Celebrada el 06 abr 2017
Coincidiendo con la muestra Piedad y terror en Picasso. El camino a Guernica y con el ochenta aniversario de la creación de Guernica, el Museo Reina Sofía presenta una velada en torno a Deep Song, de Martha Graham (1894-1991), interpretada en esta ocasión por Blakeley White-McGuire, bailarina principal de la Compañía Martha Graham.
Deep Song es una pieza coreográfica breve (4’48’’) inspirada en el conflicto bélico español y concebida el mismo año en el que Picasso pintó Guernica. La coreografía estará precedida por una presentación, e irá seguida de un diálogo con la bailarina, que ofrecerá una breve aproximación a la Técnica Graham.
Durante la introducción, a cargo de Isabel de Naverán, se proyectará material documental para contextualizar la creación de la pieza y ponerla en diálogo con otros coreógrafos, como Ted Shawn o José Limón en Estados Unidos, pero también Vicente Escudero o Antonia Mercé “La Argentina”, en España, cuyo baile se vio igualmente influido por el momento histórico que vivieron. Delfín Colomé, que estudió la influencia de la Guerra Civil Española en la creación de la Danza Moderna americana, sugiere que el título Deep Song pudo ser elegido por Graham en referencia a Federico García Lorca y su Poema del Cante Jondo, traducido al inglés como Poem of Deep Song.
La pieza se estrenó en el Guild Theatre de Nueva York el 19 de diciembre de 1937 con música de Henry Cowell, que experimentó percutiendo las cuerdas del piano para remitir al sonido de una guitarra. Cinco meses antes de su creación, Graham estrenó otra pieza también inspirada en el conflicto español del 1937. Graham bailó esta segunda coreografía --titulada Immediate Tragedy- junto a Deep Song en el Guild Theatre, pero no volvió a presentarla nunca más. Deep Song se convirtió en la pieza emblemática de Graham en torno a las consecuencias de la violencia bélica, que la coreógrafa abordó de dos maneras: por un lado, posicionándose frente al conflicto al crear una obra de referencia directa, y por otro, explorando un lenguaje corporal a base de contracciones y estiramientos que, amplificados por el efecto del vestido pesado y rayado, evocaban la angustia y el miedo ante un mundo arrasado por la inhumanidad del individuo.
Las formas de la danza (giros, gateos por el suelo, contracciones y caídas) se percibieron entonces como experiencias cinéticas propias de la vivencia humana en una situación de guerra, como si se tratara de una anatomía de la angustia en los momentos trágicos. La coreógrafa diseñó tanto el banco alargado, único elemento escenográfico, como el vestido, cuyos dibujos estuvieron directamente inspirados en el Guernica de Picasso.
De alguna manera, la tragedia que vivió España durante la Guerra Civil quedó así universalizada a través de la coreografía. En los programas de mano de la época se decía que, en su movimiento limpio y exaltado, Deep Song no retrataba solamente España, sino “la tragedia del mundo entero”. Graham bailó esta coreografía desde su estreno hasta mediados de los años cuarenta. En 1989, junto a Terese Capucilli, la reconstruyó a partir de los recuerdos de antiguas bailarinas de su compañía y a las fotografías tomadas por Barbara Morgan, ya que la coreografía original se había perdido. Desde entonces, Deep Song forma parte del repertorio de la Compañía Martha Graham.
Comisariado
Isabel de Naverán
En el marco de
La exposición "Piedad y terror en Picasso. El camino a Guernica"
Organiza
Museo Reina Sofía
Participantes
La bailarina y coreógrafa Martha Graham (Pittsburgh, 1894 – Nueva York, 1991) es considerada un muy alto exponente de la danza moderna americana. El desarrollo de una técnica austera y precisa, basada en la tensión y relajación, en la armonización del movimiento y en la respiración, caracterizó su manera entender y transmitir la danza a generaciones más jóvenes.
Graham se formó en la escuela Denishawn (fundada por Ruth St. Denis y Ted Shawn), y en 1926 creó su propia compañía y comenzó su carrera como artista. Esta carrera, que se desarrolló durante más de treinta años, dio lugar a más de ciento sesenta coreografías, algunas de las cuales forman actualmente parte del repertorio de la compañía. Entre ellas se pueden destacar Herectic (1929), Lamentation (1930), Frontier (1935), Letter to the World (1940), Dark Meadow (1946), Seraphic Dialogue (1955), Clytemnestra (1958) y Legend of Judith (1962).
Blakeley White-Mcguire forma parte de la Compañía Martha Graham desde el año 2002. Interpreta la mayor parte de los papeles del icónico repertorio de Graham, incluyendo Appalachian Spring, Cave of the Heart, Chronicle, Deep Song y Frontier, y ha recibido el reconocimiento internacional de la crítica por la profundidad y destreza en su trabajo. White-Mcguire ha bailado en los escenarios más importantes del mundo, como el Carnegie Hall y la Ópera Metropolitana de Nueva York, la Ópera de Pekín, el Teatro de Chatelet de París o el Heriodon de Atenas. Máster en Bellas Artes por la Goddard College, imparte habitualmente clases magistrales y participa en residencias en numerosas universidades, conservatorios y festivales de todo el mundo.
Isabel de Naverán es investigadora y asesora de danza para el Museo Reina Sofía.
Ficha técnica
Presentación: Isabel de Naverán
Coreografía y vestuario: Martha Graham
Música: Henry Cowell
Iluminación para la reposición: David Finley
Intérprete: Blakeley White-McGuire
Más actividades
Por primera vez, el cine
7 y 14 de junio, 2026 – 12:00 h
La última sesión de esta temporada de Proyector de Luna contempla la sensación del cine por primera vez. El cine como revelación, magia, fantasía y misterio desde la primera mirada, ese primer contacto con el medio como imaginario grabado en la retina de la infancia. A través de dos de sus hitos, el programa muestra Fantasmagorie (1908) de Émile Cohl, el primer dibujo animado de la historia, y Cien niños esperando un tren (1988) de Ignacio Agüero, un largometraje sobre el juego y los orígenes del cine.
Fantasmagorie (1908) de Émile Cohl (Paris, 1857- Villejuif, 1938) es la primera expresión de la historia de un dibujo animado. Émile Cohl fue un ilustrador perteneciente al grupo artístico parisino Arts incohérents (1882-1895), de talento absurdo y surrealista. Si los hermanos Lumière consiguieron levantar de sus butacas a los espectadores que veían cómo un tren se aproximaba a ellos en 1895, Fantamagorie es una experiencia supraterrenal, como la aparici ón de un espíritu, pero al mismo tiempo inocua y divertida. Lo inanimado cobra vida de la nada y las figuras se mueven por primera vez sin aparente sentido. La animación se relaciona desde el primer momento con la caricatura, la fabulación y lo cómico, un lugar propicio para la ensoñación del público más joven.
Del descubrimiento de un imaginario nuevo surgido de la línea animada hasta el conocimiento del mundo a través de una pantalla. Cien niños esperando un tren (1988) del chileno Ignacio Agüero (Santiago, 1952) narra el descubrimiento del cine por un grupo de menores en un taller sobre los orígenes de este medio en una humilde localidad a las afueras de Santiago de Chile. El juego, la diversión y el aprendizaje se unen a la fascinación por las imágenes. La visión de Fantasmagorie (1908)de Émile Cohl en este taller se transforma en un acto de libertad.
Elisa González y Leah Pattem. Soy Tribulete 7
13 JUN 2026
En el marco de la celebración del Picnic del barrio, el cine del Museo proyecta una película relacionada con la vida y las reivindicaciones del barrio de Lavapiés. En esta ocasión, se aborda la gentrificación y el derecho a la vivienda a través de Soy Tribulete 7 (2026), de las directoras Elisa González y Leah Pattem.
La crisis de la vivienda en España llega a Lavapiés. La historia comienza en febrero de 2024, cuando las personas residentes de Tribulete, 7, calle de este barrio, reciben una carta para informarles de que su edificio ha sido vendido a un fondo buitre. Las noticias corren rápido por el barrio y, en cuanto González y Pattem se enteran, cogen sus cámaras y se dirigen directamente al edificio, donde más de cien vecinos siguen en estado de shock. El filme Soy Tribulete 7 se adentra en el edificio y en la cotidianidad de una comunidad unida, cuyo desalojo inminente desencadena la lucha de sus vidas. Un camino de resistencia que convertirá a esta comunidad en un símbolo de la lucha por el derecho a la vivienda.
Las dos cineastas han trabajado estrechamente con un grupo de inquilinas e inquilinos —Cris, Nani, Blanca, José, María Jesús y Antonia— para contar cómo un edificio llegó a convertirse en el escenario de la resistencia más creativa que haya visto el barrio. La cinta presenta la vida cotidiana de las personas residentes del ya icónico «bloque en lucha» de Madrid, captura su lucha colectiva y la interrupción violenta de sus vidas. A través de entrevistas íntimas, metraje observacional, material de archivo, música y una narración de la actriz octogenaria Ana Martín García, la película revela las historias humanas detrás de la lucha comunitaria.
El Picnic del barrio es una fiesta anual organizada por la asamblea de Museo Situado, red que integra a asociaciones, activistas y vecindario de Lavapiés, barrio popular y mestizo al que pertenece el Museo Reina Sofía.
Picnic del barrio
Sábado 13 de junio, 2026
Como cada año, la asamblea de Museo Situado toma el espacio del Museo Reina Sofía para organizar el Picnic del barrio: un encuentro donde el Jardín de Sabatini se convierte en espacio de celebración, reflexión y lucha de las distintas realidades que atraviesan el barrio de Lavapiés y sus vecinas y vecinos. Una jornada donde el arte, el goce y la reivindicación de la riqueza cultural del barrio están en el centro.
Este año el tema central del Picnic se hace eco de RegularizaciónYA!, una campaña que multitud de colectivos antirracistas de todo el territorio español vienen sosteniendo desde hace más de seis años, y que ha provocado el proceso extraordinario de regularización en curso. «¡Es ya! la regularización, pero esto es solo el comienzo. ¡Es ya! el acceso a una vivienda digna. ¡Es ya! el acceso a la sanidad sin restricciones. ¡Es ya! el derecho a una educación de calidad. Frente a un modelo de gestión capitalista de la ciudad que pone en riesgo la vida, las vecinas dicen ¡es ya!, porque la urgencia de una vida digna no puede esperar».
Esta octava edición del Picnic cuenta con la alianza transversal de Lavapiés al Límite, un movimiento de organización a nivel barrial surgido frente a las «redadas racistas» (controles de identidad por perfil étnico-racial ilegales) y la creciente oleada de odio contra las personas migrantes. Esta plataforma se articula a nivel local para defender un barrio para todas y libre de violencias, con espacios verdes, donde se reconozca el papel de los centros sociales autogestionados, se apoyen políticas para la infancia y se garantice el acceso a la vivienda.
El 13 de junio el barrio celebra lo ganado y reclama YA una vida digna para todas.
Equipo Verbena. Que 20 años no es nada…
11 JUN 2026
Equipo Verbena celebra el vigésimo cumpleaños del proyecto equipo y aprovecha la ocasión para convocar, además de al público general, a las personas participantes de ediciones anteriores a recordar su paso por este programa educativo. Porque, así vistos, veinte años ¿no es nada?
Volviendo atrás, a la Memoria de actividades del Museo Reina Sofía del año 2006, cabe recordar que:
«El 18 de mayo de 2006, el Departamento de Educación lanzó una convocatoria para realizar la selección de jóvenes con edades comprendidas entre 16 y 20 años que, tras haber participado en diferentes actividades de <18, deseasen formar parte del equipo de programadores y educadores de jóvenes del museo. Mediante una carta de intenciones presentada en los meses de mayo y junio, los jóvenes expresaban las inquietudes que les motivaban a formar parte de este equipo. Tras un proceso de selección, se ha creado el primer equipo <18 […]».
Este texto contiene el primer rastro documental del uso de la palabra equipo para denominar un proyecto para jóvenes que, a pesar de sus diversas mutaciones y cambios, se ha celebrado ininterrumpidamente en el Museo durante los últimos veinte años, erigiéndose como el proyecto en activo más longevo del Área de Educación (y uno de los más sostenidos en el tiempo de la propia institución).
Así, en esta edición especial de Equipo Verbena en la que participan los adolescentes de equipo1517 y Benia Nsi; los jóvenes de equipo1821 y Soy una pringada; los mayores de equipoM, Lucas Condró y Pablo Messiez; los grupos intergeneracionales, tanto equipoMotor y Galaxxia como equipoDIVERSO y Clara López; el equipo de voluntariado cultural equipoVol con Selina Blasco y Javier Pérez Iglesias, se comparten los resultados de los equipos del curso escolar 2025-2026, además de alguna que otra actuación sorpresa.
Todas las personas que quieran sumarse a la fiesta pueden acudir interpretando libremente el dress code «20 años no es nada» para performar una fiesta de cumpleaños que cuestione la linealidad del tiempo, que difumine dualidades como nuevo-antiguo, joven-viejo o presente-pasado, viajando de vuelta al año 2006. Y, desde ahí, empezar de nuevo: montar un equipo con todos los equipos que han sido parte de este proyecto, en una de esas operaciones de ficción disparatada de las que la disciplina artística bien sabe hacerse cargo. Y si, como dice la segunda acepción del diccionario, la palabra equipo significa «en ciertos deportes, cada uno de los grupos que se disputan el triunfo», este equipo de equipos, unido y diverso, tiene el triunfo asegurado.
Mirar de cerca. De visu
Martes 9 de junio, 2026 - 12:00 h
El 26 de mayo de 1986 se inauguraba el Centro de Arte Reina Sofía en el edificio que durante más de doscientos años había sido sede del Hospital General, restaurado en gran medida por el arquitecto Antonio Fernández Alba. Con motivo del cuarenta aniversario de esta apertura, el Archivo Central propone una serie de activaciones de sus fondos; entre ellas, este taller donde se presentan algunos documentos que sirven para desplegar visual y textualmente los inicios de la institución.
Esta selección de documentación, producida por el Museo Reina Sofía y conservada en su Archivo Central, incluye fotografías, planos y otros documentos que testimonian la transformación arquitectónica y funcional del edificio: desde su uso como hospital a su adaptación como espacio expositivo que pone en valor sus cualidades arquitectónicas y museográficas. Junto a estos materiales, se incorporan algunos fondos heredados de instituciones precedentes, como el Museo de Arte Moderno y el Museo Español de Arte Contemporáneo, así como otros que testimonian importantes hitos de su historia. Un conjunto que, en definitiva, permite contextualizar la trayectoria administrativa y patrimonial que antecede al actual Museo y ofrecer una visión continuada de su desarrollo institucional.
Este proyecto se desarrolla en el marco de Mirar de cerca, una de las líneas que configuran el programa de mediación Casi libros, enfocado en dar a conocer los fondos de la Biblioteca y Centro de Documentación del Museo y difundir las herramientas especializadas para la investigación en el arte y la creación contemporánea, a través de talleres, cursos y guías temáticas.