-
Miércoles 29 de mayo, 2024 / Edificio Nouvel, Auditorio 200
Sesión 1
Billy Woodberry. Mário
Estados Unidos, Francia y Portugal, 2024, b/n y color, VO en portugués y francés con subtítulos en español, AD, 120’– Con la presentación de Billy Woodberry
Estreno en España de Mário, la última película de Woodberry hasta la fecha, que sigue la estela del poeta revolucionario Mário Pinto de Andrade, un referente fundamental de la causa anticolonialista en África entre las décadas de 1950 y 1970. A manera de documental, Woodberry despliega en esta película un impresionante archivo audiovisual y fotográfico, realizando un ejercicio de arqueología fílmica e histórica.
Mário indaga en la trayectoria existencial y política de un líder carismático con una resistencia inquebrantable, que elaboró una poderosa teoría panafricanista decisiva para la liberación de los diferentes territorios, pasando además por otras figuras cardinales como António Agostinho Neto o Amílcar Cabral; un filme que subraya la necesidad de forjar sólidas bases de pensamiento para emprender la lucha y alcanzar objetivos duraderos.
-
Viernes 31 de mayo, 2024 / Edificio Nouvel, Auditorio 200
Sesión 2
Billy Woodberry. A Story from Africa [Una historia de África]
Portugal, 2019, color y b/n, sin diálogos, AD, 40’– Con conferencia magistral de Billy Woodberry
Un puñado de fotografías, milagrosas supervivientes del olvido, constituyen el origen y el único material de A Story from Africa. Las estampas nos transportan a los tiempos de la Campaña de Pacificación Portuguesa de 1907 en el sur de Angola, dirigida contra la tribu cuamato como consecuencia de la Conferencia de Berlín (1884-1885), en la que los imperios europeos se dividieron los territorios africanos.
La campaña de pacificación portuguesa fue documentaba por Alferes Velloso de Castro, con una mirada inevitablemente colonialista, en su libro A Campanha do Cuamato em 1907: Breve Narrativa Acompanhada de Photographias (Imprensa Nacional, 1908). Utilizando este registro fotográfico de la ocupación, Woodbury desvela la reacción del pueblo cuamato ante la subyugación y conquista de los portugueses y algún aliado insospechado, como el noble Calipalula, un soba (jefe tradicional) que se unió a las tropas lusas con el fin de derrotar a la tribu rival.
-
Sábado 1 de junio, 2024 / Edificio Nouvel, Auditorio 200
Sesión 3
Billy Woodberry. Marseille après la guerre [Marsella en la posguerra]
Estados Unidos y Portugal, 2016, b/n, sin diálogos, AD, 11’Billy Woodberry. And When I Die, I Won’t Stay Dead [Y cuando muera, no me quedaré muerto...]
Estados Unidos y Portugal, 2015, b/n y color, VO en inglés con subtítulos en español, AD, 89’— Con la presentación de Billy Woodberry
El cineasta y activista Ousmane Sembène, maestro del cine africano, es objeto de un emocionante tributo en Marseille après la guerre, un filme compuesto por fotografías de los muelles marselleses tomadas en 1947. Las imágenes reflejan la vida y lucha de los trabajadores portuarios, ejemplificada en una huelga liderada por emigrantes africanos en la que participó el propio Sembène. Un recordatorio de la explotación y el racismo característicos de la Francia colonialista para comprender las tensiones que aún en la actualidad desbordan sus calles.
El segundo largometraje, And When I Die, I Won’t Stay Dead, funciona como otra resucitación de voces y hechos envueltos por la amnesia colectiva. En este caso, se trata de un homenaje a Bob Kaufman, poeta de la generación beat considerado el “Rimbaud afroamericano”, cuya vida y obra quedaron cubiertas por un halo de leyenda y fascinación. Woodberry se sirve de la rítmica rasgada de la poesía de Kaufman, envuelta en sabiduría y malditismo, y de las rugosas texturas del celuloide para devolver a su esplendor más crudo el rostro y el discurso de un artista indómito.
-
Domingo 2 de junio, 2024 / Edificio Nouvel, Auditorio 200
Sesión 4
Billy Woodberry. The Pocketbook
Estados Unidos, 1980, b/n, VO en inglés con subtítulos en español, AD, 13’Billy Woodberry. Bless Their Little Hearts
Estados Unidos, 1984, b/n, VO en inglés con subtítulos en español, AD, 80’El primer trabajo de Billy Woodberry como director fue el cortometraje The Pocketbook, inspirado en el relato “Thank You, Ma'am” (1958) del poeta y novelista Langston Hughes. Esta breve historia sobre el despertar de la conciencia muestra a un niño abocado a cometer hurtos menores que, tras el robo fallido del bolso de una mujer, queda sorprendido al recibir su comprensión y apoyo en lugar del castigo. Una fábula de tintes morales y profundo espíritu humanista que destaca la importancia de conceder segundas oportunidades a una juventud en el abismo.
En su debut en el largometraje, Bless Their Little Hearts, Woodberry radiografía las fracturas de la familia afroamericana partiendo de la crisis existencial de Charlie Banks, cuya esposa se encarga del sustento económico de su hogar al estar él perpetuamente desempleado. La dependencia deriva en frustración y abre la herida de su masculinidad mancillada, recurriendo a la infidelidad como vía de escape de la rabia y desesperación. Un terremoto sentimental que plasma la imparable espiral de autodestrucción de un hombre atado a códigos obsoletos y al contexto alienante de la clase trabajadora de Los Ángeles.
Celebrada el 29, 31 may, 01, 02 jun 2024
El Museo Reina Sofía y Documenta Madrid dedican este ciclo a Billy Woodberry (Dallas, 1950), cuya filmografía, aunque reducida en número de obras, destaca por su gran intensidad política y creativa. A través de sus películas descubre e indaga episodios de la historia relegados al olvido reivindicando aquello que las crónicas oficiales consideraron irrelevante para ponerlas en el foco, no solo desde el activismo, sino también atrapando su dimensión sensorial y poética.
Junto a cineastas como Charles Burnett o Haile Gerima, Woodberry fue uno de los fundadores de L. A. Rebellion, un movimiento de cine afroamericano compuesto por estudiantes de la University of California, Los Angeles (UCLA) que, entre las décadas de 1960 y 1980, imaginó una escena alternativa al cine de Hollywood, sensible a la vida real de las comunidades negras de Estados Unidos. Se inició como realizador con el cortometraje The Pocketbook (1980), un perspicaz relato de aprendizaje de un joven que, tras un robo fallido, cuestiona el camino de su vida. Luego, influido por el neorrealismo y los cineastas del Tercer Cine, Woodberry debutó en el largometraje con Bless Their Little Hearts (1984), filme esencial de su generación sobre una familia afroamericana que se desmorona ante las dificultades del padre para encontrar trabajo. Con Charles Burnett como guionista y director de fotografía, la película fue premiada en la Berlinale y obtuvo un importante reconocimiento internacional, sin embargo Woodberry decidió abandonar el cine para dedicarse a la docencia: desde 1989 es profesor en el California Institute of the Arts (CalArts).
Con el cambio de siglo, Woodberry decidió volver a empezar de cero y reformularse por completo como cineasta, haciendo del archivo audiovisual y fotográfico la materia prima de su trabajo. Desde entonces ha realizado documentales por y sobre la memoria de figuras ineludibles que agitaron la escena artística y política de las comunidades africanas y afrodescendientes, como Ousmane Sembène en Marseille après la guerre (2005), Bob Kaufman en And When I Die, I Won’t Stay Dead (2015) o Mário Pinto de Andrade en Mário (2024). Así el cine de Woodberry propone una perspectiva sensible pero insumisa del pasado, señalando la persistencia de las huellas del colonialismo e inspirando a superarlas de la mano de mitos que lucharon con acciones, versos e imágenes por la libertad y la identidad negra.
Comisariado
Javier H. Estrada
Organizan
Museo Reina Sofía y Documenta Madrid (21º Festival Internacional de Cine)
Más actividades
El sí mágico
Jueves 28 de mayo, 2026 - 17:30 H
Este ciclo está organizado por equipoMotor, un grupo de adolescentes, jóvenes y personas mayores que han participado en proyectos comunitarios educativos del Museo Reina Sofía. El programa se articula en cuatro bloques temáticos en torno a la idea de lo monstruoso.
Esta última sesión se articula en torno a High Roads (Giuliana Racco, 2022), una película que desplaza la mirada desde los grandes relatos del genocidio en Palestina hacia formas cotidianas de resistencia. A través de cuatro mujeres palestinas que practican deporte, respiración y otras disciplinas corporales en un contexto marcado por la ocupación militar israelí, la obra muestra cómo el cuidado, la persistencia y la construcción de comunidad pueden convertirse en prácticas políticas. La película conecta con la idea del “sí mágico” desde la decisión de seguir produciendo bienestar, movimiento y vínculos allí donde las condiciones parecen impedirlo.
También propone una forma de descentralización: la resistencia no aparece en las instituciones ni en los discursos oficiales, sino en los cuerpos, los afectos y los gestos compartidos.Esta última sesión se desarrolla a partir de películas que ensayan formas de desviarse del eje institucional y activar otros modos de mirar, jugar, resistir y organizarse colectivamente. A través de máscaras, reglas alteradas, ficciones corporales o prácticas cotidianas de cuidado, las obras trabajan con situaciones donde aceptar lo improbable o lo extraño funciona como una especie de «sí mágico»: un gesto que permite que algo se desplace y se transforme dentro de un contexto hegemónico.
El museo deja entonces de aparecer como un lugar fijo desde el que se ordena la cultura y pasa a convertirse en un espacio atravesado por otras reglas, temporalidades y maneras de habitar lo común. Las películas reunidas en esta sesión desplazan la mirada hacia lo que normalmente queda fuera: territorios periféricos, prácticas híbridas, gestos torpes pero llenos de intención o formas de organización alejadas de los códigos dominantes. En lugar del brillo institucional, aquí aparecen lo áspero, lo precario y lo extraño como formas legítimas de hacer y mostrar cultura.
La propuesta no busca tanto afirmar una nueva centralidad como abrir una pregunta sobre qué ocurre cuando la autoridad del centro se desestabiliza y otras sensibilidades, cuerpos o imaginarios entran en escena. Un cine que, más que ofrecer respuestas cerradas o buscar consenso, ensaya maneras distintas de habitar el museo y de producir espacio común.
Ordinario, común y público. Arreglos comunes para comunidades ordinarias
26, 27 MAY 2026
Ordinario, común y público. Arreglos comunes para comunidades ordinarias es el título del decimocuarto encuentro de Sociología Ordinaria, un grupo de investigación transdisciplinar que explora el conocimiento cotidiano, considerado como ordinario, superficial o frívolo por la visión académica e intelectual tradicional.
Esta edición propone abordar y mapear las conexiones entre los conceptos de lo común y lo público —recordando que lo ordinario también es lo común— y procurar la movilización de los afectos y humores del descontento hacia la esperanza.
A través de sus múltiples declinaciones —la comunidad, lo comunitario, el procomún, lo comunal—, el encuentro pretende reflexionar sobre las diferentes formas de crear, (re)configurar, mantener, arreglar, apañar, cuidar y defender lo público y lo común. Por otra parte, se indaga en sus formas de invocación y experimentación como herramientas frente a las impotencias generadas en este presente incierto, así como en las resistencias a los intentos de su expropiación, tergiversación, privatización y turistificación.
Felix Gonzalez-Torres. Dulce venganza
26 MAY 2026
Nancy Spector y Alejandro Cesarco, comisarios de la exposición Felix Gonzalez-Torres. Dulce venganza, conversan con Manuel Segade, director del Museo Reina Sofía, en una sesión dedicada a profundizar en los marcos de lectura de esta muestra, la primera presentación a gran escala en Madrid de la obra de Felix Gonzalez-Torres (1957–1996), cuya práctica continúa generando nuevas resonancias en el presente.
La conversación parte del propio título de la exposición, Dulce venganza, entendido como una noción paradójica que articula buena parte del pensamiento del artista. Desde ahí se exploran las tensiones que recorren su trabajo: la convivencia de registros opuestos, la ambigüedad como método y la carga simultáneamente afectiva y política de sus obras.
El diálogo recorre también algunos de los ejes que atraviesan su producción, como las nociones de identidad, ciudadanía y autoridad, junto a experiencias vinculadas a la crisis del sida y a emociones como el amor, la pérdida, el duelo o el optimismo. Se presta especial atención a la forma en que Gonzalez-Torres desplaza lenguajes asociados al arte povera, el conceptualismo y el minimalismo hacia estructuras abiertas, participativas y profundamente personales.
La sesión incluye asimismo una reflexión sobre el proceso de investigación que ha dado forma a la exposición, permitiendo situar las decisiones curatoriales y los criterios que la estructuran. En este contexto, la obra de Gonzalez-Torres aparece como un dispositivo que implica directamente a quienes la activan o la interpretan, distribuyendo la responsabilidad en la producción de sentido, siempre inestable y en constante negociación.
Estas charlas inaugurales, que forman parte de una de las líneas de trabajo principales del Área de Programas Públicos, tienen como objetivo profundizar en los contenidos de las exposiciones organizadas por el Museo desde la perspectiva de artistas, comisariados y especialistas.
Klangforum Wien
25 MAY 2026
Bajo la dirección de Josep Planells Schiaffino, Klangforum Wien regresa al escenario, por segunda vez en esta temporada del ciclo Series 20/21 del Centro Nacional de Difusión Musical (CNDM), para protagonizar una velada que celebra el diálogo entre dos figuras fundamentales de la música contemporánea: Georg Friedrich Haas y Mauricio Sotelo.
El ensemble austriaco interpreta, en primer lugar, Hommage à Bridget Riley, obra del propio Haas inspirada en el arte óptico de la pintora británica, y, a continuación, el estreno absoluto de Homenaje a Georg Friedrich Haas, nueva obra de Mauricio Sotelo que rinde tributo al compositor austríaco desde una perspectiva personal. Un encuentro entre dos universos creativos complementarios que comparten una misma voluntad de exploración sonora.
De Viva Voz 2. Elena Alonso
Lunes 25 de mayo, 2026 — De 18:30 a 20:00 h
La obra Antojo, expuesta en la Sala 14 de la cuarta planta del Museo, consiste en un arco de medio punto que funciona como continente y catalizador de múltiples referencias ornamentales y formales de la artista Elena Alonso, condensadas en un objeto liminal. A medio camino entre la escultura, la arquitectura y la instalación, la pieza acoge la experiencia-ritual de paso que supone atravesar el umbral que propone, activando en ese tránsito otros sentidos y lecturas.
La propia artista, en conversación con la comisaria Beatriz Alonso, arroja luz en este encuentro a dichas referencias, en un diálogo que pretende además dar contexto a una pieza que condensa inquietudes y prácticas de la autora en torno a la escultura en los últimos diez años.