Ismo, Ismo, Ismo

Cine experimental en América Latina

30 de enero - 13 de marzo, 2019 - 19:00 h / Edificio Sabatini, Auditorio

Entrada gratuita hasta completar aforo

Video destacado

Ismo, Ismo, Ismo propone en trece sesiones una visión panorámica de la vibrante producción cinematográfica experimental de América Latina. El ciclo revisita películas clásicas y presenta nuevas obras de figuras clave y de artistas emergentes, conduciendo a los espectadores a un viaje por la riqueza de los materiales encontrados en los archivos fílmicos y en los circuitos de la producción reciente de América Latina. Los programas presentados incluyen obras históricas y contemporáneas de Argentina, Brasil, Bolivia, Chile, Colombia, Cuba, Ecuador, México, Paraguay, Perú, Uruguay, Venezuela, Puerto Rico y Estados Unidos. Ismo, Ismo, Ismo presenta nuevas constelaciones temáticas no cronológicas, recuerda interpretaciones desatendidas y restaura visiones singulares y colectivas de la historia del cine experimental de América Latina.

El ciclo explora un amplio arco histórico, desde la década de 1930 hasta las experimentaciones recientes con la materia fílmica y digital y se articula en una serie de programas con distintos ejes temáticos. Estos van desde las subversiones radicales del lenguaje cinematográfico hasta la nostalgia queer ante el recuerdo de un pasado perdido; desde las celebraciones eufóricas de la vitalidad de la ciudad a las nuevas aproximaciones narrativas al realismo; desde las abstracciones cromáticas hasta las reconstrucciones épicas de la conquista europea de las Américas. Esta amplitud de temas refuerza la premisa de que el cine experimental en América Latina no puede ser reducido a un solo asunto, a un problema formal, a una estética o a una causa política.

En este despliegue histórico y conceptual Ismo, Ismo, Ismo busca poner en crisis las definiciones preconcebidas de lo “experimental” y de lo “latinoamericano”. Ambas categorías se resisten a esquemas rígidos y unívocos. Con respecto al término “experimental”, la solución frecuente ha sido permitir caracterizaciones diversas e incluso contradictorias. Dado que la interpretación de lo que es cine experimental (también denominado como vanguardista, underground, crítico o cine esencial) es tan variada entre los artistas cuyos trabajos son examinados aquí, el ciclo mantiene una relación fluida con los límites de este concepto, sobre todo con respecto a aquellas obras que experimentan con formatos de no-ficción o ficciones producidas en contextos íntimos y personales.  Por otra parte, la complejidad del término “latinoamericano” exige una particular reflexión acerca de la tendencia internacional a concebir esta región como una entidad unificada, y requiere que resistamos la tentación de esperar que cada filme y cada posición estética cumpla con esta “latinoamericanidad”. El ciclo se concibe como un punto de partida y reconoce la multiplicidad de perspectivas necesarias en cualquier historia comparada del cine latinoamericano. Los filmes presentados aquí profundizan en esta crítica, pero al mismo tiempo evitan limitarse a una serie de temas y asuntos que perpetúen nociones preconcebidas de la región.


Este ciclo audiovisual es una producción de Los Angeles Film Forum como parte de Pacific Standard Time: LA/LA, una profunda y ambiciosa exploración del arte latinoamericano y latino, una iniciativa de la Fundación Getty con el patrocinio principal de Bank of America.

Programa

Nicolás Guillén Landrián. Coffea arábiga. Película, 1968

Miércoles, 30 de enero - 19:00 h

Presentación del ciclo

Con la participación de Jesse Lerner y Luciano Piazza

Jesse Lerner es cineasta, programador y escritor. Profesor en Claremont College, California, es autor de libros como The Maya of Modernism (University of Mexico Press, 2011) , F is for Phony: Fake Documentary y Truth's Undoing (con Alex Juhasz, University of Minnesota Press, 2006), y The Catherwood Project (con Leandro Katz, University of Mexico Press, 2018). Junto con Luciano Piazza, es uno de los comisarios de Ismo, Ismo, Ismo: cine experimental en América Latina.

Luciano Piazza es cineasta, escritor y crítico. Ha colaborado como crítico de arte y literatura en una amplia variedad de medios de comunicación latinoamericanos.

Manuel DeLanda. Ismism. Película, 1979

Viernes, 1 de febrero - 19:00 h

Programa 1

Contracultura y underground

Duración: 76 min

Enrique Pineda Barnet. Juventud rebeldía revolución
1969, 30 min, color, sonido, 35mm transferida a digital), Cuba

Manuel DeLanda. Ismism Enrique Pineda Barnet. Juventud rebeldía revolución
1979, 6 min., color, mudo, Super 8mm transferido a digital, México/EEUU

Narcisa Hirsch. Marabunta Enrique Pineda Barnet. Juventud rebeldía revolución
1967, 8 min., b&n, 16mm transferido a digital, Argentina

Sérgio Péo. Esplendor do martírio Enrique Pineda Barnet. Juventud rebeldía revolución
1974, 9 min 30 seg, color, sonido, Super 8mm transferido a digital, Brasil

Rolando Peña. Cotorra 2 Enrique Pineda Barnet. Juventud rebeldía revolución
1976, 10 min., Super 8mm transferido a digital

Alfredo Gurrola. Segunda Primera Matriz Enrique Pineda Barnet. Juventud rebeldía revolución
1972, 13 min, color, sonido, Super 8mm transferido a digital, México

El cine experimental suele encontrarse directamente relacionado con una variedad de movimientos contraculturales. Algunos de estos cineastas se identificaron explícitamente con programas políticos radicales, y en otros casos las exploraciones ideológicas ocurrieron implícitamente. Varias de estas películas documentan “performances”, acciones efímeras o intervenciones en el espacio público. En Marabunta, de Narcisa Hirsch, la audiencia sale del estreno de Blow-Up de Antonioni, mientras interactúa con frutas, palomas vivas y un esqueleto gigante. Juventud, rebeldía, revolución de Enrique Pineda Barnet ofrece un documento extraordinario de las experimentaciones de un colectivo internacional liderado por el Grupo de Teatro Experimental cubano. En Ismism, Manuel DeLanda registra las intervenciones del propio cineasta sobre carteles publicitarios de Manhattan a finales de los setenta. En Esplendor do Martírio, Sérgio Péo muestra a un grupo de intelectuales y artistas cariocas ocupando e interviniendo el espacio público para luego ser confrontados por las autoridades militares. Rolando Peña produce un diálogo imposible escenificado en una ruidosa avenida en la que se está construyendo el metro de Caracas, generando un extraño eco entre los debates intelectuales y el “progreso”. El viaje psicodélico en Super 8 de Alfredo Gurrola, basado en un poema del escritor español exiliado Tomás Segovia, destaca las preocupaciones centrales de una cultura alternativa radical contrahegemónica.

Artemio. Apoohcalypse Now. Película, 2002

Miércoles, 6 de febrero - 19:00 h

Programa 2

Cine reciclado

Duración: 59 min

Alfredo Salomón. No D.R
2002, 1 min., color, sonido, digital, México.

Instituto Cubano de Artes e Industrias Cinematográficas. Newsreel 49
1960, 1 min., b&n, 35mm transferido a digital, Cuba.

Rafael Montañez Ortiz. Cowboy and “Indian” Film
1958, 2 min, b&n, sonido, 35mm reducido a 16mm y transferido a digital, Estados Unidos

Nicolás Guillén Landrián. Desde la Havana ¡1969! Recordar
1969, 17 min, b&n, sonido, 35mm transferido a digital, Cuba

Luis Ospina. El bombardeo de Washington
1972, 1 min, b&n, sonido, 16mm transferido a digital, Colombia y Estados Unidos

Ricardo Nicolayevsky. The Big Wack
2002, 3min, b&n, sonido, digital, México

Marisol Trujillo, Miriam Talavera, y Pepín Rodriguez, poema de Ernesto Cardenal. Oración por Marilyn Monroe
1983, 8 min, b&n, sonido, 35mm transferido a digital, Cuba

Artemio. Apoohcalypse Now
2002, 8 min, color, sonido, digital, México

Eduardo Menz. Las mujeres de Pinochet
2004, 12 min, color, sonido, digital, Canadá/Chile

Nicolás Testoni. Las ruinas de Bahía Blanca
2012, 5 min, color, b&n, sonido, digital, Argentina

Taller Independiente de Cine Experimental. Pobre del cantor
1978, 2 min, color, sonido, Super 8 transferido a digital, México

El noticiero cubano 49 de 1960 muestra a un grupo de seguidores triunfales  de la revolución en el techo de las antiguas oficinas de la Warner Brothers y United  Artists en Cuba mientras destrozan los carteles de estas distribuidoras hollywoodenses con mazas. Sobre las imágenes de las letras iluminadas gigantes que caen una a una, un narrador invisible entona: “Durante largos años, los  filmes norteamericanos envenenaron las pantallas de los cines cubanos, haciendo la apología del imperialismo y predicando la violencia y el crimen. ... Ahora podremos ver las películas revolucionarias de todos los países del mundo”. Mediante esta y otras expropiaciones, el nuevo gobierno cubano incautó también infinitos rollos de películas comerciales que más tarde serían fragmentadas y reutilizadas en muchas producciones del ICAIC (Instituto Cubano del Arte e Industria Cinematográficos). La reutilización del metraje de Hollywood (como de fragmentos de otros cines nacionales, incluido el propio) resuena con una tradición importante de apropiación y reciclaje dentro de la historia de la vanguardia latinoamericana. En Manifesto Antropófago, la histórica provocación de 1928 compuesta por Oswald de Andrade, el poeta y dramaturgo  brasileño exigió la captura y la ingesta: “Solo me interesa lo que no es mío. Ley del hombre. Ley del antropófago.” La práctica del cine experimental mediante la apropiación de fragmentos de películas preexistentes sugiere las funciones caníbales arquetípicas no solo como paradigma de una práctica cinematográfica crítica, sino también como una estrategia mayor de descolonización y como un modelo contundente para la producción cultural latinoamericana.

Raúl Ruiz. La maleta. Película, 1963-2008

Viernes, 8 de febrero - 19:00 h

Programa 3

Sueños de maletas y una langosta azul

Duración: 52 min

Álvaro Cepeda Zamudio y Gabriel García Márquez. La langosta azul
1954, 29 min, b&n, sonido, Colombia

Raúl Ruiz. La maleta
1963-2008, 20 min, b&n, sonido, 16mm transferido a digital, Chile

Horacio Coppola. Traum (sueño)
1933, 2 min, b&n, silente, 16mm transferido a digital, Argentina

Luis Ernesto Arocha. Las ventanas de Salcedo
1966, 6 min, b&n, sonido, 16mm, Colombia

Mariana Botey. El dedal de rosas
1998, 13 min, color, sonido, México

Este programa explora el potencial onírico, perturbador, e irracional en la yuxtaposición de la imagen cinematográfica. En La langosta azul, se puede percibir la semilla del Realismo Mágico. Filmada en una comunidad de pescadores, trata de un agente secreto extranjero, llamado El Gringo, quien investiga la presencia de radiactividad en unas langostas capturadas en un pueblo de pescadores del Caribe. Mientras El Gringo se toma un descanso, un gato le roba una de las langostas. Sus autores, Cepeda y García Márquez, eran enemigos del relato tradicional y defendían que el cine es una forma de expresión diferente, que cuando trata de ser literario, teatral o pictórico, fracasa. Luis Ernesto Arocha está presente en este programa con un trabajo sobre las esculturas de Bernardo Salcedo, quien a través de un montaje frenético y una banda sonora densa y fragmentada empuja la percepción hacia el desconcierto. Traum, temprana obra realizada por el fotógrafo argentino Horacio Coppola en Berlín en 1933, junto a Walter Auerbach, es un ejemplo paradigmático de la fascinación con el surrealismo europeo. La Maleta, primera película de Raúl Ruiz filmada en Chile en 1963, estuvo perdida hasta el 2007, cuando se encontraron los negativos sin editar en dos latas etiquetadas como “Película Francesa”. El dedal de rosas (1998) de Mariana Botey, con participación del polifacético actor/director/artista Juan José Gurrola, funciona como un puente entre dos generaciones de la vanguardia artística mexicana.

Luis Ospina y Carlos Mayolo. Agarrando pueblo. Película, 1977

Miércoles, 13 de febrero - 19:00 h

Programa 4

Meta: el cine critica al cine

Duración: 72 min

Luis Ospina y Carlos Mayolo. Agarrando Pueblo
1977, 29 min, 16mm transferido a digital, Colombia.

Daniel Santiago. Duelo
1979, 3 min, Super 8/16mm, color, sonido, Brazil.

Ximena Cuevas. Cinepolis, La Capital Del Cine
2003, 22 min, b&n, color, sonido, México

Teo Hernández. Souvenir de Cannes
1982, 12 min, Super 8 transferido a digital, México

Enrique Colina. Chapucerías
1987, 11 min, color, sonido, 35mm transferido a digital, Cuba

En un modo reflexivo, los realizadores de este programa contemplan su medio elegido, su historia, características definitorias y movimientos icónicos. Agarrando pueblo (1977) de Luis Ospina y Carlos Mayolo es uno de los puntos de partida de esa tradición del meta-cine. En el filme hay una reflexión sobre la representación de la pobreza en América Latina, producida por cineastas locales privilegiados y financiada por fondos europeos en busca del elusivo “real” en el cine del Tercer Mundo. Ospina y Mayolo acompañaron el estreno parisino de 1978 de Agarrando pueblo con un manifiesto titulado “¿Qué es la pornomiseria?,” que representa un nuevo nivel de autoconciencia y crítica con respecto a la percepción extranjera del cine latinoamericano. En Souvenirs de Cannes, Teo Hernández presenta una mirada extranjera y oblicua sobre el espectáculo en torno al Festival de Cannes. Ximena Cuevas en Cinépolis, la capital del cine (2003) presenta una inquietante perspectiva interna sobre el mundo cotidiano de la creación y consumo de imágenes. Daniel Santiago en Duelo (1979) y Claudio Tozzi en Fotograma (1973) logran giros conceptuales que se convirtieron en clásicos de la escena Super 8 brasileña en los años setenta.

Bruno Varela. Materia oscura. Película, 2016

Viernes, 15 de febrero - 19:00 h

Programa 5

Materia Oscura: resistencia colectiva, individual y paródica

Duración: 74 min

Grupo Los Vagos. Zona intertidal
1980, 14 min, color, sonido, 16mm transferido a digital, El Salvador

Paz Encina. Tristezas
2016, 7 min, color, sonido, digital, Paraguay

Bruno Varela. Materia Oscura
2016, 8 min, digital, b&n y color, sonido, México

Beatriz Santiago Muñoz. Cine posmilitar
2014, 11 min, color, sonido, digital, Puerto Rico

Zigmunt Cedinsky. La Guerra sin fin (I’m very happy)
2006, 7 min 30 seg, 35mm transferido a digital, color, sonido, Venezuela

Camilo Restrepo. Impresión de una guerra
2015. 26 min, 16mm transferido a digital, color, sonido, Colombia/Francia

El cine experimental en América Latina no ha escapado del impacto de distintos levantamientos sociales y diversas formas de violencia. En muchos de estos contextos, la resistencia, e incluso el comentario social, puede ser un proyecto precario y muchas veces peligroso. Este programa explora algunas de estas expresiones. En los ochenta, durante la guerra en El Salvador, el colectivo Los Vagos realizó varios documentales y una película de ficción: Zona intertidal, un tratamiento poético del asesinato político de un profesor de izquierda perpetrado por los escuadrones de la muerte. En 2014 en el pueblo de Iguala, al sur de México, 43 estudiantes de la Escuela Normal Rural de Ayotzinapa fueron detenidos por los militares y entregados a una organización criminal local. Un grupo de especialistas forenses solo ha podido identificar los restos de dos de los estudiantes desparecidos, de entre las numerosas fosas clandestinas que se descubrieron durante la investigación. Bruno Varela hace un comentario sobre este proceso en Materia oscura (2016). Zigmunt Cedinsky crea una pieza satírica en La guerra sin fin (I’m very Happy) (2006), mientras que en Impresión de una guerra (2015) el cineasta colombiano Camilo Restrepo visita fábricas textiles, tatuadores, imprentas y conciertos de punk rock para ofrecer una reflexión ensayística del legado de décadas de guerra en su tierra natal.

Felipe Esparza. Pawqartampu. Película, 2015

Miércoles, 20 de febrero - 19:00 h

Programa 6

Estética Bilingüe. Negociaciones entre lenguas

Duración: 82 min

Vincent Carelli y Dominique Gallois. Meeting Ancestors / A Arca dos Zo'é
1993, 22 min, color, sonido, VOSE, digital, Brasil           

Sérgio Péo. Ñanderu Panorâmica Tupinambá
1991, 8 min, color, sonido, VOSE, 16mm transferido a digital, Brasil

Chiapas Media Project. La tierra es de quien la trabaja
2005, 15 min, color, sonido, digital, México

Felipe Esparza. Pawqartampu
2015, 8 min, b&n, sonido, digital, Perú

Bruno Varela. Estela
2012, 8 min, b&n/color, sonido, Super 8 transferido a digital, México

Poli Marichal. Dilemma I: Burundanga Boricua
1990, 18 min, color, sonido, Super 8 transferido a digital, Puerto Rico

Ximena Cuevas. Estamos para servirle
1999, 3 min, color, sonido, vídeo, México

Este programa explora el movimiento entre idiomas como una manifestación de las pluralidades identitarias en América Latina. Estas películas revelan el lenguaje como una voluntad de poder. La sesión abarca desde negociaciones explícitas sobre la propiedad de la tierra en La tierra pertenece a quienes la trabajan (Chiapas Media Project, México, 2005), en la que el diálogo cambia entre español y tzeltal, hasta una exploración más abstracta de una celebración religiosa inca sobre el cambio y los nuevos comienzos como Pawqartampu (Felipe Esparza, Perú, 2015). El jefe de la tribu Guaraní Mimbiá narra la extinción de la tribu Tupinambá en el Ñanderu Panorâmica Tupinambá de Sérgio Péo (Brasil, 1991). Vincent Carelli y el Centro de Trabalho Indigenista han utilizado durante muchos años el vídeo como una herramienta para el activismo y la comunicación intercultural en remotas regiones amazónicas, como lo ilustra vívidamente el corto documental A arca dos Zo'é. La vídeo-artista mexicana Ximena Cuevas adopta un enfoque humorístico con una lección de idioma para un turista norteamericano junto a una ociosa piscina. El humor sarcástico de la artista puertorriqueña Poli Marichal en Dilemma I: Burundanga Boricua convierte la representación oficial de Puerto Rico de una estrella brillante a una brillante cicatriz, combinando animación, filmaciones documentales y películas pintadas a mano.

Eduardo Darino. Cocktail de rayas. Película, 1964

Viernes, 22 de febrero - 19:00 h

Programa 7

Superficies alteradas

Duración: 107 minutos

Eduardo Darino. Cocktail de rayas
1964, 2 min, 16mm transferido a digital, color, sonido, Uruguay

Enrique Pineda Barnet. Cosmorama
1964, 5 min, color, sonido, 35mm transferido a digital, Cuba

Claudio Caldini. Vadi-Samvadi
1981, 6 min 40 seg, Super 8 transferido a archivo digital, color, sonido, Argentina

Teo Hernández. Nuestra señora de Paris
1981-1982, 22 min, color, sonido, 16mm transferido a digital, México/Francia

Pablo Mazzolo. El Quilpo sueña cataras
2012, 11 min, color, sonido, Super 8 transferido a digital, Argentina

Willie Varela. El ojo de Becky
1977, 3 min, Super 8, color, silente, Estados Unidos

Manuela de Laborde. As without so within
2016, 25 min, 16mm transferido a digital, color, sonido, México/Estados Unidos/Reino Unido

Durante el siglo pasado, y con frecuencia en diálogo con artistas de otros lugares, numerosos artistas latinoamericanos han explorado la abstracción, tema de esta sesión. En Cocktail de Rayas (1964), la película es pintada y rayada a mano por el cineasta uruguayo Eduardo Darino. Cosmorama (1964) de Enrique Pineda Barnet utiliza las esculturas cinéticas del artista rumano-cubano Sandú Darié Laver como punto de partida para producir una experimentación de ilusiones visuales y texturas sonoras. Algunos cineastas trabajan con referentes urbanos y arquitectónicos, como la catedral de Notre Dame en Nuestra señora de París (1981-1982) de Teo Hernández, y los transforman en modos que se mueven entre la abstracción y representaciones reconocibles, mientras que otros hacen referencia a percepciones sensoriales alteradas y la exagerada paleta de colores de las experiencias psicodélicas. Claudio Caldini en Vadi-Samvadi (1981) realiza una operación sinestésica entre la gramática de la música clásica india y el espacio-tiempo cinematográfico. Una nueva generación que fusiona una compleja experimentación formal y una extática exploración espiritual se materializa en el Super 8 del Argentino Pablo Mazzolo, profundizando la visión de los Henia/Kamiare o comechingones, en donde el río Quilpo sueña con cataratas al menos una vez al año. En Becky's Eye, el prolífico cineasta y videasta chicano  Willie Varela realiza un estudio de la luz del sol refractado a través de vasos, bajo la influencia de Stan Brakhage. A través de un viaje abstracto hacia el espectador teatral, las imágenes en As Without So Within de Laborde, documentan esculturas reflectantes, transformadas en herramientas para crear campos visuales. En conjunto, estos cineastas –así como los diversos enfoques de abstracción concreta, neoconcreta o geométrica, el “grupo Madí”, “grupo Ruptura”, y otros movimientos en las artes visuales- procuran el color, la luz, las sombras y las formas como bases de su obra. 

José Rodríguez Soltero. Lupe. Película, 1966

Lunes , 25 de febrero - 19:00 h

Programa 8

Estrellas del ayer: camp latino

Duración: 73 min

Teo Hernández. Estrellas del ayer
1969, 9 min, sonido, color, 16mm transferido a digital, México

Eduardo Solá Franco. Encuentros Imposibles
1959, 7 min 30 seg, color, silente, 8mm transferido a digital, Ecuador/España

Horacio Vallereggio. A Olga
1975, 7 min, color, sonido, Super 8 transferido a digital, Argentina

José Rodriguez Soltero. Lupe
1966, 49 min, 16mm, color, sonido, Puerto Rico-Estados Unidos 

Si la nostalgia es la imposibilidad de un retorno al origen, la nostalgia queer es el rescate de un pasado simbólico. Estos realizadores toman prestado un origen alternativo de las estrellas de Hollywood; estas figuras son también sitios para la apropiación y el exceso, formando mitologías privadas y colectivas que trabajan en contra de las concepciones lineales del tiempo o de la historia. Este programa propone una nueva constelación de fascinación latino-americana con el glamour, las estrellas y la extravagancia hollywoodense: Encuentros imposibles, la recreación del artista ecuatoriano Eduardo Solá Franco de héroes hercúleos de Hollywood y fantasías mitológicas; Lupe (1966), el clásico de José Rodríguez Soltero; Estrellas del ayer de Teo Hernández (1969), que es un homenaje a Greta Garbo, Joan Crawford, Lupe Vélez, Marlene Dietrich, en breve una película repleta de guiños al star system; y por último, una atrevida y provocativa interpretación de Olga Guillot, “la reina del bolero”, en A Olga (1975) de Horacio Vallereggio (1975).

Pedro Chaskel. Una foto recorre el mundo. Película, 1964

Jueves, 28 de febrero - 19:00 h

Programa 9

Diálogos con el Che: apropiaciones de una imagen revolucionaria

Duración: 96 min

Pedro Chaskel. Una foto recorre el mundo
1981, 13 min, b&n, sonido, 35mm transferido a digital, Chile

José Rodriguez Soltero. Diálogo con el Che
1968, 53 min, b&n, sonido, 16mm transferido a digital, Puerto Rico-Estados Unidos  

Leandro Katz. El día que me quieras
1997, 30 min, sonido, color, 16mm transferido a digital, Argentina

Cincuenta años después del asesinato de Ernesto Che Guevara en Bolivia, este programa explora una de las imágenes más polémicas y reapropiadas en la historia de América Latina: la imagen del Che, muerto o vivo. El filme de Pedro Chaskel, Una foto recorre el mundo, reconstruye el instante en que el fotógrafo Alberto Korda inmortaliza la mirada perdida en el horizonte del revolucionario. Esta imagen después sería parte de la iconografía de la resistencia: reproducida para protestas políticas, en grafitis, murales, portadas de libros y hasta en zapatillas y botellas de vodka. En El día que me quieras, el cineasta Leandro Katz sigue los pasos de Freddy Alborta, el fotógrafo boliviano  que tomó  las  últimas fotografías  del  cuerpo  del Che Guevara, las mismas que fueron comparadas por John Berger con la Lamentación sobre Cristo muerto de Mantegna y La lección de anatomía del doctor Nicolaes Tulp de Rembrandt.

Gloria Camiruaga. Popsicles. Película, 1982-84

Lunes, 4 de marzo - 19:00 h

Programa 10

Umbrales: realizadoras experimentales de América Latina

Duración: 81 min

Narcisa Hirsch. Come Out

1971, 11 min, color, sonido, Super 8 transferido a digital, Argentina

Lydia García. Color

1955, 3 min, color, sonido, Super 8 transferido a digital, Uruguay

Silvia Gruner. Desnudo con alcatraces

1986, 1 min 50 seg, Super 8 transferido a digital, b/w, silente, México

Gloria Camiruaga. Popsicles

1982- 1984, 4 min 42 seg, color, silente, vídeo, Estados Unidos-Chile

Marie Louise Alemann. Umbrales

1967, 19 min, color, sonido, 16mm, Argentina

Cecilia Vicuña. Paracas

1983, 18 min, color, sonido, 16mm transferido a digital, Estados Unidos/Chile

Ximena Cuevas. Devil in the Flesh

2003, 5 min, b&n y color, sonido, México

Vivian Ostrovsky. Copacabana

1983, 10 min, color, sonido, Super 8 transferido a digital, color, Brasil

Poli Marichal. Blues Tropical

1982, 8 min, color, sonido, Super 8 transferido a digital, Puerto Rico

Umbrales busca indagar los posibles desbordes e implicaciones de los términos “mujer latinoamericana” y “artista latina” para componer un mapa de empatías conceptuales, estrategias coincidentes y redes afectivas que traspasaron barreras geopolíticas y apostaron a la subversión del canon moderno. Come Out (1975) de Narcisa Hirsch funciona como síntesis conceptual de este panorama. Lydia García, una de las pioneras en esta práctica, en Color (1954/1955) trabaja con el Hot Jazz Club que acompaña en vivo la filmación de una pintura de acción realizada por la artista. Vivian Ostrovsky realiza en Copacabana Beach (1983) un collage lúdico que retrata las escenas cotidianas de una jornada en la playa de Copacabana. A partir del ritmo de fragmentos musicales, entre ellos canciones de Carmen Miranda, la película puede ser entendida como una sinfonía costera. En Popsicles (1983/1984) Gloria Camiruaga trabaja la sonoridad con bocas que repiten el mantra del Ave María, mientras chupan un helado de agua que dentro contiene el clásico soldadito miniatura. La obra es una fuerte denuncia a la ligazón entre la iglesia y la dictadura militar chilena.  Poner el cuerpo es sin duda otro de los nodos de estas indagaciones experimentales. Marie Louise Alemann tuvo especial importancia en la investigación en el cruce de la captura cinematográfica y la corporalidad en todas sus formas. En Umbrales (1980) compone una coreografía de cuerpos masculinos, destacada como una clave del cine queer de América Latina. La enunciación feminista a través del señalamiento poético de la corporalidad en escena se muestra en Desnudo con alcatraces (1986), de Silvia Gruner.

Nicolás Guillén Landrián. Coffea arábiga. Película, 1968

Miércoles, 6 de marzo - 19:00 h

Programa 11

Malas lecturas

Duración: 62 min

Nicolás Guillén Landrián. Coffea arábiga
1968, 18 min, b&n, sonido, 35mm transferido a digital, Cuba

Paulo Bruscky. Poema
1979, 2 min, color, sonido, Super 8 transferido a digital, Brasil

Salvador Díaz Zubieta y Óscar Santos. Jícama
1970, 6 min, color, sonido, Super 8 transferido a digital, México

Jorge Honik y Laura Abel. El inmortal
1968, 7 min, color, sonido, Super 8 transferido a digital, Argentina

Francisca Durán. Even If My Hands Were Full of Truths
2012, 7 min, color, sonido, digital, Canadá y Chile

Leticia Obeid. Jano
2015, 2 min, color, silente, digital, Argentina

Juan Carlos Alom. Diario
2009, 14 min, b&n, sonido, 16mm transferido a digital, Cuba

Poli Marichal. Underwater Blues
1981, 6 min, color, sonido, Super 8 transferido a 35mm, Puerto Rico

Este programa explora la relación de afinidad, complemento, interrupción, distancia, parodia, y devoción entre el cine experimental y la textualidad dentro y fuera de la pantalla. A finales de la década de los sesenta, en Cuba el uso del texto en la pantalla encuentra un amo de la ambigüedad y la ironía con Nicolás Guillén Landrián. Siguiendo la tradición de Santiago Álvarez, Guillén Landrián —sobrino del poeta laureado Nicolás Guillén— utiliza el texto en interacción con imágenes en niveles diferentes, generando un sentido corrosivo de ironía y confusión en documentales supuestamente “didácticos”. El punto de partida de este programa es su obra maestra, Coffea arábiga (1968), una parodia del utópico proyecto agrícola del Cordón Verde de 1968. Una nueva generación del cine afrocubano está representada por el fotógrafo y cineasta Juan Carlos Alom. En Diario (2009) el paisaje del interior de Cuba, y sus trabajadores rurales, se transforman en una lírica relectura visual del Diario de la última visita de José Martí al territorio cubano.Salvador Díaz Zubieta y Óscar Santos en Jícama (1970) subvierten la textualidad del discurso político para vaciarla de su capacidad comunicativa. Francisca Durán en Even If My Hands Were Full of Truths (2012) utiliza extractos de la correspondencia de la CIA y un fotomontaje tomado en el Museo de los Derechos Humanos y la Memoria en Santiago, en un intento por revisar los modos de la construcción de la memoria colectiva y el legado del dictador chileno Augusto Pinochet.

Juan Carlos Alom. Habana Solo. Película, 2000

Lunes, 11 de marzo - 19:00 h

Programa 12

Armonías urbanas / Ciudades disonantes

Duración: 63 min

Juan Carlos Alom. Habana Solo
2000, 15 min, b&n, sonido, 16mm transferido a digital, Cuba

Azucena Losana. A tus tacones
2017, 3 min, color, sonido, 16 m Argentina/República Checa

Louise Botkay. Paisaje inútil  
2010, 6 min, b&n, 16mm transferido a digital, Brasil

Melisa Aller. Constitución
2013, 4 min, b&n, sonido, Super 8 transferido a digital, Argentina

Alexandra Cuesta. Despedida
2013, 10 min, color, sonido, 16mm transferido a digital, Ecuador/Estados Unidos

Felipe Ehrenberg. La Poubelle
1970, 16 min, color, sonido, 16mm transferido a digital, México

Luis Soldevilla. Maquinaria No. 1
2011, 3 min, color, sonido, vídeo, Perú

Luis Ospina y Carlos Mayolo. Cali de película
1973, 13 min, color, sonido, 16mm transferido a digital, Colombia

A finales de la época del cine mudo, hubo a nivel internacional una tendencia a realizar filmes que retrataran la ciudad moderna. El montaje de estas películas, conocidas como sinfonías urbanas o sinfonías fílmicas, se realizaba como si se tratara de una partitura: el ritmo y la sucesión de las imágenes eran muy importantes para los cineastas. En América Latina, algunas de las primeras películas experimentales se sumaron a esta suerte de género de sinfonías urbanas, por ejemplo, São Paulo: a Sinfonia da Metrópole (1929) de Rodolfo Rex Lustig y Adalberto Kemeny, así como Sinfonia de Cataguases (1929), el cine-poema de Humberto Mauro sobre su pueblo natal en Minas Gerais, Brasil. Desde estas primeras obras, muchos cineastas han mantenido una fascinación por la ciudad, a la par que las urbes latinoamericanas se han ido transformando debido a un rápido e irrefrenable crecimiento, la industrialización y la migración masiva del campo a la ciudad. Este programa ofrece una gama de visiones —algunas más celebratorias, otras más críticas— sobre la arquitectura, el transporte, la cotidianidad, los desechos, el uso de los espacios públicos en ciudades como Buenos Aires, La Habana, Lima, Cali, Los Ángeles, Santiago de Chile, São Paulo, Praga y Londres.

Dalia Huerta. ¿Olvida usted algo? Película, 2012

Miércoles, 13 de marzo - 19:00 h

Programa 13

La mirada foránea

Duración: 80 min

Edgar Jorge-Baralt. Instrucciones para mirarse al espejo
2014, 16 min, 16mm transferido a digital, color, sonido, Estados Unidos

Louise Botkay. Vertières I, II, III
2014, 10 min, color, sonido, Super 8 transferido a digital, Brasil y Haití

Leandro Katz. Los Angeles Station
1976, 10 min, color, silente, 16mm transferido a digital, Argentina/Guatemala/Estados Unidos

Macarena Cordiviola. Últimos brillos
2008, 10 min, Super 8 transferido a digital, color, sonido, Argentina

Felipe Esparza. Soga de muerto
2015, 7 min, b&n, sonido, digital, Perú

Dalia Huerta. ¿Olvida usted algo?
2012, 28 min, color, sonido, Super 8 transferido a digital, México

Este programa toma la idea de un travelling fílmico como punto de partida: la sensación de movimiento, el desplazamiento, el exilio, la confusión y disonancia, el dislocamiento y el contacto con lo foráneo. Leandro Katz trabaja de forma rigurosa y aparentemente simple con un rollo de Super 8 filmado en la periferia de un sitio arqueológico en Guatemala. Este modesto cortometraje comparte las preocupaciones del cine estructuralista y los complejos cálculos astronómicos de los antiguos arquitectos mayas en las ruinas cercanas de Quiriguá. Edgar Jorge-Baralt viaja por California del Sur, encontrando ecos de su país natal, Venezuela. Macarena Cordiviola lleva los escritos del poeta francés modernista Blaise Cendrars a un road trip recreando desplazamientos múltiples y simultáneos. Felipe Esparza explora el viaje del espíritu fuera del cuerpo en una traducción en blanco y negro de una experiencia quechua con ayahuasca. Louise Botkay usa Vertières como un portal para viajar en el tiempo y llegar a la primera guerra de independencia del colonialismo europeo en América Latina. Dalia Huerta sigue la circulación de mercancías alrededor del mundo, especialmente del producto de exportación arquetípico de Latinoamérica, el plátano, creando un ensayo idiosincrático sobre los valores asociados a este producto. 

Entrada gratuita hasta completar aforo

  • Comisariado: Jesse Lerner y Luciano Piazza
  • Organiza:  Museo Reina Sofía y Los Angeles Filmforum
  • Idioma:

    Todas las películas se proyectarán en VO en español, salvo que se indique otra información

    Artistas y cineastas participantes:

    Laura Abel (Argentina), Juan Carlos Alom (Cuba,; Luis Ernesto Arocha (Colombia), Artemio (México), Marie Luise Alemann (Argentina), Melisa Aller (Argentina), Mariana Botey (México), Luise Botkay (Brasil), Paulo Bruscky (Brasil), Claudio Caldini (Argentina), Vincent Carelli (Brasil), Gloria Camiruaga (Chile), Zigmunt Cedinsky (Venezuela), Álvaro Cepeda Zamudio (Colombia), Enrique Colina (Cuba), Horacio Coppola (Argentina), Macarena Cordiviola (Argentina), Alexandra Cuesta (Ecuador), Pedro Chaskel (Chile), Ximena Cuevas (México), Chiapas Media Project (México), Francisca Durán (Chile), Felipe Ehrenberg (México), Paz Encina (Paraguay), Felipe Esparza (Perú), Lydia García (Uruguay), Jorge Honik (Argentina), Eduardo Darino (Uruguay), Dominique Gallois (Brasil), Gabriel García Márquez (Colombia), Grupo Los Vagos (El Salvador), Salvador Díaz Zubieta (México); Nicolás Guillén Landrián (Cuba); Alfredo Gurrola (México); Dalia Huerta (México); Silvia Gruner (México); Teo Hernández (México); Narcisa Hirsch (Argentina); Edgar Jorge-Baralt (Estados Unidos), Leandro Katz (Argentina), Manuela de Laborde (México), Azucena Losana (Argentina), Carlos Mayolo (Colombia), Poli Marichal (Puerto Rico), Ricardo Nicolayevsky (México), Pablo Mazzolo (Argentina), Eduardo Menz (Chile), Raphael Montañez Ortiz (Estados Unidos), Leticia Obeid (Argentina), Luis Ospina (Colombia), Rolando Peña (Venezuela), Vivian Ostrovsky (Brasil), Sérgio Péo (Brasil), Camilo Restrepo (Colombia), Pepín Rodríguez (Cuba), José Rodríguez Soltero (Puerto Rico), Alfredo Salomón (México), Eduardo Solá Franco (Ecuador), Beatriz Santiago Mayor (Puerto Rico), Óscar Santos (México), Taller Independiente de Cine Experimental (México), Raúl Ruiz (Chile), Luis Soldevilla (Perú), Miriam Talavera (Cuba), Nicolás Testoni (Argentina), Marisol Trujillo (Cuba), Bruno Varela (México), Willie Varela (Estados Unidos), Horacio Vallereggio (Argentina) y Cecilia Vicuña (Chile).

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