Viñetas cruzadas
Diálogos intergeneracionales entre autoras de cómic
Nuria Pompeia, Las metamorfosis, 1968
Celebrada el 21 nov 2025
La jornada Viñetas cruzadas analiza la autoría del cómic hecho por mujeres desde una perspectiva intergeneracional y tomando como punto de partida las Colecciones del Museo Reina Sofía. El programa cuenta con la participación, en diferentes mesas redondas, de las ilustradoras Marika, Carla Berrocal, Laura Pérez Vernetti y Bea Lema, y de las investigadoras Viviane Alary, Virginie Giuliana y Elisa McCausland.
El encuentro busca profundizar, por un lado, en las diferentes formas en que las autoras de cómic han contribuido al desarrollo de una contracultura, es decir, a la aparición de rupturas, reformulaciones y nuevos géneros dentro del noveno arte. Por otro lado, se establece un diálogo que permite explorar las genealogías que vinculan a las distintas generaciones de artistas.
La actividad se propone como continuidad de la exposición ¡Mujercitas del mundo entero, uníos! Autoras de cómic adulto (1967-1993) y del I Congreso Internacional sobre genealogías feministas del cómic que tuvo lugar en abril de 2024 en la Universidad Complutense de Madrid.
Mediante una redefinición de las narrativas visuales del cómic y el cuestionamiento de los estereotipos de género en un mundo dominado por los hombres, las autoras de cómic han impulsado una mayor visibilidad y un papel protagonista de las mujeres en este ámbito. El estudio del diálogo intergeneracional entre las autoras de ayer y hoy permite analizar, además, de qué manera estas voces reinterpretan y continúan el legado de sus predecesoras, aportan nuevas perspectivas, expresiones artísticas y una hibridez genérica que enriquecen el mundo del cómic.
La jornada, organizada por el Museo Reina Sofía junto con la Universidad Clermont Auvergne/CELIS (UR4280), cuenta con la participación de la Casa de Velázquez y se enmarca dentro de las actividades del programa CALC «El canon artístico español, entre la literatura crítica y la cultura popular: propaganda, debates, publicidad (1959-1992)», codirigido por Virginie Giuliana. Además, es fruto de los proyectos Horizon Europa COST Actions iCOn-MICs (Cómic y Novela Gráfica del Área Cultural Ibérica, CA19119) y COS-MICs (Cómic y Ciencias, CA24160).
Organiza
Museo Reina Sofía y Université Clermont Auvergne
Organiza
Agradecimientos
Colabora
Agenda
viernes 21 nov 2025 a las 17:30
Presentación
Introducción a los proyectos de investigación iCOn-MICs/WGAS/ UCA-Reina Sofía, COST COS y CALC/ Casa de Velázquez, y a los fondos sobre autoras de cómic en la Biblioteca y Centro de Documentación del Museo Reina Sofía
—A cargo de Viviane Alary, Virginie Giuliana y Elisa McCausland.
viernes 21 nov 2025 a las 18:15
Las autoras de cómic: replanteamiento y deconstrucción de los géneros
Mesa redonda
—Con las autoras de cómic: Marika Vila y Carla Berrocal. Moderan Viviane Alary y Elisa McCausland.
viernes 21 nov 2025 a las 19:00
Descanso
viernes 21 nov 2025 a las 19:15
El cómic como espacio de expresión, de encuentros y de reinvención de las autoras
Mesa redonda
—Con las autoras de cómic Laura Pérez Vernetti y Bea Lema. Moderan Virginie Giuliana.
Participantes
Laura Pérez Vernetti
es licenciada en Bellas Artes, autora de cómics, ilustradora y fotógrafa. Como autora de cómics comienza a publicar en 1981 en la revista underground El Víbora y desarrolla su trabajo en el ámbito de las adaptaciones de literatos y poetas al cómic, al cómic experimental, político y erótico. Ha publicado, entre otros álbumes, El toro blanco (1989) o Las habitaciones desmanteladas (1999) en el que adapta a autores de la literatura como Maupassant, Thomas De Quincey o Dylan Thomas.
Autora pionera en el nuevo género de la poesía gráfica, ha publicado nueve cómics en este nuevo lenguaje en las editoriales Luces de Gálibo, Reino de Cordelia y Centro Cultural Generación del 27. Su obra ha sido expuesta en la Fundación Joan Miró de Barcelona, en el Museo Es Baluard de Palma de Mallorca, en el Musée de la Bande Dessinée de Angoulême (Francia), en el Artium de Vitoria y en el Museo Reina Sofía de Madrid. Ha sido galardonada con numerosos premios, como el Premio Trueno de Honor en 2017, Gran Premio del 36º Salón Internacional del Cómic de Barcelona en 2018 y, más recientemente, con el premio «Una vida de viñetas» en el Salón SPLASH de Sagunto, 2025, año en el que publica Insólitos. Poesía Gráfica.
Mari Carmen Vila (Marika)
es artista gráfica, ilustradora, autora de cómic, investigadora especialista en estudios de género, docente (Universitat Autònoma de Barcelona, UAB), articulista y crítica de cómic (revista Serra D’Or). También es coordinadora de publicaciones, comisaria de exposiciones y divulgadora activista en la mirada feminista sobre el lenguaje. Es una de las primeras autoras en aportar una mirada vanguardista y feminista al discurso del nuevo cómic adulto español.
En 1970 se inicia en la profesión como ilustradora y dibujante de cómic, con diversas publicaciones en Europa (Londres, IPC Magazines/ Escocia, DC Thomson/ Italia y Suecia). A partir de 1975 comienza su etapa como autora feminista en múltiples cabeceras del cómic adulto que nace en la Transición. Recientemente, ha publicado las novelas gráficas Mata Hari (Isla de Nabumbu, 2ª ed. 2023) y Moderna Secreta (hija de Morgana) (Marmotilla, 2025).
En 2017 culmina su investigación con la tesis doctoral El cuerpo ocupado. Iconografías del cuerpo femenino como espacio de la transgresión masculina en el cómic (Universitat de Barcelona, UB, 2017). De ella surgen las exposiciones itinerantes Mujeres cuerpo a cuerpo (Museo del Cómic de Sant Cugat, 2019/ Tenerife, 2020) y Cossos que parlen. Les representacions del cos en les autores del còmic espanyol (1910-2023) para la red de Museos de la Diputación de Barcelona (DIBA), y el libro teórico Desokupar el cuerpo. Las voces de las autoras en el cómic español (Marmotilla, 2024).
Actualmente combina la investigación, la docencia, la crítica y la difusión teórica, con la ilustración y el cómic.
Carla Berrocal
ha estudiado ilustración y diseño gráfico en la Escuela de Artes y Oficios N.10 de Madrid. Desde 2004 se dedica a la ilustración editorial en medios como Eme21mag, eldiario.es, El País y en el grupo Vocento. Ha compaginado esta labor en el ámbito de la ilustración y el cómic con el activismo feminista, la enseñanza y la divulgación. Actualmente, colabora en la tertulia de humoristas gráficos de A vivir que son dos días en la Cadena SER.
Debuta en el cómic como autora del dibujo en las obras Hire. El terrible vampiro samurái (2004, junto a Daniel Hartwell) y Mad Trio (2005, con Jason DeGroot), para terminar su primer trabajo como autora completa en el volumen Quattrocento (2006). En 2011 publica su primera novela gráfica, El brujo, inspirada en la cultura popular chilena y con la que consigue un amplio reconocimiento entre lectores y crítica. A esta le sigue el cómic experimental Epigrafías (2016), sobre la vida de la poeta estadounidense Natalie Clifford Barney. En 2021 publica su primer libro en Reservoir Books, la investigación biográfica Doña Concha. La rosa y la espina, resultado de tres años de dedicación. Su última novela gráfica es La tierra yerma (2024), con la que regresa al cómic de aventuras que siempre le ha apasionado.
Bea Lema
es ilustradora y autora de cómic. Su trabajo es generalmente de corte autobiográfico y sobre temas relacionados con la locura, el trauma, las relaciones familiares, la religión y los ritos populares. A nivel gráfico, explora el dibujo y el bordado como soporte para sus ilustraciones e historietas.
En 2022 es becada para realizar la residencia de novela gráfica en la Maison des auteurs de Angoulême (Francia). Publica en Francia Des maux à dire (Sarbacane), titulado en España El Cuerpo de Cristo (Astiberri), galardonado con el Premio del Jurado del Festival BD 2023 en Pèrigord, el Premio del Público del Festival de Angoulême 2024, el Premio Bédélys 2024 del Festival de Cómic de Montréal a la mejor obra extranjera, Gran Premio de la Heroína Madame Figaro 2024, Premio Nacional de Cómic 2024 y Premio a la mejor novela gráfica internacional 2025 del Festival Comicon Napoli. Actualmente, acaba de adaptar este libro al cortometraje de animación.
Viviane Alary
es hispanista francesa y catedrática emérita por la Universidad Clermont Auvergne. Es coordinadora de la Acción europea COST iCOn-MICS (Investigation on Comics and Graphic Novels in the Iberian Cultural Area) hasta 2023 y cofundadora de la plataforma PACE (Plataforma Académica sobre el Cómic en español). Sus trabajos actuales se centran en la narrativa memorialística en el cómic, la influencia de los años ochenta en el cómic español actual, la autoría femenina en cómic y, en general, las nuevas tendencias de la historieta contemporánea. Es coordinadora de libros colectivos como Narrativa gráfica de la Guerra Civil. Perspectivas globales y particulares (Grafikalismos, 2020, servicio de publicaciones de la Universidad de León), La historieta ibérica y la bande dessinée franco-belga: relaciones, intercambios, (Neuróptica 3, 2021, Prensas Universitarias de Zaragoza) y Renovación del cómic en español: lecturas de España a Hispanoamérica (GRIMH, col. Zoom, 2022).
Virginie Giuliana
es hispanista, catedrática de Universidad de Literatura Gráfica en la Université Clermont Auvergne (Francia), directora del departamento de Estudios Hispánicos e integrante del Centre de Recherches sur les Littératures et la Sociopoétique. Es doctora en Filología Hispánica e Historia del arte por la Université Lumière Lyon 2 (Francia) y la Université de Neuchâtel (Suiza). Dirige entre 2023 y 2025 el proyecto europeo iCOn-MICs «Investigation on Comics and Graphic Novels from the Iberian Cultural Area» (2020-2025) y codirige el proyecto CALC, «El canon artístico español, entre literatura crítica y cultura popular: propaganda, debates, publicidad (1959-1992)», desarrollado en el marco de la EHEHI– Casa de Velázquez (2024-2026). Es la impulsora y directora del proyecto europeo COST Action COS-MICs «Comics and Sciences through Multidisciplinary Investigation and Collaboration» (2025-2029). Sus investigaciones se centran en el cómic (entre otros, los campos de la autoría femenina y el cómic digital), la historia del arte o la museografía.
Elisa McCausland
es periodista, crítica e investigadora de la cultura popular y sus manifestaciones, con especial incidencia en el cine y el cómic. Autora, junto a Diego Salgado, de Viñetaria. Historia universal de las autoras de cómic (Cátedra, 2024) . Ambos han comisariado los encuentros y seminarios Thyssen: El noveno pasajero. Encuentros con artistas de cómic (Museo Nacional Thyssen-Bornemisza, 2024), Cómic, pensamiento y cultura popular (Círculo de Bellas Artes, 2023) y La cara B de la realidad: Feminismo Weird (La Casa Encendida, 2022). McCausland ha liderado iniciativas como el Colectivo de Autoras de Cómic (2013-actualidad), el Primer Congreso de Genealogías Feministas del Cómic (Universidad Complutense de Madrid, 2024), la tercera edición de las Jornadas de Cómic Injuve La alquimia de la viñeta (2024) y la primera edición de la Feria del Cómic de Madrid (2025). Es promotora e integrante de la Cátedra de la Universidad de Alcalá de Henares dedicada a la Investigación y Cultura del Cómic y, junto a la Cátedra de Cómic de la Universidad de Valencia, ha organizado seminarios de cine y cómic.
Más actividades
Clínica 2628. Comunidad de escritura e investigación en artes
Febrero – octubre, 2026
Clínica 2628 es un proyecto de acompañamiento y puesta en común de escrituras que nace con la intención de ofrecer un espacio y unos tiempos sostenibles para el trabajo de investigación en arte y cultura. En el contexto de una academia cada vez menos receptiva a las formas en que el pensamiento ocurre y es expresado, quiere rescatar lo académico de su captura neoliberal para recuperar la alianza entre precisión e intuición, trabajo y deseo. También quiere devolver la escritura al común que la hace posible a través de un trabajo de seguimiento de procesos y colectivización de ideas, posiciones, referencias y estrategias.
La propuesta, que resulta de la colaboración entre la Dirección de Estudios del Museo Reina Sofía y el grupo de investigación Artea a través del proyecto i+D Experimenta, se concreta en tres ediciones anuales, concebidas como un espacio de experimentación, discusión y muestra de haceres de escritura críticos con los que propone la academia hoy.
¿Qué fuerzas, formas y procesos se ponen en juego al escribir sobre arte y estética? En la academia, en los museos y en otras instituciones culturales la práctica de la escritura se ve atravesada por lógicas productivistas que ponen en riesgo los ritmos de la investigación y la experimentación. La imposición cientificista implicada en la estructura del paper o la cuantificación de resultados que exigen los criterios de calidad y visibilidad higienizan, de entrada, la rugosidad propia de una escritura entendida desde lo concreto de su lengua: las resistencias fónicas, gráficas, sintácticas y gramaticales que conectan a quien usa esa lengua con la comunidad que esta une y activa. Higienizan también la rugosidad implicada en el mismo deseo de escribir, los caminos intuitivos, claros y confusos que de nuevo conectan a quien escribe con quienes leyeron y escribieron así, participando de un bien común que se descubre y se produce al mismo tiempo.
La progresiva mercantilización del saber puesta en marcha por el capitalismo cognitivo aleja cada vez más la investigación y la producción de conocimiento de las obras, los lenguajes y las prácticas artísticas. Los trabajos de comisariado y archivo, la crítica, las performances o los ensayos contaban con un horizonte de posibilidades formales, emocionales y de imaginación mucho más amplio cuando no se desarrollaban en condiciones de competitividad, indexación o impacto. ¿Sería posible hoy retomar aquellos haceres de manera no nostálgica sino crítica, esto es, recuperar por las formas, y por las formas escritas, la cercanía entre el pensamiento de arte y sus objetos? ¿Cómo escribir de otro modo, a otro ritmo, con no más exigencias que las que una obra de arte lanza a las diferentes formas de ver, de leer, de estar en el mundo?
Mallo Más Acá. SANDÍA LUNA CONCHA METAL
Del 22 de enero al 5 de marzo, 2026 - 17:00 h
Mallo Más Acá. SANDÍA LUNA CONCHA METAL propone un acercamiento a la exposición Máscara y compás de Maruja Mallo a través de una visita accesible diseñada especialmente para personas ciegas y con baja visión. La actividad, comentada por el personal de mediación del Museo, cuenta además con audiodescripción a cargo de Lorenzo Galgó y María Morata, dos artistas e investigadoras que viven y dialogan con la discapacidad. Su propuesta parte de un cuestionamiento de los modos de acceso a lo artístico, reconociendo todas las condiciones sensoriales existentes como completas, valiosas, legítimas y, además, deseables.
A través de los auriculares, las voces de Lorenzo y María no proponen solamente una traducción de la imagen a la palabra, sino un intento de compartir con las personas participantes la vibración de las obras por medio de experiencias corporales. Al final de la visita, que tiene como objetivo propiciar un encuentro con la obra de Maruja Mallo desde el disfrute y los cuidados, se propone un diálogo in situ donde poder compartir los diferentes sentires sobre la experiencia.
Trabajo cultural
12 FEB 2026
Este ciclo está organizado por equipoMotor, un grupo de adolescentes, jóvenes y personas mayores que han participado en proyectos comunitarios educativos del Museo Reina Sofía. El programa consiste en cuatro bloques temáticos alrededor de lo monstruoso.
Esta segunda entrega propone abordar el cine como un lugar desde el que se visibilizan el trabajo cultural y los procesos de producción que dialogan con la creación artística. A partir de esta premisa, la sesión se centra en explorar cómo se producen, ensamblan y distribuyen los contenidos audiovisuales, desde las manos que manipulan las imágenes hasta los cuerpos que participan en su circulación. Se pretende reflexionar así sobre el esfuerzo invisible, la precariedad y las formas de colaboración que sostienen la vida cultural, que transforman la experiencia cinematográfica en un acto de reconocimiento y cuidado del trabajo común.
![Basel Abbas y Ruanne Abou-Rahme, At Those Terrifying Frontiers Where the Existence and Disappearance of People Fade Into Each Other [En esas fronteras aterradoras donde la existencia y la desaparición de personas se disuelven entre sí], 2019](https://recursos.museoreinasofia.es/styles/small_landscape/public/Colecci%C3%B3n/abbasabourahme.png.webp)
Gaza y el esteticidio
Martes 10 de febrero, 2026 – 16:00 h
Este seminario examina la destrucción sistemática de la sensibilidad colectiva palestina —lo que podríamos denominar «esteticidio»— que ha acompañado al genocidio y ecocidio perpetrados por Israel en Gaza, y considera las condiciones de la práctica artística en su estela. A lo largo de más de dos años, la demolición de universidades, archivos, museos y bibliotecas no solo ha borrado infraestructuras culturales e intelectuales, sino que también ha atacado la propia posibilidad de la representación. La destrucción de un pueblo ha ido acompañada de la destrucción de su imagen, su historia y su capacidad de ser conocido: el periodismo, la investigación académica y la memoria cultural han sido deliberadamente socavados, con instituciones mediáticas, universidades y museos a menudo cómplices de esta represión. Gaza funciona, en consecuencia, como un espacio de ensayo de un posible futuro global —de fascismo, autoritarismo posliberal, fronteras militarizadas y guerra habilitada por la IA—, un laboratorio de un orden mundial emergente. ¿Qué ocurre entonces con el análisis crítico y la resistencia en estas condiciones? ¿Y qué sucede con la estética y la política?
Este seminario tiene lugar gracias a la invitación del historiador del arte a España por parte de la Fundación Miró. En el contexto del museo, dialoga con una línea de trabajo más amplia en torno a la emergencia climática y las perspectivas decoloniales presentes en el proyecto Museum of the Commons (2023-2026), de la red L’Internationale, de la que el Museo Reina Sofía forma parte; así como con algunas de las preguntas que movilizan el grupo de estudio Estéticas de la paz y tácticas de deserción. Por último, también se inserta en una estrategia más amplia de apoyo y compromiso con la creación artística y discursiva de artistas de origen palestino, que tiene su mejor reflejo en la red TEJA.
Imágenes para un presente urgente
Viernes 23 de enero, 2026 – De 18:00 a 20:00 h
En el marco del Instituto Cáder de Arte Centroamericano (ICAC), Museo Tentacular colabora con el artista salvadoreño Jose Campos (La Paz, 1986), conocido como Studio Lenca, con la realización de tres talleres colaborativos a lo largo de 2026 en torno a la producción de materiales para las luchas sociales presentes.
La práctica artística de Studio Lenca se nutre de su propia biografía, marcada por una infancia en El Salvador interrumpida por la Guerra Civil y la consiguiente migración a Estados Unidos. Su obra incluye numerosas instalaciones colaborativas como, por ejemplo, Rutas, realizada en dos espacios, Mixteca de Nueva York y el albergue Casa Tochán de Ciudad de México, y expuesta posteriormente en MoMA PS1. Un trabajo que configura un espacio en el que personas que han cruzado la frontera de Estados Unidos sin documentos narran su camino a través de las imágenes.
Desde esta mirada, Studio Lenca plantea diferentes talleres atravesados por los ejes centrales que marcan la vida de las luchas y los movimientos sociales actuales: derechos como la vivienda, el empadronamiento, la sanidad, la regularización de las personas migrantes o el derecho al juego en la infancia. Estos talleres, destinados a personas, colectivos y movimientos sociales interesados en la producción colectiva de imágenes, se conciben como espacios de disfrute, juego y convivencia, donde el activismo nace desde los cuidados, el descanso y la construcción colectiva. En su desarrollo se invita además a pensar conjuntamente, desde la línea de trabajo del artista, qué materiales y gestos colectivos pueden trasladarse al espacio público en manifestaciones y encuentros en las calles.