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16 mayo, 2014 Edificio Nouvel, Auditorio 200
Suely Rolnik. Por una ética del pensamiento
Acceso: Entrada gratuita, hasta completar aforo
Del mismo modo que en Caminhando, la pieza donde Lygia Clark recorta un plano transformándolo en una cinta de Moebius, Suely Rolnik desarrolla en esta conferencia la idea de que la vida es una superficie topológica en la cual la fuerza y la forma son indisociables. El enfoque recae sobre la noción que la psicoanalista brasileña plantea del inconsciente colonial, caracterizado por la represión del saber del cuerpo en la producción del pensamiento, del deseo y de la subjetividad. Según la autora, dicha represión funda la cultura moderna occidental y constituye el elemento esencial de su empresa colonizadora desde el punto de vista micropolítico. En tal sentido, del retorno del cuerpo reprimido en el ejercicio del pensamiento dependerían la fuerza y la astucia necesarias para burlar al inconsciente colonial, que aún hoy en día estructura la subjetividad y orienta las jugadas del deseo.
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17 mayo, 2014 Edificio Nouvel, Auditorio 200
José Antonio Sánchez, Fernando Quesada, Óscar Cornago, Ixiar Rozas, Quim Pujol, Esther Belvis. Mesa redonda
Acceso: Entrada gratuita, hasta completar aforo
La dispersión ha afectado a todos los ámbitos posibles, diluyendo las fronteras entre público y privado, trabajo y ocupación, intimidad y publicidad, en los que la teatralidad desde los afectos juega un rol esencial al haber saltado de sus ámbitos tradicionales a otros en los que previamente no tenía plena validez. Frente a esta situación los discursos se mueven en ocasiones hacia nostalgias de futuro a la hora de resituar ciertos límites borrados por la lógica totalizante de la dispersión. Esta mesa, integrada por los directores del curso y miembros del grupo de investigación ARTEA, propone una puesta en común de los materiales revisados a lo largo del año sobre las redes de afecto y algunas hipótesis, como el espacio de las colaboraciones, la práctica artística desde el cuidado o la defensa de la autonomía no del arte sino de la vida.
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15, 16, 17 y 18 mayo, 2014 Edificio Nouvel, Sala de Protocolo
Presentación de proyectos, intervenciones escénicas y encuentros
Las presentaciones de los proyectos, así como los encuentros e intervenciones escénicas se enmarcan en una de las siguientes líneas de investigación:
Archivo de afectos
¿Hacer archivos para qué? ¿Qué queda más allá del inventario, se puede coleccionar la vivencia? El proyecto, coordinado por Óscar Cornago y Zara Rodríguez, es la continuación de un espacio de investigación desde las prácticas escénicas sobre las formas, de encontrarse e identificarse socialmente, el lugar de los afectos y la cultura del trabajo. El intercambio de la relación, la inmediatez del presente, la experiencia cambiante del otro y la memoria viva son algunos de los lugares desde los que replantear el sentido del archivo, la relación con la historia y la rentabilidad como principio de organización social.
Teatralidades expandidas
El curso de este año se ha dedicado a la investigación de las redes afectivas como espacio de teatralidad. El abanico de prácticas que se estudian desde diversas perspectivas es amplio: comprende experiencias de pequeño formato, laboratorios de trabajo íntimo que crean espacios personales basados en el cuidado y en los que la colonización de lo espectacular no penetra (o si lo hace se la maneja como una forma más de teatralidad con la que experimentar), talleres en los que el énfasis se coloca en la creación de un nosotros basado en el afecto, localizados en la periferia del circuito escénico.
Habitar la dispersión
Celebrada el 15, 16, 17, 18, 19 may 2014
La teatralidad, que en un tiempo pudo ser considerada como condición exclusiva de lo público, se ha expandido a ámbitos tradicionalmente considerados privados: el entorno del hogar, la amistad o las relaciones de convivencia. En paralelo, la intimidad ha desbordado estos espacios. Y es aquí donde una teatralidad de los afectos, incluso del amor, puede ser activada críticamente al servicio de la vida.
Este seminario forma parte de un proyecto trianual que explora la expansión de la acción a estos nuevos lugares: la esfera pública, la ciudad, el hogar, las redes, las escuelas y otros ámbitos educativos. Habitar la dispersión se realiza en colaboración con el proyecto Archivos de afectos, en el que desde distintas propuestas artísticas se aborda el archivo como espacio vivo de relaciones. Asimismo, culmina un programa de prácticas críticas dedicado a la investigación del cuidado como una manera alternativa de tratar lo teatral.
En colaboración con
En el marco de
Imaginarios sociales II: la idea de acción en la sociedad posindustrial. Documentación, teoría y análisis de las artes escénicas contemporáneas (HAR 2011-28767). Plan Nacional de I+D del Ministerio de Economía y Competitividad. Consejo Superior de Investigaciones Científicas
Teatralidades disidentes (HAR2012-34075). Plan Nacional de I+D del Ministerio de Economía y Competitividad. Universidad de Castilla-La Mancha
Organiza
ARTEA y Museo Reina Sofía
Programa educativo desarrollado con el mecenazgo de
Participantes
Esther Belvis. Miembro de ARTEA. Investigadora, escritora y pedagoga. Doctora en Estudios de Teatro y Performance por la Universidad de Warwick y la Universidad Autónoma de Barcelona.
Óscar Cornago. Miembro de ARTEA. Investigador del Centro de Ciencias Humanas y Sociales del Consejo Superior de Investigaciones Científicas de Madrid CSIC. En los últimos años ha coordinado los volúmenes Utopías de la proximidad en el contexto de la globalización. La creación escénica en Iberoamérica (2010), A veces me pregunto por qué sigo bailando. Prácticas de la intimidad (2012) y Manual de emergencia en prácticas escénicas. Comunidad y economías de la precariedad (2014).
Quim Pujol. Escritor, artista y comisario. Ha participado en proyectos de investigación como “Autonomía y complejidad” o “Arte y ciencia ficción” y ha colaborado en publicaciones como Artributos, Efímera, Maska o Repensar la dramaturgia. Es co-comisario de La estrategia doméstica y de la Secció Irregular del Mercat de les Flors y profesor del Programa de Estudios Independientes del MACBA.
Fernando Quesada. Miembro de ARTEA. Arquitecto y profesor titular de proyectos arquitectónicos en la Universidad de Alcalá de Henares (Madrid). Participa en el Máster en Práctica Escénica y Cultura Visual de la Universidad. Autor de los libros La Caja Mágica. Cuerpo y Escena (2005) y Del cuerpo a la red (2014).
Suely Rolnik. Docente titular de la Universidad Católica Pontificia de São Paulo, donde coordina el Núcleo de estudios transdisciplinarios de la subjetividad del Posgrado en Psicología Clínica, y profesora honoraria del Programa de Estudios Independientes del MACBA. Es autora de Micropolítica: Cartografías del Deseo (en colaboración con Félix Guattari, 2006).
Ixiar Rozas. Escritora, dramaturga e investigadora. Doctora en Bellas Artes (UPV), docente de educación artística en la Universidad de Mondragón (Guipúzcoa) y parte del equipo de trabajo de Azala. Autora de textos como Una sola noche (2004), Negutegia/ Invernario (2009).
José Antonio Sánchez. Catedrático de Historia del Arte de la Universidad de Castilla La Mancha (UCLM) y director del Máster en Práctica Escénica y Cultura Visual. Miembro de ARTEA (Madrid). Entre sus publicaciones destacan Dramaturgias de la imagen (2002) y Prácticas de lo real en la escena contemporánea (2007)
Alumnos y artistas invitados a las presentaciones de proyectos:
Tamara Ascanio, Marta Battistella, Mike Brookes, Ana Salomé Branco, Paloma Calle, Marie Capesius, Rosa Casado, Joan Casellas, Nieves Correa, Belén Cueto, María José Cifuentes, Circo Interior Bruto, Tatiana Fuentes Sadowski, Óscar G. Villegas, Ana Harcha, Lila Insúa, María Jerez, Bruno Leitao, Rosell Meseguer, Javier Núñez Gasco, Mariona Naudin, Joseph Patricio, Luciana Pereyra Agoff, Huemulita Pitrufkén, Germán de la Riva, Anto Rodríguez y Catarina Simao.
Más actividades
![Joseph Kosuth. One and Three Chairs [Una y tres sillas]](https://recursos.museoreinasofia.es/styles/small_landscape/public/Actividades/joseph_kosuth.jpg.webp)
La persona (legal) y la forma legal. Parte III
Lunes 11, miércoles 13 y jueves 14 de mayo, 2026 - Ampliado el plazo de inscripción
Como parte de Constelación de Estudios, la residencia de pensamiento anual 2025-2026, el historiador y teórico del arte Sven Lütticken imparte el seminario La persona (legal) y la forma legal: compromisos teóricos, artísticos y activistas para dialogar y profundizar en las hipótesis y preguntas que animan su proyecto de investigación.
Este proyecto, titulado Deshacer la subjetividad jurídica, deformar la abstracción legal, estudia el dominio de las abstracciones reales —como el valor de cambio y la forma legal— sobre nuestros procesos de subjetivación y se pregunta cómo las prácticas artísticas pueden abrir otras formas de representar o performar al sujeto y su condición jurídica en el mundo contemporáneo.
El seminario consta de un total de ocho sesiones, distribuidas a lo largo del curso en tres partes. La primera sesión de esta tercera parte aborda la noción de propiedad, problematizándola contra el contexto del arte conceptual. La obra de arte, su propiedad, autoría y autenticidad son replanteadas y revisadas con una actitud abierta a la confección de modelos de gestión —hipotéticos y alternativos a los actuales— que revolucionen la relación artista-obra-propietario. ¿Pueden las prácticas artísticas conceptuales servir como modelos críticos? ¿Hasta qué punto es posible pensar, actuar con ellos y extrapolarlos más allá de un bello nicho?
La segunda sesión atiende a la cuestión de la representación. Mientras que la mayoría (aunque no todas) de las personas naturales humanas pueden, en principio, representarte a sí mismas en asuntos legales, otras necesitan representantes. Esto ocurre con menores y adultos bajo custodia legal, pero también con personas «ficticias» —como corporaciones y estados—que necesitan representantes humanos para firmar acuerdos o defenderse en un juicio. La sesión aborda la representación legal en conjunción con otras formas de representación (política y cultural), atendiendo a la distinción inestable e históricamente mutable que hace Gayatry Spivak entre la representación como retrato (Darstellung) y la representación como agencia política (Vertretung).
Por último, la tercera sesión sirve de recapitulación, digestión y cierre del que ha sido el primer seminario del programa de residencia anual Constelación de Estudios.
Patricia Falguières
Martes 12 de mayo, 2026 – 19:00 h
La historiadora del arte Patricia Falguières inaugura la Cátedra María Luisa Caturla con la conferencia La historia del arte en tiempos de oscuridad. Esta cátedra, consagrada a la reflexión sobre el arte de las épocas «enfermas de incertidumbre», está dedicada a desmontar, divagar o imaginar las múltiples temporalidades y materialidades de la historia del arte desde una mirada excéntrica, desplazada, fuera del centro o con un centro diferente.
El título de la conferencia hace referencia a Hombres en tiempos de oscuridad (1968), un conjunto de ensayos escritos por Hannah Arendt cuyo título parafrasea a su vez un poema de Bertolt Brecht. En esta obra, Arendt asevera que «los tiempos de oscuridad no solo no son nuevos, sino que no son una rareza de la historia».
También para Patricia Falguières la historia conoce multitud de épocas en las que el espacio público se oscurece, momentos en los que el mundo deviene tan incierto que la gente deja de demandar a la política cualquier cosa que no sea aliviar el peso de sus intereses vitales y de su libertad individual. Especialista en arte y filosofía de la Edad Moderna, pero siempre con una mirada abierta y curiosa hacia el arte contemporáneo, Falguières propone en este encuentro un recorrido «caótico y aventurero» desde el Renacimiento hasta Fukushima para indagar en preguntas como: ¿qué puede significar hoy, en un mundo que resplandece con destellos siniestros y amenazas más siniestras aún, practicar una historia del arte más allá del entretenimiento o el adorno social? y ¿de qué intereses vitales y de qué libertad puede ser testigo e instrumento esta historia del arte?
De Viva Voz 1. Cabello/Carceller
Lunes 11 de mayo, 2026 — De 18:30 a 20:00 h
La serie fotográfica de Cabello/Carceller Sin título (Utopía) (1998) se despliega en la pared de la Sala 8 de la cuarta planta del Museo como un imponente conjunto de imágenes de distinto tamaño y formato que impregna el espacio de una suerte de melancolía política. Hace reverberar el silencio que, aún hoy, domina los discursos públicos en torno al sida. El desolador escenario que proponen las imágenes de estas piscinas, vacías y fuera de temporada, activa un relato de lucha: la respuesta de activistas y artistas frente a la gestión política de dicha pandemia.
En este encuentro con el colectivo de artistas Cabello/Carceller, en diálogo con la subdirectora artística del Museo Amanda de la Garza, se busca mantener una conversación pausada y reflexiva sobre la obra y sus lecturas, así como conocer de cerca detalles sobre su génesis y repercusión.
A golpe de sample. Experimentación sonora contra el odio
7 MAY 2026
El equipo de adolescentes del Museo, equipo1517, invita a jóvenes de 15 a 17 años a participar en esta visita-taller con Rubén H. Bermúdez y Bria, artistas con quienes sumergirse en la posibilidad de romper con las categorías y los enjuiciamientos internos y transformarlos en una reivindicación musical contra el odio.
Tras una visita a las salas de las Colecciones del Museo con el artista Rubén H. Bermúdez, el taller propone una investigación en torno al sample y la automatización de la mano de Bria, artista sonora y productora musical. A través de las técnicas de sampleo sonoro, se exploran los relatos propios de vida y ficción hacia la construcción de futuros liberadores y espacios sonoros que condenen los discursos de odio.
Para inscribirse no es imprescindible tener experiencia previa o conocimiento de herramientas informáticas musicales. Aquellas personas que manejen programas de audio digital pueden traer sus ordenadores y/o instrumentos digitales. El taller es un espacio seguro para disidencias sexo-genéricas y se articula como herramienta artística antirracista.
Esta actividad se celebra en el marco del programa CAMBIAFORMAS. Eres la posibilidad propuesto por la artista Benia Nsi para la actual edición de equipo1517.
School of SUP: sesión de cine trash
Jueves 30 de abril, 2026 – 19:00 h
El disparatado plan de estudios de School of SUP, que desarrolla el equipo1821, hace pública con esta proyección su particular muestra de trabajos de clase. Durante la sesión, se comparten tres cortometrajes grabados con cámaras analógicas, escritos, montados y protagonizados de forma colectiva por el propio alumnado al más puro estilo DIY. A continuación, se presenta American SUP (2026), largometraje trash e irreverente a cargo de Soy una pringada y Dani Tezla.
American SUP (2026) es un roadtrip por el Medio Oeste de Estados Unidos, grabado con una cámara de 1997, en el que la youtuber, dj, agitadora cultural y personalidad de culto de Internet Soy una pringada y Dani Tezla dirigen y protagonizan una aventura en la que no faltan apariciones estelares y escenarios imposibles: la casa de American Football, una tienda de cadáveres, la tormenta del Rainforest Cafe, un concierto de Cannibal Corpse, un sótano en Minnesota, hoteles infectos, sillas del cornudo (cuck chairs) y un hall of fame lleno de payasos. La película es una versión lo-fi del gótico americano con tintes folk, un género practicado por cineastas como George Kuchar, Harmony Korine y Sean Price Williams.
Esta sesión, asimismo, se articula con las líneas fundamentales del programa educativo equipo1821 School of SUP. Cine, arte y nihilismo en los noventa, en el que a través del cine —fundamentalmente de la década de 1990— se profundiza en diferentes prácticas artísticas underground, las culturas urbanas, los cruces del arte con la cultura popular y una suerte de ansiedad adolescente generacional como ruido de fondo.