Mirtha Dermisache, Lectura Pública 7, 2006. Museo Reina Sofía
Depósito indefinido de la Fundación Museo Reina Sofía, 2020 (Donación de Juan Alejandro Larumbe y Leonor Cantarelli, Legado Mirtha Dermisache)
Clínica 2628 es un proyecto de acompañamiento y puesta en común de escrituras que nace con la intención de ofrecer un espacio y unos tiempos sostenibles para el trabajo de investigación en arte y cultura. En el contexto de una academia cada vez menos receptiva a las formas en que el pensamiento ocurre y es expresado, quiere rescatar lo académico de su captura neoliberal para recuperar la alianza entre precisión e intuición, trabajo y deseo. También quiere devolver la escritura al común que la hace posible a través de un trabajo de seguimiento de procesos y colectivización de ideas, posiciones, referencias y estrategias.
La propuesta, que resulta de la colaboración entre la Dirección de Estudios del Museo Reina Sofía y el grupo de investigación Artea a través del proyecto i+D Experimenta, se concreta en tres ediciones anuales, concebidas como un espacio de experimentación, discusión y muestra de haceres de escritura críticos con los que propone la academia hoy.
¿Qué fuerzas, formas y procesos se ponen en juego al escribir sobre arte y estética? En la academia, en los museos y en otras instituciones culturales la práctica de la escritura se ve atravesada por lógicas productivistas que ponen en riesgo los ritmos de la investigación y la experimentación. La imposición cientificista implicada en la estructura del paper o la cuantificación de resultados que exigen los criterios de calidad y visibilidad higienizan, de entrada, la rugosidad propia de una escritura entendida desde lo concreto de su lengua: las resistencias fónicas, gráficas, sintácticas y gramaticales que conectan a quien usa esa lengua con la comunidad que esta une y activa. Higienizan también la rugosidad implicada en el mismo deseo de escribir, los caminos intuitivos, claros y confusos que de nuevo conectan a quien escribe con quienes leyeron y escribieron así, participando de un bien común que se descubre y se produce al mismo tiempo.
La progresiva mercantilización del saber puesta en marcha por el capitalismo cognitivo aleja cada vez más la investigación y la producción de conocimiento de las obras, los lenguajes y las prácticas artísticas. Los trabajos de comisariado y archivo, la crítica, las performances o los ensayos contaban con un horizonte de posibilidades formales, emocionales y de imaginación mucho más amplio cuando no se desarrollaban en condiciones de competitividad, indexación o impacto. ¿Sería posible hoy retomar aquellos haceres de manera no nostálgica sino crítica, esto es, recuperar por las formas, y por las formas escritas, la cercanía entre el pensamiento de arte y sus objetos? ¿Cómo escribir de otro modo, a otro ritmo, con no más exigencias que las que una obra de arte lanza a las diferentes formas de ver, de leer, de estar en el mundo?
Dirección y acompañamiento
Erea Fernández y Arantxa Romero
Coordina
Ana Vidal González y Lola Visglerio Gómez
Organiza
Museo Reina Sofía y ARTEA
Organiza
EXPERIMENTA. Proyecto PID2023-148236NB-C21. Financiado por la Agencia Estatal de Investigación (AEI-MICIU) 10.13039/501100011033 y por FEDER, UE
Clínica año 1. Ilegibilidad
Llamada a escrituras
La primera edición de Clínica 2628 gira en torno a la idea de ilegibilidad, entendida como resistencia de los lenguajes artísticos a ser absorbidos por los significados y en consecuencia como afirmación de las formas. Unas formas que, al no referir un mensaje unívoco e inmediatamente descifrable, ponen en marcha un proceso de producción de sentido que compromete creativamente a todo el entorno implicado en la experiencia estética.
Esta manera de entender la ilegibilidad se apoya, por un lado, en las prácticas de las vanguardias y en las propuestas intermedia y conceptuales que toman la escritura por su performatividad gráfica (Mallarmé, Ferrari, Hatherly, Broodthaers, Michaux, Ullán). Se apoya, por otro lado, en la tradición teórica del desvío, que pone en diálogo las propuestas formalistas (Shklovski), estructuralistas (Jakobson o Lotman) y posestructuralistas (Deleuze, Derrida, Lacan, Barthes, Kristeva o Wittig) para producir, sobre todo a partir de los años setenta del siglo pasado, una red conceptual en la que nociones como diferencia, suplemento, deslizamiento, goce o disidencia apuntan a una estrecha relación entre estética y ontología, toda vez que el arte se concibe como una vía no solo de acceso y comprensión, sino también de producción y transformación de la realidad.
Esta red de pensamiento se extiende hasta la contemporaneidad para considerar el papel del arte y la escritura respecto a la actual fase colonial-extractivista del capitalismo. En este sentido operan nociones como las de «necroescritura» (Cristina Rivera Garza), «envoltura» y «síncope» (Isabel de Naverán), «analírica» (María Salgado) o «dificultad» (Erea Fernández). En el mismo sentido, y confiando en la posibilidad de confundir la práctica y la teoría del arte, resultan interesantes, entre muchas otras, las piezas de Theresa Hak Kyung Cha, Hélène Cixous, Fred Moten, Lyn Hejinian o Cecilia Vicuña.
Desde estas coordenadas y deseos, la clínica se configura como un espacio de trabajo estructurado alrededor de tres ejes:
- Seguimiento individual: una sesión en remoto cada dos meses para acompañar cada proceso de investigación y escritura.
- Encuentros de creación colectiva y puesta en común de procesos: tres sesiones grupales presenciales a lo largo del curso (en los meses de febrero, mayo y octubre, en horario de tarde) en la sede del Centro de Estudios, y prácticas de producción de pensamiento y textos. Las fechas de los encuentros presenciales se elegirán dentro de estos meses a partir de la disponibilidad de las personas que conformen la comunidad.
- Un taller anual conducido por una persona invitada acerca de la problemática convocada en cada edición.
Cada curso termina con una apertura al público de los procesos de escritura colectiva, y las escrituras acompañadas durante las tres ediciones se publican en un solo volumen al final. Como se busca generar una comunidad pequeña y unas dinámicas íntimas y pausadas, las personas participantes deben comprometerse a asistir a los encuentros y a mantener inédito su proyecto hasta la publicación.
A continuación, se proponen algunas líneas de trabajo que sirven de orientación para las solicitudes, pero que no agotan las problemáticas que pueden ocupar a las personas participantes:
- Implicaciones estéticas y políticas de la ilegibilidad en literatura y arte.
- Desvío, dificultad, opacidad. Investigaciones desde la práctica experimental.
- Prácticas artísticas entre escritura y dibujo: gestos, criptografías, alfabetos imaginados, grafismos y tachaduras.
- Revisiones críticas del legado posestructuralista en artes.
- Experimentación con la materialidad del pensamiento y las tensiones visible-sonoro-legible.
Para cualquier duda, puedes escribir a clinicax2628x@gmail.com y centrodeestudios@museoreinasofia.es.
Proyectos seleccionados
Andrea Abello es escritora e investigadora. Su proyecto, enredos, estudia la vinculación etimológica, temática y formal entre el texto y el tejido a través del concepto de ilegibilidad que vertebra Clínica 2628, incorporando, también, una perspectiva ecofeminista. Centra su trabajo en torno a un corpus de poesía experimental y arte textil, explorando los cruces entre ambas artes, especialmente en lo que respecta a su uso del lenguaje técnico. Durante el curso busca desarrollar la creación hermanada de un texto ensayístico de investigación y una pieza textil.
María del Buey Cañas es artista e investigadora predoctoral en la Universidad Autónoma de Madrid (UAM). Su interés oscila entre las prácticas escénicas, el trabajo sonoro y la escritura ante la crisis ecosocial. Noche Yegu✮ (traducción directa del inglés «nightmare») es una investigación que toma los materiales de la escucha, animal antes que humana, en la búsqueda de líneas de fuga de esos presentes-pasados marcados por el consumo de combustibles fósiles y la negación de nuestra condición ecodependiente en el continuo biológico-evolutivo.
Natalia Castro Picón es docente e investigadora en estudios culturales ibéricos en la Universidad de Princeton. En su actual investigación, Prohibido hablar de política, explora el potencial de la poesía como herramienta político-cultural para intervenir en la reconstrucción de las mayorías sociales que son centrales a la noción de democracia. Su trabajo consiste en la configuración de una cartografía de iniciativas en el Estado español (y sus redes trasnacionales) que experimentan con procedimientos poético-políticos desde los que abrir espacios comunes de negociación de sentidos y resistencia a las lógicas de captura capitalista del discurso en la sociedad de la información.
Tzu-Han es artista-investigadora, con contrato predoctoral (actualmente en etapa posdoctoral) en el marco del Plan Propio de I+D+i, cofinanciado por el Fondo Social Europeo Plus (FSE+) y la Universidad de Castilla-La Mancha (UCLM). Su investigación doctoral, La escucha consciente. Un estudio del ruido blanco del cuerpo y del entorno, se despliega como una indagación en la escucha encarnada, atravesada por la poética del qì, la cosmovisión taoísta y la imagen del agua. A través de performance, instalación y escritura expandida, atiende a cómo escuchamos y con qué cuerpo, dejando que emerjan las transformaciones sensibles y afectivas que se revelan al habitar, con atención, nuestros modos de percibir.
Laura Llevadot es ensayista y profesora de Filosofía contemporánea de la Universidad de Barcelona (UB). Hastiada del formato castrante de los papers académicos, hace ya un tiempo que busca otras formas de escritura directas al hueso. Es lo que ha intentado en libros como Mi herida existía antes que yo. Feminismo y crítica de la diferencia sexual (Tusquets, 2022) y el más reciente 4227 suïcidis no exemplars. Desig i melancolia al capitalisme neoliberal (HyO, 2025). En la actualidad desarrolla un proyecto de conferencia performática inspirado en el trabajo de Isabel de Naverán e Hito Steyerl.
Sara Santana López es artista visual y mediadora. Su propuesta gira en torno a las intervenciones vandálicas que Joe Orton y Kenneth Halliwell hicieron en los libros que robaban y reintroducían en la biblioteca de su barrio entre 1959 y 1961. Desde hace un tiempo, ella también busca cómo robar libros y acude a otra biblioteca para copiar a mano el libro en el que la historiadora Ilsa Colsell relata este caso. Quiere desarrollar una escritura crítica alrededor de la intervención Orton-Halliwell que reflexione acerca de cómo las estructuras de orden y control condicionan la legibilidad de los textos, y donde pueda infiltrarse el hacer clandestino de la copia.
![Tracey Rose, The Black Sun Black Star and Moon [La luna estrella negro y negro sol], 2014.](https://recursos.museoreinasofia.es/styles/small_landscape/public/Obra/AD07091_2.jpg.webp)
Más actividades
Por primera vez, el cine
7 y 14 de junio, 2026 – 12:00 h
La última sesión de esta temporada de Proyector de Luna contempla la sensación del cine por primera vez. El cine como revelación, magia, fantasía y misterio desde la primera mirada, ese primer contacto con el medio como imaginario grabado en la retina de la infancia. A través de dos de sus hitos, el programa muestra Fantasmagorie (1908) de Émile Cohl, el primer dibujo animado de la historia, y Cien niños esperando un tren (1988) de Ignacio Agüero, un largometraje sobre el juego y los orígenes del cine.
Fantasmagorie (1908) de Émile Cohl (Paris, 1857- Villejuif, 1938) es la primera expresión de la historia de un dibujo animado. Émile Cohl fue un ilustrador perteneciente al grupo artístico parisino Arts incohérents (1882-1895), de talento absurdo y surrealista. Si los hermanos Lumière consiguieron levantar de sus butacas a los espectadores que veían cómo un tren se aproximaba a ellos en 1895, Fantamagorie es una experiencia supraterrenal, como la aparición de un espíritu, pero al mismo tiempo inocua y divertida. Lo inanimado cobra vida de la nada y las figuras se mueven por primera vez sin aparente sentido. La animación se relaciona desde el primer momento con la caricatura, la fabulación y lo cómico, un lugar propicio para la ensoñación del público más joven.
Del descubrimiento de un imaginario nuevo surgido de la línea animada hasta el conocimiento del mundo a través de una pantalla. Cien niños esperando un tren (1988) del chileno Ignacio Agüero (Santiago, 1952) narra el descubrimiento del cine por un grupo de menores en un taller sobre los orígenes de este medio en una humilde localidad a las afueras de Santiago de Chile. El juego, la diversión y el aprendizaje se unen a la fascinación por las imágenes. La visión de Fantasmagorie (1908)de Émile Cohl en este taller se transforma en un acto de libertad.
Picnic del barrio
Sábado 13 de junio, 2026
Como cada año, la asamblea de Museo Situado toma el espacio del Museo Reina Sofía para organizar el Picnic del barrio: un encuentro donde el Jardín de Sabatini se convierte en espacio de celebración, reflexión y lucha de las distintas realidades que atraviesan el barrio de Lavapiés y sus vecinas y vecinos. Una jornada donde el arte, el goce y la reivindicación de la riqueza cultural del barrio están en el centro.
Este año el tema central del Picnic se hace eco de RegularizaciónYA!, una campaña que multitud de colectivos antirracistas de todo el territorio español vienen sosteniendo desde hace más de seis años, y que ha provocado el proceso extraordinario de regularización en curso. «¡Es ya! la regularización, pero esto es solo el comienzo. ¡Es ya! el acceso a una vivienda digna. ¡Es ya! el acceso a la sanidad sin restricciones. ¡Es ya! el derecho a una educación de calidad. Frente a un modelo de gestión capitalista de la ciudad que pone en riesgo la vida, las vecinas dicen ¡es ya!, porque la urgencia de una vida digna no puede esperar».
Esta octava edición del Picnic cuenta con la alianza transversal de Lavapiés al Límite, un movimiento de organización a nivel barrial surgido frente a las «redadas racistas» (controles de identidad por perfil étnico-racial ilegales) y la creciente oleada de odio contra las personas migrantes. Esta plataforma se articula a nivel local para defender un barrio para todas y libre de violencias, con espacios verdes, donde se reconozca el papel de los centros sociales autogestionados, se apoyen políticas para la infancia y se garantice el acceso a la vivienda.
El 13 de junio el barrio celebra lo ganado y reclama YA una vida digna para todas.
Equipo Verbena. Que 20 años no es nada…
11 JUN 2026
Equipo Verbena celebra el vigésimo cumpleaños del proyecto equipo y aprovecha la ocasión para convocar, además de al público general, a las personas participantes de ediciones anteriores a recordar su paso por este programa educativo. Porque, así vistos, veinte años ¿no es nada?
Volviendo atrás, a la Memoria de actividades del Museo Reina Sofía del año 2006, cabe recordar que:
«El 18 de mayo de 2006, el Departamento de Educación lanzó una convocatoria para realizar la selección de jóvenes con edades comprendidas entre 16 y 20 años que, tras haber participado en diferentes actividades de <18, deseasen formar parte del equipo de programadores y educadores de jóvenes del museo. Mediante una carta de intenciones presentada en los meses de mayo y junio, los jóvenes expresaban las inquietudes que les motivaban a formar parte de este equipo. Tras un proceso de selección, se ha creado el primer equipo <18 […]».
Este texto contiene el primer rastro documental del uso de la palabra equipo para denominar un proyecto para jóvenes que, a pesar de sus diversas mutaciones y cambios, se ha celebrado ininterrumpidamente en el Museo durante los últimos veinte años, erigiéndose como el proyecto en activo más longevo del Área de Educación (y uno de los más sostenidos en el tiempo de la propia institución).
Así, en esta edición especial de Equipo Verbena en la que participan los adolescentes de equipo1517 y Benia Nsi; los jóvenes de equipo1821 y Soy una pringada; los mayores de equipoM, Lucas Condró y Pablo Messiez; los grupos intergeneracionales, tanto equipoMotor y Galaxxia como equipoDIVERSO y Clara López; el equipo de voluntariado cultural equipoVol con Selina Blasco y Javier Pérez Iglesias, se comparten los resultados de los equipos del curso escolar 2025-2026, además de alguna que otra actuación sorpresa.
Todas las personas que quieran sumarse a la fiesta pueden acudir interpretando libremente el dress code «20 años no es nada» para performar una fiesta de cumpleaños que cuestione la linealidad del tiempo, que difumine dualidades como nuevo-antiguo, joven-viejo o presente-pasado, viajando de vuelta al año 2006. Y, desde ahí, empezar de nuevo: montar un equipo con todos los equipos que han sido parte de este proyecto, en una de esas operaciones de ficción disparatada de las que la disciplina artística bien sabe hacerse cargo. Y si, como dice la segunda acepción del diccionario, la palabra equipo significa «en ciertos deportes, cada uno de los grupos que se disputan el triunfo», este equipo de equipos, unido y diverso, tiene el triunfo asegurado.
Para transformar los papeles y guardar la memoria
Viernes 5, sábado 6 y martes 9 de junio, 2026 - 18:00 H
En el marco del Instituto Cáder de Arte Centroamericano (ICAC), Museo Tentacular colabora con el artista salvadoreño Jose Campos (La Paz, 1986), conocido como Studio Lenca, en la realización de talleres colaborativos a lo largo de 2026 en torno a la producción de materiales y herramientas artísticas para las luchas sociales del presente. Estos talleres proponen activar y producir elementos que acompañen en el Picnic del barrio de 2026.
El Picnic del barrio es un encuentro organizado junto con la asamblea de Museo Situado, donde el Jardín del Museo se torna plaza pública y se celebran y reivindican las luchas de Lavapiés a través de talleres, conciertos, activaciones políticas, olores, colores y sabores que toman el Museo desde el barrio. En 2026, el eje central que articula el Picnic es la campaña del movimiento Regularización Ya, que defiende el proceso de regularización de personas migrantes en situación administrativa irregular en España. Como preparación del Picnic, estos talleres con Studio Lenca están dirigidos a personas interesadas en la producción de imágenes, objetos y narrativas relacionadas con la lucha del barrio por una vida digna y el proceso de regularización en curso.
Jose Campos se nutre de su propia biografía para su producción artística, marcada por la migración desde El Salvador a Estados Unidos, y de allí al Reino Unido. Así, estos encuentros proponen la construcción de vasijas, objetos que suelen utilizarse para contener líquidos o alimentos, pero que aquí sirven para guardar historias de vida. Partiendo del trabajo con material reciclado procedente de documentos y recortes aportados por residentes del barrio y el Museo, el papel se transforma en un objeto portador de memorias e historias de vida. De esta forma, se resignifica su materialidad para construir colectivamente unos vasos que guardan, hablan, recuerdan y muestran el derecho de las vecinas y vecinos a una vida digna.
Mirar de cerca. De visu
Martes 9 de junio, 2026 - 12:00 h
El 26 de mayo de 1986 se inauguraba el Centro de Arte Reina Sofía en el edificio que durante más de doscientos años había sido sede del Hospital General, restaurado en gran medida por el arquitecto Antonio Fernández Alba. Con motivo del cuarenta aniversario de esta apertura, el Archivo Central propone una serie de activaciones de sus fondos; entre ellas, este taller donde se presentan algunos documentos que sirven para desplegar visual y textualmente los inicios de la institución.
Esta selección de documentación, producida por el Museo Reina Sofía y conservada en su Archivo Central, incluye fotografías, planos y otros documentos que testimonian la transformación arquitectónica y funcional del edificio: desde su uso como hospital a su adaptación como espacio expositivo que pone en valor sus cualidades arquitectónicas y museográficas. Junto a estos materiales, se incorporan algunos fondos heredados de instituciones precedentes, como el Museo de Arte Moderno y el Museo Español de Arte Contemporáneo, así como otros que testimonian importantes hitos de su historia. Un conjunto que, en definitiva, permite contextualizar la trayectoria administrativa y patrimonial que antecede al actual Museo y ofrecer una visión continuada de su desarrollo institucional.
Este proyecto se desarrolla en el marco de Mirar de cerca, una de las líneas que configuran el programa de mediación Casi libros, enfocado en dar a conocer los fondos de la Biblioteca y Centro de Documentación del Museo y difundir las herramientas especializadas para la investigación en el arte y la creación contemporánea, a través de talleres, cursos y guías temáticas.