Francisco Huichaqueo convoca a esta comunidad, perseguida en Chile, a expresarse desde el sueño, la poesía y la alucinación. En Kuifi ül. Sonido antiguo, el instrumento ancestral de la trutruka caracteriza la ceremonia del Wüñoy tripantu, el Año Nuevo Mapuche. En Kuzen. Cantos en luna llena, un poema del escritor y músico mapuche Leonel Lienlaf marca el ritmo del tiempo.
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Viernes 17 de septiembre, 2021 - 17:00 h / Edificio Sabatini, Auditorio
Sesión 3. Tejedoras. El Primer taller de cine indígena
Segundo pase: jueves 23 de septiembre, 2021 - 18:00 h
Elvira Palafox Herranz. Teat Monteok, el cuento del Dios del rayo
México, 1985-2018, color, VO en huave con subtítulos en español, super-8 transferido a AD, 19'. Cortesía de Instituto Nacional de los Pueblos Indígenas (INPI), MéxicoElvira Palafox Herranz. Angoch Tanomb [Una boda antigua]
México, 1985-2018, color, VO en huave con subtítulos en español, super-8 transferido a AD, 11'. Cortesía de Instituto Nacional de los Pueblos Indígenas (INPI), MéxicoTeófila Palafox Herranz. Leaw amangoch tinden nop ikoods [La vida de una familia ikoods]
México, 1987-2018, color, VO en huave con subtítulos en español, super-8 transferido a AD, 22'. Cortesía de Instituto Nacional de los Pueblos Indígenas (INPI), MéxicoTres documentales inéditos en España. Dos de ellos, El cuento del Dios del rayo y Una boda antigua, posproducidos entre 2012-2013, son exhibidas públicamente por vez primera en 2021. Estos filmes suponen un punto de inflexión en el cine indígena; se trata de la autorrepresentación de un grupo de mujeres huaves tras el Primer taller de cine indígena, realizado en San Mateo del Mar (Oaxaca, México) en 1985. El taller buscaba abandonar las políticas oficiales que habían dominado la relación entre el Estado mexicano y el sujeto indígena entre 1930 y 1980. Políticas caracterizadas por la búsqueda de un ciudadano mestizo moderno y por la asimilación de la diferencia cultural del indio. Así, un grupo de cineastas e investigadores —Alberto Becerril, Luis Lupone y Carlos Mendoza—, siguiendo las enseñanzas de Jean Rouch y de la antropología posmoderna que cuestiona la autoridad del etnógrafo y la objetividad del documento, desarrollan un taller que permite a la comunidad narrar sus historias y generar su propia memoria audiovisual. Las mujeres elegidas, las hermanas Elvira y Teófila Palafox, eran tejedoras y utilizaban habitualmente motivos historiados de enorme complejidad, lo que les otorgaba una enorme facilidad para la narración y la descripción visual. Realizadas en super-8, estas películas son consideradas un antecedente del vídeo y del audiovisual indígena más contemporáneo. La vida de una familia ikoods recoge la experiencia cotidiana, lejos del rito. Teat Monteok, el cuento del Dios del rayo narra una historia de la cosmovisión huave sobre el origen de su pueblo con un sofisticado montaje entre ficción (cuento) y documento (trabajo). Por último, Una boda antigua evita el costumbrismo folklorista usando un gran salto temporal como recurso narrativo.
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Sábado 18 de septiembre, 2021 - 12:00 h / Edificio Sabatini, Auditorio
Sesión 4. Cuentos. Programa infantil
Segundo pase: sábado 25 de septiembre, 2021 - 12:00 h
Gabriela Badillo. El origen del sol y la luna
México, 2017, color, VO en tseltal con subtítulos en español, AD, 1'20''Jackson Abacatu, Charles Bicalho e Isael Maxacali. Konāgxeka. La inundación Maxakali
Brasil, 2016, color, VO en maxacali con subtítulos en español, AD, 16'Gabriela Badillo. El origen del arcoíris
México, 2017, color, VO en mazateco con subtítulos en español, AD, 1'20''Jackson Abacatu, Charles Bicalho y Shawara Maxacali. Mātanāg. La encantada
Brasil, 2020, color, VO en maxacali con subtítulos en español, AD, 14'Gabriela Badillo. La fiera que no quería ensuciarse
México, 2017, color, VO en tepehua con subtítulos en español, AD, 1'20''Aldana Loiseau. Pacha, barro somos. La pacha y las almas
Argentina, 2019, color, sonido, AD, 5’20’’Antonio Coello. Hant Quij Cöipaxi Hac [La creación del mundo]
México, 2019, color, VO en seri con subtítulos en español, AD, 10'―Con la dinamización en ambas sesiones de La Parcería Infancia y Familia, colectivo de pensamiento, creación y acción para la producción de proyectos artísticos y culturales
―La sesión del día 18 de septiembre será grabada con fines pedagógicos y de divulgación de la actividad. Se entregará a los asistentes un permiso de cesión de derechos de imagen para firmarlo de manera voluntaria.
Sesión dedicada al público infantil y familiar compuesta por cortometrajes de animación realizados en colaboración o en coautoría con distintas comunidades indígenas de América Latina. Las piezas están rodadas en su idioma original, por lo que se cuenta con la dinamización de la asociación cultural La Parcería Infancia y Familia, quienes realizarán junto a los artistas y poetas Lilián Pallares y Charles Olsen (integrantes del dúo Antenablue. La palabra vista) una serie de acciones lúdico-poéticas para acompañar y conectar desde la mirada de las infancias con este viaje para ver, escuchar y ampliar nuestro propio sentir del mundo hacia las raíces de la realidad cultural milenaria de los pueblos indígenas. Los distintos cortos tienen en común la transmisión de la idea de identidad y memoria a través de lenguas minoritarias, y la interpretación de cuentos de la tradición oral sobre el origen del mundo y de la vida. El origen del sol y la luna, El origen del arcoíris y La fiera que no quería ensuciarse pertenecen a la celebrada serie mexicana 68 voces, 68 corazones, que recoge las 68 lenguas de México a través de 68 cuentos indígenas grabados en sus propias lenguas. Konāgxeka. La inundación Maxakali trata el mito de la inundación como castigo por el egoísmo y la codicia humana, una creencia de la etnia maxacali de Minas Gerais (Brasil). Las ilustraciones fueron realizadas en un taller por los propios indígenas. Mātanāg. La encantada es otro ejemplo de cine cantado de los maxacalis. Narra la conexión entre el más allá y el mundo de los vivos a partir del periplo entre ambos reinos de la protagonista maxacali Mātanāg. En Pacha, barro somos. La pacha y las almas, Aldana Loiseau usa la arcilla para contar una historia sobre la relación entre la vida y la tierra. Por último, La creación del mundo es fruto de la colaboración entre su autor, Antonio Coello, y ancianas y niñas seris (comunidad del estado mexicano de Sonora), la cual los llevó a investigar relatos orales, cantos vernáculos y pinturas rupestres. El resultado es una bella versión seri del nacimiento del mundo.
![Antonio Coello, Hant Quij Cöipaxi Hac [La creación del mundo]. Película, 2019](https://recursos.museoreinasofia.es/legacy_programs/4_4.png "Antonio Coello, Hant Quij Cöipaxi Hac [La creación del mundo]. Película, 2019")
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Sábado 18 de septiembre, 2021 - 18:00 h / Edificio Sabatini, Auditorio
Sesión 5. La vocera
Segundo pase: sábado 25 de septiembre, 2021 - 18:00 h
Luciana Kaplan. La vocera
México, 2020, color, VO en español, AD, 82'―Presentación y coloquio con el equipo de la película, en el primer pase
Largometraje documental sobre la candidatura presidencial de México en 2018 de María de Jesús Patricio Martínez, más conocida como Marichuy, vocera (que no líder) del Congreso Nacional Indígena (CNI) y primera mujer prepostulante al gobierno nacional procedente de un pueblo originario. La película, de enorme repercusión social en América Latina, habla de los modos políticos transparentes y horizontales de la comunidad indígena. Unos modos que resignifican la democracia desde el movimiento indígena y que, a la postre, certifican la esperanza global que despertó el zapatismo a mediados de la década de 1990. En su itinerario por el circuito político (platós de televisión, mítines, campañas), la vocera nos muestra la degradación del sistema, que no permite la votación en las zonas más rurales, pero también una imagen empoderada del indígena, que rompe definitivamente con los paradigmas impuestos del noble salvaje, del ser mágico o del indio marginal.
Celebrada el 13 sep 2021
Una cita del cuarto manifiesto zapatista de 1996 da título a este programa audiovisual. La frase recoge, con anhelo y poesía, un deseo de cambio tras una larga represión, en el que las vidas de las comunidades indígenas en América Latina alumbren una sociedad más justa, igualitaria, diversa y respetuosa con la naturaleza. El cine, dispositivo moderno derivado de la revolución industrial, se transforma radicalmente a partir de la mirada y del uso indígena. La vida como ritual, el tiempo cíclico, la indistinción entre mito y realidad, y la veneración por el territorio se mezclan con la guerrilla resistente y las tecnologías globales de la comunicación, alterando y sacudiendo las maneras de imaginar y contar. El ciclo recoge, en cinco sesiones, todas estas aspiraciones y transformaciones.
Pero la luz será mañana para los más. Cine y vidas indígenas abarca un amplio arco cronológico que se expande entre las décadas de 1970 y 2020, desde la masacre indiscriminada conocida como etnocidio en América Latina, hasta el reciente viaje de la delegación zapatista desde la selva chiapaneca a las urbes europeas. Un viaje que busca redescubrir modelos de convivencia y buen vivir para un Occidente exhausto. En una síntesis entre ecologismo, organización comunitaria, cosmovisión ancestral y reconocimiento de la diferencia, las sociedades indígenas señalan un porvenir al margen de los principios de extracción y acumulación de riqueza que han caracterizado al capitalismo globalizado en los últimos siglos.
El ciclo comienza con la sesión Etnocidio, que incluye los documentales históricos de Paul Leduc, por un lado, y de Marta Rodríguez y Jorge Silva, por otro. Vinculados al Tercer Cine de América Latina, muestran por vez primera la aniquilación y el desplazamiento masivo de la población indígena bajo el imperativo de la modernización, al tiempo que reflexionan sobre la forma más apropiada de acercarse, desde el documental, a un colectivo generalmente expulsado de la representación. Las siguientes dos sesiones muestran un cine realizado por la comunidad indígena, que incluye artistas y cineastas. Reclaman una tradición visual autóctona y generan un imaginario propio, distinto a las aproximaciones antropológicas o etnográficas que les condenaban a ser un otro filmado. El programa continúa con Cuentos, sesión dirigida al público infantil y familiar, compuesta por una selección de cortometrajes de animación sobre los relatos de distintas comunidades indígenas acerca del origen del mundo. Por último, este ciclo concluye con el estreno en España del largometraje La vocera, dedicado a la candidatura presidencial en México de la indígena nahua María de Jesús Patricio Martínez, más conocida como Marichuy, portavoz del Congreso Nacional Indígena; una candidatura que supuso una grieta en el sistema político tradicional y que fue vista como una enseñanza democrática de las comunidades indígenas.
Comisariado
Chema González, en colaboración con Natalia Arcos y Massimiliano (Mao) Mollona
Colabora
Foundation for Arts Initiatives (FfAI) y L’Internationale
Agradecimientos
Instituto Mexicano de Cinematografía (IMCINE) e Instituto Nacional de los Pueblos Indígenas (INPI)
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Más actividades
Clínica 2628. Comunidad de escritura e investigación en artes
Febrero – octubre, 2026
Clínica 2628 es un proyecto de acompañamiento y puesta en común de escrituras que nace con la intención de ofrecer un espacio y unos tiempos sostenibles para el trabajo de investigación en arte y cultura. En el contexto de una academia cada vez menos receptiva a las formas en que el pensamiento ocurre y es expresado, quiere rescatar lo académico de su captura neoliberal para recuperar la alianza entre precisión e intuición, trabajo y deseo. También quiere devolver la escritura al común que la hace posible a través de un trabajo de seguimiento de procesos y colectivización de ideas, posiciones, referencias y estrategias.
La propuesta, que resulta de la colaboración entre la Dirección de Estudios del Museo Reina Sofía y el grupo de investigación Artea a través del proyecto i+D Experimenta, se concreta en tres ediciones anuales, concebidas como un espacio de experimentación, discusión y muestra de haceres de escritura críticos con los que propone la academia hoy.
¿Qué fuerzas, formas y procesos se ponen en juego al escribir sobre arte y estética? En la academia, en los museos y en otras instituciones culturales la práctica de la escritura se ve atravesada por lógicas productivistas que ponen en riesgo los ritmos de la investigación y la experimentación. La imposición cientificista implicada en la estructura del paper o la cuantificación de resultados que exigen los criterios de calidad y visibilidad higienizan, de entrada, la rugosidad propia de una escritura entendida desde lo concreto de su lengua: las resistencias fónicas, gráficas, sintácticas y gramaticales que conectan a quien usa esa lengua con la comunidad que esta une y activa. Higienizan también la rugosidad implicada en el mismo deseo de escribir, los caminos intuitivos, claros y confusos que de nuevo conectan a quien escribe con quienes leyeron y escribieron así, participando de un bien común que se descubre y se produce al mismo tiempo.
La progresiva mercantilización del saber puesta en marcha por el capitalismo cognitivo aleja cada vez más la investigación y la producción de conocimiento de las obras, los lenguajes y las prácticas artísticas. Los trabajos de comisariado y archivo, la crítica, las performances o los ensayos contaban con un horizonte de posibilidades formales, emocionales y de imaginación mucho más amplio cuando no se desarrollaban en condiciones de competitividad, indexación o impacto. ¿Sería posible hoy retomar aquellos haceres de manera no nostálgica sino crítica, esto es, recuperar por las formas, y por las formas escritas, la cercanía entre el pensamiento de arte y sus objetos? ¿Cómo escribir de otro modo, a otro ritmo, con no más exigencias que las que una obra de arte lanza a las diferentes formas de ver, de leer, de estar en el mundo?
Paisajes en trance. El cine de Oliver Laxe
Del 5 al 28 de febrero, 2026 – Consultar programa
El Museo organiza durante el mes de febrero una retrospectiva completa de la filmografía de Oliver Laxe. El ciclo dialoga con la obra HU/هُو. Bailad como si nadie os viera, una instalación del autor de Sirāt concebida para el Espacio 1 del Museo Reina Sofía. El programa incluye los cuatro largometrajes realizados hasta la fecha por el cineasta, así como sus cortometrajes y una carta blanca de cuatro sesiones programadas por el autor en correspondencia con sus películas e intereses creativos.
Oliver Laxe representa una de las miradas más radicales del panorama fílmico contemporáneo. Su cine es un espacio resiliente, espiritual y transcultural, impregnado de un nomadismo cultural y social que refleja la vida y las creencias del cineasta, y que, en último término, propone una ética antimaterialista para afrontar nuestro tiempo. Su filmografía se caracteriza por una profunda espiritualidad, un tiempo contemplativo y una conexión íntima con la naturaleza y lo sagrado. En sus películas, Laxe ha abordado temas universales, como la redención o el sentido de la existencia, a través de relatos que se desarrollan en paisajes remotos, rurales y atemporales con atmósferas influidas por el cine de género, como el western o el policíaco. Los personajes de su cine, en su mayoría actores no profesionales, atraviesan territorios físicos a la vez que experimentan viajes interiores insuflados por la culpa, el deseo de reintegrarse en comunidad o la realización de un propósito final que ignoran. La naturaleza, con especial énfasis en el desierto y en el paisaje, es otro personaje más, una presencia viva y panteísta que condiciona y refleja los conflictos humanos. El tiempo dilatado, la atención a la experiencia sensorial y las alusiones a la religiosidad antigua nos sitúan en una concepción meditativa del cine que apela a ser un manifiesto para reencantar el mundo.
En la carta blanca el cineasta ha programado cuatro películas que cartografían sus obsesiones. Highway (1999), de Serguei Dvortsevoy, una ruta por los páramos de Kazajistan a través de un circo ambulante; Las estaciones (1975), de Artavazd Peleshian, una oda al transcurrir del tiempo a través del paisaje; Trás-os-Montes (1976), de António Reis y Margarida Cordeiro, una ficción etnográfica del campesinado portugués en sus rituales y pureza vital; y La isla desnuda (1960), de Kaneto Shindô, la lucha cotidiana de una familia de cuatro miembros en un paraíso natural.
Alberto Greco. Viva el arte vivo
Martes 10 de febrero, 2026 - 19:00 h
Con motivo de la inauguración de la exposición Alberto Greco. Viva el arte vivo, Fernando Davis, comisario de la muestra, y Amanda de la Garza, subdirectora artística del Museo Reina Sofía, conversan en el Auditorio 400 del Edificio Nouvel sobre la vida y la obra del artista argentino, figura fundamental de la vanguardia experimental.
La exposición y la charla toman el título de la proclama «Viva el arte vivo», con la que Alberto Greco (Buenos Aires, 1931- Barcelona, 1965) inundó las calles y los muros de Roma. Para Greco, el arte vivo fue el arte del futuro. Un arte basado en un conjunto de gestos irreverentes e intempestivos, de aventuras abiertas a lo imprevisto que se fundían con la propia vida, que inicia en 1962 y para el que más tarde acuña el término «vivo-dito». En su Manifiesto dito dell´arte vivo, con el que empapeló las paredes de Génova, animaba a entrar en contacto «con los elementos vivos de nuestra realidad: movimiento, tiempo, gente, conversaciones, olores, rumores, lugares, situaciones». También en Madrid irrumpe en la cotidianidad de la calle cuando convoca un «momento vivo-dito» que culmina con la quema de un lienzo pintado de manera colectiva en el barrio de Lavapiés.
Además de fundador del arte vivo, Alberto Greco fue pintor informalista, flâneur queer o poeta y actor ocasional. Esta intensa singladura vital y artística está íntimamente conectada además con su deriva migrante, que comenzó en 1950 en Buenos Aires, pasando por Atacama y Humahuaca, París, Río de Janeiro, São Paulo, Génova, Roma, Madrid, Piedralaves, Nueva York o Ibiza, para terminar abruptamente en Barcelona, donde se quitará la vida poco después de escribir su última gran obra, la novela Besos brujos (1965).
Estas charlas inaugurales, que forman parte de una de las líneas de trabajo principales del Área de Programas Públicos, tienen como objetivo profundizar en los contenidos de las exposiciones organizadas por el Museo desde la perspectiva de artistas, comisariados y especialistas.
![Basel Abbas y Ruanne Abou-Rahme, At Those Terrifying Frontiers Where the Existence and Disappearance of People Fade Into Each Other [En esas fronteras aterradoras donde la existencia y la desaparición de personas se disuelven entre sí], 2019](https://recursos.museoreinasofia.es/styles/small_landscape/public/Colecci%C3%B3n/abbasabourahme.png.webp)
Gaza y el esteticidio
Martes 10 de febrero, 2026 – 16:00 h
«Este seminario examina la destrucción sistemática de la sensibilidad colectiva palestina —lo que podríamos denominar "esteticidio"— que ha acompañado al genocidio y ecocidio perpetrados por Israel en Gaza, y considera las condiciones de la práctica artística en su estela. A lo largo de más de dos años, la demolición de universidades, archivos, museos y bibliotecas no solo ha borrado infraestructuras culturales e intelectuales, sino que también ha atacado la propia posibilidad de la representación. La destrucción de un pueblo ha ido acompañada de la destrucción de su imagen, su historia y su capacidad de ser conocido: el periodismo, la investigación académica y la memoria cultural han sido deliberadamente socavados, con instituciones mediáticas, universidades y museos a menudo cómplices de esta represión. Gaza funciona, en consecuencia, como un espacio de ensayo de un posible futuro global —de fascismo, autoritarismo posliberal, fronteras militarizadas y guerra habilitada por la IA—, un laboratorio de un orden mundial emergente. ¿Qué ocurre entonces con el análisis crítico y la resistencia en estas condiciones? ¿Y qué sucede con la estética y la política?».
—T.J. DemosEste seminario tiene lugar gracias a la invitación del historiador del arte a España por parte de la Fundación Miró. En el contexto del museo, dialoga con una línea de trabajo más amplia en torno a la emergencia climática y las perspectivas decoloniales presentes en el proyecto Museum of the Commons (2023-2026), de la red L’Internationale, de la que el Museo Reina Sofía forma parte; así como con algunas de las preguntas que movilizan el grupo de estudio Estéticas de la paz y tácticas de deserción. Por último, también se inserta en una estrategia más amplia de apoyo y compromiso con la creación artística y discursiva de artistas de origen palestino, que tiene su mejor reflejo en la red TEJA.
Ensemble Sonido Extremo
2 FEB 2026
El ciclo Series 20/21 del Centro Nacional de Difusión Musical (CNDM) presenta al Ensemble Sonido Extremo, bajo la dirección de Jordi Francés, con un programa de marcada vocación contemporánea que combina obras de referencia y estrenos absolutos. El barítono Toni Marsol participa en esta propuesta que incluye música de Georg Friedrich Haas, un nuevo encargo del CNDM a Mercedes Zavala que estrenará Aieganz y el estreno absoluto de Pierrot lunaire de Carlos Fontcuberta, concebido como una obra en espejo de la célebre partitura homónima de Arnold Schoenberg.
El programa plantea así un juego de resonancias entre pasado y presente, identidad y transformación, dentro del lenguaje camerístico actual. Una muestra clara de la voluntad del ciclo por acompañar la creación más reciente con intérpretes de referencia en el repertorio contemporáneo.