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Miércoles, 17 de enero, 2018 / Edificio Sabatini, Auditorio
Carmen Bernárdez
¿Es pegajosa la materialidad? Nuevas concepciones y usos de la materia en las prácticas artísticas
Presenta: Rocío Robles (Universidad Complutense de Madrid)
El factor material en las creaciones artísticas desde la segunda mitad del siglo XX no ha recibido la atención que merece, probablemente porque se considera rutinario y enojoso. Partiendo del análisis y estudio de determinadas obras, como Mar de chocolate de Dieter Roth o Las trabajadoras de Brukman. 8 trajes con dos historias paralelas, de Alice Creischer y Andreas Siekmann, esta conferencia profundizará en la cultura material, en la polisemia de los materiales y en su rendimiento político y sociológico.
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Miércoles, 9 de mayo de 2018 – 19:00 h / Edificio Nouvel, Auditorio 200 Edificio Nouvel, Auditorio 200
Diana Taylor
Capital muerto
Presenta: Juan Albarrán (Universidad Autónoma de Madrid)
Bom Retiro 958 metros es una performance de la compañía brasileña Teatro da Vertigem que nos sitúa en una caminata por São Paulo y su mundo fantasmagórico de las cosas: objetos de consumo, algunos aún en uso, otros en desuso y otros directamente en diversos estados de desintegración. Esta obra experiencial desafía muchas de nuestras suposiciones sobre el deseo de acumular, transformar, archivar y coleccionar “cosas” a medida que transitamos por los rincones más oscuros de un barrio de inmigrantes. Esta conferencia aborda esta performance como un ritual hacia la desaparición. ¿Qué circula? ¿Qué permanece? Y, en definitiva, ¿qué es lo que asumimos que se desvanece de la cultura?
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Miércoles, 16 de mayo de 2018 – 19:00 h / Edificio Nouvel, Auditorio 200 Edificio Nouvel, Auditorio 200
Carlos Fernández-Pello
Tocar sin tocar. Un rodeo a las islas intangibles del dedo índice
Presenta: Chema González (Museo Reina Sofía)
Esta conferencia propone un largo viaje a partir de referencias sugestivas y elusivas que sirvan para entender de qué manera la seducción por la materialidad, el objeto y el discurso enciclopédico e inconexo, derivado de Internet, aflora en las prácticas artísticas contemporáneas. La isla de Misima, en la que los habitantes fusionan y transforman el lenguaje a partir de su relación con el entorno material, y las representaciones del dedo índice en la cultura occidental, en su función de señalar, fijar, explicar o resaltar, se mezclan como un síntoma hermético y atrayente.
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Miércoles, 23 de mayo de 2018 - 19:00 h / Edificio Sabatini, Auditorio Edificio Sabatini, Auditorio
Jesús Vega
Enredarse con las cosas: experiencias contemporáneas con lo material
Presenta: Olga Fernández (Universidad Autónoma de Madrid)
Las cosas han pasado y pasan inadvertidas. En ello reside su fuerza, su carácter vinculante, su realidad en términos culturales. La teoría de la cultura no ha dejado, sin embargo, de manifestar su temor ante las cosas y su materialidad, o su desprecio y negligencia. Enredarse con ellas nos aboca a la desrealización, a la cosificación, según expresa este miedo. ¿Y si fueran, al contrario, vínculos firmes, ineludibles, que dan forma a nuestras experiencias cognitivas, prácticas y expresivas? Esta conferencia pretende explorar distintas formas de entender las experiencias provocadas por el modo en que nos enredamos con la materialidad de las cosas. Con ello se apunta a que, lejos de precipitarnos a declarar el fin de las cosas, quizá debamos reconocer su profunda influencia y cercanía, y reexaminar nuestra experiencia de lo material.
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Lunes, 11 de junio de 2018 - 19:00 h / Edificio Nouvel, Auditorio 200 Edificio Nouvel, Auditorio 200
Michael Taussig
El alfa y el omega de la maestría. Cuando las cosas hablan a las cosas
Presenta: Chema González (Museo Reina Sofía)
Esta propuesta –a caballo entre la conferencia académica y la performativa– reflexiona sobre la historia de Walter Benjamin acerca de Rastelli Raconte, un afamado malabarista que es invitado por el regente de Constantinopla para demostrar en público la habilidad que le ha granjeado su fama: el control sobre una pelota que parece moverse sola y únicamente responde ante Rastelli. A través de este relato, Taussig busca ahondar en la relación existente entre el lugar que ocupan los secretos en nuestra cultura y el conocimiento enigmático de los cuerpos que parecen comunicarse entre sí.
Nuevos materialismos
Celebrada el 11 jun 2018
Este ciclo de conferencias reflexiona sobre las nuevas formas de materialidad que subyacen a la contemporaneidad. El arte de las últimas décadas se ha caracterizado por llevar hasta sus últimas consecuencias los procesos de desmaterialización descritos por Lucy Lippard a finales de los años sesenta. A saber, la pérdida de centralidad del objeto, el desarrollo de prácticas proyectuales, los cambios en el estatuto del trabajo artístico y los desplazamientos en el concepto de autoría. Este escenario se ha visto cuestionado por nuevos paradigmas que plantean otras relaciones entre el objeto, la experiencia y el cuerpo. El retorno a la materialidad se opone a la hegemonía virtual de la sociedad digital actual, en la que los ámbitos culturales y económicos han sido subsumidos en idénticas dinámicas inmateriales de producción y consumo.
El ciclo incorpora ideas al debate desde disciplinas como la historia del arte, los estudios de performance, la antropología y la filosofía de la ciencia. Se trata de pensar cómo han incidido las transformaciones de la materialidad en los modos de coleccionar, archivar y exponer objetos; cómo se han desdibujado los límites entre objetos inertes y cuerpos vivos desde una perspectiva poshumanista en las formas de trabajo creativo que se generalizan en el mundo posindustrial, así como en el potencial disruptivo de la magia y el ritual frente a la lógica tecnocrática, y en el creciente interés por la fisicidad de los artefactos culturales. Este desplazamiento no debe interpretarse como un giro hacia el formalismo, sino como un síntoma de la necesidad de analizar las prácticas artísticas actuales a partir de las dinámicas que rigen un nuevo periodo histórico.
En el marco de
Décimo aniversario del Máster en Historia del Arte Contemporáneo y Cultura Visual
Organiza
Museo Reina Sofía y Máster en Historia del Arte Contemporáneo y Cultura Visual (Universidades Autónoma y Complutense de Madrid)
Participantes
Carmen Bernárdez. Historiadora del arte y profesora en el Departamento de Arte Contemporáneo de la Universidad Complutense de Madrid. Su formación académica internacional en dos disciplinas tradicionalmente confrontadas, como la historia del arte y la restauración, perfila una investigación centrada en la técnica de la obra entendida como un proceso cultural. A partir de estas directrices ha escrito ensayos, editado catálogos y comisariado exposiciones de artistas de las vanguardias históricas, como Ángel Ferrant, Pablo Gargallo, María Blanchard y Pablo Picasso. Ha publicado los libros Historia del arte. Primeras vanguardias (Planeta, 1994), Joseph Beuys (Nerea, 1999) y María Blanchard (Fundación Mapfre 2009) y ha contribuido en un número destacado de publicaciones colectivas.
Carlos Fernández-Pello. Artista y diseñador, es profesor en el IED Madrid. Compagina su práctica artística con el comisariado, la producción audiovisual, la escritura o el bricolaje. Su obra concentra en el objeto una vasta selección de intereses especulativos y epistemológicos. Es autor del libro Saber Parcial/Sabor diagonal: imágenes del texto y producción de conocimiento desde el arte (Universidad Complutense 2017) y responsable, entre otras derivas hacia la cultura masiva, de la portada de Ídolo del músico C. Tangana (2017, Sony Music). Ha comisariado Flowers; Abyss; Parataxis (La Casa Encendida, 2012) y en la actualidad prepara, junto a Beatriz Alonso, una exposición sobre sincronía y excentricidad de la producción artística en Madrid con el título Querer parecer noche (Centro de Arte 2 de Mayo, 2018).
Michael Taussig. Antropólogo social, es profesor la Universidad de Columbia. Entre un gran número de ensayos, ha publicado The Devil and Commodity Fetishism in South America (The University of North Carolina Press, 1990, edición española de Alianza, 2003), donde revisa cómo el indigenismo desmonta el intercambio capitalista; Shamanism, Colonialism, and the Wild Man: A Study in Terror and Healing (University of Chicago Press, 1991), un ensayo sobre las ficciones de la muerte durante el terror colonial en América Latina; y Magic of the State (Routledge,1997, edición española de 2015), acerca de cómo el Estado colonial moderno opera mediante principios de poder y abstracción similares a la magia. Su obra es central para entender un sentido material del objeto distinto al del fetiche y al del valor de cambio tradicional.
Diana Taylor. Crítica y teórica del arte, es profesora de Performance Studies en NYU (New York University) y directora del Hemispheric Institute of Performance and Politics. Es autora de Performance (Duke University Press, 2016), libro donde explora el uso expandido del término a nivel artístico, pero también en un nivel económico, sexual o político con el fin de concebir la misma performance como un acto inseparable de manifestaciones del poder, de la memoria y de la identidad. Asimismo, ha estudiado las relaciones entre la sociedad civil, el trauma y las prácticas escénicas en Disappearing Acts: Spectacles of Gender and Nationalism in Argentina's 'Dirty War' (Duke University Press, 1997) y en The Archive and the Repertoire: Performing Cultural Memory in the Americas (Duke University Press, 2003).
Jesús Vega. Filósofo de la ciencia, es catedrático de Filosofía en la Universidad Autónoma de Madrid. Su trabajo se basa en el análisis de la epistemología de la técnica y su experiencia perceptiva. Ha analizado desde el ámbito de las llamadas post-humanidades los modos de producir saber y conocimiento del objeto. Es autor de Los saberes de Odiseo. Una filosofía de la técnica (Eudeba, 2009), así como de un gran número de artículos y contribuciones en libros colectivos sobre filosofía de la ciencia y de la tecnología.
Más actividades
In situ. African Guernica, de Dumile Feni
De lunes a sábados, del 1 de abril al 22 de septiembre, 2026 – Consultar horarios
In situ es un nuevo formato de mediación en sala que, en lugar de proponer una visita al uso o un itinerario, invita a una conversación cercana y pausada con el personal de Educación para compartir detalles y activar reflexiones abiertas en torno a distintas obras, artistas o salas del Museo.
En esta ocasión, la atención se centra en African Guernica [Guernica africano], una obra creada en 1967 por el artista sudafricano Dumile Feni en el contexto de violencia estatal y opresión racial institucionalizada del apartheid. El monumental dibujo de Dumile Feni se expone por primera vez fuera de Sudáfrica y lo hace en diálogo con otro gran alegato contra la violencia y el antiautoritarismo, Guernica, la icónica obra de Pablo Picasso en la que se inspiró, pintada treinta años antes.
Mediaciones del archivo: arte, comunidad y acción política
Martes 7 y jueves 23 abril, 2026 – 17:00 h
El seminario online Mediaciones del archivo: arte, comunidad y acción política, comisariado por Sofía Villena Araya, aborda el papel de las prácticas archivísticas en el cuidado, la dignificación y la activación de la memoria en Centroamérica. Como parte de la primera línea de investigación del Instituto Cáder de Arte Centroamericano (ICAC), animada por la pregunta «¿Qué historias del arte produce Centroamérica?», este seminario propone un acercamiento al archivo como mediador que articula relaciones entre arte, comunidad y acción política, incorporando la problematización historiográfica que sus cruces plantean.
Aunque la propuesta no se limita a la discusión sobre el istmo centroamericano, sí se plantea desde las condiciones particulares que ha asumido la construcción de memoria en la región. Se trata de un territorio vulnerable a los desastres naturales y geológicos, marcado por una violencia política ejercida por estados autoritarios e instituciones fragilizadas, un persistente legado colonial e imperial, y la fragmentación social producto de todo lo anterior. Es también un contexto donde el archivo no necesariamente remite a un lugar específico —un edificio, un fondo documental— ni responde predominantemente a los protocolos de una disciplina como la archivística. Más bien, el interés reside en explorar cómo el archivo opera, desde el arte, como dispositivo que estrecha vínculos, genera pertenencias y abre espacios de acción política.
El encuentro se desarrolla en dos sesiones, una primera dedicada a la práctica de archivo en torno a cuestiones de memoria, violencia y guerra, y una segunda en la que se estudian las prácticas comunitarias en torno a archivos sexodisidentes. Ante la destrucción sistemática de memorias, las prácticas archivísticas abordadas en estas sesiones ejemplifican cómo el archivo emerge en otros lugares y con otras lógicas. En este marco, el espacio de intercambio e investigación propuesto explora el papel del arte como medio productivo para la construcción de archivos desde la imagen, los afectos, lo íntimo, lo performativo, el cuerpo, la oralidad y la ficción, así como materialidades otras que desafían la centralidad del documento y la escritura.
Familias desviadas
Jueves 9 de abril, 2026 - 18:30
Este ciclo está organizado por equipoMotor, un grupo de adolescentes, jóvenes y personas mayores que ha participado en proyectos comunitarios educativos del Museo Reina Sofía. El programa se articula en cuatro bloques temáticos en torno a la idea de lo monstruoso.
Esta sesión mira al cine como un espacio donde poder verse reflejadas y reflejados. Las personas participantes del grupo han querido elegir una pieza que permita al público conocer un poco mejor quiénes son y cómo trabajan juntas. En Salir del aula. Un día sin profes (Luz Broto Lema, 2017) un grupo de estudiantes decide abandonar el instituto durante un día. A partir de ese gesto sencillo aparece una pregunta sobre las normas que organizan una institución, sobre quién decide cómo se habita y sobre qué ocurre cuando esas reglas se suspenden.
La pieza coloca el conflicto en el centro y propone un detonante claro: «¿y si…?». ¿Y si durante un día no hubiera profesorado? ¿Qué tipo de relaciones, acuerdos o tensiones aparecerían? Desde ahí se abre una reflexión sobre las estructuras de poder presentes en espacios como un instituto, pero también en otros lugares institucionales, como puede ser un museo.
El título de la sesión, Familias desviadas, recoge otra de las preguntas que atraviesan el trabajo de equipoMotor: ¿qué ocurre cuando la idea tradicional de familia se desplaza y aparecen otras formas de organizar los afectos? En lugar de una estructura fija o jerárquica, el grupo ensaya formas de relación más circulares, asamblearias y abiertas, donde las decisiones se toman colectivamente y donde caben distintas edades, trayectorias y modos de estar.
La propia curaduría de esta sesión responde a esa lógica. El proceso ha sido colectivo, fragmentario y experimental, cercano a una forma frankensteiniana de organizarse: juntar piezas, probar combinaciones, discutirlas en grupo y volver a ensamblarlas. Un método que combina lo serio con lo lúdico y lo crítico con lo afectuoso.
Siguiendo el impulso que plantea la película, equipoMotor se hace una última pregunta que atraviesa toda la sesión: ¿y si el museo pudiera ser también un poco más Frankenstein, más afectuoso y más desviado?
![Nan Goldin, Picnic on the Esplanade, Boston [Picnic en el muelle, Boston]](https://recursos.museoreinasofia.es/styles/small_landscape/public/Actividades/AD03442_2.jpg.webp)
RECREO #2. Mirar y narrar. Arte contemporáneo e identidad
Miércoles, 8 de abril, 2026 - 17:30 h
A lo largo de tres sesiones, esta nueva edición del ciclo formativo online RECREO pretende aportar al profesorado estrategias didácticas de aproximación a la nueva presentación de las Colecciones del Museo Colección. Arte Contemporáneo: 1975 – Presente. Concebido como un recurso para personas de todo el territorio, independientemente de si pueden acudir presencialmente al Museo o no, RECREO #2 busca llevar a las aulas parte de las propuestas y contenidos del Itinerario I: Una historia de los afectos en el arte contemporáneo. Así, Mirar y narrar. Arte contemporáneo e identidad invita a explorar las Colecciones desde la idea de identidad como un proceso en constante construcción. A través de diferentes obras, se explora cómo algunas figuras del arte contemporáneo reflexionan sobre la representación del yo, la memoria, la experiencia personal y las identidades individuales y colectivas.
Las piezas seleccionadas permiten pensar la identidad como algo cambiante, influido por factores como las relaciones personales, la experiencia vital, la cultura, la sociedad o el contexto político. A partir de estas obras, se proponen estrategias para trabajar en el aula desde diversas disciplinas o asignaturas aspectos como el autoconocimiento, la expresión personal y la construcción de narrativas propias a través del arte.
Este taller forma parte del ciclo de formación online para profesorado RECREO, organizado por el Área de Educación del Museo Reina Sofía en diálogo con el colectivo Cápsula Cultura. RECREO combina la reflexión con propuestas prácticas adaptables a distintos niveles y contextos de enseñanza, además de fomentar el intercambio de experiencias entre docentes.
Manel Muntaner. Especial 84
28 MAR 2026
—Con la presentación y coloquio de Manel Muntaner
El ciclo de cine cierra con una distopía sobre la década de 1980, considerada una de las piezas de culto del vídeo español y, sin embargo, una de las más olvidadas hasta la fecha. En Especial 84, Manel Muntaner entremezcla pasajes clave de la novela 1984 de George Orwell con imágenes contemporáneas de vigilancia, dominación, violencia, resistencia y sometimiento. El vídeo recuerda el reverso tenebroso de los años ochenta, tiempo de giro neoconservador en políticas internacionales y de la pandemia del SIDA, a través de una cuidada selección de fragmentos de ficción y noticias reales que, narradas con una apocalíptica voz en off, parece convertir las advertencias de Orwell en una acuciante profecía.