
Celebrada el 30 oct 2019
Como parte del ciclo de artes escénicas realizado en colaboración con los Teatros del Canal de la Comunidad de Madrid, el Museo Reina Sofía presenta #LOSMICRÓFONOS, de Jorge Dutor y Guillem Mont de Palol. Al finalizar tendrá lugar un encuentro con los artistas, presentado y moderado por Isabel de Naverán. Además, el día 31 de octubre, los autores impartirán un taller en el Museo en el que compartirán sus prácticas y en especial aquellas vinculadas a este proyecto.
#LOSMICRÓFONOS, estrenada en 2013, se muestra en esta ocasión a propósito de la presentación del nuevo trabajo de Dutor y Mont de Palol, Lo mínimo, los días 25, 26 y 27 de octubre de 2019 y el 27 de mayo de 2020 en la Sala Negra de los Teatros del Canal; una propuesta creada en colaboración con la artista y performer Cris Blanco en la que exploran la capacidad de generar pequeñas acciones cuasi mágicas, pretendidamente inverosímiles, con elementos de uso cotidiano. La posibilidad de ver una pieza previa en diálogo con esta última producción permite revisar una obra que, con la perspectiva del tiempo, revela varios elementos constantes que han tenido distintos desarrollos.
En #LOSMICRÓFONOS asistimos a una conversación en la que quienes hablan lo hacen solamente a través de nombres de estrellas famosas, conocidas frases de películas mainstream o melodías aprendidas de la radiofórmula y del hilo musical de comercios y transportes. Todas ellas referencias ligadas a determinadas estrellas pop o, más precisamente, a los nombres propios de determinadas estrellas o, más precisamente, a la sonoridad derivada de la pronunciación de tales nombres.
Celine Dion, Michael Jackson, Alejandro Sanz. Para cierta generación, estos nombres son inseparables de una estética, un movimiento de danza o un estilo. No son estrellas del firmamento, pero actúan dentro de una constelación. Son parte del llamado star system, un sistema de estrellas que iluminan una suerte de cielo que también ejerce su influencia, dibujando una red de conexiones entre figuras, momentos vitales, afectos e imágenes. Qué universo puede concebirse bajo la bóveda celeste creada por estas “otras” estrellas es una de las preguntas que se hicieron los autores al embarcarse en este proyecto hace siete años.
Su título, escrito todo junto y precedido de almohadilla, sitúa este trabajo en la era de las etiquetas, en el mundo de las complicidades y de los seguimientos propio de las redes sociales virtuales. Con él se hace también referencia al aparato que sirve para amplificar las voces y los sonidos cuando por sí solos no alcanzan a ser escuchados en espacios como, imaginamos, los ocupados por las estrellas de ese cosmos particular.
En esta pieza Dutor y Mont de Palol actúan como micrófonos de estos nombres, pero también de otro universo, menos tangible quizás, que emana con sus gestos y movimientos durante la performance. Porque #LOSMICRÓFONOS es un ejercicio de nominación muy diferente al de los concursos de la televisión. Aquí el acto de nombrar es un gesto de asignación y evocación que pronto da paso a otra cosa, a otro estado, a un juego que nos invita a ser partícipes de situaciones insospechadas.
Al pasar por todas las posibilidades de pronunciación de un nombre, se muestra un archivo atrapado en un cuerpo del que desearía salir, porque nos recuerda la cantidad de melodías —y de momentos asociados a estas— que guardamos y que pueden ser reactivadas con un pequeño gesto desde el cuerpo. De la misma forma que un olor nos podría trasladar a una situación vivida, un nombre es como una puerta que conduce a una habitación y solo a una; una canción, y no otra, es la que nos retrotrae a aquella precisa situación y no a otra.
Sin embargo, en #LOSMICRÓFONOS Dutor y Mont de Palol parecen atravesar físicamente esas capas de significado adherido a nombres concretos para poner a prueba, desde el juego y el humor, todo lo asociado a ellos, y de una forma musical, que casi parece absurda sin serlo, mostrar el volumen de tales almacenamientos.
En colaboración con
Comisariado
Isabel de Naverán
Organiza
Museo Reina Sofía
Con la colaboración de
Participantes
Jorge Dutor (Madrid, 1979) es performer y escenógrafo. Formado en la Real Escuela Superior de Arte Dramático de Madrid (RESAD), ha trabajado en Ámsterdam, Barcelona, Bilbao y Madrid. Su práctica es polifacética: diseña luces y vestuario para piezas teatrales, películas o moda, organiza fiestas y eventos musicales, y actúa de dj nocturno, además de participar como actor en distintos proyectos fílmicos y artísticos.
Guillem Mont de Palol (Girona, 1978) es performer y coreógrafo. Se graduó en la SNDO Escuela para la Nueva Danza de Ámsterdam, donde actualmente es profesor invitado. Como intérprete ha trabajado para Xavier le Roy, Mette Ingvartsen, Vicent Dunoyer o Frederique Gies, entre otros.
Jorge Dutor y Guillem Mont de Palol llevan diez años creando piezas juntos: UUUHHH! Yo fui un hombre lobo adolescente inventando horrores (2009), Y POR QUÉ JOHN CAGE? (2011), #LOSMICRÓFONOS (2013), HACER COSAS QUE NOS PERMITAN O NOS ABOQUEN A HACER OTRAS COSAS (2015-2016), Grand Applause (2018), lo pequeño (2018) y Lo mínimo (2019), estas dos últimas en colaboración con Cris Blanco.
Ficha artística
Concepto, coreografía y performance: Jorge Dutor y Guillem Mont de Palol
Asistencia de dramaturgia: Juan Domínguez
Producción: Jorge Dutor, Guillem Mont de Palol y Festival TNT Terrasa
Colaboradores: WSB workspacebrussels (Bruselas), kunstencentrum BUDA (Kortrijk), Azala espacio de creación (Lasierra, Álava), SpazioK Kinkaleri (Prato), Danshane (Estambul), Graner y El Local (Barcelona)
Recursos
Programa de mano. Jorge Dutor y Guillem Mont de Palol. #LOSMICRÓFONOS
Más actividades
![Joseph Kosuth. One and Three Chairs [Una y tres sillas]](https://recursos.museoreinasofia.es/styles/small_landscape/public/Actividades/joseph_kosuth.jpg.webp)
La persona (legal) y la forma legal. Parte III
Lunes 11, miércoles 13 y jueves 14 de mayo, 2026 - Ampliado el plazo de inscripción
Como parte de Constelación de Estudios, la residencia de pensamiento anual 2025-2026, el historiador y teórico del arte Sven Lütticken imparte el seminario La persona (legal) y la forma legal: compromisos teóricos, artísticos y activistas para dialogar y profundizar en las hipótesis y preguntas que animan su proyecto de investigación.
Este proyecto, titulado Deshacer la subjetividad jurídica, deformar la abstracción legal, estudia el dominio de las abstracciones reales —como el valor de cambio y la forma legal— sobre nuestros procesos de subjetivación y se pregunta cómo las prácticas artísticas pueden abrir otras formas de representar o performar al sujeto y su condición jurídica en el mundo contemporáneo.
El seminario consta de un total de ocho sesiones, distribuidas a lo largo del curso en tres partes. La primera sesión de esta tercera parte aborda la noción de propiedad, problematizándola contra el contexto del arte conceptual. La obra de arte, su propiedad, autoría y autenticidad son replanteadas y revisadas con una actitud abierta a la confección de modelos de gestión —hipotéticos y alternativos a los actuales— que revolucionen la relación artista-obra-propietario. ¿Pueden las prácticas artísticas conceptuales servir como modelos críticos? ¿Hasta qué punto es posible pensar, actuar con ellos y extrapolarlos más allá de un bello nicho?
La segunda sesión atiende a la cuestión de la representación. Mientras que la mayoría (aunque no todas) de las personas naturales humanas pueden, en principio, representarte a sí mismas en asuntos legales, otras necesitan representantes. Esto ocurre con menores y adultos bajo custodia legal, pero también con personas «ficticias» —como corporaciones y estados—que necesitan representantes humanos para firmar acuerdos o defenderse en un juicio. La sesión aborda la representación legal en conjunción con otras formas de representación (política y cultural), atendiendo a la distinción inestable e históricamente mutable que hace Gayatry Spivak entre la representación como retrato (Darstellung) y la representación como agencia política (Vertretung).
Por último, la tercera sesión sirve de recapitulación, digestión y cierre del que ha sido el primer seminario del programa de residencia anual Constelación de Estudios.

Patricia Falguières
Martes 12 de mayo, 2026 – 19:00 h
La historiadora del arte Patricia Falguières inaugura la Cátedra María Luisa Caturla con la conferencia La historia del arte en tiempos de oscuridad. Esta cátedra, consagrada a la reflexión sobre el arte de las épocas «enfermas de incertidumbre», está dedicada a desmontar, divagar o imaginar las múltiples temporalidades y materialidades de la historia del arte desde una mirada excéntrica, desplazada, fuera del centro o con un centro diferente.
El título de la conferencia hace referencia a Hombres en tiempos de oscuridad (1968), un conjunto de ensayos escritos por Hannah Arendt cuyo título parafrasea a su vez un poema de Bertolt Brecht. En esta obra, Arendt asevera que «los tiempos de oscuridad no solo no son nuevos, sino que no son una rareza de la historia».
También para Patricia Falguières la historia conoce multitud de épocas en las que el espacio público se oscurece, momentos en los que el mundo deviene tan incierto que la gente deja de demandar a la política cualquier cosa que no sea aliviar el peso de sus intereses vitales y de su libertad individual. Especialista en arte y filosofía de la Edad Moderna, pero siempre con una mirada abierta y curiosa hacia el arte contemporáneo, Falguières propone en este encuentro un recorrido «caótico y aventurero» desde el Renacimiento hasta Fukushima para indagar en preguntas como: ¿qué puede significar hoy, en un mundo que resplandece con destellos siniestros y amenazas más siniestras aún, practicar una historia del arte más allá del entretenimiento o el adorno social? y ¿de qué intereses vitales y de qué libertad puede ser testigo e instrumento esta historia del arte?

De Viva Voz 1. Cabello/Carceller
Lunes 11 de mayo, 2026 — De 18:30 a 20:00 h
La serie fotográfica de Cabello/Carceller Sin título (Utopía) (1998) se despliega en la pared de la Sala 8 de la cuarta planta del Museo como un imponente conjunto de imágenes de distinto tamaño y formato que impregna el espacio de una suerte de melancolía política. Hace reverberar el silencio que, aún hoy, domina los discursos públicos en torno al sida. El desolador escenario que proponen las imágenes de estas piscinas, vacías y fuera de temporada, activa un relato de lucha: la respuesta de activistas y artistas frente a la gestión política de dicha pandemia.
En este encuentro con el colectivo de artistas Cabello/Carceller, en diálogo con la subdirectora artística del Museo Amanda de la Garza, se busca mantener una conversación pausada y reflexiva sobre la obra y sus lecturas, así como conocer de cerca detalles sobre su génesis y repercusión.

A golpe de sample. Experimentación sonora contra el odio
7 MAY 2026
El equipo de adolescentes del Museo, equipo1517, invita a jóvenes de 15 a 17 años a participar en esta visita-taller con Rubén H. Bermúdez y Bria, artistas con quienes sumergirse en la posibilidad de romper con las categorías y los enjuiciamientos internos y transformarlos en una reivindicación musical contra el odio.
Tras una visita a las salas de las Colecciones del Museo con el artista Rubén H. Bermúdez, el taller propone una investigación en torno al sample y la automatización de la mano de Bria, artista sonora y productora musical. A través de las técnicas de sampleo sonoro, se exploran los relatos propios de vida y ficción hacia la construcción de futuros liberadores y espacios sonoros que condenen los discursos de odio.
Para inscribirse no es imprescindible tener experiencia previa o conocimiento de herramientas informáticas musicales. Aquellas personas que manejen programas de audio digital pueden traer sus ordenadores y/o instrumentos digitales. El taller es un espacio seguro para disidencias sexo-genéricas y se articula como herramienta artística antirracista.
Esta actividad se celebra en el marco del programa CAMBIAFORMAS. Eres la posibilidad propuesto por la artista Benia Nsi para la actual edición de equipo1517.

School of SUP: sesión de cine trash
Jueves 30 de abril, 2026 – 19:00 h
El disparatado plan de estudios de School of SUP, que desarrolla el equipo1821, hace pública con esta proyección su particular muestra de trabajos de clase. Durante la sesión, se comparten tres cortometrajes grabados con cámaras analógicas, escritos, montados y protagonizados de forma colectiva por el propio alumnado al más puro estilo DIY. A continuación, se presenta American SUP (2026), largometraje trash e irreverente a cargo de Soy una pringada y Dani Tezla.
American SUP (2026) es un roadtrip por el Medio Oeste de Estados Unidos, grabado con una cámara de 1997, en el que la youtuber, dj, agitadora cultural y personalidad de culto de Internet Soy una pringada y Dani Tezla dirigen y protagonizan una aventura en la que no faltan apariciones estelares y escenarios imposibles: la casa de American Football, una tienda de cadáveres, la tormenta del Rainforest Cafe, un concierto de Cannibal Corpse, un sótano en Minnesota, hoteles infectos, sillas del cornudo (cuck chairs) y un hall of fame lleno de payasos. La película es una versión lo-fi del gótico americano con tintes folk, un género practicado por cineastas como George Kuchar, Harmony Korine y Sean Price Williams.
Esta sesión, asimismo, se articula con las líneas fundamentales del programa educativo equipo1821 School of SUP. Cine, arte y nihilismo en los noventa, en el que a través del cine —fundamentalmente de la década de 1990— se profundiza en diferentes prácticas artísticas underground, las culturas urbanas, los cruces del arte con la cultura popular y una suerte de ansiedad adolescente generacional como ruido de fondo.