
Celebrada el 15 nov 2020
Canciones de la guerra social contemporánea es el título de un panfleto elaborado por Guy Debord, firmado anónimamente con el seudónimo “Unos iconoclastas” y fechado en mayo de 1981. El proyecto, que comenzó a gestarse antes de 1968, consistía en editar un cancionero popular ibérico, a la manera del realizado por Federico García Lorca con La Argentinita en 1931, que diera cuenta de las transformaciones políticas contemporáneas en España. El cancionero se interpreta en este concierto a cargo de tres coros en directo y de un conjunto de artistas contemporáneos en vídeo.
Las doce canciones que se editaron en ese panfleto están dedicadas a las luchas del movimiento autónomo, una corriente política de las décadas de 1970 y 1980 escindida del comunismo y heredera de los postulados de Mayo del 68, durante la Transición española. El propósito de las canciones era una grabación que debía haber realizado Mara, también conocida como Mara Jerez y sus muchachos flamencos, quien había sido la primera solista en acompañar a Paco Ibáñez. La intérprete rechazó el proyecto, al igual que los distintos grupos de la Autonomía Obrera, quienes tampoco lo encontraron pertinente. La grabación y circulación del cancionero buscaba recaudar fondos para una caja común que ayudara a los presos del movimiento autónomo en España, que se encontraban en la cárcel de Segovia por participar en acciones emprendidas por distintos grupos antifranquistas, como el Movimiento Ibérico de Liberación-Grupos Autónomos de Combate (MIL-GAC), el Ejército Revolucionario de Ayuda a los Trabajadores (ERAT) y los Comandos Autónomos Anticapitalistas, entre otros.
En una carta a Guillermo González García, a quién aquí dedica una versión de Ya se van los pastores para Extremadura, Guy Debord aborda el problema que se plantea entre la difusión de la causa y sus ideas, y la posibilidad de que, simplemente, se trate de otro “espectáculo artístico izquierdista”. Es un debate que sigue abierto. De hecho, Miguel Amorós o Jaime Semprún, interlocutores del teórico francés en este panfleto, han manifestado en diversas ocasiones su escepticismo al ver cómo el fetichismo de la mercancía situacionista llevaba al espacio del arte o a las vitrinas de los museos sus distintas producciones de agitación (panfletos, publicaciones, películas). Precisamente, es ese carácter político el que provoca su circulación en los espacios culturales que, lejos de ser una esfera separada, también son políticos. Son lugares capaces de transformarse en conductores de la disidencia, capaces de mutar en “espacios temporalmente autónomos” en los que operen gestos de politización evidente.
No obstante, el proyecto de Debord tenía recorrido propio: primero, la gestión del café La Méthode junto con Michèle Bernstein en 1958, donde ya se ensayaron estas formas del détournement (técnica situacionista traducible como desvío o tergiversación) de carácter popular que realizó, por ejemplo, Federico García Lorca; continuaron las distintas facciones durante la guerra civil española, y después, cuando el propio Debord conoció el Carnaval de Cádiz durante sus estancias en España. Segundo, con la publicación del álbum musical Pour en finir avec le travail. Chansons du prolétariat révolutionnaire – Vol. 1 [Para acabar con el trabajo. Canciones del proletariado revolucionario, 1974], disco en el que, junto con Guy Debord, colaboraron Alice Becker-Ho, Raoul Vaneigem o Jacques Le Glou. Y finalmente, con el corpus de canciones inéditas que, en muchos casos, acompañaban su redacción con el proyecto de filme De l’Espagne, que Debord nunca llegó a acometer.
Esta edición suma a Canciones de la guerra social contemporánea las interpretaciones de tres coros de compromiso feminista, antirracista y anticapitalista, así como las versiones en vídeo de diversos artistas. El concierto, colofón del ciclo Guy Debord y René Viénet, del letrismo al situacionismo. El cine ha muerto: si les parece, pasemos al debate, busca recuperar la memoria de este proyecto desconocido y revitalizar el trabajo de los antiguos situacionistas y de los distintos grupos de la Autonomía Obrera, verdaderos olvidados en “la realidad española del periodo neo-democrático”, según suscribiera el propio Debord.
Línea-fuerza
Vanguardias
Colabora
Departamento de Educación del Museo Reina Sofía
Organiza
Museo Reina Sofía y Círculo de Bellas Artes
Con el patrocinio de
Ficha técnica
Duración: 60’
Textos: Guy Debord
Concepto y dirección artística: Pedro G. Romero
Documentación y producción: María García e Isaías Griñolo.
Realización de los vídeos: Andrés Duque, Isaías Griñolo, María Salgado y Fran MM Cabeza de Vaca
Artistas participantes en los vídeos: María Salgado y Fran MM Cabeza de Vaca, Niño de Elche con Los Planetas, Julio Jara, Tomás de Perrate, Proyecto Lorca, María Marín y Javiera de la Fuente con José Ismael Sierra.
Interpretaciones vocales en directo: El CoroFón, Coro de Mujeres Malvaloca y Coro Intercultural Voces de Ida y Vuelta
Dirección de coros: Alejandra Barella, Carina Brezzi y Guillermo González (El CoroFón); Guayarmina Calvo (Coro de Mujeres Malvaloca y Coro Intercultural Voces de Ida y Vuelta), y Cristina Mora Barranco (Coro Intercultural Voces de Ida y Vuelta).
Arreglos musicales: Sonia Megías



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La persona (legal) y la forma legal. Parte III
Lunes 11, miércoles 13 y jueves 14 de mayo, 2026 - Ampliado el plazo de inscripción
Como parte de Constelación de Estudios, la residencia de pensamiento anual 2025-2026, el historiador y teórico del arte Sven Lütticken imparte el seminario La persona (legal) y la forma legal: compromisos teóricos, artísticos y activistas para dialogar y profundizar en las hipótesis y preguntas que animan su proyecto de investigación.
Este proyecto, titulado Deshacer la subjetividad jurídica, deformar la abstracción legal, estudia el dominio de las abstracciones reales —como el valor de cambio y la forma legal— sobre nuestros procesos de subjetivación y se pregunta cómo las prácticas artísticas pueden abrir otras formas de representar o performar al sujeto y su condición jurídica en el mundo contemporáneo.
El seminario consta de un total de ocho sesiones, distribuidas a lo largo del curso en tres partes. La primera sesión de esta tercera parte aborda la noción de propiedad, problematizándola contra el contexto del arte conceptual. La obra de arte, su propiedad, autoría y autenticidad son replanteadas y revisadas con una actitud abierta a la confección de modelos de gestión —hipotéticos y alternativos a los actuales— que revolucionen la relación artista-obra-propietario. ¿Pueden las prácticas artísticas conceptuales servir como modelos críticos? ¿Hasta qué punto es posible pensar, actuar con ellos y extrapolarlos más allá de un bello nicho?
La segunda sesión atiende a la cuestión de la representación. Mientras que la mayoría (aunque no todas) de las personas naturales humanas pueden, en principio, representarte a sí mismas en asuntos legales, otras necesitan representantes. Esto ocurre con menores y adultos bajo custodia legal, pero también con personas «ficticias» —como corporaciones y estados—que necesitan representantes humanos para firmar acuerdos o defenderse en un juicio. La sesión aborda la representación legal en conjunción con otras formas de representación (política y cultural), atendiendo a la distinción inestable e históricamente mutable que hace Gayatry Spivak entre la representación como retrato (Darstellung) y la representación como agencia política (Vertretung).
Por último, la tercera sesión sirve de recapitulación, digestión y cierre del que ha sido el primer seminario del programa de residencia anual Constelación de Estudios.

Patricia Falguières
Martes 12 de mayo, 2026 – 19:00 h
La historiadora del arte Patricia Falguières inaugura la Cátedra María Luisa Caturla con la conferencia La historia del arte en tiempos de oscuridad. Esta cátedra, consagrada a la reflexión sobre el arte de las épocas «enfermas de incertidumbre», está dedicada a desmontar, divagar o imaginar las múltiples temporalidades y materialidades de la historia del arte desde una mirada excéntrica, desplazada, fuera del centro o con un centro diferente.
El título de la conferencia hace referencia a Hombres en tiempos de oscuridad (1968), un conjunto de ensayos escritos por Hannah Arendt cuyo título parafrasea a su vez un poema de Bertolt Brecht. En esta obra, Arendt asevera que «los tiempos de oscuridad no solo no son nuevos, sino que no son una rareza de la historia».
También para Patricia Falguières la historia conoce multitud de épocas en las que el espacio público se oscurece, momentos en los que el mundo deviene tan incierto que la gente deja de demandar a la política cualquier cosa que no sea aliviar el peso de sus intereses vitales y de su libertad individual. Especialista en arte y filosofía de la Edad Moderna, pero siempre con una mirada abierta y curiosa hacia el arte contemporáneo, Falguières propone en este encuentro un recorrido «caótico y aventurero» desde el Renacimiento hasta Fukushima para indagar en preguntas como: ¿qué puede significar hoy, en un mundo que resplandece con destellos siniestros y amenazas más siniestras aún, practicar una historia del arte más allá del entretenimiento o el adorno social? y ¿de qué intereses vitales y de qué libertad puede ser testigo e instrumento esta historia del arte?

De Viva Voz 1. Cabello/Carceller
Lunes 11 de mayo, 2026 — De 18:30 a 20:00 h
La serie fotográfica de Cabello/Carceller Sin título (Utopía) (1998) se despliega en la pared de la Sala 8 de la cuarta planta del Museo como un imponente conjunto de imágenes de distinto tamaño y formato que impregna el espacio de una suerte de melancolía política. Hace reverberar el silencio que, aún hoy, domina los discursos públicos en torno al sida. El desolador escenario que proponen las imágenes de estas piscinas, vacías y fuera de temporada, activa un relato de lucha: la respuesta de activistas y artistas frente a la gestión política de dicha pandemia.
En este encuentro con el colectivo de artistas Cabello/Carceller, en diálogo con la subdirectora artística del Museo Amanda de la Garza, se busca mantener una conversación pausada y reflexiva sobre la obra y sus lecturas, así como conocer de cerca detalles sobre su génesis y repercusión.

A golpe de sample. Experimentación sonora contra el odio
7 MAY 2026
El equipo de adolescentes del Museo, equipo1517, invita a jóvenes de 15 a 17 años a participar en esta visita-taller con Rubén H. Bermúdez y Bria, artistas con quienes sumergirse en la posibilidad de romper con las categorías y los enjuiciamientos internos y transformarlos en una reivindicación musical contra el odio.
Tras una visita a las salas de las Colecciones del Museo con el artista Rubén H. Bermúdez, el taller propone una investigación en torno al sample y la automatización de la mano de Bria, artista sonora y productora musical. A través de las técnicas de sampleo sonoro, se exploran los relatos propios de vida y ficción hacia la construcción de futuros liberadores y espacios sonoros que condenen los discursos de odio.
Para inscribirse no es imprescindible tener experiencia previa o conocimiento de herramientas informáticas musicales. Aquellas personas que manejen programas de audio digital pueden traer sus ordenadores y/o instrumentos digitales. El taller es un espacio seguro para disidencias sexo-genéricas y se articula como herramienta artística antirracista.
Esta actividad se celebra en el marco del programa CAMBIAFORMAS. Eres la posibilidad propuesto por la artista Benia Nsi para la actual edición de equipo1517.

School of SUP: sesión de cine trash
Jueves 30 de abril, 2026 – 19:00 h
El disparatado plan de estudios de School of SUP, que desarrolla el equipo1821, hace pública con esta proyección su particular muestra de trabajos de clase. Durante la sesión, se comparten tres cortometrajes grabados con cámaras analógicas, escritos, montados y protagonizados de forma colectiva por el propio alumnado al más puro estilo DIY. A continuación, se presenta American SUP (2026), largometraje trash e irreverente a cargo de Soy una pringada y Dani Tezla.
American SUP (2026) es un roadtrip por el Medio Oeste de Estados Unidos, grabado con una cámara de 1997, en el que la youtuber, dj, agitadora cultural y personalidad de culto de Internet Soy una pringada y Dani Tezla dirigen y protagonizan una aventura en la que no faltan apariciones estelares y escenarios imposibles: la casa de American Football, una tienda de cadáveres, la tormenta del Rainforest Cafe, un concierto de Cannibal Corpse, un sótano en Minnesota, hoteles infectos, sillas del cornudo (cuck chairs) y un hall of fame lleno de payasos. La película es una versión lo-fi del gótico americano con tintes folk, un género practicado por cineastas como George Kuchar, Harmony Korine y Sean Price Williams.
Esta sesión, asimismo, se articula con las líneas fundamentales del programa educativo equipo1821 School of SUP. Cine, arte y nihilismo en los noventa, en el que a través del cine —fundamentalmente de la década de 1990— se profundiza en diferentes prácticas artísticas underground, las culturas urbanas, los cruces del arte con la cultura popular y una suerte de ansiedad adolescente generacional como ruido de fondo.

![“Companys anarquistas, sereu venjats!” [Compañeros anarquistas, ¡seréis vengados!], panfleto, ca. 1976](https://recursos.museoreinasofia.es/styles/small_landscape/public/Actividades/1_snippet.png.webp)

