El Ciclo de música experimental del Museo Reina Sofía propone una experiencia que atraviesa las fronteras —imaginarias y reales— entre lo sonoro y lo musical, entre lo festivo y lo conceptual, entre lo accesible y la experimentación. Tres fechas que dan inicio al ciclo, tres proyectos, tres universos creativos que convergen en un espacio común: el laboratorio de reflexión y vivencia estética que ofrece el Museo.
Este ciclo no pretende ser una sucesión de conciertos al uso ni un encuadre estricto de performances experimentales. Plantea, en cambio, tres encuentros que dialogan entre sí bajo el amplio paraguas del sonido, cada uno generando capas —conceptuales, sensoriales, políticas— distintas, pero con una voluntad compartida de deconstrucción, hibridación y apertura de sentido. Así, se funden lo festivo y lo crítico, los cruces entre visualidad y paisaje sonoro, las alianzas colaborativas y la potencia poética de la escucha profunda.
Tres días, tres formas de disolver límites: del museo a la pista, del objeto sonoro al campo audiovisual y del entorno a la experiencia interna; y siempre con el sonido y la música en el centro. El ciclo es una apertura al espectro expandido de lo sonoro: una invitación al público a escuchar lo infrecuente, atreverse a la hibridación y celebrar la potencia de lo que ocurre entre la música, el sonido, lo visual y lo performativo.
Comisariado
Pedro Portellano
Organiza
Museo Reina Sofía
Las actividades de este programa

Francisco López & Barbara Ellison
Jueves 11 de diciembre, 20:00 h
La tercera jornada del ciclo reúne a dos referentes internacionales del arte sonoro en una misma velada, con dos performances independientes que dialogan en su proximidad. Barbara Ellison abre la noche con una propuesta centrada en lo perceptivamente ambiguo y lo fantasmático, donde voces, sonidos y materiales se transforman en presencias espectrales.
Tras ella, Francisco López, el artista sonoro español de mayor proyección internacional, presenta una de sus inmersiones radicales en la escucha profunda. Su propuesta es una invitación a sumergirse en la materia del sonido como experiencia transformadora.
Esta doble cita plantea un encuentro entre dos artistas que, desde perspectivas diferentes, comparten una misma búsqueda: la de abrir el oído hacia territorios donde lo sonoro se convierte en fuerza poética y en espacio de resistencia.

Ylia & Marta Pang
Jueves 6 de noviembre, 20:00 h
El encuentro entre la productora y DJ española Ylia y la artista visual Marta Pang se presenta como un estreno en el Museo Reina Sofía. Ambas creadoras llegan desde trayectorias distintas para dar forma a un proyecto nuevo concebido específicamente para este ciclo. Ciclo que tiene como objetivo crear nuevos proyectos escénicos a partir de la fricción entre artistas y el diálogo entre disciplinas.
Participantes
Jokkoo Collective
es un colectivo artístico y musical con sede en Barcelona que trabaja desde la intención y la necesidad de investigar y difundir la creación más contemporánea y futurista de las escenas experimentales y alternativas del continente africano, su diáspora y sus comunidades aliadas en todo el mundo. Crean conexiones y espacios para dar plataforma a estéticas y narrativas disidentes. Su propuesta se mueve entre el club y el pensamiento crítico, desarrollando una intensa actividad como DJ, productores y programadores, situándose en el corazón de una comunidad que entiende la música como un lugar de resistencia y afirmación. El colectivo cuenta con seis personalidades distintas con objetivos comunes, Baba Sy, Maguette Dieng (Mbodj), Oscar Taylor (Opoku), Nicolas Beliot (Mooki6), Ismäel N’diaye (B4mba) y Miriam Camara (TNTC).
Barbara Ellison
es una artista que trabaja desde la ambigüedad perceptiva —lo fantasmático, lo phantom— desplegando materiales con doble naturaleza: voces transhumanas e instalaciones rituales. Su trabajo se adentra en territorios que exploran lo inasible y lo ritual, expandiendo los límites de lo sonoro hacia experiencias que habitan la frontera entre lo visible y lo inaudito. Sus creaciones han tenido una proyección internacional y abarcan la composición, la producción fílmica, las instalaciones, la escultura, el dibujo y la performance.
Ylia,
creadora española cuya trayectoria atraviesa múltiples territorios de la música electrónica, es una de las voces más singulares y prolíficas de la electrónica española contemporánea. Despliega un imaginario sonoro que va de la sutileza ambiental a la intensidad rítmica, siempre con una sensibilidad especial para la colaboración y la escucha. Con un recorrido artístico que transita entre la experimentación electrónica, la composición contemporánea y la cultura de club, ha llevado su música a festivales de referencia como Sónar, Primavera Sound, Mutek o MIRA, además de firmar proyectos multidisciplinares para el teatro y la danza o la creación de bandas sonoras para cine.
Marta Pang,
artista visual nacida en Hong Kong y residente en Berlín, aporta una mirada escenográfica y generativa que dialoga con lo sonoro a través de imágenes vivas, texturas digitales y composiciones que amplían el espacio perceptivo. Su universo visual bebe de las tecnologías creativas y la generación algorítmica. Especializada en visuales generativos y piezas audiovisuales reactivas al sonido, Pang ha mostrado su trabajo tanto en la escena más underground, con artistas como Om Unit, como en escenarios internacionales de gran alcance, acompañando las giras de Post Malone o Travis Scott. Sus obras también se pueden disfrutar en festivales y galerías de arte digital como Beyond Basel, Bideotikan o Art in Space Gallery (Dubái).
Francisco López
es una de las figuras más relevantes dentro del panorama actual de la música experimental y el audio art. Cuenta con una trayectoria en el campo de la creación sonora de más de cuatro décadas, abarcando grabaciones de campo, performances e instalaciones que transforman el espacio en un entorno sensorial absoluto. Su propuesta es una invitación a sumergirse en la materia del sonido como experiencia transformadora. Creador de cientos de instalaciones sonoras y conciertos-performance en unos setenta países en salas de conciertos, festivales, galerías de arte y museos, como el Museo de Bellas Artes de Buenos Aires, el PS1 de Nueva York, el Museo de Arte Moderno de París y el Museo Reina Sofía, entre otros.
Pedro Portellano
es comisario y gestor cultural madrileño y trabaja en la intersección entre la música y las artes visuales. En su faceta de programador musical ha formado parte del equipo de la Red Bull Music Academy de Madrid y ha desarrollado ciclos como Espacio acústico en el Museo Reina Sofía o el Festival PIEL en Matadero Madrid. Como comisario asociado, promueve un contexto para la música en el Centro de Cultura Contemporánea Condeduque a través de la programación regular de conciertos, talleres y clases magistrales.
Próximas actividades

equipo1821
Jueves alternos, 30 de octubre, 2025 - 4 de junio, 2026 - 17:30 h
Coincidiendo con el inicio del curso escolar 2025-26, abre sus puertas School of SUP, un nuevo centro educativo que ocupa los espacios del Museo Reina Sofía para emprender un viaje al lado maldito y oscuro de la cultura popular y el arte de la década de los noventa. Bajo la jefatura de estudios de Soy una pringada, y al más puro estilo de Jack Black en School of Rock, las asignaturas de este instituto proponen clases divertidas, sesiones temáticas, salidas fuera del aula, experiencias inmersivas y muchas más fantasías. Si eres el tipo de estudiante que disfrutaba como «un cerdo en el barro» un día de verano cuando tu profe entraba a clase con el carrito de la tele para poner una peli, esta es tu escuela.
En sesiones quincenales entre octubre y junio, School of SUP invita a jóvenes de entre 18 y 21 años a ponerse de nuevo el uniforme escolar para meter la cabeza de lleno en el tabú de los artistas malditos, una estirpe de almas geniales que vivió, sufrió, creó y murió bajo la sombra de Nietzsche y dejó como legado algunas de las mayores joyas —algunas secretas— del cine, la música, la literatura, el arte y la cultura popular.
Se convoca a un grupo de quince almas perdidas a viajar a los noventa, una década icónica y maldita en la que muchas pelis y canciones hablaron del deseo irrefrenable de acabar con todo. Desde la intimidad de las cuatro paredes de un aula en el sótano del Museo, Soy una pringada pregunta en voz alta: «¿Qué lleva a alguien a perder la fe en todo lo que le rodea? ¿Por qué nacemos si no hay lugar en el mundo para nosotros? ¿Qué pasó en los noventa, la época donde la depresión se hizo mainstream y se tornó un producto que se vendía como panes? ¿Qué les picó para que calmasen el dolor y los gritos internos a base de autodestrucción y canciones tristes?» Frente a estas preguntas incómodas, en School of SUP se exploran y comparten aquellas cosas que, literalmente, nos salvan la vida.

Christian Nyampeta y la École du soir
13, 14, 15 NOV, 11, 12, 13 DIC 2025
Christian Nyampeta es un artista, músico y cineasta ruandés cuyo trabajo aborda pedagogías y formas comunitarias de producción y transmisión del conocimiento. Su Ècole du soir (la escuela vespertina) es un proyecto artístico concebido como un espacio móvil de aprendizaje colectivo. El nombre rinde homenaje a Ousmane Sembène (1923-2007), pionero del cine africano, quien definía sus películas como una «escuela vespertina» para el pueblo, un medio de educación y emancipación a través de la cultura.
Este bloque cuenta con tres sesiones con pase doble: la obra en vídeo de Christian Nyampeta, las películas de la École du soir y un largometraje de Ousmane Sèmbene. Todos los primeros pases son introducidos por el artista.

DES/ARRAIGO
11, 12, 13, 14, 15, 16 NOV 2025
El Museo Reina Sofía y el Museu d’Art Contemporani de Barcelona (MACBA) lanzan la convocatoria para la edición 2025 de la School of Common Knowledge (Escuela de los conocimientos comunes), que se celebra del 11 al 16 de noviembre en Madrid y Barcelona.
El proyecto School of Common Knowledge (SCK) surge de las experiencias, redes y saberes de L’Internationale, una confederación de museos, organizaciones artísticas y universidades que busca reimaginar y practicar el internacionalismo, la solidaridad y la comunalidad dentro del sector cultural. Este año, el programa de la SCK aborda el campo de fricciones interpretativas que las nociones de arraigo y desarraigo abren en el marco de los desafíos —coloniales, migratorios y ecológicos— actuales.
Tomando como punto de partida el legado del Glossary of Common Knowledge y el actual programa europeo Museum of the Commons, la SCK invita a las personas participantes a reflexionar sobre el poder del lenguaje para configurar nuestra comprensión del arte y la sociedad, a través de metodologías de coaprendizaje. Su ambición es ser a la vez nómada y situada, abordando situaciones culturales y geopolíticas específicas, a la vez que se exploran sus relaciones e interdependencias con el resto del mundo.
En este presente marcado por el militarismo y la guerra, la criminalización de la migración y el hiperidentitarismo, los conceptos de pertenencia y no-pertenencia se vuelven inestables, demandando una reflexión colectiva que podría partir de las siguientes preguntas:
¿Cómo podemos reformular el sentido y la práctica de pertenencia a un contexto alejándonos de los reductivos paradigmas nacionalistas o de la violencia del desplazamiento? ¿Cómo sostener críticamente el entrelazamiento entre las rutas coloniales y las raíces culturales de las que formamos parte? ¿Qué hacemos con los legados tóxicos que heredamos, y con las genealogías y prácticas emancipadoras con las qué elegimos alinearnos? ¿Puede una práctica renovada de arraigo planteada a través de la construcción de coaliciones desde la afinidad formar parte de un proceso de desidentificación? ¿Qué geografías —culturales, artísticas, políticas— designan estas prácticas de descentramiento, (des)arraigo, (no)pertenencia y (des)alineamiento?
Partiendo de estos planteamientos, el programa de la escuela incluye una serie de visitas a iniciativas cuya práctica aborda estas cuestiones desde una perspectiva situada (como Museo Situado, Paisanaje o La Cocina del MACBA, entre otras); exposiciones y proyectos en curso (Proyectar un planeta negro: El arte y la cultura de Panáfrica); una conferencia inaugural a cargo de Stefano Harney y Fred Moten, así como sesiones diarias de lectura y debate, sesiones de cosecha editorial y momentos de convivencia colectiva.

Residencias Joaquim Jordà 2025
Viernes 7 de noviembre, 19:00 h
En esta actividad, los galardonados de la convocatoria 2024-2025 de las Residencias Joaquim Jordà, María Aparicio (Argentina, 1992) y Andrés Jurado (Colombia, 1980), presentan sus proyectos en relación con su corpus artístico. Una sesión abierta en la que descubrir los intereses creativos de dos de los cineastas independientes más prometedores de América Latina en la actualidad.
María Aparicio presenta el proceso de trabajo de su película De sol a sol, que acompaña a su vez con un breve recorrido por las películas que anteceden el proyecto y las búsquedas cinematográficas que viene realizando en los últimos años. Aparicio sintetiza el argumento de De sol a sol a partir de las siluetas de un grupo de hombres que asoman entre las ramas de un cañaveral. El sol sobre sus cuchillos produce destellos que aparecen y desaparecen según el movimiento de sus manos; los aprendices fraccionan las cañas sin un método, los experimentados cortan con destreza. Son trabajadores de un ingenio azucarero del norte argentino y quien los mira es Juan Bialet Massé, acompañado por Rosich, asistente y fotógrafo. Es la Argentina de 1904 y ese hombre cumple una misión que el gobierno de su país le encomendó: recorrer las provincias argentinas para revelar el estado de las clases trabajadoras.
Por su parte, durante la sesión, Andrés Jurado realiza un recorrido por sus trabajos y los de La Vulcanizadora, su productora. Asimismo, abre el archivo del proceso de investigación del proyecto Tonada, un viaje por la espiral de las traiciones a los acuerdos de paz en la historia de Colombia. Desde la época colonial, entendida como una turbulencia, un huracán que todavía sigue girando, hasta los tiempos actuales, rastrea las historias de quienes, como Tacurrumbí, Benkos Biohó, Bateman y tantas mujeres y hombres fueron traicionados por gobiernos y opresores. La película busca construir un diálogo sonoro y cinematográfico entre el desarme guerrillero de 1953 y el periodo posterior al acuerdo de paz de 2016. Tonada conjura este y otros acontecimientos y enfrenta los traumas de la traición a través de una composición cinematográfica pensada para ser cantada. ¿Y qué canta? En esta presentación se escuchan algunos de estos cantos y se comparten algunas voces.
Las Residencias Joaquim Jordà son un programa de estancias para cineastas y artistas iniciado por el Museo Reina Sofía en el año 2022. La iniciativa consiste en una beca para la escritura de un proyecto fílmico de carácter experimental y ensayístico, así como dos estancias posteriores en FIDMarseille y Doclisboa, dos festivales internacionales dedicados a explorar el cine de no-ficción y las nuevas formas de expresión en el audiovisual.
![Carol Mansour y Muna Khalidi, A State of Passion [Estado de pasión], 2024, película](https://recursos.museoreinasofia.es/styles/small_landscape/public/Actividades/palestine%20cinema%20day%202.jpg.webp)
Palestine Cinema Days
Sábado 1 de noviembre, 2025 – 19:00 h
El Museo Reina Sofia se une a la acción global de apoyo a Palestina con la proyección de A State of Passion [Estado de pasión, 2024] de Carol Mansour y Muna Khalidi. Esta película documental está incluida en Palestine Cinema Days Around the World, un festival anual celebrado globalmente, cada mes de noviembre, con el objetivo de mostrar cine realizado en Palestina al público internacional. La iniciativa se concibe como una forma de resistencia cultural que persigue dar voz a artistas de Palestina, cuestionar narrativas dominantes y generar redes de solidaridad con el pueblo palestino.
Palestine Cinema Days Around the World tiene su origen en Palestine Cinema Days, un festival organizado en Palestina desde 2014 con la idea de visibilizar el cine palestino y de apoyar a la comunidad fílmica local. En 2023 el festival fue pospuesto debido a la guerra de Gaza y, desde entonces, ha cobrado una dimensión sin fronteras, con una muestra en 2024 de cerca de 400 proyecciones internacionales en casi sesenta países. Este esfuerzo global es una muestra de solidaridad con Palestina y una amplificación de las voces y redes de apoyo al pueblo palestino en todo el mundo.
A State of Passion expone las atrocidades cometidas contra la población en Gaza a través del testimonio del doctor palestino-británico Dr. Ghassan Abu Sittah. Un cirujano plástico en Londres que toma la decisión de volver a Gaza y salvar vidas en los hospitales de la ciudad, en medio del bombardeo indiscriminado del ejército israelí contra la población. Una película necesaria que expone en primera persona la experiencia de cuarenta y tres días trabajando 24 horas sin descanso en los hospitales Al Shifa y Al Ahli de la ciudad de Gaza.
