En torno al 8-M y la marea feminista

Clínica 2628 es un proyecto de acompañamiento y puesta en común de escrituras que nace con la intención de ofrecer un espacio y unos tiempos sostenibles para el trabajo de investigación en arte y cultura. En el contexto de una academia cada vez menos receptiva a las formas en que el pensamiento ocurre y es expresado, quiere rescatar lo académico de su captura neoliberal para recuperar la alianza entre precisión e intuición, trabajo y deseo. También quiere devolver la escritura al común que la hace posible a través de un trabajo de seguimiento de procesos y colectivización de ideas, posiciones, referencias y estrategias.

La propuesta, que resulta de la colaboración entre la Dirección de Estudios del Museo Reina Sofía y el grupo de investigación Artea a través del proyecto i+D Experimenta, se concreta en tres ediciones anuales, concebidas como un espacio de experimentación, discusión y muestra de haceres de escritura críticos con los que propone la academia hoy.

¿Qué fuerzas, formas y procesos se ponen en juego al escribir sobre arte y estética? En la academia, en los museos y en otras instituciones culturales la práctica de la escritura se ve atravesada por lógicas productivistas que ponen en riesgo los ritmos de la investigación y la experimentación. La imposición cientificista implicada en la estructura del paper o la cuantificación de resultados que exigen los criterios de calidad y visibilidad higienizan, de entrada, la rugosidad propia de una escritura entendida desde lo concreto de su lengua: las resistencias fónicas, gráficas, sintácticas y gramaticales que conectan a quien usa esa lengua con la comunidad que esta une y activa. Higienizan también la rugosidad implicada en el mismo deseo de escribir, los caminos intuitivos, claros y confusos que de nuevo conectan a quien escribe con quienes leyeron y escribieron así, participando de un bien común que se descubre y se produce al mismo tiempo.

La progresiva mercantilización del saber puesta en marcha por el capitalismo cognitivo aleja cada vez más la investigación y la producción de conocimiento de las obras, los lenguajes y las prácticas artísticas. Los trabajos de comisariado y archivo, la crítica, las performances o los ensayos contaban con un horizonte de posibilidades formales, emocionales y de imaginación mucho más amplio cuando no se desarrollaban en condiciones de competitividad, indexación o impacto. ¿Sería posible hoy retomar aquellos haceres de manera no nostálgica sino crítica, esto es, recuperar por las formas, y por las formas escritas, la cercanía entre el pensamiento de arte y sus objetos? ¿Cómo escribir de otro modo, a otro ritmo, con no más exigencias que las que una obra de arte lanza a las diferentes formas de ver, de leer, de estar en el mundo?

Mallo Más Acá. SANDÍA LUNA CONCHA METAL propone un acercamiento a la exposición Máscara y compás de Maruja Mallo a través de una visita accesible diseñada especialmente para personas ciegas y con baja visión. La actividad, comentada por el personal de mediación del Museo, cuenta además con audiodescripción a cargo de Lorenzo Galgó y María Morata, dos artistas e investigadoras que viven y dialogan con la discapacidad. Su propuesta parte de un cuestionamiento de los modos de acceso a lo artístico, reconociendo todas las condiciones sensoriales existentes como completas, valiosas, legítimas y, además, deseables. 

A través de los auriculares, las voces de Lorenzo y María no proponen solamente una traducción de la imagen a la palabra, sino un intento de compartir con las personas participantes la vibración de las obras por medio de experiencias corporales. Al final de la visita, que tiene como objetivo propiciar un encuentro con la obra de Maruja Mallo desde el disfrute y los cuidados, se propone un diálogo in situ donde poder compartir los diferentes sentires sobre la experiencia. 

Este ciclo está organizado por equipoMotor, un grupo de adolescentes, jóvenes y personas mayores que han participado en proyectos comunitarios educativos del Museo Reina Sofía. El programa consiste en cuatro bloques temáticos alrededor de lo monstruoso.

Esta segunda entrega propone abordar el cine como un lugar desde el que se visibilizan el trabajo cultural y los procesos de producción que dialogan con la creación artística. A partir de esta premisa, la sesión se centra en explorar cómo se producen, ensamblan y distribuyen los contenidos audiovisuales, desde las manos que manipulan las imágenes hasta los cuerpos que participan en su circulación. Se pretende reflexionar así sobre el esfuerzo invisible, la precariedad y las formas de colaboración que sostienen la vida cultural, que transforman la experiencia cinematográfica en un acto de reconocimiento y cuidado del trabajo común. 

En el marco del Instituto Cáder de Arte Centroamericano (ICAC), Museo Tentacular colabora con el artista salvadoreño Jose Campos (La Paz, 1986), conocido como Studio Lenca, con la realización de tres talleres colaborativos a lo largo de 2026 en torno a la producción de materiales para las luchas sociales presentes.

La práctica artística de Studio Lenca se nutre de su propia biografía, marcada por una infancia en El Salvador interrumpida por la Guerra Civil y la consiguiente migración a Estados Unidos. Su obra incluye numerosas instalaciones colaborativas como, por ejemplo, Rutas, realizada en dos espacios, Mixteca de Nueva York y el albergue Casa Tochán de Ciudad de México, y expuesta posteriormente en MoMA PS1. Un trabajo que configura un espacio en el que personas que han cruzado la frontera de Estados Unidos sin documentos narran su camino a través de las imágenes. 

Desde esta mirada, Studio Lenca plantea diferentes talleres atravesados por los ejes centrales que marcan la vida de las luchas y los movimientos sociales actuales: derechos como la vivienda, el empadronamiento, la sanidad, la regularización de las personas migrantes o el derecho al juego en la infancia. Estos talleres, destinados a personas, colectivos y movimientos sociales interesados en la producción colectiva de imágenes, se conciben como espacios de disfrute, juego y convivencia, donde el activismo nace desde los cuidados, el descanso y la construcción colectiva. En su desarrollo se invita además a pensar conjuntamente, desde la línea de trabajo del artista, qué materiales y gestos colectivos pueden trasladarse al espacio público en manifestaciones y encuentros en las calles.