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Jueves 13 de octubre, 2022 / Edificio Sabatini, Sala 102
Doble muda. Alejandra Pombo Su
La presencia animal no es teatral, los animales no construyen una imagen exterior de sí mismos en cuanto a apariencia. Su comportamiento no se basa en tratar de ser algo sino que su presencia es plena en todo momento. Se trata de ser situación y lugar. La artista explora con la voz esta presencia animal en tanto vibración y transformación, como un cuerpo que se desprende de la piel hacia un espacio abierto y no definido.
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Jueves 13 de octubre, 2022 / Edificio Nouvel, Sala de Protocolo
duet. Kike García y Fran MM Cabeza de Vaca
duet es la búsqueda de diferentes relaciones compositivas, matéricas y de movimiento a través del diálogo entre un violín, un mantón, un músico y un bailarín. Se exploran las cualidades de cada elemento desde la escucha y el tacto, desde una pasividad con agencia y disfrute, desde el hacer, el deshacer y el rehacer. Las posibilidades de bailar y de tocar se vuelven infinitas e invitan a una liberación semántica.
Es el peso, el volumen, la caricia, la acústica, la forma in fame lo que les mueve. El mantón también baila, desplaza, sostiene a la persona que lo envuelve y se adapta a nuevas formas de estar juntos. En conversación, el violín deviene en superficie desde la que resignificar el tocar como tacto: frotar, rozar, vibrar y hacer emerger la madera, la crin, el metal, el aire y la cuerda, en relación matérica con el mantón.
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Jueves 13 de octubre, 2022 / Edificio Sabatini, Sala 102
Envioletá / un estudio. Javiera de la Fuente
Aquí se va construyendo el cuerpo, o sumando al que ya traigo –casi desnudo, aunque lleno de información– que quiere ser vaciado y vuelto a llenar. Sucede en el encuentro con lo flamenco también, con una especie de piel que heredo, pero que también escojo, que me interpela y me acoge.
Javiera de la Fuente
Existe un momento en la temprana etapa musical de Violeta Parra en el que, motivada por su hermano y guía Nicanor, se dedica al género español de la década de 1940, llegando a ganar un certamen de baile y canto español con la afamada copla La zarzamora. Aquella desconocida anécdota da pie a Envioletá, proyecto híbrido situado entre la investigación personal sobre aquella universal artista, el pensamiento crítico, el flamenco, la canción, la tradición y la experimentación. Más que una obra, Envioletá es, ante todo, una serie de estados físicos y relacionales, una forma de hacer y de estar. Aquí se presenta, bajo el nombre Envioletá / un estudio una cápsula de este proceso en la que se busca remover, desplazar, deslizar, deslavazar, tocar y ser tocada por lo táctil y lo textil, cantar y danzar esta parte oculta del legado poético, sonoro y performativo de Violeta Parra y de La zarzamora como un espejo también de lo flamenco.
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Viernes 14 de octubre, 2022 / Edificio Sabatini, Auditorio
ESTUDIO IV en conversación
Esta actividad pretende acercar al público las diferentes propuestas performativas a partir de un abordaje de los campos de investigación que exploran los diversos proyectos. Propone así un espacio común de aprendizaje en forma de conversación con interlocutoras cómplices de las artistas participantes en esta cuarta edición. Planteado en torno a tres conversaciones, el encuentro invita a reflexionar, formular preguntas y compartir referencias o detectar y desvelar intereses comunes, conexiones y potencialidades.
Celebrada el 13, 14 oct 2022
El Museo Reina Sofía presenta la cuarta edición de ESTUDIO, un programa anual que reúne presentaciones en distintos formatos, fruto de las investigaciones desarrolladas por una serie de artistas e investigadoras cuya práctica se vincula de forma directa o dialógica con el ámbito de la coreografía y la performance.
Bajo el título Segunda piel. Subcutáneo esta edición aborda la relación de las personas con el mundo a través de la piel, entendida en sentido literal —sistema tegumentario que recubre el cuerpo de los animales vertebrados— o figurado —la capa o capas de experiencias, afectos, conocimiento, tradición o técnicas corporales que determinan su aspecto y sus relaciones—.
Por debajo de la piel, bajo la tela, el vestido o el mantón, bajo la voz propia, la estructura del lenguaje, o bajo la apariencia humana se extiende una superficie subcutánea que, al igual que la piel, opera como un órgano vivo. Esta segunda capa apela, además, al archivo de memorias: lo vivido, lo heredado, lo aprendido, un inabarcable acervo hipodérmico impreso en la capa linfática que actúa como una membrana favoreciendo procesos simbióticos con el entorno.
Si, como escribe Juhani Pallasmaa en Los ojos de la piel. La arquitectura y los sentidos (Editorial GG, [1996] 2014), “todos los sentidos, incluido la vista, pueden considerarse como extensiones del sentido del tacto, como especializaciones de la piel”, este programa nos emplaza a acercarnos de modo háptico, sensual y sensorial a partir de propuestas que experimentan en y con los bordes de la piel. La sonoridad de la voz, la vibración física en el espacio, refuerza y confunde la identificación de la voz humana como rugido animal. El movimiento que una tela ejerce sobre un cuerpo tensa el diálogo que la danza, como movimiento poético y tradición técnica, ha mantenido con ciertos textiles como el mantón de Manila o la bata de cola.
Siguiendo la dinámica de ediciones anteriores, ESTUDIO IV invita a un recorrido escalonado a lo largo de una tarde ofreciendo tres performances que tendrán lugar en dos espacios del Museo: la Sala de Protocolo del Edificio Nouvel, situada en lo más alto del mismo, y la Sala 102 del histórico Edificio Sabatini, antigua sede del Hospital de San Carlos, fundado en el s. XVIII. El programa se completa con ESTUDIO IV en conversación, un encuentro organizado en forma de diálogos entre las artistas participantes y las interlocutoras cómplices de sus procesos.
Participantes
Ángela Bonadies es artista. Su trabajo indaga en el tiempo y la memoria, en lo que resiste, lo que se desvanece y lo que está fuera de lugar. Su práctica parte de la fotografía y se expande hacia medios como la escritura y el dibujo. Ha participado, entre otras, en las exposiciones A Universal History of Infamy (LACMA, Los Ángeles y 18th Street Arts Center, Santa Mónica, 2017), La pesca (Galería Freijo, Madrid, 2019), Cruzando la línea (Cinemateca Distrital de Bogotá, 2019), De confines y confinamientos (Fundación Municipal Bienal de Cuenca, Ecuador, 2020) y En las entrañas de la bestia (La Virreina Centre de la Imatge, Barcelona, 2022).
Ángel Calvo Ulloa es comisario de exposiciones y crítico de arte. Licenciado en Historia del Arte por la Universidad de Santiago de Compostela y máster en Arte Contemporáneo por la Universidad de Vigo. Ha comisariado las exposiciones Complexo Colosso (Centro Internacional das Artes José de Guimarães, Guimarães, 2021) y Habitación. Archivo F.X. (Centro de Arte Dos de Mayo de Móstoles, Museu Nacional d'Art de Catalunya de Barcelona y La Nau de Valencia, 2018-2019). Ha realizado proyectos para Artium Museoa en Vitoria-Gasteiz, el Museo de Arte Contemporánea de Vigo (MARCO), el Centro de Cultura de España en México (CCEMX), y La Casa Encendida de Madrid, entre otras instituciones. Ha publicado, junto a Juan Canela, el libro Desde lo curatorial. Conversaciones, experiencias y afectos (consonni, 2020).
Javiera de la Fuente es artista y bailaora de flamenco. Investiga lenguajes cercanos a la performance en espacios escénicos no convencionales combinando la reflexión crítica y el baile en formatos híbridos como la conferencia escénica. Con este formato, ha actuado en los siguientes espacios: Bergen Assembly (Aire del Mar. Canciones de la guerra social contemporánea, 2019), European Forum For Advanced Practices del Centro de Arte Dos de Mayo de Móstoles (El drama de una realidad Sur, 2019), o la Fundación Federico García Lorca de Granada (Una niebla invisible, 2022).
Kike García es bailarín, coreógrafo y bordador. Empezó formándose como taekwondista a los cuatro años y continuó hacia la danza contemporánea, el butoh y el flamenco, combinando todos estos lenguajes de movimiento. Graduado en la Universidad de Danza y Artes Escénicas HZT-UdK de Berlín, ha presentado su trabajo con diferentes coreógrafas en Reikiavik, Madrid, Casablanca, Atenas y Berlín. Sus investigaciones en el campo del movimiento, la danza y la performance son trasladadas también al bordado.
Pablo Marte es artista, escritor e investigador. Ha realizado los proyectos audiovisuales y películas Imperial Eyes (2015), Mañana Goodbye (con Marion Cruza Le Bihan, 2016) y Venceremos (con Taxio Ardanaz, 2021). Con consonni llevó a cabo el proyecto El problema está en el medio (2013), la obra teatral Again Again(st) (2013) y Pretty Woman (2014), ensayo de ficción en formato libro y trabajo comisarial completado con diez intervenciones de otros artistas. Ha colaborado con investigadores como Isabel de Naverán, Aimar Arriola e Idoia Zabaleta. En 2021 contribuyó a fundar Basilika, espacio de podcasting de crítica cultural donde produce los programas Sector Conflictivo e Informe Infame.
Fran MM Cabeza de Vaca es compositor, artista sonoro y profesor de música. Ha estrenado obras instrumentales, electrónicas y escénicas en festivales nacionales e internacionales. Ha participado como compositor e intérprete en los espectáculos escénicos La Casa, de Aitana Cordero o ECLIPSE : MUNDO, de Paz Rojo. En relación con su trabajo audiovisual, cabe destacar su implicación en el colectivo ZEMOS98. Desde 2012, colabora estrechamente con la poeta María Salgado, destacando la trilogía de piezas audio-textuales Jinete Último Reino Frag.1-3 (2017- 2021). Como intérprete, actualmente forma parte activa de la Fanfarria Transfeminista de Madrid.
Alejandra Pombo Su es artista. Licenciada en Artes Visuales por la Universidad Complutense de Madrid, amplía sus estudios con el máster en Artes Digitales de la Universidad Pompeu Fabra y el Programa de Estudios Independientes del Museu d’Art Contemporani de Barcelona. Su trabajo se mueve entre las artes visuales, el cine y las artes performativas. Ha participado en los proyectos What is Third (La Casa Encendida, Madrid, 2015) o Mugatxoan (LABoral de Gijón, Fundação de Serralves de Oporto y Arteleku de Donostia, 2004-2009). Ha realizado residencias en el Atlantic Center for the Arts (Florida, EE.UU.) o en el PACT Zollverein (Essen, Alemania), entre otras.
Más actividades
Por primera vez, el cine
7 y 14 de junio, 2026 – 12:00 h
La última sesión de esta temporada de Proyector de Luna contempla la sensación del cine por primera vez. El cine como revelación, magia, fantasía y misterio desde la primera mirada, ese primer contacto con el medio como imaginario grabado en la retina de la infancia. A través de dos de sus hitos, el programa muestra Fantasmagorie (1908) de Émile Cohl, el primer dibujo animado de la historia, y Cien niños esperando un tren (1988) de Ignacio Agüero, un largometraje sobre el juego y los orígenes del cine.
Fantasmagorie (1908) de Émile Cohl (Paris, 1857- Villejuif, 1938) es la primera expresión de la historia de un dibujo animado. Émile Cohl fue un ilustrador perteneciente al grupo artístico parisino Arts incohérents (1882-1895), de talento absurdo y surrealista. Si los hermanos Lumière consiguieron levantar de sus butacas a los espectadores que veían cómo un tren se aproximaba a ellos en 1895, Fantamagorie es una experiencia supraterrenal, como la aparición de un espíritu, pero al mismo tiempo inocua y divertida. Lo inanimado cobra vida de la nada y las figuras se mueven por primera vez sin aparente sentido. La animación se relaciona desde el primer momento con la caricatura, la fabulación y lo cómico, un lugar propicio para la ensoñación del público más joven.
Del descubrimiento de un imaginario nuevo surgido de la línea animada hasta el conocimiento del mundo a través de una pantalla. Cien niños esperando un tren (1988) del chileno Ignacio Agüero (Santiago, 1952) narra el descubrimiento del cine por un grupo de menores en un taller sobre los orígenes de este medio en una humilde localidad a las afueras de Santiago de Chile. El juego, la diversión y el aprendizaje se unen a la fascinación por las imágenes. La visión de Fantasmagorie (1908)de Émile Cohl en este taller se transforma en un acto de libertad.
Para transformar los papeles y guardar la memoria
Viernes 5, sábado 6 y martes 9 de junio, 2026 - 18:00 H
En el marco del Instituto Cáder de Arte Centroamericano (ICAC), Museo Tentacular colabora con el artista salvadoreño Jose Campos (La Paz, 1986), conocido como Studio Lenca, en la realización de talleres colaborativos a lo largo de 2026 en torno a la producción de materiales y herramientas artísticas para las luchas sociales del presente. Estos talleres proponen activar y producir elementos que acompañen en el Picnic del barrio de 2026.
El Picnic del barrio es un encuentro organizado junto con la asamblea de Museo Situado, donde el Jardín del Museo se torna plaza pública y se celebran y reivindican las luchas de Lavapiés a través de talleres, conciertos, activaciones políticas, olores, colores y sabores que toman el Museo desde el barrio. En 2026, el eje central que articula el Picnic es la campaña del movimiento Regularización Ya, que defiende el proceso de regularización de personas migrantes en situación administrativa irregular en España. Como preparación del Picnic, estos talleres con Studio Lenca están dirigidos a personas interesadas en la producción de imágenes, objetos y narrativas relacionadas con la lucha del barrio por una vida digna y el proceso de regularización en curso.
Jose Campos se nutre de su propia biografía para su producción artística, marcada por la migración desde El Salvador a Estados Unidos, y de allí al Reino Unido. Así, estos encuentros proponen la construcción de vasijas, objetos que suelen utilizarse para contener líquidos o alimentos, pero que aquí sirven para guardar historias de vida. Partiendo del trabajo con material reciclado procedente de documentos y recortes aportados por residentes del barrio y el Museo, el papel se transforma en un objeto portador de memorias e historias de vida. De esta forma, se resignifica su materialidad para construir colectivamente unos vasos que guardan, hablan, recuerdan y muestran el derecho de las vecinas y vecinos a una vida digna.
Mirar de cerca. De visu
Martes 9 de junio, 2026 - 12:00 h
El 26 de mayo de 1986 se inauguraba el Centro de Arte Reina Sofía en el edificio que durante más de doscientos años había sido sede del Hospital General, restaurado en gran medida por el arquitecto Antonio Fernández Alba. Con motivo del cuarenta aniversario de esta apertura, el Archivo Central propone una serie de activaciones de sus fondos; entre ellas, este taller donde se presentan algunos documentos que sirven para desplegar visual y textualmente los inicios de la institución.
Esta selección de documentación, producida por el Museo Reina Sofía y conservada en su Archivo Central, incluye fotografías, planos y otros documentos que testimonian la transformación arquitectónica y funcional del edificio: desde su uso como hospital a su adaptación como espacio expositivo que pone en valor sus cualidades arquitectónicas y museográficas. Junto a estos materiales, se incorporan algunos fondos heredados de instituciones precedentes, como el Museo de Arte Moderno y el Museo Español de Arte Contemporáneo, así como otros que testimonian importantes hitos de su historia. Un conjunto que, en definitiva, permite contextualizar la trayectoria administrativa y patrimonial que antecede al actual Museo y ofrecer una visión continuada de su desarrollo institucional.
Este proyecto se desarrolla en el marco de Mirar de cerca, una de las líneas que configuran el programa de mediación Casi libros, enfocado en dar a conocer los fondos de la Biblioteca y Centro de Documentación del Museo y difundir las herramientas especializadas para la investigación en el arte y la creación contemporánea, a través de talleres, cursos y guías temáticas.
Exilio y ajenidad
Sábado 30 de mayo y 6 de junio, 2026 - 18:00 H
Durante los años del gobierno de la Unidad Popular tres jóvenes cineastas se presentaron en las oficinas de Chile Films para presentar un proyecto de película: Marilú Mallet, Valeria Sarmiento y Angelina Vázquez. Esta sesión proyecta tres películas que recogen la experiencia de exilio de estas tres directoras. En Dos años en Finlandia, Angelina Vázquez retrata las condiciones sociales y laborales de las personas chilenas refugiadas en el país nórdico. La ficción Lentement, dirigida por Marilú Mallet, sigue a una joven exiliada chilena por los espacios de Montreal contaminados de nostalgia y rabia política. En Huellas, Valeria Sarmiento vuelve a Chile para indagar en la memoria de la violencia ejercida por la dictadura militar de Pinochet. La sesión culmina con un coloquio con las tres cineastas, reunidas por vez primera.
De Norte a Sur, de Sur a Norte
Domingo 31 de mayo y viernes 5 de junio, 2026 - Consultar horarios
Marilú Mallet recorre, como en una road movie, su Chile natal tras cuarenta años de exilio. El viaje supone una exploración del dinamismo de la identidad nacional, lo que lleva a la cineasta a volver a cuestiones ya tratadas en su propia filmografía y a buscar nuevas formas de filmar el encuentro entre un cuerpo y el paisaje.