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21 febrero, 2014 / Edificio Nouvel, Auditorio 400
Aki Kaurismäki, en conversación con Loïc Díaz-Ronda y Pilar Carrera
Esta sesión inaugural ofrece la ocasión de analizar, en compañía del cineasta, la etapa fundacional de su filmografía (1983-1996). En ésta se define un cine desde la figura irreductible del trabajador en su marginación, la tensión entre realismo y teatralidad, caracterizada por una densa trama de referencias y citas a la modernidad fílmica, el valor de lo obsoleto, en el sentido de lo pasado frente a lo actual y de un mundo objetual compuesto de mercancías sin valor, y la presencia de la literatura junto al sentido del humor.
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22 febrero, 2014 / Edificio Sabatini, Auditorio
Sesión 1. El país encantado
Bico
2004, 35mm, VOSE, 5'
Copia cortesía de la Finnish Film Foundation, Helsinki
Calamari Union
1985, 35mm, VOSE, 82'
Copia cortesía de la Finnish Film Foundation, HelsinkiCon su segundo largometraje, Calamari Union, Aki Kaurismäki se lanzaba, fragmentado en 17 personalidades distintas, en la búsqueda fatal del quimérico El Dorado de la juventud finlandesa de mediados de los ochenta. Veinte años después, meditativo y sosegado, el cineasta parece haberlo encontrado en un peculiar recoveco sureño de la geografía europea que no se parece en nada a lo previsto o fantaseado. Un programa que gira en torno a la idea de tierra prometida, de inquietud y de descanso.
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28 febrero, 2014 / Edificio Sabatini, Auditorio
Sesión 2. Más allá del arcoíris
Estas botas (These boots)
1992, 35mm, VOSE, 5'
Copia cortesía de la Finnish Film Foundation, Helsinki
Ariel
1988, 35mm, VOSE, 73'
Distribución: Classic Films, BarcelonaA partir de los 80, Kaurismäki radiografió sin cesar la deshumanización de su país. Igual que la grotesca Estas botas, Ariel muestra la otra cara de la prosperidad europea, a través del éxodo y el descenso a los infiernos de su héroe huerfano y la esperanza de una hipotética redención más allá del arcoíris. Segunda parte de la trilogía de los trabajadores, dedicada a la "memoria de la realidad finlandesa", esta película exhibe de forma cruel y picaresca el retrato de una sociedad post-industrial fundada en el sacrificio del trabajador.
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1 marzo, 2014 / Edificio Sabatini, Auditorio
Sesión 3. Rich Little Bitch
Rich Little Bitch
1987, 35mm, VOSE, 5'
Copia cortesía de la Finnish Film Foundation, Helsinki
Crimen y castigo (Rikos ja rangaistus)
1983, 35mm, VOSE, 94'
Copia cortesía de la Finnish Film Foundation, HelsinkiEl crimen como tentación o voluntad de subversión del orden social. Con su primera película, transposición contemporánea de una novela de Dostoïevski, Kaurismäki entregaba una descripción concisa de un violento dilema moral. De esta forma, el cineasta iniciaba una relación libre y espontánea con los grandes textos literarios, que culminaría unos años después con su reposición iconoclasta y anti-literaria de la tragedia shakesperiana. Rich Little Bitch es, asimismo, un furioso fragmento de odio y rock'n'roll, extraído de Hamlet Goes Business.
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7 marzo, 2014 / Edificio Sabatini, Auditorio
Sesión 4. Sé siempre humano
Rocky VI
1986, 35mm, VOSE, 9'
Copia cortesía de la Finnish Film Foundation, Helsinki
Hamlet va de negocios (Hamlet liikemaailmassa)
1987, 35mm, VOSE, 90'
Copia cortesía de la Finnish Film Foundation, HelsinkiEn la peculiar estrategia de inversión de Kaurismäki, el boxeador yankee de Rocky VI recibe jocosamente la paliza en vez de darla. En nuestros despiadados tiempos el antiguo aristócrata se ha convertido en un cínico hombre de negocios, que está a punto de sumir su heredado imperio industrial en la especulación. Con lucidez y belleza formal, Kaurismäki anticipa la crisis sistémica del capitalismo financiero y sueña, acompañado de un par de arenques ahumados y una botella de vodka, la ansiada caída de la gesta imperialista occidental.
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8 marzo, 2014 / Edificio Sabatini, Auditorio
Sesión 5. El tiempo de las cerezas
La fundición (Valimo)
2007, 35mm, VOSE, 3'
Copia cortesía de la Finnish Film Foundation, Helsinki
La chica de la fábrica de cerillas (Tulitikkutehtaan tyttö)
1990, 35mm, VOSE, 69'
Distribución: Classic Films, BarcelonaAbriéndose con un virtuoso ballet mecánico, La chica de la fabrica de cerillas cierra la llamada trilogía de los trabajadores mientras reaviva, de manera melodramática y macabra, el impulso nihilista de los inicios del cineasta. O cómo la alienación de la familia y del trabajo, aliada a los sueños baratos de las ficciones populares, ha liquidado la posibilidad de una verdadera cultura obrera. En el corto The Foundry, Kaurismäki reinstala el deseo genuino de los trabajadores en la fábrica y en la sala de cine, que es, según él, uno de los últimos lugares libres, donde puede correr libremente la imaginación.
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14 marzo, 2014 / Edificio Sabatini, Auditorio
Sesión 6. No te des prisa conmigo
Those Were the Days
1991, 35mm, VOSE, 5'
Copia cortesía de la Finnish Film Foundation, Helsinki
Sombras en el paraíso (Varjoja paratiisissa)
1986, 35mm, VOSE, 75'
Copia cortesía de la Finnish Film Foundation, HelsinkiEn esta película, Kaurismäki expone una visión compleja de las relaciones sentimentales, como reacción a una cierta visión deformada de la felicidad. Para el personaje arquetípico de Nikander, el camino del amor esta lleno de obstáculos. Parte central de la trilogía de los trabajadores, Sombras en el paraíso contiene las notas básicas de la escala musical del cineasta. En ella, personajes nobles y marginados intentan sobrevivir y evitar el naufragio que les impone una sociedad indiferente. Quince años más tarde, en el corto Those were the days, Kaurismäki narra un flechazo amoroso en clave de realismo poético.
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15 marzo, 2014 / Edificio Sabatini, Auditorio
Sesión 7. No verás una sola lágrima
Dogs Have no Hell
2002, DVD, VOSE, 10'
Copia cortesía de la Finnish Film Foundation, Helsinki
Agárrate el pañuelo, Tatiana ( Pidä huivista kiinni, Tatjana)
1994, 35mm, VOSE, 63'
Distribución: Classic Films, BarcelonaLa road-movie Agárrate el pañuelo, Tatiana es una declaración de amor de Kaurismäki, desde el exilio, a los paisajes del Norte y a la idiosincracia de sus compatriotas. Torpes y desalmados, los queridos outsiders del cineasta resisten a un mundo extrañamente frío y violento, anteponiendo valores como el altruismo, la solidaridad y la dignidad. Un código de honor premoderno, basado en el humor y el pudor así como en el vaivén de las miradas y de los cuerpos, en el que las palabras y los idiomas estorban. De acuerdo a este código, en Dogs Have no Hell un hombre da un nuevo rumbo a su vida sin decir apenas una palabra.
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21 marzo, 2014 / Edificio Sabatini, Auditorio
Sesión 8. Antes de morir
Thru the Wire
1987, 35mm, VOSE, 6'
Copia cortesía de la Finnish Film Foundation, Helsinki
Contraté un asesino a sueldo (Lej aldrig yrkesmördare i rivningskåkar!)
1990, 35mm, VOSE, 80'
Distribución: Classic Films, BarcelonaEscapar o aislarse conduce al héroe kaurismakiano a su propia desaparición. A menudo, la muerte aguarda a sus personajes al final de la huida. En esta sesión, los códigos del cine negro proporcionan al director la herramienta para una reflexión sobre el destino trágico de los seres distintos, que la sociedad considera inútiles. En Contraté a un asesino a sueldo, el protagonista vive exiliado en una ciudad inglesa irreconocible, totalmente recreada y por lo tanto indefinida. Esta ciudad es a la vez el escenario de una tragedia y una zona de posibilidades. Como dice otra protagonista: la clase obrera no tiene tierra natal.
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22 marzo, 2014 / Edificio Sabatini, Auditorio
Carta blanca a Aki Kaurismäki
Clyde Bruckman. Fatal Glass of Beer
1933, betacam, VOSE, 20’
Distribución: Park Circus, Glasgow
Nicholas Ray. Amarga victoria ( Bitter Victory )
1957, 35mm, VOSE, 83’
Distribución: Park Circus, GlasgowAscendida a paradigma del cine de autor por Godard, Bitter Victory de Nicholas Ray es un complejo drama bélico ubicado en la campaña británica en el Norte de África durante la II Guerra Mundial. Junto a esta película, la sesión incluye el cortometraje del cómico norteamericano W.C Fields, Fatal Glass of Beer, una anárquica burla del melodrama que conecta la sesión con el recurso a la cita y parodia de los códigos dramáticos del género, así como con una particular revisión de las historias autoristas del cine, aspectos ambos característicos del propio Kaurismäki.
Celebrada el 21, 22, 28 feb, 01, 07, 08, 14, 15, 21, 22 mar 2014
Esta primera retrospectiva dedicada a Aki Kaurismäki (Orimattila, Finlandia, 1957) en un museo de arte moderno se plantea en relación a la investigación de los años 80 como orígenes de la contemporaneidad, pero sobrepasa inevitablemente este marco. Con una filmografía que es literatura y archivo de la modernidad cinematográfica a la vez, que es teatro paródico y documento realista por igual, que entronca la utopía en la impotencia o el humor en la tragedia, Kaurismäki ha ensayado un cine basado en las paradojas y espacios de fuga de la contemporaneidad.
Organizado en ocho sesiones, con una clase magistral y una carta blanca final seleccionada por el propio cineasta, cada sesión adopta el título de una canción popular empleada en la filmografía del director. Elegidas por el propio director para sus bandas sonoras, estas canciones toman la palabra en lugar de antihéroes silenciados o reprimidos. Al mismo tiempo, las sesiones articulan un diálogo entre un largometraje de esta etapa fundacional y un cortometraje, muchos de ellos recuperados, subtitulados y estrenados en cine por vez primera.[dropdown]
Frente a una realidad degradante, la principal arma del cine de Aki Kaurismäki ha sido la construcción de un espacio cinematográfico propio como ámbito de resistencia. El cineasta se ha consagrado a examinar de manera fría e indiferente los engranajes de una sociedad que actúa como una máquina demoledora del individuo. Sin embargo, Kaurismäki también ha propuesto en sus historias el contrapunto de esta idea, encendiendo contrafuegos allí donde la clase más humilde encontraba un refugio y conseguía una tregua de solidaridad silenciosa y de amor obstinado.
Con el título Después del naufragio, este ciclo está dedicado a examinar la búsqueda de una tierra prometida o de una comunidad utópica en la etapa más temprana del cineasta. Esta dialéctica de resistencia y de huida, de violencia cotidiana y búsqueda de la utopía, de sordidez y de sublime, está presente de manera especialmente destacada en su primeras producciones. Todos los personajes que pueblan esta primera etapa son desclasados que chocan con violencia en la sociedad finlandesa embarcada en un proceso neoliberal de cambio y “normalización”.
A pesar, o quizás motivado por su carácter melancólico, este cine posee una dimensión política combativa, que no pasa por dogmas ni por lecciones impartidas. Al contrario, se aloja en la materia y en la manera misma de operar en la división de lo sensible, en palabras de Rancière, trazando un horizonte de resistencia con los métodos propios del cine.[/dropdown]
Actividad relacionada con
ARCOmadrid 2014. Finlandia
En colaboración con
Instituto Iberoamericano de Finlandia
Comisariado
Loic Díaz-Ronda
Más actividades
![Isabel Coixet, 100 Years and You Everywhere [100 años y tú en todos los sitios], 2026, película](https://recursos.museoreinasofia.es/styles/small_landscape/public/Actividades/2.diseminar-mundo.jpg.webp)
John Berger e Isabel Coixet. Modos de seguir viendo
Jueves 17 de septiembre, 2026 - 19:00 H
Ways of Seeing [Modos de ver, 1972] es una de las series de televisión más revolucionarias sobre la historia del arte, el museo y la cultura crítica contemporánea. A lo largo de cuatro episodios, un articulado y entusiasta John Berger desgrana las relaciones del arte clásico con la mirada y las nuevas tecnologías, el desnudo y el feminismo, la pintura sobre óleo y el fetichismo de la mercancía, la publicidad y el consumo. Un nivel de compromiso crítico tan solo equiparable a su capacidad de divulgación; no es de extrañar que la serie, así como el libro que la sintetizara, continúe forjando vocaciones. En esta sesión, los historiadores del arte Alberto López Cuenca y Modesta Di Paola realizan un análisis del Berger audiovisual, con especial énfasis en los capítulos 1 y 4 de la serie. En el primer capítulo, Berger reflexiona acerca de la conexión entre el hecho de ver, mirar y ser a la luz de las nuevas tecnologías, como la cámara de cine. A su vez, analiza cómo la cultura de la reproducción está transformando las pinturas en mensajes o fragmentos de comunicación mientras defiende la importancia del silencio ante las pinturas históricas. En el capítulo cuarto, último de la serie, introduce la publicidad como un nuevo lenguaje icónico-verbal que comparte ciertos principios con el mensaje de la pintura al óleo en tanto que objeto de lujo.
La sesión abre con el estreno de una carta de Isabel Coixet, una de las cineastas españolas más reconocidas internacionalmente, a John Berger, con quien compartiera una larga amistad y admiración. El corto es un una muestra de la presencia ubicua y duradera del autor de Modos de ver, pese a su fallecimiento el pasado 2017.
![Chantal Akerman, Woman Sitting after Killing [Mujer sentada después de matar], 2001, instalación. Museo Reina Sofía](https://recursos.museoreinasofia.es/styles/small_landscape/public/Actividades/chantal-akerman-mujer-sentada-despues-matar.jpg.webp)
En tu pantalla: la historia del arte y del museo ante el reto audiovisual
18, 19 SEP 2026
El congreso En tu pantalla: la historia del arte y del museo ante el reto audiovisual invita a debatir las transformaciones que experimentan la historia del arte y el espacio museístico cuando adoptan el formato audiovisual. El punto de partida es la emblemática serie televisiva Ways of Seeing (1972) de John Berger, un hito en la democratización del discurso histórico-artístico. En esta serie, el escritor ilustraba cómo el traslado de una obra como Los fusilamientos del 3 de mayo de Goya desde las salas del museo hasta la pantalla doméstica alteraba por completo la experiencia del espectador, haciendo que la imagen viajara hacia él.
En el siglo XXI, este ecosistema de pantallas se ha expandido exponencialmente. Los museos ya no solo integran proyecciones y dispositivos en sus salas físicas, siguiendo la estela de numerosas exposiciones dedicadas a la imagen en movimiento, sino que despliegan complejas estrategias virtuales. Al mismo tiempo, multitud de personas historiadoras, estudiantes y creadoras utilizan plataformas digitales para difundir ideas y proyectos. Este giro audiovisual abre el acceso a materiales ignorados y democratiza el conocimiento, y además desafía las jerarquías tradicionales y la autoridad interpretativa de las instituciones. El congreso, promovido por el proyecto de investigación ATLAS AV: La audiovisualización de la historia del arte y del museo, propone analizar este abundante material audiovisual, sus archivos y su capacidad para transformar la memoria del arte.
Godard y Miéville: tiempo y ruina
Viernes 18 de septiembre, 2026 - 19:00 H
Habitar las ruinas del museo como institución que produce significado y ordena el conocimiento era la petición que el crítico de arte Douglas Crimp formula a los artistas de la posmodernidad crítica en la década de 1980. Es decir, exponer en el museo, pero evidenciando su crisis y sus zonas de sombra. Tal es también la pretensión de Jean-Luc Godard y Anne-Marie Miéville en estos dos mediometrajes. El primero, The Old Place. Small Notes Regarding the Arts at Fall of 20th Century (1999), es un encargo de The Museum of Modern Art (MoMA). En el ocaso del milenio, los autores proponen veintitrés tesis de lo que queda de ese «viejo lugar», que no es otra cosa que un museo extenuado tras un siglo de barbarie. Quizás, insisten con melancolía, el museo deba seguir siendo simplemente una idea, una «leyenda», mientras se suceden imágenes de obras de arte que caracterizaron el siglo XX. Reportage amateur (maquette expo) (2006) es otra ruina, en esta ocasión una reliquia. Se trata del único resto de la gran exposición nunca realizada que el autor de Film socialisme preparaba para el Centre Georges Pompidou. Una simple maqueta de papel frágil y doméstica en la que el cineasta había plasmado todo su pensamiento sobre el arte, el cine, la historia, la humanidad; la redención, a fin de cuentas. Un museo imaginario en el que conviven Matisse, Goya, Delacroix, Hannah Arendt, Sharon Stone, Emmanuel Lévinas o Charles Chaplin, y que la videocámara de Anne-Marie Miéville recorre estupefacta mientras la voz en off de Godard desgrana las diferentes salas. Pese a todo, el museo, ese viejo lugar en su dimensión más frágil, se muestra como el único dispositivo capaz de dar forma a las reflexiones de uno de los grandes intelectuales de nuestro tiempo.
![Ariella Azoulay, Un-documented. Unlearning Imperial Plunder [Indocumentados. Desaprendiendo el saqueo imperial], 2019, película](https://recursos.museoreinasofia.es/styles/small_landscape/public/Actividades/5.diseminar-mundo.jpg.webp)
Museos y restitución
Sábado 19 de septiembre, 2026 - 19:00 H
Siglos de expolio, décadas de amnesia, años de connivencia con el poder más extractivista, ¿tiene el museo, tal y como es conocido, razón de ser en una sociedad poscolonial? En esta sesión se exponen las operaciones del museo como una máquina colonial, a la vez que se apuntan ideas para pensar una institución por venir más justa, igualitaria e inclusiva con las voces marginalizadas y minorizadas de la sociedad en sus narraciones. La sesión comienza con el estreno internacional de Quinto verso, parte de Tonada, en el que se presenta una visión de la Colección Quimbaya (siglos V-VI d.C.) del Museo de América de Madrid. Montada con voces y cánticos de plañideras y guías wayúu, no solo como forma de devolver la función a estos ídolos de oro —figuras antropomorfas de hombres y mujeres usados como recipientes en prácticas rituales — más bien, de fabular que aquello que debe exhibirse no es el oro, sino el cántico mismo propio del ritual. En el clásico Me escondes (1970), el ghanés Kwate Nee-Owoo accede a la colección de arte africano del British Museum, ubicada en los sótanos del edificio, para preguntarse con qué sentido el museo expolia y anula. Un magnífico ejercicio de crítica institucional en primera persona, proyectado por vez primera en España. Casi setenta años después de que Resnais y Marker filmaran Las estatuas también mueren (1953), una reflexión sobre el valor aurático del museo frente a la pertenencia identitaria y cultural del arte africano, la teórica Ariella Azoulay vuelve a rodar las mismas estatuas en el Museo del Trocadero (actual Quay Brainly), las cuales sobreviven y esperan poder reunirse con su gente. Azoulay, en una original propuesta que apunta una lección para el museo del futuro, conecta la migración forzada de estas esculturas con el tránsito masivo de personas cruzando las fronteras artificialmente impuestas por el mismo sistema que ha expoliado su cultura.
Escuela de institucionalidad transformativa y organización local
Del 21 al 24 de septiembre, 2026
La Escuela de Institucionalidad Transformativa y Organización Local (S.T.I.L.O., por sus siglas en inglés) es un programa de coaprendizaje y coestrategia que pone en marcha un proceso de intercambio de preguntas, metodologías y experiencias entre organizaciones culturales. Todo ello con el objetivo de generar y poner en circulación y prototipar tácticas, herramientas y conocimientos colectivos sobre prácticas institucionales que abran nuevas vías para la defensa de la cultura y la transformación estructural en diversos contextos geográficos.
Este proyecto forma parte del Laboratorio de Institucionalidad Compartida (LIC) un espacio de investigación, trabajo e incidencia del Museo Reina Sofía dedicado a desarrollar, experimentar y sistematizar prácticas, protocolos y herramientas que contribuyan a un ecosistema cultural más justo y habitable.
Desde hace unos años, la llamada crítica infraestructural en los museos se cuestiona acerca de las infraestructuras materiales, jurídicas y económicas, entre otras, así como las formas de solidaridad y las prácticas necesarias para sostener el ecosistema cultural. Abordando estos debates actuales, S.T.I.L.O. plantea preguntas sobre los modos en que las organizaciones definen e interpretan sus prácticas, organizan sus relaciones y responden a los contextos sociales en los que operan.
Esta escuela reúne a cuatro organizaciones culturales que trabajan desde distintos modelos institucionales —con escalas, contextos, condiciones y modos de trabajo diferentes—, con el objetivo de poner en común estrategias y herramientas de organización, incidencia y relación con sus comunidades locales.
El programa se concibe como un proceso colaborativo en el que participan Arika, La Revuelta, BAK Basecamp y Museo Tentacular (Museo Reina Sofía), y se estructura en torno a sesiones preparatorias en línea y un seminario presencial en Madrid.
S.T.I.L.O. es una actividad enmarcada en la línea de trabajo Organizaciones Situadas del proyecto Museo de los Comunes de L'Internationale, que reflexiona sobre papel de los museos y las organizaciones artísticas como actores dentro de complejas redes sociales y ecosistemas, con el fin de explorar nuevas formas de democratizar las instituciones y hacerlas más abiertas, inclusivas y útiles.