El Ciclo de música experimental del Museo Reina Sofía propone una experiencia que atraviesa las fronteras —imaginarias y reales— entre lo sonoro y lo musical, entre lo festivo y lo conceptual, entre lo accesible y la experimentación. Tres fechas que dan inicio al ciclo, tres proyectos, tres universos creativos que convergen en un espacio común: el laboratorio de reflexión y vivencia estética que ofrece el Museo.
Este ciclo no pretende ser una sucesión de conciertos al uso ni un encuadre estricto de performances experimentales. Plantea, en cambio, tres encuentros que dialogan entre sí bajo el amplio paraguas del sonido, cada uno generando capas —conceptuales, sensoriales, políticas— distintas, pero con una voluntad compartida de deconstrucción, hibridación y apertura de sentido. Así, se funden lo festivo y lo crítico, los cruces entre visualidad y paisaje sonoro, las alianzas colaborativas y la potencia poética de la escucha profunda.
Tres días, tres formas de disolver límites: del museo a la pista, del objeto sonoro al campo audiovisual y del entorno a la experiencia interna; y siempre con el sonido y la música en el centro. El ciclo es una apertura al espectro expandido de lo sonoro: una invitación al público a escuchar lo infrecuente, atreverse a la hibridación y celebrar la potencia de lo que ocurre entre la música, el sonido, lo visual y lo performativo.
Comisariado
Pedro Portellano
Organiza
Museo Reina Sofía
Las actividades de este programa
Francisco López & Barbara Ellison
Actividad pasada
La tercera jornada del ciclo reúne a dos referentes internacionales del arte sonoro en una misma velada, con dos performances independientes que dialogan en su proximidad. Barbara Ellison abre la noche con una propuesta centrada en lo perceptivamente ambiguo y lo fantasmático, donde voces, sonidos y materiales se transforman en presencias espectrales.
Tras ella, Francisco López, el artista sonoro español de mayor proyección internacional, presenta una de sus inmersiones radicales en la escucha profunda. Su propuesta es una invitación a sumergirse en la materia del sonido como experiencia transformadora.
Esta doble cita plantea un encuentro entre dos artistas que, desde perspectivas diferentes, comparten una misma búsqueda: la de abrir el oído hacia territorios donde lo sonoro se convierte en fuerza poética y en espacio de resistencia.
Ylia & Marta Pang
Actividad pasada
El encuentro entre la productora y DJ española Ylia y la artista visual Marta Pang se presenta como un estreno en el Museo Reina Sofía. Ambas creadoras llegan desde trayectorias distintas para dar forma a un proyecto nuevo concebido específicamente para este ciclo. Ciclo que tiene como objetivo crear nuevos proyectos escénicos a partir de la fricción entre artistas y el diálogo entre disciplinas.
Jokkoo Collective
Actividad pasada
En el contexto del Museo Reina Sofía, Jokkoo propone un takeover que traslada la energía del club al Museo, resignificando el espacio institucional como un lugar para bailar, pensar y compartir. Sus intereses atraviesan cuestiones LGTBIQ+, la crítica poscolonial y la reivindicación de genealogías invisibilizadas en la historia de la música. Lo que en apariencia nace como un gesto festivo se convierte, en sus manos, en un laboratorio social y artístico donde lo corporal, lo político y lo estético se funden por momentos.
Participantes
Jokkoo Collective
es un colectivo artístico y musical con sede en Barcelona que trabaja desde la intención y la necesidad de investigar y difundir la creación más contemporánea y futurista de las escenas experimentales y alternativas del continente africano, su diáspora y sus comunidades aliadas en todo el mundo. Crean conexiones y espacios para dar plataforma a estéticas y narrativas disidentes. Su propuesta se mueve entre el club y el pensamiento crítico, desarrollando una intensa actividad como DJ, productores y programadores, situándose en el corazón de una comunidad que entiende la música como un lugar de resistencia y afirmación. El colectivo cuenta con seis personalidades distintas con objetivos comunes, Baba Sy, Maguette Dieng (Mbodj), Oscar Taylor (Opoku), Nicolas Beliot (Mooki6), Ismäel N’diaye (B4mba) y Miriam Camara (TNTC).
Barbara Ellison
es una artista que trabaja desde la ambigüedad perceptiva —lo fantasmático, lo phantom— desplegando materiales con doble naturaleza: voces transhumanas e instalaciones rituales. Su trabajo se adentra en territorios que exploran lo inasible y lo ritual, expandiendo los límites de lo sonoro hacia experiencias que habitan la frontera entre lo visible y lo inaudito. Sus creaciones han tenido una proyección internacional y abarcan la composición, la producción fílmica, las instalaciones, la escultura, el dibujo y la performance.
Ylia,
creadora española cuya trayectoria atraviesa múltiples territorios de la música electrónica, es una de las voces más singulares y prolíficas de la electrónica española contemporánea. Despliega un imaginario sonoro que va de la sutileza ambiental a la intensidad rítmica, siempre con una sensibilidad especial para la colaboración y la escucha. Con un recorrido artístico que transita entre la experimentación electrónica, la composición contemporánea y la cultura de club, ha llevado su música a festivales de referencia como Sónar, Primavera Sound, Mutek o MIRA, además de firmar proyectos multidisciplinares para el teatro y la danza o la creación de bandas sonoras para cine.
Marta Pang,
artista visual nacida en Hong Kong y residente en Berlín, aporta una mirada escenográfica y generativa que dialoga con lo sonoro a través de imágenes vivas, texturas digitales y composiciones que amplían el espacio perceptivo. Su universo visual bebe de las tecnologías creativas y la generación algorítmica. Especializada en visuales generativos y piezas audiovisuales reactivas al sonido, Pang ha mostrado su trabajo tanto en la escena más underground, con artistas como Om Unit, como en escenarios internacionales de gran alcance, acompañando las giras de Post Malone o Travis Scott. Sus obras también se pueden disfrutar en festivales y galerías de arte digital como Beyond Basel, Bideotikan o Art in Space Gallery (Dubái).
Francisco López
es una de las figuras más relevantes dentro del panorama actual de la música experimental y el audio art. Cuenta con una trayectoria en el campo de la creación sonora de más de cuatro décadas, abarcando grabaciones de campo, performances e instalaciones que transforman el espacio en un entorno sensorial absoluto. Su propuesta es una invitación a sumergirse en la materia del sonido como experiencia transformadora. Creador de cientos de instalaciones sonoras y conciertos-performance en unos setenta países en salas de conciertos, festivales, galerías de arte y museos, como el Museo de Bellas Artes de Buenos Aires, el PS1 de Nueva York, el Museo de Arte Moderno de París y el Museo Reina Sofía, entre otros.
Pedro Portellano
es programador cultural y músico. Ha comisariado ciclos para instituciones como el Museo Reina Sofía, Museo Thyssen-Bornemisza, Centro Conde Duque, Studio Tomás Saraceno, Veranos de la Villa o La Casa Encendida, entre otras. Formó parte del equipo de la Red Bull Music Academy en Madrid, fue director de la Nave de Música de Matadero Madrid y es cofundador del festival audiovisual RAYO en Cineteca.
Próximas actividades
RECREO #1. Maruja Mallo. Máscara y compás
Miércoles, 18 de febrero, 2026 - 17:30
RECREO #1. Maruja Mallo: Máscara y compás propone un acercamiento a la figura y la obra de Maruja Mallo como recurso para la práctica educativa en el aula. Dirigida a docentes de Educación Primaria y Secundaria de cualquier contexto territorial, esta formación se celebra en modalidad online con el objetivo de diseminar el trabajo de la artista gallega más allá de los muros de la exposición retrospectiva que acoge el Museo Reina Sofía.
La sesión se estructura en torno a dos líneas: por un lado, la naturaleza y su diálogo con la geometría en las composiciones de la artista; por otro, la mirada sobre lo popular, prestando especial atención a las verbenas y al mundo rural. A partir de estos ejes se exploran los vínculos entre la obra de Maruja Mallo y los contenidos de diferentes materias, así como su potencial para activar formas de aprendizaje transversales y creativas. Cada bloque incluye propuestas y dinámicas prácticas pensadas como punto de partida para el diseño de actividades educativas.
Este taller forma parte del ciclo de formación online para profesorado RECREO. Organizado por el Área de Educación del Museo Reina Sofía en diálogo con el colectivo Cápsula Cultura, RECREO combina la reflexión con propuestas prácticas adaptables a distintos niveles y contextos de enseñanza, además de fomentar el intercambio de experiencias entre docentes.
Algorave. Compartiendo código vivo
Jueves 12 de febrero, 2026 - 19:30 h
La actividad Algorave. Compartiendo código vivo celebra, en diálogo con la exposición Oliver Laxe. HU/هُوَ. Bailad como si nadie os viera, la cultura del código abierto y la música electrónica. Se trata de una muestra-concierto en la que el alumnado de Sonología y Composición del Real Conservatorio Superior de Música de Madrid (RCSMM) pone cuerpo y sonido a los aprendizajes activados durante las VI Jornadas de Creación Sonora del RCSMM celebradas del 10 al 12 de febrero de 2026.
Al inicio de esta Algorave se introduce a las personas asistentes en algunos datos básicos de la cultura del live coding y en nociones elementales que les permitan seguir, a través de proyecciones, el proceso compositivo en tiempo real. A continuación, la música corre a cargo del alumnado del RCSMM, acompañado y respaldado por participantes de Toplap Madrid, colectivo de referencia en la práctica comunitaria y horizontal del live coding.
Este encuentro nace del compromiso didáctico del equipo de Educación del Museo Reina Sofía con el alumnado y el profesorado del Real Conservatorio Superior de Música de Madrid (RCSMM), colaboración iniciada en 2023 con el proyecto Una grieta: Escúchame a través de los oídos de un extraño.
El monstruo del trabajo
12 FEB 2026
Este ciclo está organizado por equipoMotor, un grupo de adolescentes, jóvenes y personas mayores que han participado en proyectos comunitarios educativos del Museo Reina Sofía. El programa consiste en cuatro bloques temáticos alrededor de lo monstruoso.
Esta segunda entrega propone abordar el cine como un lugar desde el que se visibilizan el trabajo cultural y los procesos de producción que dialogan con la creación artística. A partir de esta premisa, la sesión se centra en explorar cómo se producen, ensamblan y distribuyen los contenidos audiovisuales, desde las manos que manipulan las imágenes hasta los cuerpos que participan en su circulación. Se pretende reflexionar así sobre el esfuerzo invisible, la precariedad y las formas de colaboración que sostienen la vida cultural, que transforman la experiencia cinematográfica en un acto de reconocimiento y cuidado del trabajo común.
A partir de la idea de «el monstruo del trabajo», EquipoMotor abre un diálogo sobre cómo el museo podría volverse «un poco más Frankenstein» desde el abordaje de las condiciones materiales que reproducen, entre otras, situaciones como las que refleja Get into The Zone, la pieza elegida por el grupo intergeneracional. Es una sesión para seguir habitando la fricción, plantear preguntas incómodas y afinar el lenguaje con el que imaginar futuros en los que el malestar laboral no se silencie, sino que se organice.
Get into The Zone es un vídeoensayo de Juan David Galindo que explora estados de concentración intensiva asociados al trabajo y al ocio en entornos digitales. La pieza, cuyo título parte de la expresión usada en programación para describir un estado de hiperfoco productivo, pone en relación este estado con diagnósticos y malestares contempor áneos como TDAH, síndrome de desgaste profesional, ansiedad, depresión e hiperestimulación.
El recorrido propuesto por Galindo combina elementos narrativos y conceptuales. Conecta el uso de estimulantes —desde fármacos derivados de anfetaminas hasta café, té, mate o bebidas con taurina— con la historia económica y cultural de estas sustancias. Y también vincula estas prácticas con dinámicas de trabajo frente a pantallas, videojuegos, música electrónica y formas de ocio atravesadas por estimulación continua. La experiencia personal del autor funciona aquí como hilo conductor para situar estos procesos en un marco social e histórico más amplio.
Alberto Greco. Viva el arte vivo
Martes 10 de febrero, 2026 - 19:00 h
Con motivo de la inauguración de la exposición Alberto Greco. Viva el arte vivo, Fernando Davis, comisario de la muestra, y Amanda de la Garza, subdirectora artística del Museo Reina Sofía, conversan en el Auditorio 400 del Edificio Nouvel sobre la vida y la obra del artista argentino, figura fundamental de la vanguardia experimental.
La exposición y la charla toman el título de la proclama «Viva el arte vivo», con la que Alberto Greco (Buenos Aires, 1931- Barcelona, 1965) inundó las calles y los muros de Roma. Para Greco, el arte vivo fue el arte del futuro. Un arte basado en un conjunto de gestos irreverentes e intempestivos, de aventuras abiertas a lo imprevisto que se fundían con la propia vida, que inicia en 1962 y para el que más tarde acuña el término «vivo-dito». En su Manifiesto dito dell´arte vivo, con el que empapeló las paredes de Génova, animaba a entrar en contacto «con los elementos vivos de nuestra realidad: movimiento, tiempo, gente, conversaciones, olores, rumores, lugares, situaciones». También en Madrid irrumpe en la cotidianidad de la calle cuando convoca un «momento vivo-dito» que culmina con la quema de un lienzo pintado de manera colectiva en el barrio de Lavapiés.
Además de fundador del arte vivo, Alberto Greco fue pintor informalista, flâneur queer o poeta y actor ocasional. Esta intensa singladura vital y artística está íntimamente conectada además con su deriva migrante, que comenzó en 1950 en Buenos Aires, pasando por Atacama y Humahuaca, París, Río de Janeiro, São Paulo, Génova, Roma, Madrid, Piedralaves, Nueva York o Ibiza, para terminar abruptamente en Barcelona, donde se quitará la vida poco después de escribir su última gran obra, la novela Besos brujos (1965).
Estas charlas inaugurales, que forman parte de una de las líneas de trabajo principales del Área de Programas Públicos, tienen como objetivo profundizar en los contenidos de las exposiciones organizadas por el Museo desde la perspectiva de artistas, comisariados y especialistas.
![Basel Abbas y Ruanne Abou-Rahme, At Those Terrifying Frontiers Where the Existence and Disappearance of People Fade Into Each Other [En esas fronteras aterradoras donde la existencia y la desaparición de personas se disuelven entre sí], 2019](https://recursos.museoreinasofia.es/styles/small_landscape/public/Colecci%C3%B3n/abbasabourahme.png.webp)
Gaza y el esteticidio
Martes 10 de febrero, 2026 – 16:00 h
«Este seminario examina la destrucción sistemática de la sensibilidad colectiva palestina —lo que podríamos denominar "esteticidio"— que ha acompañado al genocidio y ecocidio perpetrados por Israel en Gaza, y considera las condiciones de la práctica artística en su estela. A lo largo de más de dos años, la demolición de universidades, archivos, museos y bibliotecas no solo ha borrado infraestructuras culturales e intelectuales, sino que también ha atacado la propia posibilidad de la representación. La destrucción de un pueblo ha ido acompañada de la destrucción de su imagen, su historia y su capacidad de ser conocido: el periodismo, la investigación académica y la memoria cultural han sido deliberadamente socavados, con instituciones mediáticas, universidades y museos a menudo cómplices de esta represión. Gaza funciona, en consecuencia, como un espacio de ensayo de un posible futuro global —de fascismo, autoritarismo posliberal, fronteras militarizadas y guerra habilitada por la IA—, un laboratorio de un orden mundial emergente. ¿Qué ocurre entonces con el análisis crítico y la resistencia en estas condiciones? ¿Y qué sucede con la estética y la política?».
—T.J. DemosEste seminario tiene lugar gracias a la invitación del historiador del arte a España por parte de la Fundación Miró. En el contexto del museo, dialoga con una línea de trabajo más amplia en torno a la emergencia climática y las perspectivas decoloniales presentes en el proyecto Museum of the Commons (2023-2026), de la red L’Internationale, de la que el Museo Reina Sofía forma parte; así como con algunas de las preguntas que movilizan el grupo de estudio Estéticas de la paz y tácticas de deserción. Por último, también se inserta en una estrategia más amplia de apoyo y compromiso con la creación artística y discursiva de artistas de origen palestino, que tiene su mejor reflejo en la red TEJA.