Mirtha Dermisache, Lectura Pública 7, 2006. Museo Reina Sofía
Depósito indefinido de la Fundación Museo Reina Sofía, 2020 (Donación de Juan Alejandro Larumbe y Leonor Cantarelli, Legado Mirtha Dermisache)
Clínica 2628 es un proyecto de acompañamiento y puesta en común de escrituras que nace con la intención de ofrecer un espacio y unos tiempos sostenibles para el trabajo de investigación en arte y cultura. En el contexto de una academia cada vez menos receptiva a las formas en que el pensamiento ocurre y es expresado, quiere rescatar lo académico de su captura neoliberal para recuperar la alianza entre precisión e intuición, trabajo y deseo. También quiere devolver la escritura al común que la hace posible a través de un trabajo de seguimiento de procesos y colectivización de ideas, posiciones, referencias y estrategias.
La propuesta, que resulta de la colaboración entre la Dirección de Estudios del Museo Reina Sofía y el grupo de investigación Artea a través del proyecto i+D Experimenta, se concreta en tres ediciones anuales, concebidas como un espacio de experimentación, discusión y muestra de haceres de escritura críticos con los que propone la academia hoy.
¿Qué fuerzas, formas y procesos se ponen en juego al escribir sobre arte y estética? En la academia, en los museos y en otras instituciones culturales la práctica de la escritura se ve atravesada por lógicas productivistas que ponen en riesgo los ritmos de la investigación y la experimentación. La imposición cientificista implicada en la estructura del paper o la cuantificación de resultados que exigen los criterios de calidad y visibilidad higienizan, de entrada, la rugosidad propia de una escritura entendida desde lo concreto de su lengua: las resistencias fónicas, gráficas, sintácticas y gramaticales que conectan a quien usa esa lengua con la comunidad que esta une y activa. Higienizan también la rugosidad implicada en el mismo deseo de escribir, los caminos intuitivos, claros y confusos que de nuevo conectan a quien escribe con quienes leyeron y escribieron así, participando de un bien común que se descubre y se produce al mismo tiempo.
La progresiva mercantilización del saber puesta en marcha por el capitalismo cognitivo aleja cada vez más la investigación y la producción de conocimiento de las obras, los lenguajes y las prácticas artísticas. Los trabajos de comisariado y archivo, la crítica, las performances o los ensayos contaban con un horizonte de posibilidades formales, emocionales y de imaginación mucho más amplio cuando no se desarrollaban en condiciones de competitividad, indexación o impacto. ¿Sería posible hoy retomar aquellos haceres de manera no nostálgica sino crítica, esto es, recuperar por las formas, y por las formas escritas, la cercanía entre el pensamiento de arte y sus objetos? ¿Cómo escribir de otro modo, a otro ritmo, con no más exigencias que las que una obra de arte lanza a las diferentes formas de ver, de leer, de estar en el mundo?
Dirección y acompañamiento
Erea Fernández y Arantxa Romero
Coordina
Ana Vidal González y Lola Visglerio Gómez
Organiza
Museo Reina Sofía y ARTEA
Organiza
EXPERIMENTA. Proyecto PID2023-148236NB-C21. Financiado por la Agencia Estatal de Investigación (AEI-MICIU) 10.13039/501100011033 y por FEDER, UE
Clínica año 1. Ilegibilidad
Llamada a escrituras
La primera edición de Clínica 2628 gira en torno a la idea de ilegibilidad, entendida como resistencia de los lenguajes artísticos a ser absorbidos por los significados y en consecuencia como afirmación de las formas. Unas formas que, al no referir un mensaje unívoco e inmediatamente descifrable, ponen en marcha un proceso de producción de sentido que compromete creativamente a todo el entorno implicado en la experiencia estética.
Esta manera de entender la ilegibilidad se apoya, por un lado, en las prácticas de las vanguardias y en las propuestas intermedia y conceptuales que toman la escritura por su performatividad gráfica (Mallarmé, Ferrari, Hatherly, Broodthaers, Michaux, Ullán). Se apoya, por otro lado, en la tradición teórica del desvío, que pone en diálogo las propuestas formalistas (Shklovski), estructuralistas (Jakobson o Lotman) y posestructuralistas (Deleuze, Derrida, Lacan, Barthes, Kristeva o Wittig) para producir, sobre todo a partir de los años setenta del siglo pasado, una red conceptual en la que nociones como diferencia, suplemento, deslizamiento, goce o disidencia apuntan a una estrecha relación entre estética y ontología, toda vez que el arte se concibe como una vía no solo de acceso y comprensión, sino también de producción y transformación de la realidad.
Esta red de pensamiento se extiende hasta la contemporaneidad para considerar el papel del arte y la escritura respecto a la actual fase colonial-extractivista del capitalismo. En este sentido operan nociones como las de «necroescritura» (Cristina Rivera Garza), «envoltura» y «síncope» (Isabel de Naverán), «analírica» (María Salgado) o «dificultad» (Erea Fernández). En el mismo sentido, y confiando en la posibilidad de confundir la práctica y la teoría del arte, resultan interesantes, entre muchas otras, las piezas de Theresa Hak Kyung Cha, Hélène Cixous, Fred Moten, Lyn Hejinian o Cecilia Vicuña.
Desde estas coordenadas y deseos, la clínica se configura como un espacio de trabajo estructurado alrededor de tres ejes:
- Seguimiento individual: una sesión en remoto cada dos meses para acompañar cada proceso de investigación y escritura.
- Encuentros de creación colectiva y puesta en común de procesos: tres sesiones grupales presenciales a lo largo del curso (en los meses de febrero, mayo y octubre, en horario de tarde) en la sede del Centro de Estudios, y prácticas de producción de pensamiento y textos. Las fechas de los encuentros presenciales se elegirán dentro de estos meses a partir de la disponibilidad de las personas que conformen la comunidad.
- Un taller anual conducido por una persona invitada acerca de la problemática convocada en cada edición.
Cada curso termina con una apertura al público de los procesos de escritura colectiva, y las escrituras acompañadas durante las tres ediciones se publican en un solo volumen al final. Como se busca generar una comunidad pequeña y unas dinámicas íntimas y pausadas, las personas participantes deben comprometerse a asistir a los encuentros y a mantener inédito su proyecto hasta la publicación.
A continuación, se proponen algunas líneas de trabajo que sirven de orientación para las solicitudes, pero que no agotan las problemáticas que pueden ocupar a las personas participantes:
- Implicaciones estéticas y políticas de la ilegibilidad en literatura y arte.
- Desvío, dificultad, opacidad. Investigaciones desde la práctica experimental.
- Prácticas artísticas entre escritura y dibujo: gestos, criptografías, alfabetos imaginados, grafismos y tachaduras.
- Revisiones críticas del legado posestructuralista en artes.
- Experimentación con la materialidad del pensamiento y las tensiones visible-sonoro-legible.
Para cualquier duda, puedes escribir a clinicax2628x@gmail.com y centrodeestudios@museoreinasofia.es.
Proyectos seleccionados
Andrea Abello es escritora e investigadora. Su proyecto, enredos, estudia la vinculación etimológica, temática y formal entre el texto y el tejido a través del concepto de ilegibilidad que vertebra Clínica 2628, incorporando, también, una perspectiva ecofeminista. Centra su trabajo en torno a un corpus de poesía experimental y arte textil, explorando los cruces entre ambas artes, especialmente en lo que respecta a su uso del lenguaje técnico. Durante el curso busca desarrollar la creación hermanada de un texto ensayístico de investigación y una pieza textil.
María del Buey Cañas es artista e investigadora predoctoral en la Universidad Autónoma de Madrid (UAM). Su interés oscila entre las prácticas escénicas, el trabajo sonoro y la escritura ante la crisis ecosocial. Noche Yegu✮ (traducción directa del inglés «nightmare») es una investigación que toma los materiales de la escucha, animal antes que humana, en la búsqueda de líneas de fuga de esos presentes-pasados marcados por el consumo de combustibles fósiles y la negación de nuestra condición ecodependiente en el continuo biológico-evolutivo.
Natalia Castro Picón es docente e investigadora en estudios culturales ibéricos en la Universidad de Princeton. En su actual investigación, Prohibido hablar de política, explora el potencial de la poesía como herramienta político-cultural para intervenir en la reconstrucción de las mayorías sociales que son centrales a la noción de democracia. Su trabajo consiste en la configuración de una cartografía de iniciativas en el Estado español (y sus redes trasnacionales) que experimentan con procedimientos poético-políticos desde los que abrir espacios comunes de negociación de sentidos y resistencia a las lógicas de captura capitalista del discurso en la sociedad de la información.
Tzu-Han es artista-investigadora, con contrato predoctoral (actualmente en etapa posdoctoral) en el marco del Plan Propio de I+D+i, cofinanciado por el Fondo Social Europeo Plus (FSE+) y la Universidad de Castilla-La Mancha (UCLM). Su investigación doctoral, La escucha consciente. Un estudio del ruido blanco del cuerpo y del entorno, se despliega como una indagación en la escucha encarnada, atravesada por la poética del qì, la cosmovisión taoísta y la imagen del agua. A través de performance, instalación y escritura expandida, atiende a cómo escuchamos y con qué cuerpo, dejando que emerjan las transformaciones sensibles y afectivas que se revelan al habitar, con atención, nuestros modos de percibir.
Laura Llevadot es ensayista y profesora de Filosofía contemporánea de la Universidad de Barcelona (UB). Hastiada del formato castrante de los papers académicos, hace ya un tiempo que busca otras formas de escritura directas al hueso. Es lo que ha intentado en libros como Mi herida existía antes que yo. Feminismo y crítica de la diferencia sexual (Tusquets, 2022) y el más reciente 4227 suïcidis no exemplars. Desig i melancolia al capitalisme neoliberal (HyO, 2025). En la actualidad desarrolla un proyecto de conferencia performática inspirado en el trabajo de Isabel de Naverán e Hito Steyerl.
Sara Santana López es artista visual y mediadora. Su propuesta gira en torno a las intervenciones vandálicas que Joe Orton y Kenneth Halliwell hicieron en los libros que robaban y reintroducían en la biblioteca de su barrio entre 1959 y 1961. Desde hace un tiempo, ella también busca cómo robar libros y acude a otra biblioteca para copiar a mano el libro en el que la historiadora Ilsa Colsell relata este caso. Quiere desarrollar una escritura crítica alrededor de la intervención Orton-Halliwell que reflexione acerca de cómo las estructuras de orden y control condicionan la legibilidad de los textos, y donde pueda infiltrarse el hacer clandestino de la copia.
![Tracey Rose, The Black Sun Black Star and Moon [La luna estrella negro y negro sol], 2014.](https://recursos.museoreinasofia.es/styles/small_landscape/public/Obra/AD07091_2.jpg.webp)
Más actividades
Dear Felix:
Sábados - 18.00 H
El inconfundible trabajo artístico de Felix Gonzalez-Torres, que de mayo a octubre de 2026 protagoniza la exposición Dulce venganza, no se conforma con emitir mensajes cargados de evocación poética, reflexión vital o biográfica, o incluso de un claro posicionamiento político y ético, sino que busca una respuesta activa por parte de quien visita la muestra. La obra del artista invita a hacerse cargo de esos mensajes para que, si le place, conmueve o interpela, el público participe en el diálogo y complete la propuesta artística con sus acciones.
Así, la visita comentada Querido Felix: ofrece un recorrido compartido y dialogado por la exposición, con el objetivo de pensar y sentir en colectivo los gestos que la obra del artista propone. Acciones tan aparentemente sencillas como cruzar una cortina de cuentas, coger un caramelo y comerlo, llevarse un póster de una pila o, simplemente, mirar con atención un cartel, encierran modos de entender la vida, la pérdida, el amor, la injusticia o el paso —nunca lineal— del tiempo. El objetivo último de esta visita, por tanto, no es el de fijar significados o sobrecargar de interpretaciones las obras, tampoco pretende cristalizar una imagen del artista y su vida que dé respuesta a preguntas que no la tienen. Al contrario, la actividad busca propiciar un espacio para la apertura compartida de sentido de estos objetos aparentemente sencillos y ensayar así una posible correspondencia de vuelta desde el aquí y el ahora. Un torpe ensayo de respuesta que comience, por ejemplo, con un simple Querido Felix:
Aguja imantada. Leche, nieve, lágrima, mano
1, 15, 29 JUL, 12, 26 AGO, 9, 23 SEP, 7 OCT 2026
Las visitas guiadas a la exposición Leche, nieve, lágrima, mano. El saber hacer de Blanca Sánchez permiten al público adentrarse en el modo de trabajo y el impulso creativo de Blanca Sánchez Berciano (Madrid, 1948-2007), comisaria, gestora cultural y coleccionista. Apoyada en documentos de su archivo personal, esta exposición revisa la labor de Sánchez desde su hacer, donde lo camp y la práctica de collage se convierten en herramientas para construir una realidad conceptual basada en articulaciones de fragmentos visuales y materiales.
Los recorridos que dibuja Aguja imantada se desarrollan en el marco de Casi libros, programa de mediación de la Biblioteca y Centro de Documentación, que propone un acercamiento a sus espacios, fondos y servicios, más allá de su naturaleza como plataforma de investigación en torno al arte contemporáneo.
Solar 5. Dulce Fantasma
Del 30 de junio al 10 de julio, 2026 - 10:00 h
La quinta edición del taller de verano Solar propone activar procesos artísticos entre el público infantil a partir de la exposición Felix Gonzalez-Torres. Dulce venganza, tomando como punto de partida algunas de las preguntas que atraviesan la obra de este artista: la ausencia, la ternura, la transformación o las formas en que los espacios compartidos son habitados. El taller pone especial atención en el potencial transformador de la infancia dentro del contexto museístico, donde su presencia se entiende como un gesto de ocupación sensible capaz de generar nuevas formas de relación con las obras, el espacio y quienes lo transitan.
La ausencia en la obra de Felix Gonzalez-Torres —o el relato que se hace de ella— dota a la exposición de una sensación fantasmagórica, una herida que puede tener su origen en la migración constante del artista durante su infancia, el no encontrar su lugar, también en la enfermedad y la crisis del sida. Sin embargo, de su trabajo emana también una fuerte energía vital, una celebración de los afectos, la generosidad y la participación colectiva. Resulta especialmente generosa su reflexión sobre la autoría y el papel activo del público en la reinterpretación de las obras, que es invitado a completar, transformar o incluso alterar aquello que encuentra en la sala. Su propuesta reclama, por tanto, formas específicas de atención, responsabilidad y cuidado.
Dulce Fantasma es un taller de dos días destinado a público infantil de 6 a 11 años que busca activar una serie de prácticas sencillas de movimiento, voz y escritura. Partiendo de conceptos como la construcción compartida, el empoderamiento tierno o la ocupación colectiva, el taller invita a imaginar una comunidad temporal de presencias capaces de transformar, aunque sea por un instante, las reglas habituales del Museo y abrir nuevas posibilidades de encuentro con la obra del artista. Así, el proceso culmina con una intervención en distintos lugares de la exposición, el Jardín u otras partes del Museo, donde el grupo activa estos espacios mediante una suerte de coreografía fantasmal colectiva.
Diseñado y acompañado por el artista Nazario Díaz, cuya investigación actual profundiza en las nociones de ausencia, marca o aquello que queda, este taller tiene como objetivo crear un espacio de confianza que potencie la creatividad genuina y libre, a través de temporalidades más lentas y atentas. La escucha del entorno, del grupo y del propio cuerpo sirve como guía para una aproximación lúdica a la obra de Felix Gonzalez-Torres que permita conectar con su universo poblado de lucecitas, ausencias y caramelos.
Un rumor popular
Viernes 26 de junio, 2026 - 19:00 h
Studium Generale es el encuentro anual de la comunidad del Grado en Artes de la Universitat Oberta de Catalunya (UOC), organizado en colaboración con el Museo Reina Sofía. El nombre del encuentro hace referencia al compendio de escuelas durante la Edad Media: una suerte de protouniversidad abierta que reunía maestros, estudiantes y enseñanzas de diferentes disciplinas y procedencias geográficas. El encuentro combina momentos de convivencia entre la comunidad académica y los equipos del Museo con una programación pública en torno a los debates contemporáneos que animan la práctica e investigación artísticas.
En esta segunda edición, el encuentro se pregunta por el lugar de «lo popular» en los regímenes de conocimiento y producción artística y, más específicamente, por la tensión de su institucionalización en los mundos del arte y el pensamiento contemporáneos. A propósito de la imaginación que el rumor de lo popular incita: ¿qué declinaciones de «lo popular» dejan entrever la circulación y discusión de sus prácticas y saberes?, ¿qué estéticas y agencias epistemológicas críticas y emancipadoras convocan?, ¿en qué formas, estructuras e incluso instituciones ―aunque efímeras― anidan? y ¿cómo afectan estas a los regímenes de saber oficiales académicos o artísticos?
Estas preguntas se declinan a través de la práctica de la Universidad Popular del Mediodía: un proyecto de plástica institucional y material que quiere transformar la unidad de extensión universitaria de la Universidad de Granada hacia una práctica emancipadora, inspirada en las universidades populares de fin de siglo.
Robert Capa
Viernes 26 de junio, 2026 – 18:00 h
Este encuentro internacional en torno a la figura de Robert Capa (Budapest, 1913 - Thai Binh, Vietnam, 1954), uno de los fotoperiodistas de guerra más reconocidos de la historia, se celebra en el marco de la iniciativa gubernamental España en Libertad. 50 años y con ocasión de la declaración como Lugar de Memoria Democrática del conjunto formado por el edificio situado en el número 10 de la calle Peironcely, la plaza del Fotógrafo Robert Capa y la parroquia de San Carlos Borromeo de Vallecas.
La emblemática foto que Robert Capa captó en 1936 en esta zona del Madrid republicano, protagonizada por unos niños anónimos que charlan ante la fachada de un edificio bombardeado por la aviación nazi-fascista, se ha convertido, en los últimos años, en el elemento catalizador de una enérgica acción colectiva que reivindica la memoria y denuncia el horror y la barbarie de las guerras del pasado y presente.
En este contexto, representantes del ámbito cultural, académico y de las organizaciones de la sociedad civil de Alemania, Estados Unidos y España conversan en torno al legado de Capa y del fotoperiodismo en la memoria democrática europea, profundizando en dos iniciativas ciudadanas que construyen Europa desde su memoria compartida: #SalvaPeironcely10, en Entrevías (Puente de Vallecas), y la Capa Haus Initiative, en el barrio de Lindenau (Leipzig), ambas hermanadas por la protección y la conservación del patrimonio histórico y por la defensa de la paz.
La mesa redonda cuenta con la participación de Cynthia Young, Juan Miguel Sánchez Vigil, Ulf-Dietrich Brumann y José María Uría Fernández, y está moderada por Myriam Soto Lucas. Asimismo, cuenta con la presencia de Carmina Gustrán Loscos, comisionada de España en Libertad. 50 años.