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26 febrero, 2015 / Edificio Sabatini, Auditorio
Sesión 1
Luis Ospina y Carlos Mayolo. Agarrando pueblo. 1977, 16 mm, color, b/n. 27’
Luis Ospina. Ojo y vista: peligra la vida del artista. 1987, U-matic, color. 26’
Con presencia de Luis Ospina
Con el sentido de “engatusando”, pero también de “prefabricando”, Agarrando pueblo muestra el rodaje de una película ficticia titulada ¿El futuro para quién?, destinada a emitirse en las televisiones europeas. Sus directores recrean estampas del subdesarrollo al dictado apresurado de “¿qué más miseria hay?”, frase pronunciada por uno de ellos. Agarrando pueblo fue una sacudida contra una forma de hacer cine: exponía un ortodoxo sistema documental que explotaba con gratuidad las lacras sociales (el llamado “cine del sobreprecio”) y denunciaba cómo ciertos filmes considerados testimoniales filtraban y manipulaban la realidad. Al mismo tiempo, inauguraba el humor y la sátira como herramientas de una práctica fílmica crítica e implicada. Premiada en los festivales de Oberhausen y Lille, 10 años después contaría con el epílogo Ojo y vista: peligra la vida del artista. En esta película, Ospina aprovecha el nuevo medio del vídeo para remontar y revisitar una escena de Agarrando pueblo con un conocido faquir callejero quien, en sus aseveraciones sobre el abandono y la resistencia, parece ser trasunto de cualquier otro artista colombiano.
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27 febrero, 2015 / Edificio Sabatini, Auditorio
Sesión 2
Luis Ospina y Carlos Mayolo. Oiga vea. 1972, 16 mm, b/n. 27’
Luis Ospina y Carlos Mayolo. Cali: de película. 1973, 35 mm, color. 14’
Con presencia de Luis Ospina
Reunidos en torno a la revista Ojo al cine y al cineclub local, la ciudad de Cali va a experimentar un intenso movimiento cinematográfico durante la década de 1970, en el que destacarán el malogrado escritor Andrés Caicedo y los cineastas Luis Ospina y Carlos Mayolo, entre otros. Ambas películas son resultado del llamado Caliwood. Oiga vea es un itinerario por la exclusión de los VI Juegos Panamericanos. Con un montaje de contrastes, las presentaciones e himnos oficiales dan paso a las chabolas y arrabales frente a los monumentales y vacíos estadios, a la ocupación policial y militar o a la tensión geopolítica entre Cuba y Estados Unidos, en un espectáculo que mantiene secuestrada la ciudad. En Cali: de película, Ospina y Mayolo se esfuerzan en trasladar el paisaje urbano de Jean Vigo de A propósito de Niza (1930) a la ciudad del Valle del Cauca. La fiesta, el carnaval, el humor cotidiano ante la violencia o el teatro de la vida pública muestran, al decir de Ospina, que todo es disfraz y hace parte de un mismo rito.
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2 marzo, 2015 / Edificio Sabatini, Auditorio
Sesión 3
Luis Ospina. Pura sangre. 1982, 35 mm, color. 98’
Uno de los mejores ejemplos del llamado “gótico tropical”, un subgénero consistente en la traducción y deriva de convenciones y marcos narrativos para plantear un tema real desde la ficción y la parodia. Pura sangre mezcla dos mitos: el del vampiro de la cultura occidental y el del “monstruo de los mangones”, un infanticida y violador en serie colombiano de los años 70. En la película, un magnate enfermo y postrado sobrevive a base de transfusiones sanguíneas masivas de jóvenes varones, secuestrados por sus empleados. La historia sirve para presentar un caso de explotación y corrupción secular, en el que la alta sociedad “vampiriza” a un campesinado paralizado por el miedo, con ayuda de una clase media corrompida.
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3 marzo, 2015 / Edificio Sabatini, Auditorio
Sesión 4
Luis Ospina. Un tigre de papel. 2007, Betacam Digital. 114’
Preocupado a lo largo de toda su actividad por la preservación de los archivos fílmicos, por las condiciones para la práctica artística en Colombia y por la narración específica desde América Latina, Un tigre de papel parece sintetizar todos estos intereses del cineasta, si bien traducidos a su irreverente poética del juego y del humor, en la que no hay más verdad que la descubierta por la mentira. Un tigre de papel cuenta la vida de Pedro Manrique Figueroa, precursor del collage en Colombia. Un artista activista y militante, alter-ego de tantos otros artistas latinoamericanos participantes en las redes de poesía visual y arte correo, quien, antes de desaparecer, intenta sin éxito donarse a sí mismo al Museo de Arte Moderno de Bogotá. Esta vida ficticia permite a Ospina trazar un gran panorama del arte y la vida pública en Colombia con la participación de muchos de sus protagonistas.
Luis Ospina, agente triple
Celebrada el 26, 27 feb, 02, 03 mar 2015
Junto a Carlos Mayolo, Luis Ospina es autor de una de las cinematografías más incisivas y críticas de los estereotipos identitarios que aún perviven en el imaginario cultural sobre Colombia y, por extensión, América Latina. A partir del calificativo de "porno-miseria", su cine denuncia expresamente la utilización obscena de la violencia y de la pobreza extrema como espectáculo.
Este ciclo, con la presencia del cineasta, introduce su trabajo. El agente triple, que da título al programa, es un collage del artista Pedro Manrique Figueroa, que retrata en clave autobiográfica las ambiguas relaciones entre arte y política en América Latina de este célebre artista imaginario, protagonista de la película Un tigre de papel (2007), ficción documental de Luis Ospina que cierra el ciclo.
El de agente triple es también el rol que el cineasta colombiano desempeña en su relación con múltiples debates, movimientos y escuelas, desde el cine militante de los años '60 y '70 hasta el activismo en vídeo de los años '80, desde el realismo documental a las poéticas del subdesarrollo, participando siempre en todos ellos, pero exponiendo su tendenciosa vocación hacia el estereotipo o hacia el paternalismo representativo, sin dejar de explorar de su tensión crítica. Esta retrospectiva muestra tal confrontación del autor de Agarrando pueblo (junto a Carlos Mayolo, 1978), en la que la denuncia social, los límites del lenguaje fílmico y la ética de la participación son explorados a lo largo de cuatro sesiones, con la intervención del propio cineasta.
En el marco de
ARCO Colombia 2015
En colaboración con
Gobierno de Colombia
Comisariado
Chema González
Organiza
Museo Reina Sofía
Más actividades
RECREO #4. Cuerpos en acción. Performance y participación en el arte contemporáneo
Miércoles 20 de mayo, 2026 - 17:30 h
La cuarta sesión del programa RECREO se centra en Un marco nuevo. La institución, el mercado y el arte que los excede, el Itinerario III de la nueva presentación de las Colecciones del Museo, recientemente inaugurada, Colección. Arte Contemporáneo: 1975-Presente. De las múltiples derivas que el itinerario propone, el curso se centra en el cuerpo como herramienta de acción y expresión, para poner de relieve su potencial como recurso educativo en el aula. A través de obras vinculadas a la performance, el vídeo o la documentación de acciones sobre las propias obras artísticas, se analiza cómo el cuerpo se convierte en un espacio de experimentación, resistencia y comunicación.
Las obras presentes en este itinerario muestran cómo, desde finales del siglo XX hasta hoy, un gran número de artistas ha utilizado la acción para cuestionar normas sociales, explorar los límites del cuerpo o activar la implicación del público. Desde este prisma, RECREO #4 Cuerpos en acción. Performance y participación en el arte contemporáneo propone pensar el arte como experiencia viva y ofrece claves para incorporar en el aula dinámicas basadas en el movimiento, la acción y la interacción.
Este taller forma parte del ciclo de formación online para profesorado RECREO, organizado por el Área de Educación del Museo Reina Sofía en diálogo con el colectivo Cápsula Cultura. RECREO combina la reflexión con propuestas prácticas adaptables a distintos niveles y contextos de enseñanza, además de fomentar el intercambio de experiencias entre docentes.
![Joseph Kosuth. One and Three Chairs [Una y tres sillas]](https://recursos.museoreinasofia.es/styles/small_landscape/public/Actividades/joseph_kosuth.jpg.webp)
La persona (legal) y la forma legal. Parte III
Lunes 11, miércoles 13 y jueves 14 de mayo, 2026 - Ampliado el plazo de inscripción
Como parte de Constelación de Estudios, la residencia de pensamiento anual 2025-2026, el historiador y teórico del arte Sven Lütticken imparte el seminario La persona (legal) y la forma legal: compromisos teóricos, artísticos y activistas para dialogar y profundizar en las hipótesis y preguntas que animan su proyecto de investigación.
Este proyecto, titulado Deshacer la subjetividad jurídica, deformar la abstracción legal, estudia el dominio de las abstracciones reales —como el valor de cambio y la forma legal— sobre nuestros procesos de subjetivación y se pregunta cómo las prácticas artísticas pueden abrir otras formas de representar o performar al sujeto y su condición jurídica en el mundo contemporáneo.
El seminario consta de un total de ocho sesiones, distribuidas a lo largo del curso en tres partes. La primera sesión de esta tercera parte aborda la noción de propiedad, problematizándola contra el contexto del arte conceptual. La obra de arte, su propiedad, autoría y autenticidad son replanteadas y revisadas con una actitud abierta a la confección de modelos de gestión —hipotéticos y alternativos a los actuales— que revolucionen la relación artista-obra-propietario. ¿Pueden las prácticas artísticas conceptuales servir como modelos críticos? ¿Hasta qué punto es posible pensar, actuar con ellos y extrapolarlos más allá de un bello nicho?
La segunda sesión atiende a la cuestión de la representación. Mientras que la mayoría (aunque no todas) de las personas naturales humanas pueden, en principio, representarte a sí mismas en asuntos legales, otras necesitan representantes. Esto ocurre con menores y adultos bajo custodia legal, pero también con personas «ficticias» —como corporaciones y estados—que necesitan representantes humanos para firmar acuerdos o defenderse en un juicio. La sesión aborda la representación legal en conjunción con otras formas de representación (política y cultural), atendiendo a la distinción inestable e históricamente mutable que hace Gayatry Spivak entre la representación como retrato (Darstellung) y la representación como agencia política (Vertretung).
Por último, la tercera sesión sirve de recapitulación, digestión y cierre del que ha sido el primer seminario del programa de residencia anual Constelación de Estudios.
Colección. Arte contemporáneo: 1975 - Presente
Miércoles 13 de mayo, 2026 - 19:00 h
En esta conferencia, Manuel Segade, director del Museo Reina Sofía, expone las claves de lectura de la nueva presentación de las Colecciones en la cuarta planta del Edificio Sabatini. Esta nueva organización de los fondos se enmarca en un ambicioso plan de reordenación de los usos arquitectónicos de los edificios del Museo, que continuará en 2027 con la inauguración de la tercera planta de este mismo edificio, para culminar en la segunda en 2028.
La nueva presentación de las Colecciones, inaugurada el 16 de febrero de 2026, ofrece un recorrido por la historia del arte contemporáneo de los últimos cincuenta años desde España. A diferencia de un relato unívoco, esta planta cuenta el mismo período —desde la Transición al presente— de tres maneras diferentes, reiniciándose en los años setenta una y otra vez.
El recorrido arranca con un prólogo que transita por los afectos, la cultura material y la institucionalidad en la Transición española como punto de partida a los tres itinerarios posteriores. El primero, Una historia de los afectos en el arte contemporáneo, navega desde los sistemas afectivos en la producción artística vinculada a la segunda ola feminista hasta el duelo como herramienta de interpretación de las nuevas realidades. El segundo itinerario, Los poderes de la ficción. Escultura, nuevos materialismos y estéticas relacionales, está concebido como una galería escultórica en la que las obras salen al encuentro del público incidiendo en la parte performativa de esta disciplina. Entre otras cosas, este itinerario muestra cómo, desde los años ochenta, la producción escultórica española ha tenido una gran proyección internacional en la que numerosas artistas mujeres han jugado un papel fundamental. El tercer itinerario, Un marco nuevo. La institución, el mercado y el arte que los excede a ambos, permite acercarse a los orígenes del Museo y su papel en el proceso de institucionalización del arte en nuestro país. En mayo de 1986 se abría el Centro de Arte Reina Sofía, utilizando las plantas primera y segunda del antiguo hospital: los cuarenta años transcurridos desde entonces permiten reevaluar precisamente los efectos del Museo sobre el arte español y de este sobre la institución.
Con esta charla se refuerza el objetivo de socialización de los relatos producidos desde el Museo, en una etapa en el que las Colecciones están sujetas a revisión permanente.
Patricia Falguières
Martes 12 de mayo, 2026 – 19:00 h
La historiadora del arte Patricia Falguières inaugura la Cátedra María Luisa Caturla con la conferencia La historia del arte en tiempos de oscuridad. Esta cátedra, consagrada a la reflexión sobre el arte de las épocas «enfermas de incertidumbre», está dedicada a desmontar, divagar o imaginar las múltiples temporalidades y materialidades de la historia del arte desde una mirada excéntrica, desplazada, fuera del centro o con un centro diferente.
El título de la conferencia hace referencia a Hombres en tiempos de oscuridad (1968), un conjunto de ensayos escritos por Hannah Arendt cuyo título parafrasea a su vez un poema de Bertolt Brecht. En esta obra, Arendt asevera que «los tiempos de oscuridad no solo no son nuevos, sino que no son una rareza de la historia».
También para Patricia Falguières la historia conoce multitud de épocas en las que el espacio público se oscurece, momentos en los que el mundo deviene tan incierto que la gente deja de demandar a la política cualquier cosa que no sea aliviar el peso de sus intereses vitales y de su libertad individual. Especialista en arte y filosofía de la Edad Moderna, pero siempre con una mirada abierta y curiosa hacia el arte contemporáneo, Falguières propone en este encuentro un recorrido «caótico y aventurero» desde el Renacimiento hasta Fukushima para indagar en preguntas como: ¿qué puede significar hoy, en un mundo que resplandece con destellos siniestros y amenazas más siniestras aún, practicar una historia del arte más allá del entretenimiento o el adorno social? y ¿de qué intereses vitales y de qué libertad puede ser testigo e instrumento esta historia del arte?
De Viva Voz 1. Cabello/Carceller
Lunes 11 de mayo, 2026 — De 18:30 a 20:00 h
La serie fotográfica de Cabello/Carceller Sin título (Utopía) (1998) se despliega en la pared de la Sala 8 de la cuarta planta del Museo como un imponente conjunto de imágenes de distinto tamaño y formato que impregna el espacio de una suerte de melancolía política. Hace reverberar el silencio que, aún hoy, domina los discursos públicos en torno al sida. El desolador escenario que proponen las imágenes de estas piscinas, vacías y fuera de temporada, activa un relato de lucha: la respuesta de activistas y artistas frente a la gestión política de dicha pandemia.
En este encuentro con el colectivo de artistas Cabello/Carceller, en diálogo con la subdirectora artística del Museo Amanda de la Garza, se busca mantener una conversación pausada y reflexiva sobre la obra y sus lecturas, así como conocer de cerca detalles sobre su génesis y repercusión.