Celebrada el 06 abr 2017
Coincidiendo con la muestra Piedad y terror en Picasso. El camino a Guernica y con el ochenta aniversario de la creación de Guernica, el Museo Reina Sofía presenta una velada en torno a Deep Song, de Martha Graham (1894-1991), interpretada en esta ocasión por Blakeley White-McGuire, bailarina principal de la Compañía Martha Graham.
Deep Song es una pieza coreográfica breve (4’48’’) inspirada en el conflicto bélico español y concebida el mismo año en el que Picasso pintó Guernica. La coreografía estará precedida por una presentación, e irá seguida de un diálogo con la bailarina, que ofrecerá una breve aproximación a la Técnica Graham.
Durante la introducción, a cargo de Isabel de Naverán, se proyectará material documental para contextualizar la creación de la pieza y ponerla en diálogo con otros coreógrafos, como Ted Shawn o José Limón en Estados Unidos, pero también Vicente Escudero o Antonia Mercé “La Argentina”, en España, cuyo baile se vio igualmente influido por el momento histórico que vivieron. Delfín Colomé, que estudió la influencia de la Guerra Civil Española en la creación de la Danza Moderna americana, sugiere que el título Deep Song pudo ser elegido por Graham en referencia a Federico García Lorca y su Poema del Cante Jondo, traducido al inglés como Poem of Deep Song.
La pieza se estrenó en el Guild Theatre de Nueva York el 19 de diciembre de 1937 con música de Henry Cowell, que experimentó percutiendo las cuerdas del piano para remitir al sonido de una guitarra. Cinco meses antes de su creación, Graham estrenó otra pieza también inspirada en el conflicto español del 1937. Graham bailó esta segunda coreografía --titulada Immediate Tragedy- junto a Deep Song en el Guild Theatre, pero no volvió a presentarla nunca más. Deep Song se convirtió en la pieza emblemática de Graham en torno a las consecuencias de la violencia bélica, que la coreógrafa abordó de dos maneras: por un lado, posicionándose frente al conflicto al crear una obra de referencia directa, y por otro, explorando un lenguaje corporal a base de contracciones y estiramientos que, amplificados por el efecto del vestido pesado y rayado, evocaban la angustia y el miedo ante un mundo arrasado por la inhumanidad del individuo.
Las formas de la danza (giros, gateos por el suelo, contracciones y caídas) se percibieron entonces como experiencias cinéticas propias de la vivencia humana en una situación de guerra, como si se tratara de una anatomía de la angustia en los momentos trágicos. La coreógrafa diseñó tanto el banco alargado, único elemento escenográfico, como el vestido, cuyos dibujos estuvieron directamente inspirados en el Guernica de Picasso.
De alguna manera, la tragedia que vivió España durante la Guerra Civil quedó así universalizada a través de la coreografía. En los programas de mano de la época se decía que, en su movimiento limpio y exaltado, Deep Song no retrataba solamente España, sino “la tragedia del mundo entero”. Graham bailó esta coreografía desde su estreno hasta mediados de los años cuarenta. En 1989, junto a Terese Capucilli, la reconstruyó a partir de los recuerdos de antiguas bailarinas de su compañía y a las fotografías tomadas por Barbara Morgan, ya que la coreografía original se había perdido. Desde entonces, Deep Song forma parte del repertorio de la Compañía Martha Graham.
Comisariado
Isabel de Naverán
En el marco de
La exposición "Piedad y terror en Picasso. El camino a Guernica"
Organiza
Museo Reina Sofía
Participantes
La bailarina y coreógrafa Martha Graham (Pittsburgh, 1894 – Nueva York, 1991) es considerada un muy alto exponente de la danza moderna americana. El desarrollo de una técnica austera y precisa, basada en la tensión y relajación, en la armonización del movimiento y en la respiración, caracterizó su manera entender y transmitir la danza a generaciones más jóvenes.
Graham se formó en la escuela Denishawn (fundada por Ruth St. Denis y Ted Shawn), y en 1926 creó su propia compañía y comenzó su carrera como artista. Esta carrera, que se desarrolló durante más de treinta años, dio lugar a más de ciento sesenta coreografías, algunas de las cuales forman actualmente parte del repertorio de la compañía. Entre ellas se pueden destacar Herectic (1929), Lamentation (1930), Frontier (1935), Letter to the World (1940), Dark Meadow (1946), Seraphic Dialogue (1955), Clytemnestra (1958) y Legend of Judith (1962).
Blakeley White-Mcguire forma parte de la Compañía Martha Graham desde el año 2002. Interpreta la mayor parte de los papeles del icónico repertorio de Graham, incluyendo Appalachian Spring, Cave of the Heart, Chronicle, Deep Song y Frontier, y ha recibido el reconocimiento internacional de la crítica por la profundidad y destreza en su trabajo. White-Mcguire ha bailado en los escenarios más importantes del mundo, como el Carnegie Hall y la Ópera Metropolitana de Nueva York, la Ópera de Pekín, el Teatro de Chatelet de París o el Heriodon de Atenas. Máster en Bellas Artes por la Goddard College, imparte habitualmente clases magistrales y participa en residencias en numerosas universidades, conservatorios y festivales de todo el mundo.
Isabel de Naverán es investigadora y asesora de danza para el Museo Reina Sofía.
Ficha técnica
Presentación: Isabel de Naverán
Coreografía y vestuario: Martha Graham
Música: Henry Cowell
Iluminación para la reposición: David Finley
Intérprete: Blakeley White-McGuire
Más actividades
Mediaciones del archivo: arte, comunidad y acción política
Martes 7 y jueves 23 abril, 2026 – 17:00 h
El seminario online Mediaciones del archivo: arte, comunidad y acción política, comisariado por Sofía Villena Araya, aborda el papel de las prácticas archivísticas en el cuidado, la dignificación y la activación de la memoria en Centroamérica. Como parte de la primera línea de investigación del Instituto Cáder de Arte Centroamericano (ICAC), animada por la pregunta «¿Qué historias del arte produce Centroamérica?», este seminario propone un acercamiento al archivo como mediador que articula relaciones entre arte, comunidad y acción política, incorporando la problematización historiográfica que sus cruces plantean.
Aunque la propuesta no se limita a la discusión sobre el istmo centroamericano, sí se plantea desde las condiciones particulares que ha asumido la construcción de memoria en la región. Se trata de un territorio vulnerable a los desastres naturales y geológicos, marcado por una violencia política ejercida por estados autoritarios e instituciones fragilizadas, un persistente legado colonial e imperial, y la fragmentación social producto de todo lo anterior. Es también un contexto donde el archivo no necesariamente remite a un lugar específico —un edificio, un fondo documental— ni responde predominantemente a los protocolos de una disciplina como la archivística. Más bien, el interés reside en explorar cómo el archivo opera, desde el arte, como dispositivo que estrecha vínculos, genera pertenencias y abre espacios de acción política.
El encuentro se desarrolla en dos sesiones, una primera dedicada a la práctica de archivo en torno a cuestiones de memoria, violencia y guerra, y una segunda en la que se estudian las prácticas comunitarias en torno a archivos sexodisidentes. Ante la destrucción sistemática de memorias, las prácticas archivísticas abordadas en estas sesiones ejemplifican cómo el archivo emerge en otros lugares y con otras lógicas. En este marco, el espacio de intercambio e investigación propuesto explora el papel del arte como medio productivo para la construcción de archivos desde la imagen, los afectos, lo íntimo, lo performativo, el cuerpo, la oralidad y la ficción, así como materialidades otras que desafían la centralidad del documento y la escritura.
Tras el muro, ¡la playa!
12, 19 ABR 2026
¿Dónde habita la esperanza en una guerra? Tras el muro, ¡la playa! es la visión de un mundo mejor a través de los ojos de la infancia en Palestina. Una experiencia que se aborda en este programa a través de un conjunto de películas procedentes de este país en conflicto, tanto de ficción como de animación. En la apreciación adulta, la guerra encuentra una justificación de carácter político y moral. En cambio, la mirada de la infancia derriba cualquier lógica ante la barbarie y muestra la tragedia bélica como un error sin justificación. Frente a la destrucción adulta, la infancia siempre reafirma la vida en su plenitud.
La selección de cineastas de origen palestino que se presentan, Ibrahim Handal, Tariq Rimawi, Firas Khoury, Rami Abbas, Nisreen Yaseen y Haneen Koraz, son un buen ejemplo en este sentido. Ibrahim Handal se ha erigido como una de las voces emergentes del joven cine palestino. Su obra se centra en la cotidianidad, la identidad y la resistencia con un trabajo que, aun partiendo de lo real, juega entre el documental de creación y la ficción. Por su parte, Firas Khoury es un reconocido director palestino que ha contribuido a expresar cómo sería la vida normalizada de la niñez en Palestina, al mostrar la realidad de cualquier infancia. Ambos cineastas consiguen quitar el velo del prejuicio al igualar la vida de un menor palestino a la de cualquier otro en un país en paz.
La presentación del ciclo cuenta con la presencia de Rami Abbas, cineasta de origen palestino con formación en Siria y actualmente residente en Madrid. Su trabajo es un ejemplo más de la diáspora, pero de igual forma, de la memoria y la resistencia. Hide & Seek (2024) refleja esa dimensión del éxodo y, sobre dicha experiencia, la protección a los seres más vulnerables.
A su vez, Nisreen Yaseen transmite una visión del tránsito de la infancia a la adolescencia en la que se diluye el ruido de la guerra, mientras que el galardonado corto animado Zoo (2022), de Tariq Rimawi, es una obra estética de enorme calado simbólico que expone la oposición entre la opresión y la libertad.
Por último, Haneen Koraz ha llevado a cabo todo su trabajo desde los campos de refugiados en la franja de Gaza. Esta realizadora ha dado voz, a través de talleres de cine de animación, a menores, madres y familias. A day in the Tent [Un día en la tienda de campaña, 2024] es una muestra cinematográfica de resiliencia y verdad que permite al pueblo gazatí transmitir al mundo lo que supone vivir bajo las bombas. Y es solo a través de la mirada de la infancia, de sus dibujos, como se muestra esta realidad sin prejuicios.
Juan Uslé y la experiencia neoyorquina
Miércoles 15 de abril, 2026
En el marco de la exposición Juan Uslé. Ese barco en la montaña, esta mesa redonda propone un viaje hacia un tiempo y un lugar decisivos: el Nueva York de los años ochenta y noventa, escenario de una efervescencia artística que marca profundamente a toda una generación de artistas procedentes de España que encuentran allí un territorio fértil, caótico, exigente y lleno de posibilidades. Tal es el caso de Juan Uslé, que en enero de 1987 atravesó el Atlántico en dirección contraria al buque Elorrio —cuyo hundimiento en 1960 en la costa de Langre (Cantabria) quedaría grabado en su memoria— y fijó su residencia en Nueva York.
La conversación, moderada por el comisario de la exposición Ángel Calvo Ulloa, reúne a Juan Uslé, Vicky Civera, Txomin Badiola y Octavio Zaya, cuatro voces que vivieron ese momento desde perspectivas diversas y complementarias. Su diálogo reconstruye la experiencia de llegar a un contexto ajeno y explora los modos en que estas figuras del arte forjan vínculos y comunidades en un ambiente atravesado por la intensidad creativa y las tensiones del cambio cultural.
Asimismo, se aborda la relación con un Museo Reina Sofía que, en esos años, comienza a redefinir su papel dentro del ecosistema artístico internacional. La mesa invita a reflexionar sobre cómo se percibe, desde la distancia neoyorquina, la escena española y la institución museística, recuperando a través de la oralidad un episodio clave de la historia del arte español.
Familias desviadas
Jueves 9 de abril, 2026 - 18:30
Este ciclo está organizado por equipoMotor, un grupo de adolescentes, jóvenes y personas mayores que ha participado en proyectos comunitarios educativos del Museo Reina Sofía. El programa se articula en cuatro bloques temáticos en torno a la idea de lo monstruoso.
Esta sesión mira al cine como un espacio donde poder verse reflejadas y reflejados. Las personas participantes del grupo han querido elegir una pieza que permita al público conocer un poco mejor quiénes son y cómo trabajan juntas. En Salir del aula. Un día sin profes (Luz Broto Lema, 2017) un grupo de estudiantes decide abandonar el instituto durante un día. A partir de ese gesto sencillo aparece una pregunta sobre las normas que organizan una institución, sobre quién decide cómo se habita y sobre qué ocurre cuando esas reglas se suspenden.
La pieza coloca el conflicto en el centro y propone un detonante claro: «¿y si…?». ¿Y si durante un día no hubiera profesorado? ¿Qué tipo de relaciones, acuerdos o tensiones aparecerían? Desde ahí se abre una reflexión sobre las estructuras de poder presentes en espacios como un instituto, pero también en otros lugares institucionales, como puede ser un museo.
El título de la sesión, Familias desviadas, recoge otra de las preguntas que atraviesan el trabajo de equipoMotor: ¿qué ocurre cuando la idea tradicional de familia se desplaza y aparecen otras formas de organizar los afectos? En lugar de una estructura fija o jerárquica, el grupo ensaya formas de relación más circulares, asamblearias y abiertas, donde las decisiones se toman colectivamente y donde caben distintas edades, trayectorias y modos de estar.
La propia curaduría de esta sesión responde a esa lógica. El proceso ha sido colectivo, fragmentario y experimental, cercano a una forma frankensteiniana de organizarse: juntar piezas, probar combinaciones, discutirlas en grupo y volver a ensamblarlas. Un método que combina lo serio con lo lúdico y lo crítico con lo afectuoso.
Siguiendo el impulso que plantea la película, equipoMotor se hace una última pregunta que atraviesa toda la sesión: ¿y si el museo pudiera ser también un poco más Frankenstein, más afectuoso y más desviado?
![Nan Goldin, Picnic on the Esplanade, Boston [Picnic en el muelle, Boston]](https://recursos.museoreinasofia.es/styles/small_landscape/public/Actividades/AD03442_2.jpg.webp)
RECREO #2. Mirar y narrar. Arte contemporáneo e identidad
Miércoles, 8 de abril, 2026 - 17:30 h
A lo largo de tres sesiones, esta nueva edición del ciclo formativo online RECREO pretende aportar al profesorado estrategias didácticas de aproximación a la nueva presentación de las Colecciones del Museo Colección. Arte Contemporáneo: 1975 – Presente. Concebido como un recurso para personas de todo el territorio, independientemente de si pueden acudir presencialmente al Museo o no, RECREO #2 busca llevar a las aulas parte de las propuestas y contenidos del Itinerario I. Una historia de los afectos en el arte contemporáneo. Así, Mirar y narrar. Arte contemporáneo e identidad invita a explorar las Colecciones desde la idea de identidad como un proceso en constante construcción. A través de diferentes obras, se explora cómo algunas figuras del arte contemporáneo reflexionan sobre la representación del yo, la memoria, la experiencia personal y las identidades individuales y colectivas.
Las piezas seleccionadas permiten pensar la identidad como algo cambiante, influido por factores como las relaciones personales, la experiencia vital, la cultura, la sociedad o el contexto político. A partir de estas obras, se proponen estrategias para trabajar en el aula desde diversas disciplinas o asignaturas aspectos como el autoconocimiento, la expresión personal y la construcción de narrativas propias a través del arte.
Este taller forma parte del ciclo de formación online para profesorado RECREO, organizado por el Área de Educación del Museo Reina Sofía en diálogo con el colectivo Cápsula Cultura. RECREO combina la reflexión con propuestas prácticas adaptables a distintos niveles y contextos de enseñanza, además de fomentar el intercambio de experiencias entre docentes.