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Primer pase: jueves 4 de julio - 19:00 h / Segundo pase: jueves 11 de julio - 19:00 h
Sesión 1
Imágenes de transgresión
Kirsten Bates y Allen Frame. Turmoil in the Garden [Alboroto en el jardín]
Estados Unidos, 1983, color, VO en inglés subtitulada en español, vídeo, 38’
Guion: adaptación de Sounds in the Distance, de David Wojnarowicz
Intérpretes: Allen Frame, Tara Kelly, Nan Goldin, Kirsten Bates, Elisabeth Walker, Bill Rice, Brian Burchill, Suzanne Fletcher, Frank FrancaRichard Kern. Manhattan Love Suicides: Stray Dogs [Manhattan quiere a los suicidios: perros callejeros]
Estados Unidos, 1985, b/n, VO en inglés subtitulada en español, Super8 transferido a digital, 12’
Intérpretes: Montanna Houston, Robin Renzi, Bill Rice and David Wojnarowicz
Música: J.G. ThirlwellRichard Kern. You Killed Me First [Me mataste primero]
Estados Unidos, 1985, color, VO en inglés subtitulada en español, Super8 transferido a digital, 12’
Intérpretes: David Wojnarowicz, Nick Cooper, Jessica Craig-Martin, Karen Finley, Montana Houston, Lung Leg
Música: J.G. ThirlwellDavid Wojnarowicz y Tommy Turner. Where Evil Dwells [Donde habita el mal]
Estados Unidos, 1985, b/n, VO en inglés subtitulada en español, vídeo, 31’
Intérpretes: Joe Coleman, Devil Doodie, Richard Klemann, Lung Leg, Jack Nantz, Rockets Redglare, Tommy Turner, Charlotte Webb, Scott Werner, David Wojnarowicz
Música: AC/DC, J.G. Thirlwell y Wiseblood.Tom Rubnitz. Listen to This [Escucha esto]
Estados Unidos, 1992, color, VO en inglés subtitulada en español, vídeo, 16’
Intérprete: David WojnarowiczPresenta el primer pase Alan Moore, artista, investigador y escritor. Integrante de la escena punk y activista en Nueva York durante las décadas de 1970 y 1980, es miembro de grupos y plataformas como ABC No Rio, Colab y MWF Video Club. Es autor de los libros Art Gangs: Protest and Counterculture in New York City (2011) y Occupation Culture: Art and Squatting in the City from Below (2015).
Turmoil in the garden es una obra teatral con monólogos adaptados del primer libro de David Wojnarowicz (Sounds in the Distance, 1982). Los textos son un ejemplo de etnografía artística y describen una vida de superviviente en las calles de Nueva York, escuchando y grabando a las personas marginadas con las que el artista trató en sus descensos a la prostitución. La obra, con ecos de Jean Genet y Tennessee Williams, está interpretada por amigos del artista, como Nan Goldin, Frank Franca, Allen Frame y Elizabeth Walker, entre otros. En Manhattan Love Suicides, Wojnarowicz interpreta a un acosador enamorado compulsivamente de un hombre encontrado por azar en la calle, quien resulta ser artista, interpretado por Bill Rice. You Killed Me First es la historia de una familia represiva y sus hijos, una de las cuales, interpretada por Lung Leg, musa de Sonic Youth y del Cine de la Transgresión, no puede aguantar más esta situación. Wojnarowiz interpreta al padre abusivo y autoritario, a partir de su propia experiencia autobiográfica. Where Evil Dwells explora un crimen traumático en la época: el asesinato de un adolescente por otro adolescente amigo, Ricky Kasso, bajo los efectos de las drogas y las supuestas alusiones satánicas ocultas en la música heavy, que marca el ritmo de la película. Para Wojnarowicz, Ricky Kasso era un líder de la América oscura y reprimida, “una especie de Ronald Reagan”, escribiría literalmente en sus memorias. Por último, en Listen to This, Wojnorawicz interpreta a un ejecutivo quien pronuncia desde su oficina una invectiva contra la situación del artista homosexual en la sociedad estadounidense, intercalando imágenes de la cultura contemporánea. El cortometraje muestra el poder de Wojnarowicz como símbolo y modelo social, su tempestuosa respuesta contra la reacción venenosa e inacción gubernamental durante la crisis del sida.
![Richard Kern. You Killed Me First [Me mataste primero]. Película, 1985. En la imagen: Lung Leg](https://recursos.museoreinasofia.es/legacy_programs/amor1.gif "Richard Kern. You Killed Me First [Me mataste primero]. Película, 1985. En la imagen: Lung Leg")
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Primer pase: domingo 7 de julio - 17:00 h / Segundo pase: domingo 14 de julio - 17:00 h
Sesión 2
Melancolía y moralismo
David Wojnarowicz y Phil Zwickler. Fear of Disclosure [Miedo a la revelación]
Estados Unidos, 1989, color, VO en inglés subtitulada en español, vídeo, 5’David Wojnarowicz y Ben Neill. ITSOFOMO (In the Shadow of Forward Motion) [ITSOFOMO (En la sombra del movimiento hacia delante)]
Estados Unidos, 1991, color, VO en inglés subtitulada al español, vídeo, 49’. Originalmente presentada en 1989 en The Kitchen, Nueva YorkEn su ensayo Melancolía y moralismo, Douglas Crimp reconoce la importancia del luto y el lamento por la pérdida para producir una manifestación artística y teórica que dé respuesta a los efectos devastadores del sida. Esta sesión parte de esta contestación elegíaca y poética, en la que dos obras de carácter experimental y queer hablan del futuro de vidas medicadas, del miedo al contagio y de la desaparición del propio cuerpo con un tono crepuscular que resume los estragos de la enfermedad en toda una generación, y que acabará provocando también el fallecimiento de David Wojnarowicz con tan solo 37 años. Fear of disclosure se proyectó por primera vez en el Festival de Cine Experimental Gay y Lésbico de Nueva York en 1989. En este breve vídeo la cultura de la fiesta y del club nocturno se convierte en un epigrama sobre el encuentro sexual después del contagio. En palabras de los autores, se trata de “una exploración sobre el acto de revelar a un amante potencial que eres seropositivo, el virus que se cree que causa el sida. Dos gogós del Pyramid Club de Nueva York saltan y se restriegan mientras reconocen su propia mortalidad”. ITSOFOMO, la segunda obra, es una pieza multimedia perturbadora y visceral. Concebida como performance en directo y adaptada aquí a una proyección, reúne la escritura de Wojnarowicz, la improvisación sonora del compositor Ben Neill y las imágenes que el primero usaba de manera recurrente como símbolos y alegorías. ITSOFOMO se refiere a las consecuencias de la “aceleración”, término que ambos artistas descubren en la lectura del teórico francés Paul Virilio y su crítica al tiempo natural del capitalismo contemporáneo y que aplicarán a la inmediatez con la que el sida está liquidando los cuerpos y borrando una historia de la resistencia y lucha por la igualdad.
![David Wojnarowicz y Phil Zwickler. Fear of Disclosure [Miedo a la revelación]. Película, 1989](https://recursos.museoreinasofia.es/legacy_programs/wojna-1-peq.gif "David Wojnarowicz y Phil Zwickler. Fear of Disclosure [Miedo a la revelación]. Película, 1989")
Celebrada el 04, 05, 09, 12 jul 2019
En el marco de la exposición David Wojnarowicz. La historia me quita el sueño (hasta el 30 de septiembre de 2019), este ciclo presenta las experiencias pospunk y trash fruto de las colaboraciones fílmicas del artista David Wojnarowicz (Nueva Jersey, EE. UU., 1954-Nueva York, EE. UU., 1992) con la comunidad artística del East Village neoyorkino durante la década de 1980. El programa, compuesto por dos sesiones con pases dobles, incluye trabajos de Richard Kern, Tommy Turner, Kirsten Bates, Allen Frame, Ben Neill y Phil Zwickler, creadores para quienes la vida al límite fue una forma de expresar su profunda rabia y descontento con el moralismo sexual y la complacencia dominante en Estados Unidos durante esa década.
El título Amor de muerte es una traducción del término deathtripping, con el que el escritor Jack Sargeant caracterizó las experiencias fílmicas underground en Nueva York durante los años ochenta (Deathtripping. The Cinema of Transgression, 1995). Esta expresión concentra también una serie de ambivalencias recogidas en el ciclo, como el vitalismo sexual de la comunidad gay frente a la paranoia tanatológica producida por el sida, o la libertad moral en los márgenes de lo convenido frente a la ira contra una sociedad que solo tolera dicha libertad mientras se mantenga precaria e invisible.
En sus dos sesiones, muy distintas entre sí, el ciclo recorre estas disyuntivas entre violencia y autonomía o entre destrucción y amor. En la primera, se muestran obras corrosivas y paródicas, que destilan con acidez una profunda disconformidad ante el estilo de vida estadounidense y se hermanan en la ficción con las manifestaciones más violentas contra el sistema, desde los asesinos en serie hasta las masacres aleatorias contra la población. Detrás del brillo del sueño norteamericano, como Wojnarowicz escribió, Estados Unidos es también una “máquina de matar”. Por su parte, la segunda sesión abandona estos gestos iconoclastas y transgresores para reflexionar sobre la pérdida y el duelo con Fear of disclosure e ITSOFOMO, dos obras situadas entre la performance, la instalación multimedia y el cine expandido. En ambas, la escritura de David Wojnarowicz, la música en directo y las imágenes fragmentarias y elusivas componen un estado de ánimo que encapsula de manera magistral un tiempo de rabia y melancolía.
Comisariado
Alan Moore y Chema González
Agradecimientos
Collaborative Projects, Inc.
Organiza
Museo Reina Sofía
Más actividades
Dificultad. Formas y efectos políticos del desvío en la escritura y el arte contemporáneo
23 de febrero – 14 de diciembre, 2026 – Consultar programa
Dificultad. Formas y efectos políticos del desvío en la escritura y el arte es un grupo de estudio orientado a pensar cómo ciertas prácticas artísticas y culturales contemporáneas se resisten a la referencialidad que domina las lógicas de producción y consumo del arte actual. Esta propuesta pone en su centro los conceptos de dificultad y desvío, bajo los que convoca a todo procedimiento capaz de evitar la absorción de las formas artísticas por un sentido que aparece como si fuera anterior e independiente de su expresión. Al garantizar la perceptibilidad de sus lenguajes, la dificultad invita a pensar el sentido como efecto de una tensión significante; es decir, como una actividad productiva y creativa que, desde la materialidad de los objetos artísticos, libera la experiencia estética del mandato representacional y a quienes participan en ella de la pasividad asociada a las tareas de mímesis y descodificación.
La economía de la norma referencial traduce la lógica social del capitalismo, donde operan formas insidiosas de captura de subjetividad y sentido. A principios de los ochenta, y adoptando un esquema marxista, el poeta Ron Silliman señaló que esta lógica consistía en separar el lenguaje de cualquier marca, gesto, grafía, forma o sintaxis que lo vinculara a las condiciones de su producción, quedando, así, fetichizado (como sin sujeto), y alienando a sus usuarios en un uso del que no son responsables. Esta doble desposesión cifra la estrategia política de la objetividad referencial: sin sujeto y sin marca de su propia consistencia, el lenguaje es solamente objeto, esa realidad en la que desaparece.
Los usos políticos de la referencialidad, hoy más sofisticados que nunca, sostienen también la fase neoliberal-extractivista del capitalismo que atraviesa política, económica y estéticamente las sociedades actuales. Contra ellos emergen prácticas artísticas fugitivas que, desde los estudios negros, queer y otras posiciones críticas subalternas, rechazan los límites objetivos de lo que existe, inventan formas para nombrar lo que está fuera de lo ya nombrado, y devuelven a los sujetos la capacidad de participar en los procesos de emisión e interpretación.
Leída desde el trabajo artístico, a la captura objetiva de la referencialidad se le puede llamar transparencia. Mirada desde un contrato social que reproduce la desigualdad sobre posiciones identitarias fijas, lo que en esta objetividad se transparenta son, precisamente, los discursos que sostienen el statu quo de la dominación. Frente al infierno de esos discursos, la intención de este grupo es explorar de forma colectiva, a partir de obras desviadas o fugitivas, el paraíso del lenguaje que Monique Wittig encontró en las prácticas extrañadas de la literatura. Porque la potencia política de la dificultad —esto es, su contribución a la utopía de una lengua libre entre iguales— pasa por hacer ver, primero, sus propios desvíos, desde ahí la norma que esos desvíos transgreden, y, por último, la estrechez de una norma que en ningún caso agota las posibilidades de decir, significar, referir y producir un mundo.
Desde esta denuncia de la alienación, fetichización y captura referenciales, Dificultad. Formas y efectos políticos del desvío en la escritura y el arte atiende a las estrategias de resistencia que llevan a cabo artistas y poetas de la contemporaneidad. Su interés se orienta a propuestas tan evidentemente difíciles o esquivas como las de Gertrude Stein, Lyn Hejinian, Theresa Hak Kyung Cha, Kameelah Janan Rasheed, Kathy Acker, María Salgado o Ricardo Carreira, y tan en apariencia sencillas como las de Fernanda Laguna, Felix Gonzalez Torres o Cecilia Vicuña, entre otros ejemplos que pueden ser añadidos según los deseos y las dinámicas del grupo.
Las diez sesiones del grupo de estudio, desarrolladas entre febrero y diciembre, combinan seminarios teóricos, trabajo con obras de las Colecciones y con exposiciones del Museo, talleres de lectura y aperturas al público. Todas estas modalidades sirven como espacios de encuentro para pensar en común ciertos problemas de poética —es decir, algunas cuestiones políticas— de la escritura y del arte actual.
Dificultad. Formas y efectos políticos del desvío en la escritura y el arte inaugura la línea de investigación Adiós, representación, con la que la Dirección de Estudios del Museo Reina Sofía se propone explorar la emergencia de prácticas artísticas y culturales contemporáneas que se alejan de la representación como estrategia estético-política dominante, y dirigen su atención hacia lenguajes artísticos que cuestionan la tendencia de señalar, nombrar y fijar, para abogar por estéticas fugitivas. A lo largo de sus tres años de duración, la línea de investigación se materializa en grupos de estudio, seminarios, proyecciones y otro tipo de programación pública.
RECREO #1. Maruja Mallo. Máscara y compás
Miércoles, 18 de febrero, 2026 - 17:30
RECREO #1. Maruja Mallo: Máscara y compás propone un acercamiento a la figura y la obra de Maruja Mallo como recurso para la práctica educativa en el aula. Dirigida a docentes de Educación Primaria y Secundaria de cualquier contexto territorial, esta formación se celebra en modalidad online con el objetivo de diseminar el trabajo de la artista gallega más allá de los muros de la exposición retrospectiva que acoge el Museo Reina Sofía.
La sesión se estructura en torno a dos líneas: por un lado, la naturaleza y su diálogo con la geometría en las composiciones de la artista; por otro, la mirada sobre lo popular, prestando especial atención a las verbenas y al mundo rural. A partir de estos ejes se exploran los vínculos entre la obra de Maruja Mallo y los contenidos de diferentes materias, así como su potencial para activar formas de aprendizaje transversales y creativas. Cada bloque incluye propuestas y dinámicas prácticas pensadas como punto de partida para el diseño de actividades educativas.
Este taller forma parte del ciclo de formación online para profesorado RECREO. Organizado por el Área de Educación del Museo Reina Sofía en diálogo con el colectivo Cápsula Cultura, RECREO combina la reflexión con propuestas prácticas adaptables a distintos niveles y contextos de enseñanza, además de fomentar el intercambio de experiencias entre docentes.
Algorave. Compartiendo código vivo
Jueves 12 de febrero, 2026 - 19:30 h
La actividad Algorave. Compartiendo código vivo celebra, en diálogo con la exposición Oliver Laxe. HU/هُوَ. Bailad como si nadie os viera, la cultura del código abierto y la música electrónica. Se trata de una muestra-concierto en la que el alumnado de Sonología y Composición del Real Conservatorio Superior de Música de Madrid (RCSMM) pone cuerpo y sonido a los aprendizajes activados durante las VI Jornadas de Creación Sonora del RCSMM celebradas del 10 al 12 de febrero de 2026.
Al inicio de esta Algorave se introduce a las personas asistentes en algunos datos básicos de la cultura del live coding y en nociones elementales que les permitan seguir, a través de proyecciones, el proceso compositivo en tiempo real. A continuación, la música corre a cargo del alumnado del RCSMM, acompañado y respaldado por participantes de Toplap Madrid, colectivo de referencia en la práctica comunitaria y horizontal del live coding.
Este encuentro nace del compromiso didáctico del equipo de Educación del Museo Reina Sofía con el alumnado y el profesorado del Real Conservatorio Superior de Música de Madrid (RCSMM), colaboración iniciada en 2023 con el proyecto Una grieta: Escúchame a través de los oídos de un extraño.
El monstruo del trabajo
12 FEB 2026
Este ciclo está organizado por equipoMotor, un grupo de adolescentes, jóvenes y personas mayores que han participado en proyectos comunitarios educativos del Museo Reina Sofía. El programa consiste en cuatro bloques temáticos alrededor de lo monstruoso.
Esta segunda entrega propone abordar el cine como un lugar desde el que se visibilizan el trabajo cultural y los procesos de producción que dialogan con la creación artística. A partir de esta premisa, la sesión se centra en explorar cómo se producen, ensamblan y distribuyen los contenidos audiovisuales, desde las manos que manipulan las imágenes hasta los cuerpos que participan en su circulación. Se pretende reflexionar así sobre el esfuerzo invisible, la precariedad y las formas de colaboración que sostienen la vida cultural, que transforman la experiencia cinematográfica en un acto de reconocimiento y cuidado del trabajo común.
A partir de la idea de «el monstruo del trabajo», EquipoMotor abre un diálogo sobre cómo el museo podría volverse «un poco más Frankenstein» desde el abordaje de las condiciones materiales que reproducen, entre otras, situaciones como las que refleja Get into The Zone, la pieza elegida por el grupo intergeneracional. Es una sesión para seguir habitando la fricción, plantear preguntas incómodas y afinar el lenguaje con el que imaginar futuros en los que el malestar laboral no se silencie, sino que se organice.
Get into The Zone es un vídeoensayo de Juan David Galindo que explora estados de concentración intensiva asociados al trabajo y al ocio en entornos digitales. La pieza, cuyo título parte de la expresión usada en programación para describir un estado de hiperfoco productivo, pone en relación este estado con diagnósticos y malestares contemporáneos como TDAH, síndrome de desgaste profesional, ansiedad, depresión e hiperestimulación.
El recorrido propuesto por Galindo combina elementos narrativos y conceptuales. Conecta el uso de estimulantes —desde fármacos derivados de anfetaminas hasta café, té, mate o bebidas con taurina— con la historia económica y cultural de estas sustancias. Y también vincula estas prácticas con dinámicas de trabajo frente a pantallas, videojuegos, música electrónica y formas de ocio atravesadas por estimulación continua. La experiencia personal del autor funciona aquí como hilo conductor para situar estos procesos en un marco social e histórico más amplio.
Alberto Greco. Viva el arte vivo
Martes 10 de febrero, 2026 - 19:00 h
Con motivo de la inauguración de la exposición Alberto Greco. Viva el arte vivo, Fernando Davis, comisario de la muestra, y Amanda de la Garza, subdirectora artística del Museo Reina Sofía, conversan en el Auditorio 400 del Edificio Nouvel sobre la vida y la obra del artista argentino, figura fundamental de la vanguardia experimental.
La exposición y la charla toman el título de la proclama «Viva el arte vivo», con la que Alberto Greco (Buenos Aires, 1931- Barcelona, 1965) inundó las calles y los muros de Roma. Para Greco, el arte vivo fue el arte del futuro. Un arte basado en un conjunto de gestos irreverentes e intempestivos, de aventuras abiertas a lo imprevisto que se fundían con la propia vida, que inicia en 1962 y para el que más tarde acuña el término «vivo-dito». En su Manifiesto dito dell´arte vivo, con el que empapeló las paredes de Génova, animaba a entrar en contacto «con los elementos vivos de nuestra realidad: movimiento, tiempo, gente, conversaciones, olores, rumores, lugares, situaciones». También en Madrid irrumpe en la cotidianidad de la calle cuando convoca un «momento vivo-dito» que culmina con la quema de un lienzo pintado de manera colectiva en el barrio de Lavapiés.
Además de fundador del arte vivo, Alberto Greco fue pintor informalista, flâneur queer o poeta y actor ocasional. Esta intensa singladura vital y artística está íntimamente conectada además con su deriva migrante, que comenzó en 1950 en Buenos Aires, pasando por Atacama y Humahuaca, París, Río de Janeiro, São Paulo, Génova, Roma, Madrid, Piedralaves, Nueva York o Ibiza, para terminar abruptamente en Barcelona, donde se quitará la vida poco después de escribir su última gran obra, la novela Besos brujos (1965).
Estas charlas inaugurales, que forman parte de una de las líneas de trabajo principales del Área de Programas Públicos, tienen como objetivo profundizar en los contenidos de las exposiciones organizadas por el Museo desde la perspectiva de artistas, comisariados y especialistas.