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Miércoles 26 de mayo, 2021 - 19:30 h / Cineteca Madrid (Matadero), Sala Azcona
Apertura
Luke Fowler
Patrick
Reino Unido, 2020, color, VO en inglés con subtítulos en español, AD, 21’―Con la presentación en vídeo de Luke Fowler y presencial de Chema González, James Lattimer y Gonzalo de Pedro
―Conferencia-performance Jorge Socarras
Patrick, película más reciente del artista, se estrena a nivel nacional en esta proyección. El cortometraje muestra fragmentos de vida, no la biografía, del músico electrónico Patrick Cowley (1950-1982), pionero en el uso del sintetizador en la música disco, productor de himnos como You Make Me Feel (Mighty Real), de Sylvester (1978) o un nuevo remix de I Feel Love, de Donna Summer (1978), así como autor de excepcionales temas enérgicos y vitalistas que definieron aquella etapa de libertad sin parangón previa a la pandemia del sida en la costa oeste norteamericana. La proyección se complementa con una conferencia-performance de Jorge Socarras, acompañado por Luke Fowler. Socarras es un músico de origen español y uno de los protagonistas, junto a Cowley, de la efervescencia de la música electrónica en San Francisco a comienzos de la década de 1980.
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Viernes 28 de mayo, 2021 - 18:00 h / Museo Reina Sofía, Edificio Sabatini, Auditorio
Programa 1. Hacer música
Segundo pase: domingo 6 de junio, 2021 - 12:00 h
Luke Fowler
Electro-Pythagoras (a portrait of Martin Bartlett) [Electro-Pitágoras (retrato de Martin Bartlett)]
Reino Unido, Canadá, 2017, color y b/n, VO en inglés con subtítulos en español, AD, 45’For Christian [Para Christian]
Reino Unido, EE. UU., 2016, color, VO en inglés con subtítulos en español, 16 mm, 6’45’’Country Grammar (with Sue Tompkins) [Gramática del país (con Sue Tompkins)]
Reino Unido, 2017, color, VO en inglés con subtítulos en español, AD, 18’29’’Patrick
Reino Unido 2020, color, VO en inglés con subtítulos en español, AD, 21’―Con la presentación en vídeo de Luke Fowler y presencial de James Lattimer, en el primer pase
La creación musical es un elemento ineludible en la obra de Fowler, ya sea como proceso específico, proyecto vital, expresión de una posición contracultural o una combinación de todos ellos. Electro-Pythagoras (a portrait of Martin Bartlett) es una biografía distendida del compositor gay canadiense y pionero de la música electrónica Martin Bartlett (1939-1993), que se desliza libremente entre texto, fotografía y vídeo, figuras resaltadas, dispositivos y ubicaciones, entre lo personal y lo profesional, con gráficos retro por ordenador, una voz en off perspicaz y la propia música de Bartlett uniendo todos los fragmentos. En For Christian, el compositor Christian Wolff comenta sus estrategias compositivas en voz en off sobre un torrente de imágenes de su granja de Vermont, mientras que Country Grammar (with Sue Tompkins) entrelaza el proceso de grabación de la pieza homónima de la artista Sue Tompkins, filmada desde innumerables ángulos con sonidos e imágenes de la vida cotidiana del propio Fowler: cineasta y tema a la vez. Patrick, estrenada en este programa, sigue las huellas del pionero productor de música disco Patrick Cowley, quien murió de sida en 1992. Las imágenes luminosas de una caminata soleada por San Francisco y su paisaje circundante se revisten con los brillantes sonidos de Cowley.
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Sábado 29 de mayo, 2021 - 18:30 h / Museo Reina Sofía, Edificio Sabatini, Auditorio
Programa 2. Escuchar
Segundo pase: lunes 7 de junio, 2021 - 18:00 h
Luke Fowler
A Grammar For Listening – Part 1 [Una gramática para escuchar – Parte 1]
Reino Unido, 2009, color, VO en inglés con subtítulos en español, 16 mm, 22’A Grammar For Listening – Part 2 [Una gramática para escuchar – Parte 2]
Reino Unido, 2009, color, sonido, sin diálogo, 16 mm, 21’A Grammar For Listening – Part 3 [Una gramática para escuchar – Parte 3]
Reino Unido, 2009, color, VO en inglés con subtítulos en español, 16 mm, 13’Depositions [Declaraciones]
Reino Unido, 2014, color y b/n, VO en inglés con subtítulos en español, AD, 24’32’’―Con la presentación en vídeo de Luke Fowler y presencial de James Lattimer, en el primer pase
Aunque muchas de las películas de Fowler cuestionan el significado de la escucha, el ciclo A Grammar For Listening la sitúa en el centro. Estas tres colaboraciones con los artistas sonoros Lee Patterson, Éric La Casa y Toshiya Tsunoda, respectivamente, constan de hermosas grabaciones envueltas de sonido e imagen en localizaciones que incluyen lugares emblemáticos de Londres, entornos rurales e industriales de Escocia, así como mercados y parques. Las dos primeras partes etiquetan las distintas ubicaciones y los sonidos allí grabados, mientras que la tercera expone directamente el acto de la grabación. ¿Leemos el sonido a través de la imagen o es al revés? Y, si el contexto moldea la percepción, ¿cuándo se convierte en gramática? Depositions lleva la acción de escuchar hacia una dirección diferente, al reunir una selección de documentales de la BBC de las décadas de 1970 y 1980 que ilustra cómo se pedía constantemente a las comunidades de las Tierras Altas escocesas que justificaran su existencia, incluso cuando sus respuestas nunca fueron realmente escuchadas. Sin embargo, más allá de estas declaraciones banales, había mucho más que escuchar: el sonido de un paisaje, del crujido de huesos en un crisol, del viento y del agua, de la canción.
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Domingo 30 de mayo, 2021 - 12:00 h / Museo Reina Sofía, Edificio Sabatini, Auditorio
Programa 3. Personas, espacios, huellas
Segundo pase: domingo 13 de junio, 2021 - 12:00 h
Luke Fowler
George
Reino Unido, 2008, color, sonido, sin diálogo, AD, 5’Cézanne
Reino Unido, 2019, color, sonido, sin diálogo, 16 mm, 6’36’’Houses (for Margaret) [Casas, (para Margaret)]
Reino Unido, 2019, color, VO en inglés con subtítulos en español, 16 mm, 4’57’’Mum’s Cards [Fichas de mamá]
Reino Unido, 2018, color, VO en inglés con subtítulos en español, AD, 9’3’’To The Editor of Amateur Photographer [Para el editor de Amateur Photographer] (codirigida con Mark Fell)
Reino Unido, 2014, color, VO en inglés con subtítulos en español, AD, 68’45’’―Con la presentación de James Lattimer, en el primer pase
Los retratos de Fowler se originan al explorar los espacios fundamentales de sus sujetos, y las huellas y asociaciones que contienen. George recurre a una pantalla dividida y a un estribillo de piano para tomar el pulso de la zona de St. George's Cross de Glasgow, donde el propio Fowler se crió. Cezánne se acerca al maestro posimpresionista saltando de un lado a otro entre su estudio, su jardín y la montaña que inspiró algunas de sus obras más famosas, mientras que Houses (for Margaret) erige un monumento amable a la poeta y cineasta escocesa Margaret Tait, a su casa de campo de las Orcadas, los escritos que contiene y la referencia a su poema sobre el concepto de hogar que da título a este trabajo. Las notas recopiladas de la madre de Fowler, socióloga, estructuran Mum's Cards, el estudio de toda una vida de compromiso teórico a través de un escritorio y todo lo que allí se escribió. En el largometraje To the Editor of Amateur Photographer examina la historia de Pavilion, el primer centro de fotografía feminista de Europa, establecido en Leeds en 1982. Entrevistas con las figuras clave del centro, innumerables fotos tomadas allí y todo el papeleo que lo acompaña, duros crujidos electrónicos y reflexiones sobre lo que significa hacer una película sobre feminismo siendo hombre se funden en un retrato único en este proyecto singular.
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Lunes 31 de mayo, 2021 - 18:00 h / Museo Reina Sofía, Edificio Sabatini, Auditorio
Programa 4. Todos los yoes divididos
Segundo pase: lunes 21 de junio, 2021 - 18:00 h
Luke Fowler
Helen
Reino Unido, 2009, color, sonido, sin diálogo, 16 mm, 3´David
Reino Unido, 2009, color, sonido, sin diálogo, 16 mm, 3’Lester
Reino Unido, 2009, color, sonido, sin diálogo, 16 mm, 3’Anna
Reino Unido, 2009, color, sonido, sin diálogo, 16 mm, 3’All Divided Selves [Todos los yoes divididos]
Reino Unido, 2011, color y b/n, VO en inglés con subtítulos en español, AD, 93’―Con la presentación de James Lattimer, en el primer pase
El cuarteto inicial de cortos de tres minutos son retratos parpadeantes de los habitantes de un edificio victoriano en Glasgow a los que nunca se llega a ver. Sus vidas se evocan mediante cambios de luz, vistas desde la ventana, texturas, formas y patrones, y un número aleatorio de libros. Cuatro individuos distintos moldeados por el mismo espacio dividido. All Divided Selves, que granjeó a Fowler una nominación para el prestigioso Premio Turner, es una frenética biografía a modo de collage del famoso psiquiatra escocés R. D. Laing (1927-1989). Para ello, Fowler se basa en las innumerables apariciones de Laing en la televisión y en la radio del Reino Unido, combinando este amplio material de archivo de manera que la cronología resulta irrelevante. La idea es transmitir la posición del mutable Laing dentro de la sociedad: un cuerpo extraño que destaca en un sistema oficial que espera para masticarlo, y un nodo a través del cual fluían todos los movimientos primarios de la época. El metraje de 16 mm se entrecruza con estas imágenes del pasado con alegría espasmódica, a veces retomando sus ideas centrales pero también desviándose de ellas a voluntad, reproduciendo así el tipo de experiencia sensorial pura que el propio Laing trató de captar: forma y contenido entrelazados de forma deslumbrante.
Celebrada el 26, 27, 28, 29, 30, 31 may, 02, 03, 04, 05, 06, 07, 09, 10, 11, 12, 13, 14, 16, 17, 18, 19, 20, 21 jun 2021
El Museo Reina Sofía y Documenta Madrid, festival internacional de cine impulsado por el Ayuntamiento de Madrid, presentan una retrospectiva dedicada a Luke Fowler (Glasgow, 1978), destacado artista, cineasta y músico británico. Nominado al Premio Turner en 2012, la obra de Fowler explora la relación entre sujeto y archivo, entre memoria e historia, a través de las posibilidades del cine experimental.
Una de las descripciones más certeras del trabajo de Fowler probablemente sea la que apunta a su forma de retratar, ajena a cualquier convención. En sus películas, situadas en la frontera entre el documental y el cine experimental, conocemos las experiencias de sujetos heterodoxos a través de fragmentos audiovisuales de sus vidas, así como de un entorno material y paisajístico cuidadosamente rodado y editado en un rutilante 16 mm con un ritmo trepidante.
Los marginados de la historia cultural y las personalidades que apenas reciben atención son el tema principal de este artista, como la cineasta y poeta Margaret Tait (Houses (for Margaret)); Pavilion, el pionero colectivo feminista de fotografía del Reino Unido (To the Editor of Amateur Photographer); el fundador de la antipsiquiatría R. D. Laing (All Divided Selves); las comunidades remotas de las Tierras Altas escocesas (Depositions); los residentes invisibles de un vecindario de Glasgow (Anna, David, Helen y Lester); o incluso su propia madre (Mum's Cards). Más que seguir una linealidad o integridad, las películas de Fowler son retratos compasivos que generan sensaciones o estados de ánimo, habitando en los espacios en los que estos heterogéneos seres pasaron sus vidas, y recopilando los materiales que acumularon a lo largo del tiempo. Si cada persona deja huellas, ya sean textuales, pictóricas o audiovisuales, Fowler es su archivero reflexivo y sensible al llevarlas a una composición delicada en que se exponen sus múltiples subjetividades, materialidades, temporalidades, ambigüedades e ideologías subyacentes. Su empleo del 16 mm, en sí mismo un proceso de captura de huellas, tiene un cometido perfecto para esta finalidad.
Su cine resulta siempre un ejercicio de escucha, al mismo nivel que de visionado, ya que música y sonido forman una parte integral de sus películas. Fowler, quien asimismo es un músico de exitosa carrera, retrata con generosidad a los músicos dentro de esta amplia galería de marginados y heterodoxos. Así ocurre con el precursor homosexual de la electrónica Martin Bartlett (Electro-Pythagoras (a Portrait of Martin Bartlett)), el compositor y profesor del Conservatorio de Música de Nueva Inglaterra Christian Wolff (For Christian) y la artista sonora británica Sue Tompkins (Country Grammar (with Sue Tompkins)). Además, los paisajes sonoros envolventes y los acompañamientos musicales —que forman una parte integral de la obra de Fowler— se construyen mediante colaboraciones directas con artistas sonoros, compositores y sonidistas como Lee Patterson (A Grammar For Listening – Part 1), Éric La Casa (A Grammar For Listening – Part 2) o Toshiya Tsunoda (A Grammar For Listening – Part 3, Cézanne).
El punto de partida de la retrospectiva es el estreno en España del cortometraje más reciente de Fowler, Patrick, el cual resume los enfoques formales y las preocupaciones temáticas que recorren su obra. Este retrato de 21 minutos de Patrick Cowley, pionero de la música electrónica que murió de sida en 1982, explora su legado de una manera cambiante, intercalando entrevistas con sus contemporáneos y tomas de su correspondencia y archivo material, con fragmentos luminosos e impresionistas de California y de los paisajes urbanos que consideraba su hogar, todos unidos por los sonidos dinámicos del propio Cowley.
El rasgo característico de Luke Fowler tal vez sea su ritmo, ya que sonido e imagen se encuentran entrelazados en un compás que emerge de la banda sonora, pero que no se circunscribe a esta. La singular concepción del montaje del artista crea patrones y pulsaciones propios, una sensación nerviosa, hipnótica e intensamente corpórea que encaja con su inquieta curiosidad por los personajes que retrata. Una de las primeras frases de Electro-Pythagoras (a Portrait of Martin Bartlett), que da título a este ciclo, nos ofrece la mejor manera de describir estas combinaciones únicas y delicadas de sonidos y movimientos, de historias y sujetos: “una cierta predilección por las cosas fuera de lo común”.
Esta programación se enmarca en el trabajo conjunto entre el Museo Reina Sofía y Documenta Madrid, iniciado en 2019.
Comisariado
James Lattimer
Organizan
Museo Reina Sofía y Documenta Madrid (18º Festival Internacional de Cine)
Más actividades
![Chantal Akerman, Woman Sitting after Killing [Mujer sentada después de matar], 2001, instalación. Museo Reina Sofía](https://recursos.museoreinasofia.es/styles/small_landscape/public/Actividades/chantal-akerman-mujer-sentada-despues-matar.jpg.webp)
En tu pantalla: la historia del arte y del museo ante el reto audiovisual
18, 19 SEP 2026
El congreso En tu pantalla: la historia del arte y del museo ante el reto audiovisual invita a debatir las transformaciones que experimentan la historia del arte y el espacio museístico cuando adoptan el formato audiovisual. El punto de partida es la emblemática serie televisiva Ways of Seeing (1972) de John Berger, un hito en la democratización del discurso histórico-artístico. En esta serie, el escritor ilustraba cómo el traslado de una obra como Los fusilamientos del 3 de mayo de Goya desde las salas del museo hasta la pantalla doméstica alteraba por completo la experiencia del espectador, haciendo que la imagen viajara hacia él.
En el siglo XXI, este ecosistema de pantallas se ha expandido exponencialmente. Los museos ya no solo integran proyecciones y dispositivos en sus salas físicas, siguiendo la estela de numerosas exposiciones dedicadas a la imagen en movimiento, sino que despliegan complejas estrategias virtuales. Al mismo tiempo, multitud de personas historiadoras, estudiantes y creadoras utilizan plataformas digitales para difundir ideas y proyectos. Este giro audiovisual abre el acceso a materiales ignorados y democratiza el conocimiento, y además desafía las jerarquías tradicionales y la autoridad interpretativa de las instituciones. El congreso, promovido por el proyecto de investigación ATLAS AV: La audiovisualización de la historia del arte y del museo, propone analizar este abundante material audiovisual, sus archivos y su capacidad para transformar la memoria del arte.
Godard y Miéville: tiempo y ruina
Viernes 18 de septiembre, 2026 - 19:00 H
Habitar las ruinas del museo como institución que produce significado y ordena el conocimiento era la petición que el crítico de arte Douglas Crimp formula a los artistas de la posmodernidad crítica en la década de 1980. Es decir, exponer en el museo, pero evidenciando su crisis y sus zonas de sombra. Tal es también la pretensión de Jean-Luc Godard y Anne-Marie Miéville en estos dos mediometrajes. El primero, The Old Place. Small Notes Regarding the Arts at Fall of 20th Century (1999), es un encargo de The Museum of Modern Art (MoMA). En el ocaso del milenio, los autores proponen veintitrés tesis de lo que queda de ese «viejo lugar», que no es otra cosa que un museo extenuado tras un siglo de barbarie. Quizás, insisten con melancolía, el museo deba seguir siendo simplemente una idea, una «leyenda», mientras se suceden imágenes de obras de arte que caracterizaron el siglo XX. Reportage amateur (maquette expo) (2006) es otra ruina, en esta ocasión una reliquia. Se trata del único resto de la gran exposición nunca realizada que el autor de Film socialisme preparaba para el Centre Georges Pompidou. Una simple maqueta de papel frágil y doméstica en la que el cineasta había plasmado todo su pensamiento sobre el arte, el cine, la historia, la humanidad; la redención, a fin de cuentas. Un museo imaginario en el que conviven Matisse, Goya, Delacroix, Hannah Arendt, Sharon Stone, Emmanuel Lévinas o Charles Chaplin, y que la videocámara de Anne-Marie Miéville recorre estupefacta mientras la voz en off de Godard desgrana las diferentes salas. Pese a todo, el museo, ese viejo lugar en su dimensión más frágil, se muestra como el único dispositivo capaz de dar forma a las reflexiones de uno de los grandes intelectuales de nuestro tiempo.
![Ariella Azoulay, Un-documented. Unlearning Imperial Plunder [Indocumentados. Desaprendiendo el saqueo imperial], 2019, película](https://recursos.museoreinasofia.es/styles/small_landscape/public/Actividades/5.diseminar-mundo.jpg.webp)
Museos y restitución
Sábado 19 de septiembre, 2026 - 19:00 H
Siglos de expolio, décadas de amnesia, años de connivencia con el poder más extractivista, ¿tiene el museo, tal y como es conocido, razón de ser en una sociedad poscolonial? En esta sesión se exponen las operaciones del museo como una máquina colonial, a la vez que se apuntan ideas para pensar una institución por venir más justa, igualitaria e inclusiva con las voces marginalizadas y minorizadas de la sociedad en sus narraciones. La sesión comienza con el estreno internacional de Quinto verso, parte de Tonada, en el que se presenta una visión de la Colección Quimbaya (siglos V-VI d.C.) del Museo de América de Madrid. Montada con voces y cánticos de plañideras y guías wayúu, no solo como forma de devolver la función a estos ídolos de oro —figuras antropomorfas de hombres y mujeres usados como recipientes en prácticas rituales — más bien, de fabular que aquello que debe exhibirse no es el oro, sino el cántico mismo propio del ritual. En el clásico Me escondes (1970), el ghanés Kwate Nee-Owoo accede a la colección de arte africano del British Museum, ubicada en los sótanos del edificio, para preguntarse con qué sentido el museo expolia y anula. Un magnífico ejercicio de crítica institucional en primera persona, proyectado por vez primera en España. Casi setenta años después de que Resnais y Marker filmaran Las estatuas también mueren (1953), una reflexión sobre el valor aurático del museo frente a la pertenencia identitaria y cultural del arte africano, la teórica Ariella Azoulay vuelve a rodar las mismas estatuas en el Museo del Trocadero (actual Quay Brainly), las cuales sobreviven y esperan poder reunirse con su gente. Azoulay, en una original propuesta que apunta una lección para el museo del futuro, conecta la migración forzada de estas esculturas con el tránsito masivo de personas cruzando las fronteras artificialmente impuestas por el mismo sistema que ha expoliado su cultura.
Escuela de institucionalidad transformativa y organización local
Del 21 al 24 de septiembre, 2026
La Escuela de Institucionalidad Transformativa y Organización Local (S.T.I.L.O., por sus siglas en inglés) es un programa de coaprendizaje y coestrategia que pone en marcha un proceso de intercambio de preguntas, metodologías y experiencias entre organizaciones culturales. Todo ello con el objetivo de generar y poner en circulación y prototipar tácticas, herramientas y conocimientos colectivos sobre prácticas institucionales que abran nuevas vías para la defensa de la cultura y la transformación estructural en diversos contextos geográficos.
Este proyecto forma parte del Laboratorio de Institucionalidad Compartida (LIC) un espacio de investigación, trabajo e incidencia del Museo Reina Sofía dedicado a desarrollar, experimentar y sistematizar prácticas, protocolos y herramientas que contribuyan a un ecosistema cultural más justo y habitable.
Desde hace unos años, la llamada crítica infraestructural en los museos se cuestiona acerca de las infraestructuras materiales, jurídicas y económicas, entre otras, así como las formas de solidaridad y las prácticas necesarias para sostener el ecosistema cultural. Abordando estos debates actuales, S.T.I.L.O. plantea preguntas sobre los modos en que las organizaciones definen e interpretan sus prácticas, organizan sus relaciones y responden a los contextos sociales en los que operan.
Esta escuela reúne a cuatro organizaciones culturales que trabajan desde distintos modelos institucionales —con escalas, contextos, condiciones y modos de trabajo diferentes—, con el objetivo de poner en común estrategias y herramientas de organización, incidencia y relación con sus comunidades locales.
El programa se concibe como un proceso colaborativo en el que participan Arika, La Revuelta, BAK Basecamp y Museo Tentacular (Museo Reina Sofía), y se estructura en torno a sesiones preparatorias en línea y un seminario presencial en Madrid.
S.T.I.L.O. es una actividad enmarcada en la línea de trabajo Organizaciones Situadas del proyecto Museo de los Comunes de L'Internationale, que reflexiona sobre papel de los museos y las organizaciones artísticas como actores dentro de complejas redes sociales y ecosistemas, con el fin de explorar nuevas formas de democratizar las instituciones y hacerlas más abiertas, inclusivas y útiles.
![Eli Cortiñas, The Most Given of Givens [Lo más dado de lo dado], 2016, instalación de vídeo de tres canales.](https://recursos.museoreinasofia.es/styles/small_landscape/public/Actividades/charla-eli-corti%C3%B1as.png.webp)
Eli Cortiñas. La máquina sueña con humo
Martes 22 de septiembre, 2026 - 19:00 H
Con motivo de la exposición Eli Cortiñas. La máquina sueña con humo, el Museo Reina Sofía organiza una conversación entre la artista Eli Cortiñas (Las Palmas de Gran Canaria, 1979) y Amanda de la Garza, subdirectora artística, en torno a esta nueva muestra que se presenta en el Espacio 1.
La charla toma como punto de partida la reciente incorporación a las Colecciones del Museo de la obra The Most Given of Givens (2016), que Cortiñas revisita y amplía en esta exposición para continuar una investigación iniciada hace más de una década sobre las relaciones entre la historia del cine, la historia de los museos y las tecnologías contemporáneas de producción de imágenes. Desde una perspectiva crítica, la artista analiza la forma en que estos dispositivos participan en la construcción de imaginarios, saberes y formas de poder, y cómo han contribuido históricamente a la producción de la alteridad desde una lógica colonial.
A lo largo del encuentro, Eli Cortiñas comparte el proceso de investigación y trabajo de archivo que sustenta la exposición, abordando cuestiones como la construcción del imaginario colonial a través del cine, la circulación y asociación de las imágenes y la persistencia de determinados regímenes de representación en la cultura visual contemporánea. La conversación también aborda la intervención realizada en la antesala del Espacio 1, donde el dispositivo museográfico, las vitrinas vaciadas y las imágenes generadas mediante inteligencia artificial prolongan estas investigaciones para reflexionar sobre los mecanismos contemporáneos de producción, clasificación y transmisión del conocimiento.
La charla ofrece al público la oportunidad de conocer de primera mano las claves conceptuales y el proceso de creación de La máquina sueña con humo, así como de profundizar en algunas de las cuestiones que atraviesan la práctica artística de Eli Cortiñas: la construcción histórica de la mirada, la persistencia de las estructuras coloniales en la cultura visual y la aparente neutralidad de las tecnologías y los algoritmos que hoy median la producción y circulación de las imágenes.
Estas charlas inaugurales, que forman parte de una de las líneas de trabajo principales del Área de Programas Públicos, tienen como objetivo profundizar en los contenidos de las exposiciones organizadas por el Museo desde la perspectiva de artistas, comisariados y especialistas.