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Jueves 16 de noviembre, 2023 / Edificio Sabatini, Auditorio
Picasso. Modernidad y alteridad
—A cargo de Eugenio Carmona
El Picasso joven, y ya maduro, fue un artista capaz de asimilar culturas diversas transcurriéndolas con rapidez. Para ello hubo de situarse en una posición de alteridad, en la que no se posicionaron otros protagonistas de las primeras vanguardias. Este Picasso transcultural, en aquel momento, sabía de sí mismo como extranjero. Su alteridad se planteaba en sus relaciones personales, amorosas y sexuales, en su modo libertario de dejar atrás la bohemia, en la performatividad de género de sus iconografías, en su hacer procesual, en la temprana hibridación de sus referentes etnográficos, en su capacidad de no diferenciar entre lo mitológico y lo vernacular o en su modo de hacer permanecer la huella del museo en propuestas que querían ser una refundación del arte mismo.
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Jueves 23 de noviembre, 2023 Edificio Sabatini, Auditorio
Gertrude Stein y Pablo Picasso: La invención del lenguaje
—A cargo de Cécile Debray
La amistad entre Pablo Picasso y Gertrude Stein cristalizó en torno a elementos centrales y compartidos de sus respectivos trabajos literarios y pictóricos. Stein es una inmigrante judía norteamericana, homosexual, instalada en París poco antes de la llegada del artista en 1901; Picasso es un español fichado por la policía como anarquista. La posición de extranjeros con dominio parcial del francés, así como su marginalidad, fundamentan tanto su pertenencia a la bohemia parisina como su libertad artística. Esta conferencia explora la complicidad entre artista y escritora, a la vez que bosqueja los ecos de esta relación en el arte europeo y norteamericano de posguerra, examinando su influencia posterior en artistas como Jasper Johns, John Cage, Steve Reich, Roni Horn o Anne Teresa De Keersmaecker, entre otros.
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Miércoles 13 de diciembre, 2023 / Edificio Nouvel, Auditorio 200
Picasso y el primitivismo: políticas culturales anarquistas en Barcelona, Madrid y París
—A cargo de Patricia Leighten. Presenta y modera Eugenio Carmona
La obra de Picasso es un ejemplo prístino de técnicas, alusiones y evocaciones primitivistas desde sus inicios en la Barcelona modernista alrededor de 1900, hasta la cristalización del cubismo en París antes de la Primera Guerra Mundial. Su contacto con el anarquismo en Madrid, Barcelona y París potenció la experimentación como una intervención radical en las formas del naturalismo más institucionalizadas. Esta conferencia explora la relación del artista con el anarquismo no solo a través del contexto político, sino observando en particular su empleo de las obras, artefactos y documentos del arte no occidental y popular, definido históricamente bajo la categoría de primitivismo. Cada alusión cultural, ya fuese arte ibero, africano, infantil o incluso la historieta, introduce técnicas radicales en sus pinturas, rechazando los valores del realismo, del clasicismo, de la racionalidad y, en suma, de conformidad con las reglas estéticas. A través de estas ideas, Picasso alcanzará el ideal del artista anarquista.
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Miércoles 24 de enero, 2024 / Edificio Nouvel, Auditorio 200
Gertrude Stein a la sombra de Gósol
—A cargo de Robert Lubar. Presenta y modera Estrella de Diego
Antes de su viaje a Gósol en el verano de 1906, Picasso dejó de trabajar en el retrato de su mecenas Gertrude Stein después de aproximadamente sesenta sesiones. Cuando volvió a París retomó el retrato, reemplazando el rostro de Gertrude por un semblante en forma de máscara. Este ensayo procede de la famosa cita de Stein acerca de que Picasso “ya no podía verla” y examina la función de la máscara en el Retrato de Gertrude Stein (1906) ya finalizado, confrontando la sexualidad lesbiana y la propia identidad de género de la modelo. La conferencia aborda el retrato como un evento performativo entre el artista y la modelo, y examina, a su vez, el papel que juega el género en el propio corpus literario de Stein. Lubar incide en la inestabilidad de género en el arte de Picasso a lo largo de 1906 y 1907 y, en concreto, aborda la obra de género fluido que Picasso produjo en Gósol en el marco de una crisis de masculinidad culminante en Las señoritas de Avignon (1907).
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Miércoles 31 de enero, 2024 / Edificio Nouvel, Auditorio 200
Figuración, carne, fragmentación: el “asalto” de Picasso al cuerpo en 1906
—A cargo de Tamar Garb. Presenta y modera Patricia Mayayo
Los géneros del retrato y del desnudo fueron lugares de ensayo y experimentación para Picasso en 1906. Este año se erige como punto de inflexión, introduciendo la mitología del primitivismo en su obra con la “máscara” y el “rostro” concurriendo como filtros representacionales e ideológicos. Explorando estos dos sistemas de pensamiento en torno a la individualidad, la figuración y el cuerpo como lugar de inscripción genérica y sexual, Tamar Garb explora cómo una identidad pictórica andrógina y no binaria emerge, a pesar de la legendaria postura masculina y machista del artista. La conferencia propone leer la obra de una forma alternativa a la biografía y al culto al genio masculino, permitiendo una revisión más expansiva y abierta del arte de Picasso.
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Miércoles 7 de febrero, 2024 / Edificio Nouvel, Auditorio 200
Picasso en Gósol, 1906: relato ginocéntrico y cuerpos de frontera
—A cargo de Jèssica Jaques Pi. Presentan y moderan Raquel Jimeno y Raúl Martínez
Esta conferencia trata las semanas que Pablo Picasso, Fernande Olivier y su cachorro fox terrier pasaron en Gósol en el verano de 1906 desde la perspectiva ginocéntrica, esto es, señalando la agencia que las mujeres tuvieron en la radical transformación de la creatividad del artista en ese momento y qué rastro dejaron en su obra para la posteridad. Se focaliza en los cuerpos de frontera del matriarcado gosolense, en qué debió sentir Fernande Olivier a 1500 m de altitud y rodeada de montañas y en la peculiar amistad de ambos con Gertrude Stein y Alice B. Toklas, tan presentes en su ausencia.
Celebrada el 16, 23 nov, 13 dic 2023; 24, 31 ene, 07 feb 2024
El ciclo de conferencias Picasso 1906. La gran transformación se articula en torno a la exposición homónima que el Museo organiza del 15 de noviembre de 2023 al 4 de marzo de 2024. El programa reúne a destacados especialistas internacionales como Eugenio Carmona, Cécile Debray, Tamar Garb, Jèssica Jaques Pi, Patricia Leighten, Robert Lubar, entre otros, con el objetivo de revisar los orígenes de Picasso desde una mirada contemporánea.
Picasso 1906. La gran transformación examina la aportación del artista al momento germinal del arte moderno, buscando entender a Picasso con ojos contemporáneos ante la revisión crítica que el artista ha experimentado en nuestro presente. Toda obra del autor de Las señoritas de Avignon (1907) supone el encuentro con un “otro”. Todo en Picasso es siempre polifonía, heteroglosia, hibridación. Sin embargo, en la segunda mitad del siglo XX, su vida y obra fueron condensadas en narrativas que sustraían al artista de su complejidad. Narrativas circunscritas al artista-mito y al elogio de un patriarcalismo de nuevo cuño. Estos discursos acabaron sustituyendo al artista mismo. En nuestra contemporaneidad, atravesada por cuestionamientos y urgentes reescrituras, no nos damos cuenta de que no hablamos de Picasso, sino de los relatos sobre él trazados. Picasso 1906. La gran transformación, tanto la exposición como este ciclo de conferencias, quiere presentar a un Picasso vitalista que anhela la refundación de la experiencia artística. Un Picasso cercano al pensamiento libertario, entregado al sentido de su actividad, que busca lo originario y que focaliza su trabajo en tres registros: la búsqueda de lo primordial, la representación del cuerpo y la interculturalidad como proceso.
En 1906, Picasso, identificando modernidad y alteridad, entiende performativamente el cuerpo como significante y acude a los deslizamientos de género. Hace de la representación del adolescente arcádico el símbolo de un nuevo comienzo para la vida y el arte. Con ello, transforma el concepto académico de “desnudo”, sustituyéndolo por la noción de “cuerpo en representación”. Sin abandonar el hipnotismo de la pulsión escópica, Picasso convirtió el cuerpo en significante y, por tanto, en lugar de experimentación lingüística y cultural. Lo vernacular es planteado ahora como mitología del origen. Al mismo tiempo, este Picasso de 1906 está redefiniendo ya el entramado entre fondo y figura, entre espacio plástico y cuerpo, y situando las bases de un nuevo sistema visual que intuye la comprensión del cuadro como objeto.
En su búsqueda de lo primordial, y enfrentado al colonialismo europeo, Picasso planteó la plena sinergia con las culturas primigenias. Y ello ocurrió antes de lo que suele fecharse y con un potente sentido de la hibridación de referentes culturales más allá del habitual concepto de “primitivismo”. Pero también la interculturalidad picassiana estuvo atenta a la fotografía, a los tratados etnográficos, a la prensa y a los libros ilustrados de masas. Su modo de entender la memoria visual conculcó la idea de anacronismo y mantuvo subyacente la herencia del museo como paradigma, al tiempo que miró a sus contemporáneos y a sus inmediatos predecesores, interactuó con ellos. También se citó a sí mismo, manteniendo las huellas de su trabajo y propiciando la nachleben, o pervivencia de las imágenes, de sus propias soluciones visuales. Su relación con Gertrude Stein fue decisiva en la fundación del arte moderno y, por todo ello, en definitiva, 1906 fue “el año de la gran transformación”.
Organiza
Museo Reina Sofía
Con el apoyo de
Comisión Nacional para la Conmemoración del 50º aniversario de la muerte de Pablo Picasso
Telefónica, empresa colaboradora de la Celebración Picasso 1973-2023 en España
Organiza
En el marco de
Con el apoyo de
Empresa colaboradora en España
Participantes
Eugenio Carmona es catedrático de Historia del Arte de la Universidad de Málaga y comisario de la exposición Picasso 1906. La gran transformación. Algunas de las publicaciones en las que ha colaborado son El cubismo y sus entornos en las Colecciones de Telefónica (Fundación Telefónica, 2005-2008); Picasso, Miró, Dalí, Giovanni e arrabbiati: la nascita della modernità (Skira, 2011), Picasso and Spanish Modernity (La Mandragora y Palazzo Strozzi, 2014) o Modern Spanish Art from the Asociación de Arte Contemporáneo (Meadows Museum Dallas y Colección Arte Contemporáneo, 2016).
Cécile Debray es directora del Musée Picasso de París. Entre sus publicaciones destacan el catálogo de la exposición del Grand Palais Cézanne, Matisse, Picasso, l’aventure des Stein (Éditions RMN, 2011); Le Fauvisme (Éditions Citadelles y Mazenod, 2014) o Les Nymphéas de Claude Monet (Éditions Hazan, 2020).
Estrella de Diego es catedrática de la Universidad Complutense de Madrid y académica de número de la Real Academia de Bellas Artes de San Fernando. Entre sus publicaciones destacan Artes visuales en Occidente desde la segunda mitad del siglo XX (Cátedra, 2015); El andrógino sexuado: eternos ideales, nuevas estrategias de género (Antonio Machado, 2018) o Los mil rostros del minotauro: Picasso, Fifty Years Later (Arquitectura Viva nº 249, 2022).
Tamar Garb es profesora en el Departamento de Historia del Arte de la University College London. Entre sus publicaciones destacan Bodies of Modernity: Figure and Flesh in Fin de Siècle France (Thames & Hudson, 1998) o The Body in Time: Figures of Femininity in Late Nineteenth-Century France (University of Washington Press, 2008).
Jèssica Jaques Pi es profesora de Estética y Teoría de las Artes en la Universidad Autónoma de Barcelona y codirectora del Doctorado Picasso (Museo Picasso de Barcelona en colaboración con la Universitat Autònoma de Barcelona y la Université de Picardie Jules-Verne de Amiens). Autora de Picasso en Gósol, 1906: un verano para la modernidad (Antonio Machado, 2007), es asimismo investigadora principal del proyecto Los escritos de Picasso: textos teatrales (2016-2018) del Ministerio de Ciencia e Innovación.
Raquel Jimeno es coordinadora de Actividades Culturales y Audiovisuales en el Museo Reina Sofía.
Patricia Leighten es profesora emérita del Departamento de Arte, Historia del Arte y Estudios Visuales de la Duke University de Estados Unidos. Junto con el historiador del arte Mark Antliff ha publicado, entre otras, Cubism and Culture (Thames & Hudson, 2001) o A Cubism Reader: Documents and Criticism, 1906-1914 (University of Chicago Press, 2008). En solitario destaca su publicación The Liberation of Painting: Modernism and Anarchism in Avant-Guerre Paris (University of Chicago Press, 2013).
Robert Lubar es profesor de Bellas Artes en el Institute of Fine Arts de la New York University y consejero miembro de la Fundació Joan Miró de Barcelona, artista del que es especialista y del que ha comisariado exposiciones como Joan Miró en Oporto (Museo Serralves, 2016). Algunas de sus publicaciones destacadas son Unmasking Pablo’s Gertrude: Queer Desire and the Subject of Portraiture (The Art Bulletin 79, nº 1, 1997); Divided Landscapes: Painting and Politics in Spain (1898-1939) (Yale University Press, 2002) o el catálogo del Espacio Miró de la Fundación Mapfre (2016).
Raúl Martínez es responsable de pintura y dibujo hasta 1939 en el Área de Colecciones del Museo Reina Sofía.
Patricia Mayayo es profesora titular en el departamento de Historia y Teoría del Arte de la Universidad Autónoma de Madrid. Entre sus publicaciones destacan Historias de mujeres, historias del Arte (Cátedra, 2003); Cuerpos sexuados, cuerpos de (re)producción (Editorial UOC, 2011) o Arte en España (1939-2015), ideas, prácticas, políticas (Cátedra, 2015), esta última publicada junto con Jorge Luis Marzo.
![Pablo Picasso, Nude with Joined Hands [Desnudo con manos juntas], 1906. The Museum of Modern Art, New York. The William S. Paley Collection, 1990 © Sucesión Pablo Picasso, VEGAP, Madrid, 2023 © 2023, The Museum of Modern Art/Scala, Florence](https://recursos.museoreinasofia.es/styles/small_landscape/public/Exposiciones/picasso_1906_nude.jpg.webp)
Más actividades
Las décadas prodigiosas
Lunes y miércoles, del 18 de marzo al 6 de mayo, 2026 - 18:30 h
El arte español de finales del siglo pasado, marcado por la transición política y la apertura al exterior, logra una cierta normalización que —aunque discutida— refleja una producción diversa, dinámica y llena de tensiones. Este curso quiere ofrecer una mirada general de la época a través de cuestiones como la reflexión sobre los géneros tradicionales, la irrupción de lo fotográfico y lo tecnológico o las nuevas áreas de exploración artística, como el cuerpo y el género.
El programa otorga pues un lugar específico a acontecimientos históricos como la institucionalización del sector, la preponderancia de la cultura popular y la crisis del sida. Esta progresiva relación del arte con lo real —es decir, las funciones y las limitaciones de la actividad artística en el «ahora» — se constituye como el debate conductor de todo el siglo y persiste, además, en el presente.
Intergeneracionalidad
9 ABR 2026
Este ciclo está organizado por equipoMotor, un grupo de adolescentes, jóvenes y personas mayores que han participado en proyectos comunitarios educativos del Museo Reina Sofía. El programa consiste en cuatro bloques temáticos alrededor de lo monstruoso.
Esta sesión mira al cine como un lugar donde desmontar la idea de una única historia y un único tiempo. Desde una perspectiva decolonial y queer se exploran películas que rompen la línea recta del pasado-presente-futuro, que mezclan memorias, ralentizan el progreso y dejan espacio para ritmos que no suelen tener cabida en los relatos oficiales. Aquí las imágenes abren grietas por las que aparecen cuerpos, voces y afectos que trastocan el archivo y cuestionan quién narra, desde dónde y para quién. La propuesta es sencilla y ambiciosa a la vez: usar el cine para imaginar otros modos de recordar, de pertenecer y de proyectar futuros que todavía no hemos podido vivir.
Mirar de cerca. Píldoras formativas
Del 16 al 26 de marzo, 2026 - Consultar programa
Las colecciones de la Biblioteca y Centro de Documentación del Museo Reina Sofía son accesibles a cualquier persona interesada. Este programa está destinado a facilitar el acceso a estos recursos a través de varios talleres centrados en aspectos clave como el manejo básico del catálogo, las revistas y otras publicaciones seriadas, los archivos, las bases de datos y LaDigitaldelReina.
Este proyecto se desarrolla en el marco de Mirar de cerca, una de las líneas que configuran el programa de mediación Casi libros, enfocado en dar a conocer los fondos de la Biblioteca y Centro de Documentación del Museo y difundir las herramientas especializadas para la investigación en el arte y la creación contemporánea, a través de talleres, cursos y guías temáticas.
Remedios Zafra
Jueves 19 de marzo, 2026 - 19:00 h
La Cátedra José Luis Brea, dedicada a la reflexión en torno a la imagen y la epistemología de la visualidad en la contemporaneidad, inaugura su programación con la conferencia de la ensayista y pensadora Remedios Zafra.
«Que el auge antifeminista contemporáneo se construya como un impulso antiintelectual no es casual y ambas tendencias se alimentan mutuamente. Para posicionar un discurso reaccionario que defiende la desigualdad de las personas es preciso cuestionar los estudios y políticas de género, pero también devaluar los pilares del conocimiento donde estos se han construido con mayor intensidad en las últimas décadas, maltratando además su sostén institucional: universidades, centros de arte e investigación y cultura académica.
El feminismo ha estado profundamente unido a la celebración del pensamiento humanista más comprometido, y los periodos de ilustración y los momentos de transición hacia formas sociales más justas y sostenidas en la educación han sido aquellos en los que la reivindicación feminista ha surgido con más fuerza. La conciencia y logros de igualdad aumentan cuando la educación es una protagonista social, de forma que desvalorizar el trabajo intelectual también contribuye a dañar el feminismo y viceversa, en tanto que el vínculo entre el conocimiento y el feminismo no es solo conceptual e histórico, es también un vínculo íntimo y político. Hoy el antifeminismo es usado a nivel global como adhesivo simbólico de movimientos de ultraderecha, paralelamente a la devaluación de los saberes y conocimientos que emergen de la universidad y la ciencia, maltratados por bulos y desinformación en las redes y desde la espectacularización de la vida mediada por pantallas. Son consecuencias no ajenas a la primacía de un valor escópico que desde hace tiempo denosta el pensamiento y posiciona lo más visto como lo más valioso en la mediación normalizada de la tecnología. Esta inercia convive con proclamas tecnolibertarias que reactivan un patriarcado que usa el resentimiento de muchos hombres como forma seductora y cohesionadora para mantener y azuzar privilegios en el nuevo mundo como tecnoescenario.
En esta conferencia se aborda este contexto epocal profundizando en la sincronía de estos auges desde un paralelismo añadido en las formas de dominio patriarcal y tecnolaboral. Un paralelismo en el que el feminismo y el trabajo intelectual tanto están siendo damnificados como lanzando señales de que en ambos descansan respuestas emancipadoras frente a los actuales giros reaccionarios y de neutralización crítica. Esta sintonía hablaría además de cómo la perversa base patriarcal que convierte a las mujeres en mantenedoras de su propia subordinación tiene su equivalente en la autoexplotación alentada de los trabajadores culturales; en la legitimación del capital afectivo y del capital simbólico como pagos suficientes; en el desdibujamiento de los límites entre vida y trabajo y en el aislamiento doméstico; o en la presión de agrado y complacencia como forma patriarcal extendida, hoy vinculada con el entusiasmo fingido de trabajadores precarios, pero también con la adulación tecnológica. Como respuesta a la resistencia y acción intelectual posible, el patriarcado ha vinculado a las feministas con un futuro que se aventuraba desdichado para ellas igualando «pensamiento y conciencia» a infelicidad, allí donde estos justamente han sido (y siguen siendo) resorte de autonomía y emancipación».
— Remedios Zafra
27 Jornadas de Conservación de Arte Contemporáneo
Miércoles 4 y jueves 5 de marzo, 2026
Los días 4 y 5 de marzo de 2026 se celebran las 27 Jornadas de Conservación de Arte Contemporáneo, organizadas por el Departamento de Conservación-Restauración del Museo Reina Sofía, con el patrocinio de Fundación Mapfre. Se trata de un encuentro internacional que tiene como objetivo compartir y debatir experiencias e investigaciones, abrir nuevas vías de estudio y reflexionar sobre la conservación y la práctica profesional de restauración.
Esta edición se lleva a cabo de forma presencial y virtual, de manera simultánea, mediante intervenciones de 20 minutos, seguidas de 5 minutos de preguntas.