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Jueves 13 de octubre, 2022 / Edificio Sabatini, Sala 102
Doble muda. Alejandra Pombo Su
La presencia animal no es teatral, los animales no construyen una imagen exterior de sí mismos en cuanto a apariencia. Su comportamiento no se basa en tratar de ser algo sino que su presencia es plena en todo momento. Se trata de ser situación y lugar. La artista explora con la voz esta presencia animal en tanto vibración y transformación, como un cuerpo que se desprende de la piel hacia un espacio abierto y no definido.
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Jueves 13 de octubre, 2022 / Edificio Nouvel, Sala de Protocolo
duet. Kike García y Fran MM Cabeza de Vaca
duet es la búsqueda de diferentes relaciones compositivas, matéricas y de movimiento a través del diálogo entre un violín, un mantón, un músico y un bailarín. Se exploran las cualidades de cada elemento desde la escucha y el tacto, desde una pasividad con agencia y disfrute, desde el hacer, el deshacer y el rehacer. Las posibilidades de bailar y de tocar se vuelven infinitas e invitan a una liberación semántica.
Es el peso, el volumen, la caricia, la acústica, la forma in fame lo que les mueve. El mantón también baila, desplaza, sostiene a la persona que lo envuelve y se adapta a nuevas formas de estar juntos. En conversación, el violín deviene en superficie desde la que resignificar el tocar como tacto: frotar, rozar, vibrar y hacer emerger la madera, la crin, el metal, el aire y la cuerda, en relación matérica con el mantón.
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Jueves 13 de octubre, 2022 / Edificio Sabatini, Sala 102
Envioletá / un estudio. Javiera de la Fuente
Aquí se va construyendo el cuerpo, o sumando al que ya traigo –casi desnudo, aunque lleno de información– que quiere ser vaciado y vuelto a llenar. Sucede en el encuentro con lo flamenco también, con una especie de piel que heredo, pero que también escojo, que me interpela y me acoge.
Javiera de la Fuente
Existe un momento en la temprana etapa musical de Violeta Parra en el que, motivada por su hermano y guía Nicanor, se dedica al género español de la década de 1940, llegando a ganar un certamen de baile y canto español con la afamada copla La zarzamora. Aquella desconocida anécdota da pie a Envioletá, proyecto híbrido situado entre la investigación personal sobre aquella universal artista, el pensamiento crítico, el flamenco, la canción, la tradición y la experimentación. Más que una obra, Envioletá es, ante todo, una serie de estados físicos y relacionales, una forma de hacer y de estar. Aquí se presenta, bajo el nombre Envioletá / un estudio una cápsula de este proceso en la que se busca remover, desplazar, deslizar, deslavazar, tocar y ser tocada por lo táctil y lo textil, cantar y danzar esta parte oculta del legado poético, sonoro y performativo de Violeta Parra y de La zarzamora como un espejo también de lo flamenco.
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Viernes 14 de octubre, 2022 / Edificio Sabatini, Auditorio
ESTUDIO IV en conversación
Esta actividad pretende acercar al público las diferentes propuestas performativas a partir de un abordaje de los campos de investigación que exploran los diversos proyectos. Propone así un espacio común de aprendizaje en forma de conversación con interlocutoras cómplices de las artistas participantes en esta cuarta edición. Planteado en torno a tres conversaciones, el encuentro invita a reflexionar, formular preguntas y compartir referencias o detectar y desvelar intereses comunes, conexiones y potencialidades.
Celebrada el 13, 14 oct 2022
El Museo Reina Sofía presenta la cuarta edición de ESTUDIO, un programa anual que reúne presentaciones en distintos formatos, fruto de las investigaciones desarrolladas por una serie de artistas e investigadoras cuya práctica se vincula de forma directa o dialógica con el ámbito de la coreografía y la performance.
Bajo el título Segunda piel. Subcutáneo esta edición aborda la relación de las personas con el mundo a través de la piel, entendida en sentido literal —sistema tegumentario que recubre el cuerpo de los animales vertebrados— o figurado —la capa o capas de experiencias, afectos, conocimiento, tradición o técnicas corporales que determinan su aspecto y sus relaciones—.
Por debajo de la piel, bajo la tela, el vestido o el mantón, bajo la voz propia, la estructura del lenguaje, o bajo la apariencia humana se extiende una superficie subcutánea que, al igual que la piel, opera como un órgano vivo. Esta segunda capa apela, además, al archivo de memorias: lo vivido, lo heredado, lo aprendido, un inabarcable acervo hipodérmico impreso en la capa linfática que actúa como una membrana favoreciendo procesos simbióticos con el entorno.
Si, como escribe Juhani Pallasmaa en Los ojos de la piel. La arquitectura y los sentidos (Editorial GG, [1996] 2014), “todos los sentidos, incluido la vista, pueden considerarse como extensiones del sentido del tacto, como especializaciones de la piel”, este programa nos emplaza a acercarnos de modo háptico, sensual y sensorial a partir de propuestas que experimentan en y con los bordes de la piel. La sonoridad de la voz, la vibración física en el espacio, refuerza y confunde la identificación de la voz humana como rugido animal. El movimiento que una tela ejerce sobre un cuerpo tensa el diálogo que la danza, como movimiento poético y tradición técnica, ha mantenido con ciertos textiles como el mantón de Manila o la bata de cola.
Siguiendo la dinámica de ediciones anteriores, ESTUDIO IV invita a un recorrido escalonado a lo largo de una tarde ofreciendo tres performances que tendrán lugar en dos espacios del Museo: la Sala de Protocolo del Edificio Nouvel, situada en lo más alto del mismo, y la Sala 102 del histórico Edificio Sabatini, antigua sede del Hospital de San Carlos, fundado en el s. XVIII. El programa se completa con ESTUDIO IV en conversación, un encuentro organizado en forma de diálogos entre las artistas participantes y las interlocutoras cómplices de sus procesos.
Participantes
Ángela Bonadies es artista. Su trabajo indaga en el tiempo y la memoria, en lo que resiste, lo que se desvanece y lo que está fuera de lugar. Su práctica parte de la fotografía y se expande hacia medios como la escritura y el dibujo. Ha participado, entre otras, en las exposiciones A Universal History of Infamy (LACMA, Los Ángeles y 18th Street Arts Center, Santa Mónica, 2017), La pesca (Galería Freijo, Madrid, 2019), Cruzando la línea (Cinemateca Distrital de Bogotá, 2019), De confines y confinamientos (Fundación Municipal Bienal de Cuenca, Ecuador, 2020) y En las entrañas de la bestia (La Virreina Centre de la Imatge, Barcelona, 2022).
Ángel Calvo Ulloa es comisario de exposiciones y crítico de arte. Licenciado en Historia del Arte por la Universidad de Santiago de Compostela y máster en Arte Contemporáneo por la Universidad de Vigo. Ha comisariado las exposiciones Complexo Colosso (Centro Internacional das Artes José de Guimarães, Guimarães, 2021) y Habitación. Archivo F.X. (Centro de Arte Dos de Mayo de Móstoles, Museu Nacional d'Art de Catalunya de Barcelona y La Nau de Valencia, 2018-2019). Ha realizado proyectos para Artium Museoa en Vitoria-Gasteiz, el Museo de Arte Contemporánea de Vigo (MARCO), el Centro de Cultura de España en México (CCEMX), y La Casa Encendida de Madrid, entre otras instituciones. Ha publicado, junto a Juan Canela, el libro Desde lo curatorial. Conversaciones, experiencias y afectos (consonni, 2020).
Javiera de la Fuente es artista y bailaora de flamenco. Investiga lenguajes cercanos a la performance en espacios escénicos no convencionales combinando la reflexión crítica y el baile en formatos híbridos como la conferencia escénica. Con este formato, ha actuado en los siguientes espacios: Bergen Assembly (Aire del Mar. Canciones de la guerra social contemporánea, 2019), European Forum For Advanced Practices del Centro de Arte Dos de Mayo de Móstoles (El drama de una realidad Sur, 2019), o la Fundación Federico García Lorca de Granada (Una niebla invisible, 2022).
Kike García es bailarín, coreógrafo y bordador. Empezó formándose como taekwondista a los cuatro años y continuó hacia la danza contemporánea, el butoh y el flamenco, combinando todos estos lenguajes de movimiento. Graduado en la Universidad de Danza y Artes Escénicas HZT-UdK de Berlín, ha presentado su trabajo con diferentes coreógrafas en Reikiavik, Madrid, Casablanca, Atenas y Berlín. Sus investigaciones en el campo del movimiento, la danza y la performance son trasladadas también al bordado.
Pablo Marte es artista, escritor e investigador. Ha realizado los proyectos audiovisuales y películas Imperial Eyes (2015), Mañana Goodbye (con Marion Cruza Le Bihan, 2016) y Venceremos (con Taxio Ardanaz, 2021). Con consonni llevó a cabo el proyecto El problema está en el medio (2013), la obra teatral Again Again(st) (2013) y Pretty Woman (2014), ensayo de ficción en formato libro y trabajo comisarial completado con diez intervenciones de otros artistas. Ha colaborado con investigadores como Isabel de Naverán, Aimar Arriola e Idoia Zabaleta. En 2021 contribuyó a fundar Basilika, espacio de podcasting de crítica cultural donde produce los programas Sector Conflictivo e Informe Infame.
Fran MM Cabeza de Vaca es compositor, artista sonoro y profesor de música. Ha estrenado obras instrumentales, electrónicas y escénicas en festivales nacionales e internacionales. Ha participado como compositor e intérprete en los espectáculos escénicos La Casa, de Aitana Cordero o ECLIPSE : MUNDO, de Paz Rojo. En relación con su trabajo audiovisual, cabe destacar su implicación en el colectivo ZEMOS98. Desde 2012, colabora estrechamente con la poeta María Salgado, destacando la trilogía de piezas audio-textuales Jinete Último Reino Frag.1-3 (2017- 2021). Como intérprete, actualmente forma parte activa de la Fanfarria Transfeminista de Madrid.
Alejandra Pombo Su es artista. Licenciada en Artes Visuales por la Universidad Complutense de Madrid, amplía sus estudios con el máster en Artes Digitales de la Universidad Pompeu Fabra y el Programa de Estudios Independientes del Museu d’Art Contemporani de Barcelona. Su trabajo se mueve entre las artes visuales, el cine y las artes performativas. Ha participado en los proyectos What is Third (La Casa Encendida, Madrid, 2015) o Mugatxoan (LABoral de Gijón, Fundação de Serralves de Oporto y Arteleku de Donostia, 2004-2009). Ha realizado residencias en el Atlantic Center for the Arts (Florida, EE.UU.) o en el PACT Zollverein (Essen, Alemania), entre otras.
Más actividades
![Joseph Kosuth. One and Three Chairs [Una y tres sillas]](https://recursos.museoreinasofia.es/styles/small_landscape/public/Actividades/joseph_kosuth.jpg.webp)
La persona (legal) y la forma legal. Parte III
Lunes 11, miércoles 13 y jueves 14 de mayo, 2026 - Ampliado el plazo de inscripción
Como parte de Constelación de Estudios, la residencia de pensamiento anual 2025-2026, el historiador y teórico del arte Sven Lütticken imparte el seminario La persona (legal) y la forma legal: compromisos teóricos, artísticos y activistas para dialogar y profundizar en las hipótesis y preguntas que animan su proyecto de investigación.
Este proyecto, titulado Deshacer la subjetividad jurídica, deformar la abstracción legal, estudia el dominio de las abstracciones reales —como el valor de cambio y la forma legal— sobre nuestros procesos de subjetivación y se pregunta cómo las prácticas artísticas pueden abrir otras formas de representar o performar al sujeto y su condición jurídica en el mundo contemporáneo.
El seminario consta de un total de ocho sesiones, distribuidas a lo largo del curso en tres partes. La primera sesión de esta tercera parte aborda la noción de propiedad, problematizándola contra el contexto del arte conceptual. La obra de arte, su propiedad, autoría y autenticidad son replanteadas y revisadas con una actitud abierta a la confección de modelos de gestión —hipotéticos y alternativos a los actuales— que revolucionen la relación artista-obra-propietario. ¿Pueden las prácticas artísticas conceptuales servir como modelos críticos? ¿Hasta qué punto es posible pensar, actuar con ellos y extrapolarlos más allá de un bello nicho?
La segunda sesión atiende a la cuestión de la representación. Mientras que la mayoría (aunque no todas) de las personas naturales humanas pueden, en principio, representarte a sí mismas en asuntos legales, otras necesitan representantes. Esto ocurre con menores y adultos bajo custodia legal, pero también con personas «ficticias» —como corporaciones y estados—que necesitan representantes humanos para firmar acuerdos o defenderse en un juicio. La sesión aborda la representación legal en conjunción con otras formas de representación (política y cultural), atendiendo a la distinción inestable e históricamente mutable que hace Gayatry Spivak entre la representación como retrato (Darstellung) y la representación como agencia política (Vertretung).
Por último, la tercera sesión sirve de recapitulación, digestión y cierre del que ha sido el primer seminario del programa de residencia anual Constelación de Estudios.
Patricia Falguières
Martes 12 de mayo, 2026 – 19:00 h
La historiadora del arte Patricia Falguières inaugura la Cátedra María Luisa Caturla con la conferencia La historia del arte en tiempos de oscuridad. Esta cátedra, consagrada a la reflexión sobre el arte de las épocas «enfermas de incertidumbre», está dedicada a desmontar, divagar o imaginar las múltiples temporalidades y materialidades de la historia del arte desde una mirada excéntrica, desplazada, fuera del centro o con un centro diferente.
El título de la conferencia hace referencia a Hombres en tiempos de oscuridad (1968), un conjunto de ensayos escritos por Hannah Arendt cuyo título parafrasea a su vez un poema de Bertolt Brecht. En esta obra, Arendt asevera que «los tiempos de oscuridad no solo no son nuevos, sino que no son una rareza de la historia».
También para Patricia Falguières la historia conoce multitud de épocas en las que el espacio público se oscurece, momentos en los que el mundo deviene tan incierto que la gente deja de demandar a la política cualquier cosa que no sea aliviar el peso de sus intereses vitales y de su libertad individual. Especialista en arte y filosofía de la Edad Moderna, pero siempre con una mirada abierta y curiosa hacia el arte contemporáneo, Falguières propone en este encuentro un recorrido «caótico y aventurero» desde el Renacimiento hasta Fukushima para indagar en preguntas como: ¿qué puede significar hoy, en un mundo que resplandece con destellos siniestros y amenazas más siniestras aún, practicar una historia del arte más allá del entretenimiento o el adorno social? y ¿de qué intereses vitales y de qué libertad puede ser testigo e instrumento esta historia del arte?
De Viva Voz 1. Cabello/Carceller
Lunes 11 de mayo, 2026 — De 18:30 a 20:00 h
La serie fotográfica de Cabello/Carceller Sin título (Utopía) (1998) se despliega en la pared de la Sala 8 de la cuarta planta del Museo como un imponente conjunto de imágenes de distinto tamaño y formato que impregna el espacio de una suerte de melancolía política. Hace reverberar el silencio que, aún hoy, domina los discursos públicos en torno al sida. El desolador escenario que proponen las imágenes de estas piscinas, vacías y fuera de temporada, activa un relato de lucha: la respuesta de activistas y artistas frente a la gestión política de dicha pandemia.
En este encuentro con el colectivo de artistas Cabello/Carceller, en diálogo con la subdirectora artística del Museo Amanda de la Garza, se busca mantener una conversación pausada y reflexiva sobre la obra y sus lecturas, así como conocer de cerca detalles sobre su génesis y repercusión.
A golpe de sample. Experimentación sonora contra el odio
7 MAY 2026
El equipo de adolescentes del Museo, equipo1517, invita a jóvenes de 15 a 17 años a participar en esta visita-taller con Rubén H. Bermúdez y Bria, artistas con quienes sumergirse en la posibilidad de romper con las categorías y los enjuiciamientos internos y transformarlos en una reivindicación musical contra el odio.
Tras una visita a las salas de las Colecciones del Museo con el artista Rubén H. Bermúdez, el taller propone una investigación en torno al sample y la automatización de la mano de Bria, artista sonora y productora musical. A través de las técnicas de sampleo sonoro, se exploran los relatos propios de vida y ficción hacia la construcción de futuros liberadores y espacios sonoros que condenen los discursos de odio.
Para inscribirse no es imprescindible tener experiencia previa o conocimiento de herramientas informáticas musicales. Aquellas personas que manejen programas de audio digital pueden traer sus ordenadores y/o instrumentos digitales. El taller es un espacio seguro para disidencias sexo-genéricas y se articula como herramienta artística antirracista.
Esta actividad se celebra en el marco del programa CAMBIAFORMAS. Eres la posibilidad propuesto por la artista Benia Nsi para la actual edición de equipo1517.
School of SUP: sesión de cine trash
Jueves 30 de abril, 2026 – 19:00 h
El disparatado plan de estudios de School of SUP, que desarrolla el equipo1821, hace pública con esta proyección su particular muestra de trabajos de clase. Durante la sesión, se comparten tres cortometrajes grabados con cámaras analógicas, escritos, montados y protagonizados de forma colectiva por el propio alumnado al más puro estilo DIY. A continuación, se presenta American SUP (2026), largometraje trash e irreverente a cargo de Soy una pringada y Dani Tezla.
American SUP (2026) es un roadtrip por el Medio Oeste de Estados Unidos, grabado con una cámara de 1997, en el que la youtuber, dj, agitadora cultural y personalidad de culto de Internet Soy una pringada y Dani Tezla dirigen y protagonizan una aventura en la que no faltan apariciones estelares y escenarios imposibles: la casa de American Football, una tienda de cadáveres, la tormenta del Rainforest Cafe, un concierto de Cannibal Corpse, un sótano en Minnesota, hoteles infectos, sillas del cornudo (cuck chairs) y un hall of fame lleno de payasos. La película es una versión lo-fi del gótico americano con tintes folk, un género practicado por cineastas como George Kuchar, Harmony Korine y Sean Price Williams.
Esta sesión, asimismo, se articula con las líneas fundamentales del programa educativo equipo1821 School of SUP. Cine, arte y nihilismo en los noventa, en el que a través del cine —fundamentalmente de la década de 1990— se profundiza en diferentes prácticas artísticas underground, las culturas urbanas, los cruces del arte con la cultura popular y una suerte de ansiedad adolescente generacional como ruido de fondo.