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10 mayo, 2016
Jesusa Vega. Historia del arte y "vuelta al orden" (1939): rupturas, continuidades y nuevos escenarios
Esta conferencia reflexiona sobre los objetos, discursos e instituciones de la historia del arte en la primera posguerra, que han determinado gran parte de las metodologías actuales de esta disciplina en España. El 19 de noviembre de 1976, Julián Marías publicó “La vegetación del Páramo”. El que fuera discípulo de José Ortega y Gasset enumeró en su artículo obras, nombres y lugares que desmentían el “páramo cultural” tras la contienda. Entre ellos, los historiadores del arte Diego Angulo, José Camón Aznar, María Luisa Caturla, Fernando Chueca Goitia, Juan Contreras, marqués de Lozoya, Juan Antonio Gaya Nuño, María Elena Gómez Moreno, José Gudiol, Enrique Lafuente Ferrari, José Pijoan Javier Sánchez Cantón o Elías Tormo, quienes facilitaron la continuidad de la disciplina, propiciando la ruptura que tuvo lugar en la universidad y el recién creado CSIC, así como en otros espacios de resistencia y nuevos escenarios de poder, como la Fundación Lázaro Galdiano (1951).
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17 mayo, 2016
Jordi Gracia. Las disidencias invisibles o las otras resistencias
Presentación: María Dolores Jiménez-Blanco, profesora de Historia del Arte en la Universidad Complutense y comisaria de Campo cerrado. Arte y poder en la posguerra española. 1939-1953.
El nuevo régimen, dispuesto a borrar su vínculo con el pasado liberal y democrático de la Segunda República, silenció la gestación de una disidencia matizada y, a veces, solo testimonial. Jordi Gracia se centra en la importancia de algunas gestualidades culturales e intelectuales que avivaron la idea de que la pretendida uniformidad fue fallida o insuficientemente hegemónica como para arrasar la tradición derrotada en 1939. La conferencia ofrece un método de lectura y relectura de la actividad literaria e intelectual del primer franquismo, en su obscena y sangrienta oscuridad. La informalidad retórica de Josep Pla, la timidez autocrítica de José Luis L. Aranguren o José María Valverde, la exploración intimista y culpable de Luis Rosales o Luis Felipe Vivanco, las frustraciones impacientes de Dionisio Ridruejo, no actuaron únicamente como testimonios de una madurez biológica y ética. Fueron alicientes culturales que fortalecieron la indignidad de un ejercicio intelectual y público inherente a la propaganda o a la repetición de eslóganes culturales y políticos.
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24 mayo, 2016
Laurence Bertrand-Dorleac. Bumerán. El retorno de lo reprimido en el arte de posguerra
Presentación: María Dolores Jiménez-Blanco, profesora de Historia del Arte en la Universidad Complutense y comisaria de Campo cerrado. Arte y poder en la posguerra española. 1939-1953.
Después de 1945, los países europeos que se aliaron de nuevo con un régimen democrático tras su vinculación con el nazismo y el fascismo utilizaron la palabra "reconstrucción" para justificar una política voluntarista con la que salir de la profunda crisis nacida de la guerra. Sin embargo, esta reconstrucción no habla de las consecuencias de los años sórdidos. Durante la segunda posguerra, la violencia resurge como un bumerán en la creación dañada por la militarización de los cuerpos y de las mentes. Los artistas son quienes expresan la liberación más contundentemente, pero también la persistencia de un trauma profundo, que se manifiesta en el automatismo psíquico, el caos, lo informal, la provocación y el rechazo de los lenguajes utilizados hasta ahora. El mundo y el arte tras 1945 vuelven a agitarse por conflictos nuevos o renovados: la Guerra Fría, el chantaje atómico, la colonización, la guerra de sexos, los trastornos ecológicos y la maquinización.
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31 mayo, 2016
Mari Paz Balibrea. Otras historias, la Historia: lecciones de Max Aub y el legado del exilio
Presentación: Patricia Molins, coordinadora de exposiciones en el Museo Reina Sofía e investigadora en Campo cerrado. Arte y poder en la posguerra española. 1939-1953.
La figura y la literatura de Max Aub son el hilo conductor para hacer visibles otras maneras de contar la historia de España. A partir de la trayectoria biográfica y literaria del autor en los años cuarenta, se discute sobre la política de la Historia y se reivindica el legado del exilio para desmantelar los residuos de franquismo que aún existen en la historiografía literaria. Desde la posguerra, la versión liberal de la historia literaria se ha narrado como una reconstrucción de la conciencia crítica y democrática desde dentro del país. Esta tesis se apoya en dos pilares: primero, que el falangismo fue en su origen crítico y el germen del renacimiento liberal cuando el “virus” del fascismo se neutralizó; y segundo, que el poder cultural y político del exilio concede el protagonismo de la lucha antifranquista a los que se quedaron. Esta intervención ofrece un contrapunto a tal versión de los hechos, basada en una crítica a la estructura historiográfica que la sostiene.
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7 junio, 2016
Germán Labrador Méndez. Un poder desdibujado. Tebeos y cultura popular en el archivo de la posguerra española
Desde la década de 1940, los tebeos fueron uno de los dispositivos culturales con más impacto sobre los niños de la guerra. Constituían uno de los escasos ámbitos culturales dirigido a la infancia relegados del programa ideológico del nacional-catolicismo. No es casualidad: al estudiar los orígenes, trayectorias e infortunios de la primera generación de dibujantes de posguerra, el mundo tosco y colorido de sus dibujos se percibe como un ámbito donde se negocia (en plena noche de piedra) la existencia de otros mundos posibles y de otros valores que los gobiernen. A pesar de que muchos cineastas, dibujantes y novelistas han evocado posteriormente el fascinante archivo del tebeo de posguerra, solo han considerado la historia artística y cultural del periodo como una forma de crítica costumbrista o un mero ejercicio de evasión y entretenimiento. Con esta conferencia se busca desmentir el equívoco que aún perdura sobre esta producción: la superposición de las formas estéticas de la posguerra y las de su régimen político.
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14 junio, 2016
Jo Labanyi. Mujer y cine en la España de posguerra
Presentación: María Rosón. Becaria de investigación en el Museo Reina Sofía y autora de Género, memoria y cultura visual en el primer franquismo (Cátedra, 2016).
El cine del primer franquismo (objeto de duras críticas) refleja una predilección por las protagonistas femeninas poderosas, en contraposición a la pérdida real de los derechos de la mujer conquistados durante la República. Apoyándose en los resultados de su proyecto sobre la historia oral de los espectadores del primer franquismo, Labanyi se centra en el papel de la mujer en el cine español de posguerra, para revelar las contradicciones de la época. A diferencia de la Italia y Alemania fascistas, nuestra industria cinematográfica permaneció en manos privadas y, aunque la censura ofrecía ventajas económicas a las películas defensoras de los “valores nacionales”, las productoras dependían del mercado para distribuir sus películas. El resultado es un cine mucho más complejo, que participa de los gustos y géneros dominantes en otros países (el cine de época, el melodrama, y la comedia ligera) y que cuestiona la idea de que la cultura del primer franquismo fue solo un mero reflejo de la ideología del régimen.
Santos Yubero, Martín. Exhibición deportiva en Ciudad Universitaria. Fotografía b/n, s/f.
Celebrada el 10, 17, 24, 31 may, 07, 14 jun 2016
La etapa de la autarquía en el primer franquismo se presenta como una década ominosa, caracterizada por el triunfo de la estética y la ideología franquista al servicio del nuevo régimen. Este ciclo de conferencias, que acompaña la exposición Campo cerrado. Arte y poder en la posguerra española. 1939-1953, cuestiona esta asunción a través de las miradas de seis historiadores y teóricos de distintas disciplinas y generaciones. La aproximación poliédrica a este periodo contradictorio y convulso sirve para recuperar y analizar las formaciones silenciosas de la disidencia cultural, la realidad del exilio (exterior e interior), las formas de lo popular (como un espacio de juego y transgresión), la idea de sacrificio en la pintura y la persistencia de la nostalgia y de la herida en los textos literarios. El título del ciclo hace suyo aquel poemario de Blas de Otero, Ángel fieramente humano (1950), que, junto a Hijos de la ira (1944) de Dámaso Alonso, determinan esta década como una época de supervivencia y crudeza.
El ciclo de conferencias se estructura en torno a la investigación compartida que ofrece el campo de los estudios culturales. La intención es abrir el enfoque para que el discurso no configure un nuevo canon, fruto del estudio aislado de obras y episodios artísticos ampliamente ignorados. Por el contrario, presentamos un complejo entramado en el que el debate sobre la producción artística sea indisociable del análisis de los modos de vida y la cultura material de lo cotidiano en una época de exaltación y nostalgia, marcada por la expansión del poder.
Organiza
Museo Reina Sofía
Participantes
Mari Paz Balibrea es profesora de estudios culturales en el Departamento de Cultures and Languages de Birkbeck, University of London. Ha publicado En la tierra baldía. Manuel Vázquez Montalbán y la izquierda española en la postmodernidad (El Viejo Topo, 1999) y Tiempo de exilio. Una mirada crítica a la modernidad española desde el pensamiento republicano en el exilio (Montesinos, 2007). Es coordinadora, co-editora y co-autora del proyecto Líneas de fuga. Hacia otra historiografía del exilio cultural republicano español (Akal, 2017) y trabaja en este momento en la co-edición del libro colectivo María Zambrano amongst the philosophers: A reconsideration.
Laurence Bertrand-Dorleac es profesora de historia del arte en el Instituto de Estudios Políticos de París (Sciences Po). Es autora de Histoire de l’art. Paris 1940-1944 (Publications de la Sorbonne, 1986), Art of the Defeat. France 1940-1944 (Getty Research Institute, 2008), L'ordre sauvage. Violence, dépense et sacré dans l'art des années 1950-1960 (Gallimard, 2004) y Après la guerre (Gallimard, 2010), entre otras publicaciones. Además, ha co-comisariado la exposición L’art en guerre, France 1938-1947 (Musée d’art moderne de la Ville de Paris, 2012 y Guggenheim de Bilbao, 2013) y comisariado Les désastres de la guerre. 1800-2014 (Louvre-Lens, 2014).
Jordi Gracia es catedrático de literatura española en la Universidad de Barcelona. Ha escrito Estado y cultura. El despertar de una conciencia crítica (Anagrama, 1996), La resistencia silenciosa (Anagrama, 2004) o A la intemperie. Exilio y cultura en España (Anagrama, 2010). Es también autor de La vida rescatada de Dionisio Ridruejo (Anagrama, 2008) y co-autor junto a Domingo Ródenas de la historia literaria Derrota y restitución de la modernidad: 1939-2010 (Crítica, 2011). Su último libro es la biografía cultural José Ortega y Gasset, (Taurus, 2014).
Jo Labanyi es catedrática de literatura y cultura españolas en la New York University. Especialista en estudios culturales y en la historia cultural de la España moderna, sus publicaciones más recientes son Spanish Literature (Oxford University Press, 2010) y A Companion to Spanish Cinema (Blackwell, 2015), editado junto a Tatjana Pavlovic. Es co-autora de A Cultural History of Modern Spanish Literature y Cinema and the Mediation of Everyday Life in 1940s and 1950s Spain: An Oral History (ambos libros en preparación). Además, está escribiendo un estudio monográfico sobre el cine español entre 1939 y 1953, titulado provisionalmente Reading Cinema under Dictatorship. Es fundadora y directora del Journal of Spanish Cultural Studies.
Germán Labrador Méndez es profesor de literatura e historia cultural en la Universidad de Princeton. Ha dedicado dos libros al estudio de los movimientos contraculturales y al uso activista de la literatura durante los años setenta, como Letras arrebatadas, Poesía y química en la transición española (Devenir, 2009) y Culpables por la literatura. Imaginación política y contracultura en la transición española (1968-1984) (de próxima aparición). En la actualidad investiga sobre las producciones efímeras y las formas de resistencia política que han tenido lugar en los últimos años en España, en un proyecto cuyo título tentativo es Luces efímeras. La lógica cultural de la crisis española.
Jesusa Vega es catedrática de historia del arte moderno y contemporáneo en la Universidad Autónoma de Madrid. Ha sido investigadora invitada en el Department of Iberian & Latin American Studies, School of Arts, Birkbeck, University of London y ha ocupado la Cátedra Rey Juan Carlos I de Cultura Española, New York University, durante 2011. En la actualidad es investigadora principal en el proyecto La Historia del Arte en España: devenir, discursos y propuestas. Además de la cultura visual de los siglos XVIII y XIX, ha escrito sobre historia y metodología de la historia del arte, destacando la publicación El descubrimiento del arte español. Cossío, Lafuente, Gaya Nuño (Novatores, 2008), junto a Javier Portús, y los artículos “Del pasado al futuro de la Historia del Arte en la Universidad Española” (Ars Longa. Cuadernos de Arte, 2007) y “Points de repère pour l'histoire de l'art en Espagne” (Perspective, 2009).
Más actividades
Por primera vez, el cine
7 y 14 de junio, 2026 – 12:00 h
La última sesión de esta temporada de Proyector de Luna contempla la sensación del cine por primera vez. El cine como revelación, magia, fantasía y misterio desde la primera mirada, ese primer contacto con el medio como imaginario grabado en la retina de la infancia. A través de dos de sus hitos, el programa muestra Fantasmagorie (1908) de Émile Cohl, el primer dibujo animado de la historia, y Cien niños esperando un tren (1988) de Ignacio Agüero, un largometraje sobre el juego y los orígenes del cine.
Fantasmagorie (1908) de Émile Cohl (Paris, 1857- Villejuif, 1938) es la primera expresión de la historia de un dibujo animado. Émile Cohl fue un ilustrador perteneciente al grupo artístico parisino Arts incohérents (1882-1895), de talento absurdo y surrealista. Si los hermanos Lumière consiguieron levantar de sus butacas a los espectadores que veían cómo un tren se aproximaba a ellos en 1895, Fantamagorie es una experiencia supraterrenal, como la aparición de un espíritu, pero al mismo tiempo inocua y divertida. Lo inanimado cobra vida de la nada y las figuras se mueven por primera vez sin aparente sentido. La animación se relaciona desde el primer momento con la caricatura, la fabulación y lo cómico, un lugar propicio para la ensoñación del público más joven.
Del descubrimiento de un imaginario nuevo surgido de la línea animada hasta el conocimiento del mundo a través de una pantalla. Cien niños esperando un tren (1988) del chileno Ignacio Agüero (Santiago, 1952) narra el descubrimiento del cine por un grupo de menores en un taller sobre los orígenes de este medio en una humilde localidad a las afueras de Santiago de Chile. El juego, la diversión y el aprendizaje se unen a la fascinación por las imágenes. La visión de Fantasmagorie (1908)de Émile Cohl en este taller se transforma en un acto de libertad.
Elisa González y Leah Pattem. Soy Tribulete 7
13 JUN 2026
En el marco de la celebración del Picnic del barrio, el cine del Museo proyecta una película relacionada con la vida y las reivindicaciones del barrio de Lavapiés. En esta ocasión, se aborda la gentrificación y el derecho a la vivienda a través de Soy Tribulete 7 (2026), de las directoras Elisa González y Leah Pattem.
La crisis de la vivienda en España llega a Lavapiés. La historia comienza en febrero de 2024, cuando las personas residentes de Tribulete, 7, calle de este barrio, reciben una carta para informarles de que su edificio ha sido vendido a un fondo buitre. Las noticias corren rápido por el barrio y, en cuanto González y Pattem se enteran, cogen sus cámaras y se dirigen directamente al edificio, donde más de cien vecinos siguen en estado de shock. El filme Soy Tribulete 7 se adentra en el edificio y en la cotidianidad de una comunidad unida, cuyo desalojo inminente desencadena la lucha de sus vidas. Un camino de resistencia que convertirá a esta comunidad en un símbolo de la lucha por el derecho a la vivienda.
Las dos cineastas han trabajado estrechamente con un grupo de inquilinas e inquilinos —Cris, Nani, Blanca, José, María Jesús y Antonia — para contar cómo un edificio llegó a convertirse en el escenario de la resistencia más creativa que haya visto el barrio. La cinta presenta la vida cotidiana de las personas residentes del ya icónico «bloque en lucha» de Madrid, captura su lucha colectiva y la interrupción violenta de sus vidas. A través de entrevistas íntimas, metraje observacional, material de archivo, música y una narración de la actriz octogenaria Ana Martín García, la película revela las historias humanas detrás de la lucha comunitaria.
El Picnic del barrio es una fiesta anual organizada por la asamblea de Museo Situado, red que integra a asociaciones, activistas y vecindario de Lavapiés, barrio popular y mestizo al que pertenece el Museo Reina Sofía.
Picnic del barrio
Sábado 13 de junio, 2026
Como cada año, la asamblea de Museo Situado toma el espacio del Museo Reina Sofía para organizar el Picnic del barrio: un encuentro donde el Jardín de Sabatini se convierte en espacio de celebración, reflexión y lucha de las distintas realidades que atraviesan el barrio de Lavapiés y sus vecinas y vecinos. Una jornada donde el arte, el goce y la reivindicación de la riqueza cultural del barrio están en el centro.
Este año el tema central del Picnic se hace eco de RegularizaciónYA!, una campaña que multitud de colectivos antirracistas de todo el territorio español vienen sosteniendo desde hace más de seis años, y que ha provocado el proceso extraordinario de regularización en curso. «¡Es ya! la regularización, pero esto es solo el comienzo. ¡Es ya! el acceso a una vivienda digna. ¡Es ya! el acceso a la sanidad sin restricciones. ¡Es ya! el derecho a una educación de calidad. Frente a un modelo de gestión capitalista de la ciudad que pone en riesgo la vida, las vecinas dicen ¡es ya!, porque la urgencia de una vida digna no puede esperar».
Esta octava edición del Picnic cuenta con la alianza transversal de Lavapiés al Límite, un movimiento de organización a nivel barrial surgido frente a las «redadas racistas» (controles de identidad por perfil étnico-racial ilegales) y la creciente oleada de odio contra las personas migrantes. Esta plataforma se articula a nivel local para defender un barrio para todas y libre de violencias, con espacios verdes, donde se reconozca el papel de los centros sociales autogestionados, se apoyen políticas para la infancia y se garantice el acceso a la vivienda.
El 13 de junio el barrio celebra lo ganado y reclama YA una vida digna para todas.
Equipo Verbena. Que 20 años no es nada…
11 JUN 2026
Equipo Verbena celebra el vigésimo cumpleaños del proyecto equipo y aprovecha la ocasión para convocar, además de al público general, a las personas participantes de ediciones anteriores a recordar su paso por este programa educativo. Porque, así vistos, veinte años ¿no es nada?
Volviendo atrás, a la Memoria de actividades del Museo Reina Sofía del año 2006, cabe recordar que:
«El 18 de mayo de 2006, el Departamento de Educación lanzó una convocatoria para realizar la selección de jóvenes con edades comprendidas entre 16 y 20 años que, tras haber participado en diferentes actividades de <18, deseasen formar parte del equipo de programadores y educadores de jóvenes del museo. Mediante una carta de intenciones presentada en los meses de mayo y junio, los jóvenes expresaban las inquietudes que les motivaban a formar parte de este equipo. Tras un proceso de selección, se ha creado el primer equipo <18 […]».
Este texto contiene el primer rastro documental del uso de la palabra equipo para denominar un proyecto para jóvenes que, a pesar de sus diversas mutaciones y cambios, se ha celebrado ininterrumpidamente en el Museo durante los últimos veinte años, erigiéndose como el proyecto en activo más longevo del Área de Educación (y uno de los más sostenidos en el tiempo de la propia institución).
Así, en esta edición especial de Equipo Verbena en la que participan los adolescentes de equipo1517 y Benia Nsi; los jóvenes de equipo1821 y Soy una pringada; los mayores de equipoM, Lucas Condró y Pablo Messiez; los grupos intergeneracionales, tanto equipoMotor y Galaxxia como equipoDIVERSO y Clara López; el equipo de voluntariado cultural equipoVol con Selina Blasco y Javier Pérez Iglesias, se comparten los resultados de los equipos del curso escolar 2025-2026, además de alguna que otra actuación sorpresa.
Todas las personas que quieran sumarse a la fiesta pueden acudir interpretando libremente el dress code «20 años no es nada» para performar una fiesta de cumpleaños que cuestione la linealidad del tiempo, que difumine dualidades como nuevo-antiguo, joven-viejo o presente-pasado, viajando de vuelta al año 2006. Y, desde ahí, empezar de nuevo: montar un equipo con todos los equipos que han sido parte de este proyecto, en una de esas operaciones de ficción disparatada de las que la disciplina artística bien sabe hacerse cargo. Y si, como dice la segunda acepción del diccionario, la palabra equipo significa «en ciertos deportes, cada uno de los grupos que se disputan el triunfo», este equipo de equipos, unido y diverso, tiene el triunfo asegurado.
Mirar de cerca. De visu
Martes 9 de junio, 2026 - 12:00 h
El 26 de mayo de 1986 se inauguraba el Centro de Arte Reina Sofía en el edificio que durante más de doscientos años había sido sede del Hospital General, restaurado en gran medida por el arquitecto Antonio Fernández Alba. Con motivo del cuarenta aniversario de esta apertura, el Archivo Central propone una serie de activaciones de sus fondos; entre ellas, este taller donde se presentan algunos documentos que sirven para desplegar visual y textualmente los inicios de la institución.
Esta selección de documentación, producida por el Museo Reina Sofía y conservada en su Archivo Central, incluye fotografías, planos y otros documentos que testimonian la transformación arquitectónica y funcional del edificio: desde su uso como hospital a su adaptación como espacio expositivo que pone en valor sus cualidades arquitectónicas y museográficas. Junto a estos materiales, se incorporan algunos fondos heredados de instituciones precedentes, como el Museo de Arte Moderno y el Museo Español de Arte Contemporáneo, así como otros que testimonian importantes hitos de su historia. Un conjunto que, en definitiva, permite contextualizar la trayectoria administrativa y patrimonial que antecede al actual Museo y ofrecer una visión continuada de su desarrollo institucional.
Este proyecto se desarrolla en el marco de Mirar de cerca, una de las líneas que configuran el programa de mediación Casi libros, enfocado en dar a conocer los fondos de la Biblioteca y Centro de Documentación del Museo y difundir las herramientas especializadas para la investigación en el arte y la creación contemporánea, a través de talleres, cursos y guías temáticas.