El Ciclo de música experimental del Museo Reina Sofía propone una experiencia que atraviesa las fronteras —imaginarias y reales— entre lo sonoro y lo musical, entre lo festivo y lo conceptual, entre lo accesible y la experimentación. Tres fechas que dan inicio al ciclo, tres proyectos, tres universos creativos que convergen en un espacio común: el laboratorio de reflexión y vivencia estética que ofrece el Museo.
Este ciclo no pretende ser una sucesión de conciertos al uso ni un encuadre estricto de performances experimentales. Plantea, en cambio, tres encuentros que dialogan entre sí bajo el amplio paraguas del sonido, cada uno generando capas —conceptuales, sensoriales, políticas— distintas, pero con una voluntad compartida de deconstrucción, hibridación y apertura de sentido. Así, se funden lo festivo y lo crítico, los cruces entre visualidad y paisaje sonoro, las alianzas colaborativas y la potencia poética de la escucha profunda.
Tres días, tres formas de disolver límites: del museo a la pista, del objeto sonoro al campo audiovisual y del entorno a la experiencia interna; y siempre con el sonido y la música en el centro. El ciclo es una apertura al espectro expandido de lo sonoro: una invitación al público a escuchar lo infrecuente, atreverse a la hibridación y celebrar la potencia de lo que ocurre entre la música, el sonido, lo visual y lo performativo.
Comisariado
Pedro Portellano
Organiza
Museo Reina Sofía
Las actividades de este programa
Francisco López & Barbara Ellison
Actividad pasada
La tercera jornada del ciclo reúne a dos referentes internacionales del arte sonoro en una misma velada, con dos performances independientes que dialogan en su proximidad. Barbara Ellison abre la noche con una propuesta centrada en lo perceptivamente ambiguo y lo fantasmático, donde voces, sonidos y materiales se transforman en presencias espectrales.
Tras ella, Francisco López, el artista sonoro español de mayor proyección internacional, presenta una de sus inmersiones radicales en la escucha profunda. Su propuesta es una invitación a sumergirse en la materia del sonido como experiencia transformadora.
Esta doble cita plantea un encuentro entre dos artistas que, desde perspectivas diferentes, comparten una misma búsqueda: la de abrir el oído hacia territorios donde lo sonoro se convierte en fuerza poética y en espacio de resistencia.
Ylia & Marta Pang
Actividad pasada
El encuentro entre la productora y DJ española Ylia y la artista visual Marta Pang se presenta como un estreno en el Museo Reina Sofía. Ambas creadoras llegan desde trayectorias distintas para dar forma a un proyecto nuevo concebido específicamente para este ciclo. Ciclo que tiene como objetivo crear nuevos proyectos escénicos a partir de la fricción entre artistas y el diálogo entre disciplinas.
Jokkoo Collective
Actividad pasada
En el contexto del Museo Reina Sofía, Jokkoo propone un takeover que traslada la energía del club al Museo, resignificando el espacio institucional como un lugar para bailar, pensar y compartir. Sus intereses atraviesan cuestiones LGTBIQ+, la crítica poscolonial y la reivindicación de genealogías invisibilizadas en la historia de la música. Lo que en apariencia nace como un gesto festivo se convierte, en sus manos, en un laboratorio social y artístico donde lo corporal, lo político y lo estético se funden por momentos.
Participantes
Jokkoo Collective
es un colectivo artístico y musical con sede en Barcelona que trabaja desde la intención y la necesidad de investigar y difundir la creación más contemporánea y futurista de las escenas experimentales y alternativas del continente africano, su diáspora y sus comunidades aliadas en todo el mundo. Crean conexiones y espacios para dar plataforma a estéticas y narrativas disidentes. Su propuesta se mueve entre el club y el pensamiento crítico, desarrollando una intensa actividad como DJ, productores y programadores, situándose en el corazón de una comunidad que entiende la música como un lugar de resistencia y afirmación. El colectivo cuenta con seis personalidades distintas con objetivos comunes, Baba Sy, Maguette Dieng (Mbodj), Oscar Taylor (Opoku), Nicolas Beliot (Mooki6), Ismäel N’diaye (B4mba) y Miriam Camara (TNTC).
Barbara Ellison
es una artista que trabaja desde la ambigüedad perceptiva —lo fantasmático, lo phantom— desplegando materiales con doble naturaleza: voces transhumanas e instalaciones rituales. Su trabajo se adentra en territorios que exploran lo inasible y lo ritual, expandiendo los límites de lo sonoro hacia experiencias que habitan la frontera entre lo visible y lo inaudito. Sus creaciones han tenido una proyección internacional y abarcan la composición, la producción fílmica, las instalaciones, la escultura, el dibujo y la performance.
Ylia,
creadora española cuya trayectoria atraviesa múltiples territorios de la música electrónica, es una de las voces más singulares y prolíficas de la electrónica española contemporánea. Despliega un imaginario sonoro que va de la sutileza ambiental a la intensidad rítmica, siempre con una sensibilidad especial para la colaboración y la escucha. Con un recorrido artístico que transita entre la experimentación electrónica, la composición contemporánea y la cultura de club, ha llevado su música a festivales de referencia como Sónar, Primavera Sound, Mutek o MIRA, además de firmar proyectos multidisciplinares para el teatro y la danza o la creación de bandas sonoras para cine.
Marta Pang,
artista visual nacida en Hong Kong y residente en Berlín, aporta una mirada escenográfica y generativa que dialoga con lo sonoro a través de imágenes vivas, texturas digitales y composiciones que amplían el espacio perceptivo. Su universo visual bebe de las tecnologías creativas y la generación algorítmica. Especializada en visuales generativos y piezas audiovisuales reactivas al sonido, Pang ha mostrado su trabajo tanto en la escena más underground, con artistas como Om Unit, como en escenarios internacionales de gran alcance, acompañando las giras de Post Malone o Travis Scott. Sus obras también se pueden disfrutar en festivales y galerías de arte digital como Beyond Basel, Bideotikan o Art in Space Gallery (Dubái).
Francisco López
es una de las figuras más relevantes dentro del panorama actual de la música experimental y el audio art. Cuenta con una trayectoria en el campo de la creación sonora de más de cuatro décadas, abarcando grabaciones de campo, performances e instalaciones que transforman el espacio en un entorno sensorial absoluto. Su propuesta es una invitación a sumergirse en la materia del sonido como experiencia transformadora. Creador de cientos de instalaciones sonoras y conciertos-performance en unos setenta países en salas de conciertos, festivales, galerías de arte y museos, como el Museo de Bellas Artes de Buenos Aires, el PS1 de Nueva York, el Museo de Arte Moderno de París y el Museo Reina Sofía, entre otros.
Pedro Portellano
es programador cultural y músico. Ha comisariado ciclos para instituciones como el Museo Reina Sofía, Museo Thyssen-Bornemisza, Centro Conde Duque, Studio Tomás Saraceno, Veranos de la Villa o La Casa Encendida, entre otras. Formó parte del equipo de la Red Bull Music Academy en Madrid, fue director de la Nave de Música de Matadero Madrid y es cofundador del festival audiovisual RAYO en Cineteca.
Próximas actividades
In situ. African Guernica, de Dumile Feni
De lunes a sábados, del 1 de abril al 22 de septiembre, 2026 – Consultar horarios
In situ es un nuevo formato de mediación en sala que, en lugar de proponer una visita al uso o un itinerario, invita a una conversación cercana y pausada con el personal de Educación para compartir detalles y activar reflexiones abiertas en torno a distintas obras, artistas o salas del Museo.
En esta ocasión, la atención se centra en African Guernica [Guernica africano], una obra creada en 1967 por el artista sudafricano Dumile Feni en el contexto de violencia estatal y opresión racial institucionalizada del apartheid. El monumental dibujo de Dumile Feni se expone por primera vez fuera de Sudáfrica y lo hace en diálogo con otro gran alegato contra la violencia y el antiautoritarismo, Guernica, la icónica obra de Pablo Picasso en la que se inspiró, pintada treinta años antes.
Mediaciones del archivo: arte, comunidad y acción política
Martes 7 y jueves 23 abril, 2026 – 17:00 h
El seminario online Mediaciones del archivo: arte, comunidad y acción política, comisariado por Sofía Villena Araya, aborda el papel de las prácticas archivísticas en el cuidado, la dignificación y la activación de la memoria en Centroamérica. Como parte de la primera línea de investigación del Instituto Cáder de Arte Centroamericano (ICAC), animada por la pregunta «¿Qué historias del arte produce Centroamérica?», este seminario propone un acercamiento al archivo como mediador que articula relaciones entre arte, comunidad y acción política, incorporando la problematización historiográfica que sus cruces plantean.
Aunque la propuesta no se limita a la discusión sobre el istmo centroamericano, sí se plantea desde las condiciones particulares que ha asumido la construcción de memoria en la región. Se trata de un territorio vulnerable a los desastres naturales y geológicos, marcado por una violencia política ejercida por estados autoritarios e instituciones fragilizadas, un persistente legado colonial e imperial, y la fragmentación social producto de todo lo anterior. Es también un contexto donde el archivo no necesariamente remite a un lugar específico —un edificio, un fondo documental— ni responde predominantemente a los protocolos de una disciplina como la archivística. Más bien, el interés reside en explorar cómo el archivo opera, desde el arte, como dispositivo que estrecha vínculos, genera pertenencias y abre espacios de acción política.
El encuentro se desarrolla en dos sesiones, una primera dedicada a la práctica de archivo en torno a cuestiones de memoria, violencia y guerra, y una segunda en la que se estudian las prácticas comunitarias en torno a archivos sexodisidentes. Ante la destrucción sistemática de memorias, las prácticas archivísticas abordadas en estas sesiones ejemplifican cómo el archivo emerge en otros lugares y con otras lógicas. En este marco, el espacio de intercambio e investigación propuesto explora el papel del arte como medio productivo para la construcción de archivos desde la imagen, los afectos, lo íntimo, lo performativo, el cuerpo, la oralidad y la ficción, así como materialidades otras que desafían la centralidad del documento y la escritura.
Tras el muro, ¡la playa!
12, 19 ABR 2026
¿Dónde habita la esperanza en una guerra? Tras el muro, ¡la playa! es la visión de un mundo mejor a través de los ojos de la infancia en Palestina. Una experiencia que se aborda en este programa a través de un conjunto de películas procedentes de este país en conflicto, tanto de ficción como de animación. En la apreciación adulta, la guerra encuentra una justificación de carácter político y moral. En cambio, la mirada de la infancia derriba cualquier lógica ante la barbarie y muestra la tragedia bélica como un error sin justificación. Frente a la destrucción adulta, la infancia siempre reafirma la vida en su plenitud.
La selección de cineastas de origen palestino que se presentan, Ibrahim Handal, Tariq Rimawi, Firas Khoury, Rami Abbas, Nisreen Yaseen y Haneen Koraz, son un buen ejemplo en este sentido. Ibrahim Handal se ha erigido como una de las voces emergentes del joven cine palestino. Su obra se centra en la cotidianidad, la identidad y la resistencia con un trabajo que, aun partiendo de lo real, juega entre el documental de creación y la ficción. Por su parte, Firas Khoury es un reconocido director palestino que ha contribuido a expresar cómo sería la vida normalizada de la niñez en Palestina, al mostrar la realidad de cualquier infancia. Ambos cineastas consiguen quitar el velo del prejuicio al igualar la vida de un menor palestino a la de cualquier otro en un país en paz.
La presentación del ciclo cuenta con la presencia de Rami Abbas, cineasta de origen palestino con formación en Siria y actualmente residente en Madrid. Su trabajo es un ejemplo más de la diáspora, pero de igual forma, de la memoria y la resistencia. Hide & Seek (2024) refleja esa dimensión del éxodo y, sobre dicha experiencia, la protección a los seres más vulnerables.
A su vez, Nisreen Yaseen transmite una visión del tránsito de la infancia a la adolescencia en la que se diluye el ruido de la guerra, mientras que el galardonado corto animado Zoo (2022), de Tariq Rimawi, es una obra estética de enorme calado simbólico que expone la oposición entre la opresión y la libertad.
Por último, Haneen Koraz ha llevado a cabo todo su trabajo desde los campos de refugiados en la franja de Gaza. Esta realizadora ha dado voz, a través de talleres de cine de animación, a menores, madres y familias. A day in the Tent [Un día en la tienda de campaña, 2024] es una muestra cinematográfica de resiliencia y verdad que permite al pueblo gazatí transmitir al mundo lo que supone vivir bajo las bombas. Y es solo a través de la mirada de la infancia, de sus dibujos, como se muestra esta realidad sin prejuicios.
Familias desviadas
Jueves 9 de abril, 2026 - 18:30
Este ciclo está organizado por equipoMotor, un grupo de adolescentes, jóvenes y personas mayores que ha participado en proyectos comunitarios educativos del Museo Reina Sofía. El programa se articula en cuatro bloques temáticos en torno a la idea de lo monstruoso.
Esta sesión mira al cine como un espacio donde poder verse reflejadas y reflejados. Las personas participantes del grupo han querido elegir una pieza que permita al público conocer un poco mejor quiénes son y cómo trabajan juntas. En Salir del aula. Un día sin profes (Luz Broto Lema, 2017) un grupo de estudiantes decide abandonar el instituto durante un día. A partir de ese gesto sencillo aparece una pregunta sobre las normas que organizan una institución, sobre quién decide cómo se habita y sobre qué ocurre cuando esas reglas se suspenden.
La pieza coloca el conflicto en el centro y propone un detonante claro: «¿y si…?». ¿Y si durante un día no hubiera profesorado? ¿Qué tipo de relaciones, acuerdos o tensiones aparecerían? Desde ahí se abre una reflexión sobre las estructuras de poder presentes en espacios como un instituto, pero también en otros lugares institucionales, como puede ser un museo.
El título de la sesión, Familias desviadas, recoge otra de las preguntas que atraviesan el trabajo de equipoMotor: ¿qué ocurre cuando la idea tradicional de familia se desplaza y aparecen otras formas de organizar los afectos? En lugar de una estructura fija o jerárquica, el grupo ensaya formas de relación más circulares, asamblearias y abiertas, donde las decisiones se toman colectivamente y donde caben distintas edades, trayectorias y modos de estar.
La propia curaduría de esta sesión responde a esa lógica. El proceso ha sido colectivo, fragmentario y experimental, cercano a una forma frankensteiniana de organizarse: juntar piezas, probar combinaciones, discutirlas en grupo y volver a ensamblarlas. Un método que combina lo serio con lo lúdico y lo crítico con lo afectuoso.
Siguiendo el impulso que plantea la película, equipoMotor se hace una última pregunta que atraviesa toda la sesión: ¿y si el museo pudiera ser también un poco más Frankenstein, más afectuoso y más desviado?
![Nan Goldin, Picnic on the Esplanade, Boston [Picnic en el muelle, Boston]](https://recursos.museoreinasofia.es/styles/small_landscape/public/Actividades/AD03442_2.jpg.webp)
RECREO #2. Mirar y narrar. Arte contemporáneo e identidad
Miércoles, 8 de abril, 2026 - 17:30 h
A lo largo de tres sesiones, esta nueva edición del ciclo formativo online RECREO pretende aportar al profesorado estrategias didácticas de aproximación a la nueva presentación de las Colecciones del Museo Colección. Arte Contemporáneo: 1975 – Presente. Concebido como un recurso para personas de todo el territorio, independientemente de si pueden acudir presencialmente al Museo o no, RECREO #2 busca llevar a las aulas parte de las propuestas y contenidos del Itinerario I. Una historia de los afectos en el arte contemporáneo. Así, Mirar y narrar. Arte contemporáneo e identidad invita a explorar las Colecciones desde la idea de identidad como un proceso en constante construcción. A través de diferentes obras, se explora cómo algunas figuras del arte contemporáneo reflexionan sobre la representación del yo, la memoria, la experiencia personal y las identidades individuales y colectivas.
Las piezas seleccionadas permiten pensar la identidad como algo cambiante, influido por factores como las relaciones personales, la experiencia vital, la cultura, la sociedad o el contexto político. A partir de estas obras, se proponen estrategias para trabajar en el aula desde diversas disciplinas o asignaturas aspectos como el autoconocimiento, la expresión personal y la construcción de narrativas propias a través del arte.
Este taller forma parte del ciclo de formación online para profesorado RECREO, organizado por el Área de Educación del Museo Reina Sofía en diálogo con el colectivo Cápsula Cultura. RECREO combina la reflexión con propuestas prácticas adaptables a distintos niveles y contextos de enseñanza, además de fomentar el intercambio de experiencias entre docentes.