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11 febrero, 2016 - 19:00 h
Luc Tuymans, en conversación con Ulrich Loock
La búsqueda de un lugar propio que emprendió Andrzej Wróblewski, cuestionando tanto el oficialismo socialista como el experimentalismo de posguerra, motivó que el artista no encontrara acomodo en su propio tiempo, pero también, que paradójicamente, sus exploraciones se hayan proyectado hasta nuestro presente. A comienzos de 1990, el pintor belga Luc Tuymans descubrió en la obra del polaco un doble sentido dramático y espectral con el que reinventar la pintura de historia. El trauma de la memoria, la repetición constante en las series y el sentido espacial de la narrativa de Wróblewski serán determinantes para aproximarse a la pintura situada entre el realismo y la abstracción de años recientes.
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12 febrero, 2016 - 19:00 h
Andrzej Wajda. Wróblewski según Wajda
—Presentación a cargo de Marta Dziewańska
Estreno internacional. Película, 2016. Archivo digital, color, VOSE , 40’. Cortesía del Adam Mickiewicz Institute
Andrzej Wajdá es el integrante más destacado del movimiento fílmico de la Escuela Polaca, a la que pertenecen cineastas como Andrzej Munk, Wojciech Has, Feliks Falk y Jerzy Kawalerowicz. Su obra aúna la modernidad de los nuevos cines europeos con la reflexión sobre las cuestiones nacionales e identitarias polacas. En esta película, su obra más reciente, el director de Canal (1957) narra de manera testimonial su relación vivencial con Wróblewski durante el montaje de una histórica exposición retrospectiva en el Museo Manggha de Cracovia, que constituyó la cuarta muestra en la historia con obra del pintor. El cineasta, compañero de generación del pintor, decidió abandonar la pintura tras descubrir la singularidad inimitable de las obras de su amigo, y sería el responsable de la organización de la primera exposición individual dedicada a Wróblewski, celebrada en 1956, y de la primera exposición colectiva en torno a su obra, celebrada después de su muerte en 1958. Ambos proyectos se vincularon a través de una serie de reciprocidades y coincidencias sobre las que cineasta y pintor mantuvieron en su día un intenso intercambio epistolar.
Celebrada el 11, 12 feb 2016
Un pintor y un cineasta se aproximan a las contradicciones y enigmas de Andrej Wróblewski (1927-1957), ensayando interpretaciones laterales e inéditas para una obra intensa y compleja. El pintor Luc Tuymans, en conversación con Ulrich Loock, y el cineasta Andrzej Wajda, a través del estreno de Wróblewski según Wajda, su última película, reflexionan sobre una pintura que continúa desafiando los marcos interpretativos de la historia del arte del siglo XX. Realista, a la vez que abstracto; individualista, al tiempo que defensor de una práctica artística colectiva; experimental, pero comprometido socialmente, Wróblewski plantea con su trabajo una serie de ambivalencias que cuestionan aspectos clave no solo de su época, sino también del presente: la relación entre arte e ideología política durante el totalitarismo, las posibilidades de la pintura después de las vanguardias históricas, y los dilemas entre comunicación y experimentación en el mundo desolado de la posguerra, entre otros muchos.
La obra de Andrzej Wróblewski se desarrolló a lo largo de apenas diez años, desde su participación en la Primera Exposición de arte moderno (Cracovia, 1948), junto a Tadeusz Kantor y otros artistas, hasta su muerte por accidente en 1957. Entre ambos momentos se abrió un espacio en el que fueron a converger una serie de estilos y propuestas contrarias entre sí, como la abstracción geométrica, el realismo socialista, la sátira caricaturesca y el surrealismo existencialista. En conjunto, esta acumulación contradictoria revela el lugar de la pintura después de la Segunda Guerra Mundial, atrapada entre el escepticismo frente a las vanguardias históricas, la obligación ética de narrar públicamente el trauma y el impulso de imaginar otro porvenir. Se trata, en palabras del propio artista, de un dilema concentrado entre entender “la modernidad como un laboratorio de técnicas artísticas” y producir “imágenes tan desagradables como el olor de un cadáver”.
Esta actividad clausura la exposición Andrzej Wróblewski. Verso / reverso, la retrospectiva más amplia dedicada a la obra de este artista hasta la fecha fuera de Polonia.
En colaboración con
Adam Mickiewicz Institute, Varsovia e Instituto Polaco de Cultura de Madrid
Participantes
Marta Dziewańska. Comisaria de investigación en el Museo de Arte Moderno de Varsovia, y doctoranda en filosofía en la Academia Polaca de las Ciencias, en Varsovia. Junto a Eric de Chassey, es comisaria de Andrzej Wróblewski. Verso/reverso (Museo de Arte Moderno de Varsovia y Museo Reina Sofía, 2015).
Ulrich Loock. Comisario independiente y crítico de arte. Ha sido director de la Kunsthalle de Berna y del Kunstmuseum en Lucerna, así como subdirector en la Fundación Serralves de Oporto. Ha organizado un gran número de exposiciones como comisario independiente o institucional sobre artistas seminales en la pintura desde 1970 hasta la actualidad, como René Daniëls, Christopher Wool, Gerhard Richter, Marlene Dumas y el mismo Luc Tuymans.
Luc Tuymans. Artista, su obra adquiere una prominencia internacional a partir de la década de 1990. Ha exhibido de manera individual en la Tate Modern (Londres, 2004), Moderna Museet (Malmö, 2009), Wexner Centre (Ohio, 2009), SFMoMA (San Francisco, 2009), Palaix des Beaux Arts (Bruselas, 2011) y Haus der Kunst (Munich, 2008), entre otros muchos centros de arte. Ha representado a Bélgica en la Bienal de Venecia en 2001. Su obra se encuentra en las colecciones más destacadas, como el Art Institute de Chicago, el Centro Georges Pompidou de París, la Pinakothek der Moderne de Múnich o el Guggenheim Museum de Nueva York.
Andrzej Wajdá. Cineasta integrante de la Escuela Polaca y autor de más de una treintena de películas de ficción, entre las que destacan la trilogía de Generación (1955), Canal (1957) y Cenizas y diamantes (1958), dedicada a la vida en Polonia durante la II Guerra Mundial e interpretada como un monumento a la resistencia humana. Ganador de una Palma de Oro en Cannes por El hombre de hierro (1981), así como de un Oscar de Hollywood (1999) y un Oso de Oro de la Berlinale (2006) honoríficos por toda su carrera, entre otros premios, es uno de los referentes del cine internacional y de Europa del Este.
![Andrzej Wróblewski, Szofer (Szofer niebieski) [Chófer (Chófer azul)], 1948, Colección particular, Varsovia. © Cortesía Andrzej Wróblewski Foundation](https://recursos.museoreinasofia.es/styles/small_landscape/public/Exposiciones/05._szofer_szofer_niebieski_1948_dzirki_uprzejmoyci_fundacji_andrzeja_wroblewskiego.jpg.webp)
Más actividades
Dificultad. Formas y efectos políticos del desvío en la escritura y el arte contemporáneo
23 de febrero – 14 de diciembre, 2026 – Consultar programa
Dificultad. Formas y efectos políticos del desvío en la escritura y el arte es un grupo de estudio orientado a pensar cómo ciertas prácticas artísticas y culturales contemporáneas se resisten a la referencialidad que domina las lógicas de producción y consumo del arte actual. Esta propuesta pone en su centro los conceptos de dificultad y desvío, bajo los que convoca a todo procedimiento capaz de evitar la absorción de las formas artísticas por un sentido que aparece como si fuera anterior e independiente de su expresión. Al garantizar la perceptibilidad de sus lenguajes, la dificultad invita a pensar el sentido como efecto de una tensión significante; es decir, como una actividad productiva y creativa que, desde la materialidad de los objetos artísticos, libera la experiencia estética del mandato representacional y a quienes participan en ella de la pasividad asociada a las tareas de mímesis y descodificación.
La economía de la norma referencial traduce la lógica social del capitalismo, donde operan formas insidiosas de captura de subjetividad y sentido. A principios de los ochenta, y adoptando un esquema marxista, el poeta Ron Silliman señaló que esta lógica consistía en separar el lenguaje de cualquier marca, gesto, grafía, forma o sintaxis que lo vinculara a las condiciones de su producción, quedando, así, fetichizado (como sin sujeto), y alienando a sus usuarios en un uso del que no son responsables. Esta doble desposesión cifra la estrategia política de la objetividad referencial: sin sujeto y sin marca de su propia consistencia, el lenguaje es solamente objeto, esa realidad en la que desaparece.
Los usos políticos de la referencialidad, hoy más sofisticados que nunca, sostienen también la fase neoliberal-extractivista del capitalismo que atraviesa política, económica y estéticamente las sociedades actuales. Contra ellos emergen prácticas artísticas fugitivas que, desde los estudios negros, queer y otras posiciones críticas subalternas, rechazan los límites objetivos de lo que existe, inventan formas para nombrar lo que está fuera de lo ya nombrado, y devuelven a los sujetos la capacidad de participar en los procesos de emisión e interpretación.
Leída desde el trabajo artístico, a la captura objetiva de la referencialidad se le puede llamar transparencia. Mirada desde un contrato social que reproduce la desigualdad sobre posiciones identitarias fijas, lo que en esta objetividad se transparenta son, precisamente, los discursos que sostienen el statu quo de la dominación. Frente al infierno de esos discursos, la intención de este grupo es explorar de forma colectiva, a partir de obras desviadas o fugitivas, el paraíso del lenguaje que Monique Wittig encontró en las prácticas extrañadas de la literatura. Porque la potencia política de la dificultad —esto es, su contribución a la utopía de una lengua libre entre iguales— pasa por hacer ver, primero, sus propios desvíos, desde ahí la norma que esos desvíos transgreden, y, por último, la estrechez de una norma que en ningún caso agota las posibilidades de decir, significar, referir y producir un mundo.
Desde esta denuncia de la alienación, fetichización y captura referenciales, Dificultad. Formas y efectos políticos del desvío en la escritura y el arte atiende a las estrategias de resistencia que llevan a cabo artistas y poetas de la contemporaneidad. Su interés se orienta a propuestas tan evidentemente difíciles o esquivas como las de Gertrude Stein, Lyn Hejinian, Theresa Hak Kyung Cha, Kameelah Janan Rasheed, Kathy Acker, María Salgado o Ricardo Carreira, y tan en apariencia sencillas como las de Fernanda Laguna, Felix Gonzalez Torres o Cecilia Vicuña, entre otros ejemplos que pueden ser añadidos según los deseos y las dinámicas del grupo.
Las diez sesiones del grupo de estudio, desarrolladas entre febrero y diciembre, combinan seminarios teóricos, trabajo con obras de las Colecciones y con exposiciones del Museo, talleres de lectura y aperturas al público. Todas estas modalidades sirven como espacios de encuentro para pensar en común ciertos problemas de poética —es decir, algunas cuestiones políticas— de la escritura y del arte actual.
Dificultad. Formas y efectos políticos del desvío en la escritura y el arte inaugura la línea de investigación Adiós, representación, con la que la Dirección de Estudios del Museo Reina Sofía se propone explorar la emergencia de prácticas artísticas y culturales contemporáneas que se alejan de la representación como estrategia estético-política dominante, y dirigen su atención hacia lenguajes artísticos que cuestionan la tendencia de señalar, nombrar y fijar, para abogar por estéticas fugitivas. A lo largo de sus tres años de duración, la línea de investigación se materializa en grupos de estudio, seminarios, proyecciones y otro tipo de programación pública.
Intergeneracionalidad
9 ABR 2026
Este ciclo está organizado por equipoMotor, un grupo de adolescentes, jóvenes y personas mayores que han participado en proyectos comunitarios educativos del Museo Reina Sofía. El programa consiste en cuatro bloques temáticos alrededor de lo monstruoso.
Esta sesión mira al cine como un lugar donde desmontar la idea de una única historia y un único tiempo. Desde una perspectiva decolonial y queer se exploran películas que rompen la línea recta del pasado-presente-futuro, que mezclan memorias, ralentizan el progreso y dejan espacio para ritmos que no suelen tener cabida en los relatos oficiales. Aquí las imágenes abren grietas por las que aparecen cuerpos, voces y afectos que trastocan el archivo y cuestionan quién narra, desde dónde y para quién. La propuesta es sencilla y ambiciosa a la vez: usar el cine para imaginar otros modos de recordar, de pertenecer y de proyectar futuros que todavía no hemos podido vivir.
Mirar de cerca. Píldoras formativas
Del 16 al 26 de marzo, 2026 - Consultar programa
Las colecciones de la Biblioteca y Centro de Documentación del Museo Reina Sofía son accesibles a cualquier persona interesada. Este programa está destinado a facilitar el acceso a estos recursos a través de varios talleres centrados en aspectos clave como el manejo básico del catálogo, las revistas y otras publicaciones seriadas, los archivos, las bases de datos y LaDigitaldelReina.
Este proyecto se desarrolla en el marco de Mirar de cerca, una de las líneas que configuran el programa de mediación Casi libros, enfocado en dar a conocer los fondos de la Biblioteca y Centro de Documentación del Museo y difundir las herramientas especializadas para la investigación en el arte y la creación contemporánea, a través de talleres, cursos y guías temáticas.
Remedios Zafra
Jueves 19 de marzo, 2026 - 19:00 h
La Cátedra José Luis Brea, dedicada a la reflexión en torno a la imagen y la epistemología de la visualidad en la contemporaneidad, inaugura su programación con la conferencia de la ensayista y pensadora Remedios Zafra.
«Que el auge antifeminista contemporáneo se construya como un impulso antiintelectual no es casual y ambas tendencias se alimentan mutuamente. Para posicionar un discurso reaccionario que defiende la desigualdad de las personas es preciso cuestionar los estudios y políticas de género, pero también devaluar los pilares del conocimiento donde estos se han construido con mayor intensidad en las últimas décadas, maltratando además su sostén institucional: universidades, centros de arte e investigación y cultura académica.
El feminismo ha estado profundamente unido a la celebración del pensamiento humanista más comprometido, y los periodos de ilustración y los momentos de transición hacia formas sociales más justas y sostenidas en la educación han sido aquellos en los que la reivindicación feminista ha surgido con más fuerza. La conciencia y logros de igualdad aumentan cuando la educación es una protagonista social, de forma que desvalorizar el trabajo intelectual también contribuye a dañar el feminismo y viceversa, en tanto que el vínculo entre el conocimiento y el feminismo no es solo conceptual e histórico, es también un vínculo íntimo y político. Hoy el antifeminismo es usado a nivel global como adhesivo simbólico de movimientos de ultraderecha, paralelamente a la devaluación de los saberes y conocimientos que emergen de la universidad y la ciencia, maltratados por bulos y desinformación en las redes y desde la espectacularización de la vida mediada por pantallas. Son consecuencias no ajenas a la primacía de un valor escópico que desde hace tiempo denosta el pensamiento y posiciona lo más visto como lo más valioso en la mediación normalizada de la tecnología. Esta inercia convive con proclamas tecnolibertarias que reactivan un patriarcado que usa el resentimiento de muchos hombres como forma seductora y cohesionadora para mantener y azuzar privilegios en el nuevo mundo como tecnoescenario.
En esta conferencia se aborda este contexto epocal profundizando en la sincronía de estos auges desde un paralelismo añadido en las formas de dominio patriarcal y tecnolaboral. Un paralelismo en el que el feminismo y el trabajo intelectual tanto están siendo damnificados como lanzando señales de que en ambos descansan respuestas emancipadoras frente a los actuales giros reaccionarios y de neutralización crítica. Esta sintonía hablaría además de cómo la perversa base patriarcal que convierte a las mujeres en mantenedoras de su propia subordinación tiene su equivalente en la autoexplotación alentada de los trabajadores culturales; en la legitimación del capital afectivo y del capital simbólico como pagos suficientes; en el desdibujamiento de los límites entre vida y trabajo y en el aislamiento doméstico; o en la presión de agrado y complacencia como forma patriarcal extendida, hoy vinculada con el entusiasmo fingido de trabajadores precarios, pero también con la adulación tecnológica. Como respuesta a la resistencia y acción intelectual posible, el patriarcado ha vinculado a las feministas con un futuro que se aventuraba desdichado para ellas igualando «pensamiento y conciencia» a infelicidad, allí donde estos justamente han sido (y siguen siendo) resorte de autonomía y emancipación».
— Remedios Zafra
27 Jornadas de Conservación de Arte Contemporáneo
Miércoles 4 y jueves 5 de marzo, 2026
Los días 4 y 5 de marzo de 2026 se celebran las 27 Jornadas de Conservación de Arte Contemporáneo, organizadas por el Departamento de Conservación-Restauración del Museo Reina Sofía, con el patrocinio de Fundación Mapfre. Se trata de un encuentro internacional que tiene como objetivo compartir y debatir experiencias e investigaciones, abrir nuevas vías de estudio y reflexionar sobre la conservación y la práctica profesional de restauración.
Esta edición se lleva a cabo de forma presencial y virtual, de manera simultánea, mediante intervenciones de 20 minutos, seguidas de 5 minutos de preguntas.