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Jueves 18 de noviembre, 2021 / Edificio Sabatini, Escaleras de Sala de Bóvedas
Ará. Oracione para abrir. Ángela Segovia
Ará. Oracione para abrir es una pequeña pieza concebida para escucharse en la oscuridad. Nace de un proceso de escritura que comenzó ligado a una acción física: la construcción de una cabaña en el bosque de Las Navas del Marqués, en Ávila. La ubicación de la cabaña debía ser la misma que la de otra cabaña pasada, una que, siendo niña, Ángela Segovia había hecho con su abuelo. Ella quería trabajar el entorno rural desde una idea de repetición (acudir todos los días al mismo sitio y describirlo) para despojar la escritura de tópicos y de nostalgia. Pero, en su primera visita al lugar, descubrió que el espacio se había convertido en un cementerio de jaras. La artista describe cómo “en ese momento comenzó para mí una meditación sobre la muerte y un trabajo espiritual que me llevaría por la senda de lo que llamo la Bella Morte”.
A lo largo de un año, la poeta desarrolla el entretejido descrito entre la construcción manual de la cabaña —tomando de los alrededores palos, ramas secas, hierbas, pigmentos y rocas— y el ensayo de un lenguaje que permita escribir ese lugar.
Ará. Oracione para abrir puede entenderse como una vía de acceso al trabajo que la poeta desarrolla desde el año 2019 bajo el título común de la Bella Morte, y que está siendo acompañado y publicado en distintas fases en la editorial La uña rota, Madrid.
Sonido: Julián Segovia Soriano
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Jueves 18 de noviembre, 2021 / Edificio Sabatini, Jardín
Reclamo en el jardín. María Jerez y Élan d’Orphium
Partiendo de que ninguna presencia es neutra y entendiendo que los pájaros también son nuestros contemporáneos —seres con los que compartimos territorios, eventos e historias— a María Jerez le interesa elaborar una relación entre su práctica artística y aquellos coetáneos cuyos cantos, vuelos, coreografías, nidos e instalaciones puedan interferir en su trabajo y viceversa.
En esta ocasión cuenta con la colaboración de Élan d’Orphium. Juntas toman el jardín del Museo al atardecer para desplegar una situación compartida de escucha abierta y atenta, una suerte de invocación en forma de concierto experimental a partir del reclamo. Un reclamo es el sonido con el que un ave llama a otra de su especie, o la imitación de ese sonido por un aparato, ya sean instrumentos de aire o bocinas.
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Jueves 18 de noviembre, 2021 / Edificio Sabatini, Sala 102
Andrómeda túnel. Elena Aitzkoa
La voz como leve guía resonando en la materia. La canción como lugar de reconocimiento y transformación. El baile coma toma de pulso a la densidad del aire. La ligereza como posible atajo. Cuerpo a cuerpo en la escultura. Todas nosotras en movimiento. Nada detrás de la oreja. Luz de linterna en la frente atravesando Túnel Lendia. Una galaxia viene. Líquenes nuevos anidan en las piedras del lago, mientras sueña. Una vez más, un nuevo día despierta.
Elena Aitzkoa
Cerca de Apodaka, en el territorio de Álava, hay una poza de agua helada. Cada año, a final de agosto, el agua baja de nivel descubriendo el paso a una cueva al final de la poza. La entrada es una estrecha ranura horizontal que da acceso a una cavidad más grande, oscura. En agosto de 2019 Elena Aitzkoa, junto a dos amigas, se adentraron en esa cueva a la que llaman Lendia. Dentro, deja de ser poza para convertirse en lago. Allí el sonido de la voz parece distinto, quizás debido a la resonancia del lago subterráneo, suelo de agua negra. La exploración íntima de este lugar bajo tierra alienta un encuentro reiterado que busca desvelar su recorrido.
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Viernes 19 de noviembre, 2021 / Edificio Sabatini, Auditorio
ESTUDIO III en conversación
Esta actividad pretende acercar al público las diferentes propuestas performativas a partir de un abordaje de los campos de investigación que exploran los diversos proyectos. Propone así un espacio común de aprendizaje en forma de coloquio con interlocutoras cómplices de las artistas participantes en esta tercera edición. Planteado en torno a tres conversaciones, el encuentro invita a reflexionar, formular preguntas y compartir referencias o detectar y desvelar intereses comunes, conexiones y potencialidades.
Celebrada el 18 nov 2021
El Museo Reina Sofía presenta la tercera edición de ESTUDIO, un programa anual que reúne presentaciones en distintos formatos, fruto de las investigaciones desarrolladas por una serie de artistas e investigadoras cuya práctica se vincula de forma directa o dialógica con el ámbito de la coreografía y la performance.
Bajo el título Salir al encuentro. Hablar al lugar esta edición presta atención a las formas de ecología situada presentes en los procesos artísticos, las cuales abren posibilidades insospechadas de relación con el entorno más próximo. Derivadas del ejercicio de la poesía, la escritura, la escultura o la performance, las distintas experimentaciones que se dan en esta edición convergen en el interés por descentrar lo humano y se preguntan por otras formas de estar en —y comunicarse con— los lugares, las cosas, los animales y los fenómenos.
Hablar al lugar o, más bien, hablar con el lugar, requiere de una voluntad de desplazamiento. Implica asumir que se desconoce un cierto idioma, una cierta lengua. Dejar que el idioma aprendido y aprehendido se roce con otras lenguas, de manera figurada y literal, carnal. Requiere acomodarse a un ritmo ajeno para buscar una respiración común. Más que decir algo, se trata de salir en busca de una conexión, de abrir canales sensoriales y perceptivos que funcionen como tejidos conectivos. Disponerse al encuentro de “parentescos raros” —siguiendo a Donna Haraway— y considerar parientes de lo humano a otras especies no necesariamente humanas, que habitan el planeta para, a partir de ahí, “imaginar otras posibilidades del vivir-con y morir-con en un mundo herido, pero no acabado”. Salir al encuentro es también poner el cuerpo, la postura, el modo de estar y hacer con los otros, sean cosas, plantas, animales, rocas o ríos. Salir al encuentro es, en definitiva, reconocer un enigma. Es en ese lugar de posibilidad donde se sitúa esta actividad que reúne las investigaciones de cuatro artistas invitadas que, a través de su hacer, exploran modos de copresencia no testados. Desde la poesía, la coreografía o la escultura se disponen a un encuentro, salen al reconocimiento de una relación extraña que no responde a un recorrido realizado, sino que atisba una reordenación sensible del paisaje.
Siguiendo la dinámica de ediciones anteriores, ESTUDIO III invita a un recorrido a lo largo de una tarde y se articula en tres performances que tendrán lugar en tres espacios del histórico Edificio Sabatini, antigua sede del Hospital de San Carlos, fundado en el s. XVIII: las escaleras de acceso a la subterránea Sala de Bóvedas, el Jardín y una de las salas de la Colección. El programa se completa con Estudio III en conversación,un encuentro con las artistas participantes.
Comisariado
Isabel de Naverán (ARTEA)
Organiza
Museo Reina Sofía
Participantes
Elena Aitzkoa es artista. Su práctica incluye la escultura, el dibujo, la poesía, la performance y el cine. Sus creaciones son un ecosistema heterogéneo que se nutre de elementos físicos y emocionales del entorno y la experiencia vital. Pone el foco y la energía creativa en la configuración poética de la materia y a la belleza como elemento vincular entre los seres. De entre sus últimos proyectos destacan el ciclo de performances Headscarfs Close to the Ground en el marco de OSLO PILOT (2016); la película Nuestro amor nació en la Edad Media (2018); el vinilo de poemas y silbidos Paraíso terrenal (2019), y las exposiciones Zarza Corazón en el Museo Patio Herreriano de Valladolid (2019), Terraplén en la galería Rosa Santos de Madrid (2021), y Lendia Song en Azkuna Zentroa en Bilbao (2021).
Élan d'Orphium (a.k.a. Pablo García Martínez). Su trabajo plantea relecturas de género, de lo humano y del género humano a través de una interpretación confabuladora de escuchas, gestos y observaciones con especies de otros reinos. El trabajo de Élan d’Orphium es dibujo, escena, acción y consecuencia de un acto de ser, a veces hiperbólico, en el que la imagen rompe con la estructura y levanta un territorio de sospecha, de no narración y extrañamiento. Busca diluir o integrar la performance en lo social y lo social en la performance en un ejercicio que tiene que ver con el potencial simbólico del arte.
Erea Fernández (Lugo, 1985) es investigadora en poéticas contemporáneas, escritora y profesora. Doctora en Estudios Literarios por la Universidad Complutense de Madrid, compagina el trabajo en ámbito cultural con la docencia en centros de secundaria. Le interesan los objetos culturales orientados hacia la materialidad del lenguaje y que problematizan la lógica de la representación. Es autora del libro Poética del fragmento. Aproximación a la experiencia del sentido en La Vie mode d’emploi de Georges Perec (Ediciones Complutense, 2012), y ha publicado textos en revistas académicas, culturales y literarias, libros colectivos y catálogos de arte. Es miembro, desde 2012, del seminario Euraca, una investigación en lenguas y lenguajes del presente que sucede en la ciudad de Madrid, y también integra Boya, un colectivo de investigación artística y teórica activo desde 2021.
Soledad Gutiérrez Rodríguez (Torrelavega, 1976) es comisaria jefa de Thyssen-Bornemisza Art Contemporary (TBA21) y responsable de contenidos de la plataforma st_age, vinculada a la misma institución. Ha trabajado en el sector cultural durante los últimos veinte años, y en distintas instituciones tanto a nivel nacional como internacional, como el Museo Guggenheim de Bilbao, el Museu d’Art Contemrporani de Barcelona (MACBA), o la Whitechapel Gallery en Londres. Más recientemente ha sido directora de CentroCentro en Madrid, donde desarrolló un programa basado en la práctica artística contemporánea y el aprendizaje colectivo. Su investigación se centra en el potencial inmaterial y transformador del arte a través de la performance y los procesos colectivos.
María Jerez es artista. Su trabajo se sitúa entre la coreografía, el cine y las artes visuales. En sus últimos trabajos cuestiona las convenciones teatrales y cinematográficas y la comprensión implícita del espectador en estas, abriendo espacios potenciales a través de encuentros con aquello que el espectador encuentra extraño y ajeno, y estableciendo bordes difusos entre lo conocido y lo desconocido, el objeto y el sujeto, lo animado y lo inanimado. Su obra trata de escapar de las lógicas logocéntricas y antropocéntricas, donde el conocimiento humano se convierte en un algo vulnerable ante otros ecosistemas enigmáticos y complejos.
Paula Pérez-Rodríguez (Madrid, 1989) es crítica cultural, investigadora, editora y artista verbal. Compañera de hacer en tacoderaya; compañera de pensar en el seminario Euraca, y compañera de pensar-hacer en el colectivo Boya. Su trabajo de investigación combina aproximaciones de los estudios culturales, la performance y el sonido con enfoques tomados de la teoría literaria, la sociolingüística y la glotopolítica. Ha escrito ensayos y artículos en publicaciones especializadas como 1616: Anuario de Literatura Comparada de la Universidad de Salamanca, las revistas Concreta o Kamchatka, y en plataformas digitales como BeatBurguer, además de obras colectivas y catálogos de arte. Con tacoderaya, colectivo de selección de voces y sonidos que forma junto a Jonás de Murias, ha realizado performances y sets en instituciones como el Centro de Arte Dos de Mayo (CA2M), el Centro de Cultura Contemporánea Condeduque, Matadero Madrid o L’Internationale Online.
Alejandra Pombo Suárez (Santiago de Compostela, 1979). Licenciada en Artes Visuales por la Universidad Complutense de Madrid, amplía sus estudios con el máster en Artes Digitales de la Universidad Pompeu Fabra y el Programa de Estudios Independientes (PEI) del Museu d’Art Contemporani de Barcelona (MACBA). Doctora en Bellas Artes con una tesis sobre las paradojas y efectos de la introducción de la noción de performance en el arte, su trabajo artístico se mueve en diferentes medios, caracterizándose por la búsqueda de una nueva narrativa emocional vinculada a lo que llama “perencuentro”, que se centra en las relaciones y sus complejidades. Ha participado en proyectos como What is Third en la Casa Encendida (2015) o Mugatxoan en LABoral, la Fundação de Serralves y Arteleku (2004-2009). También ha realizado residencias en instituciones nacionales e internacionales como Atlantic Center for the Arts (Florida, EE.UU.) o PACT Zollverein (Essen, Alemania), entre otras.
Ángela Segovia es poeta e investigadora. Entre 2014 y 2016 fue becaria de creación del Ayuntamiento de Madrid en la Residencia de Estudiantes. En 2019 obtuvo la beca de la Fundación Villalar con el proyecto Apariciones de una cabaña en el bosque. Ha publicado los libros ¿Te duele? (V Premio de Poesía Joven Félix Grande, 2009); de paso a la ya tan (Ártese quien pueda, 2013); La curva se volvió barricada (La uña rota, 2016) que recibió el Premio Nacional de Literatura, modalidad Poesía Joven Miguel Hernández en 2017; Amor divino (La uña rota, 2018); Pusieron debajo de mi mare un magüey (La uña rota, 2020) y Mi paese salvaje (La uña rota, 2021). Asimismo, ha traducido el libro CO CO CO U, de Luz Pichel (La uña rota, 2017).
Más actividades
![Joseph Kosuth. One and Three Chairs [Una y tres sillas]](https://recursos.museoreinasofia.es/styles/small_landscape/public/Actividades/joseph_kosuth.jpg.webp)
La persona (legal) y la forma legal. Parte III
Lunes 11, miércoles 13 y jueves 14 de mayo, 2026 - Ampliado el plazo de inscripción
Como parte de Constelación de Estudios, la residencia de pensamiento anual 2025-2026, el historiador y teórico del arte Sven Lütticken imparte el seminario La persona (legal) y la forma legal: compromisos teóricos, artísticos y activistas para dialogar y profundizar en las hipótesis y preguntas que animan su proyecto de investigación.
Este proyecto, titulado Deshacer la subjetividad jurídica, deformar la abstracción legal, estudia el dominio de las abstracciones reales —como el valor de cambio y la forma legal— sobre nuestros procesos de subjetivación y se pregunta cómo las prácticas artísticas pueden abrir otras formas de representar o performar al sujeto y su condición jurídica en el mundo contemporáneo.
El seminario consta de un total de ocho sesiones, distribuidas a lo largo del curso en tres partes. La primera sesión de esta tercera parte aborda la noción de propiedad, problematizándola contra el contexto del arte conceptual. La obra de arte, su propiedad, autoría y autenticidad son replanteadas y revisadas con una actitud abierta a la confección de modelos de gestión —hipotéticos y alternativos a los actuales— que revolucionen la relación artista-obra-propietario. ¿Pueden las prácticas artísticas conceptuales servir como modelos críticos? ¿Hasta qué punto es posible pensar, actuar con ellos y extrapolarlos más allá de un bello nicho?
La segunda sesión atiende a la cuestión de la representación. Mientras que la mayoría (aunque no todas) de las personas naturales humanas pueden, en principio, representarte a sí mismas en asuntos legales, otras necesitan representantes. Esto ocurre con menores y adultos bajo custodia legal, pero también con personas «ficticias» —como corporaciones y estados—que necesitan representantes humanos para firmar acuerdos o defenderse en un juicio. La sesión aborda la representación legal en conjunción con otras formas de representación (política y cultural), atendiendo a la distinción inestable e históricamente mutable que hace Gayatry Spivak entre la representación como retrato (Darstellung) y la representación como agencia política (Vertretung).
Por último, la tercera sesión sirve de recapitulación, digestión y cierre del que ha sido el primer seminario del programa de residencia anual Constelación de Estudios.
Colección. Arte contemporáneo: 1975 - Presente
Miércoles 13 de mayo, 2026 - 19:00 h
En esta conferencia, Manuel Segade, director del Museo Reina Sofía, expone las claves de lectura de la nueva presentación de las Colecciones en la cuarta planta del Edificio Sabatini. Esta nueva organización de los fondos se enmarca en un ambicioso plan de reordenación de los usos arquitectónicos de los edificios del Museo, que continuará en 2027 con la inauguración de la tercera planta de este mismo edificio, para culminar en la segunda en 2028.
La nueva presentación de las Colecciones, inaugurada el 16 de febrero de 2026, ofrece un recorrido por la historia del arte contemporáneo de los últimos cincuenta años desde España. A diferencia de un relato unívoco, esta planta cuenta el mismo período —desde la Transición al presente— de tres maneras diferentes, reiniciándose en los años setenta una y otra vez.
El recorrido arranca con un prólogo que transita por los afectos, la cultura material y la institucionalidad en la Transición española como punto de partida a los tres itinerarios posteriores. El primero, Una historia de los afectos en el arte contemporáneo, navega desde los sistemas afectivos en la producción artística vinculada a la segunda ola feminista hasta el duelo como herramienta de interpretación de las nuevas realidades. El segundo itinerario, Los poderes de la ficción. Escultura, nuevos materialismos y estéticas relacionales, está concebido como una galería escultórica en la que las obras salen al encuentro del público incidiendo en la parte performativa de esta disciplina. Entre otras cosas, este itinerario muestra cómo, desde los años ochenta, la producción escultórica española ha tenido una gran proyección internacional en la que numerosas artistas mujeres han jugado un papel fundamental. El tercer itinerario, Un marco nuevo. La institución, el mercado y el arte que los excede a ambos, permite acercarse a los orígenes del Museo y su papel en el proceso de institucionalización del arte en nuestro país. En mayo de 1986 se abría el Centro de Arte Reina Sofía, utilizando las plantas primera y segunda del antiguo hospital: los cuarenta años transcurridos desde entonces permiten reevaluar precisamente los efectos del Museo sobre el arte español y de este sobre la institución.
Con esta charla se refuerza el objetivo de socialización de los relatos producidos desde el Museo, en una etapa en el que las Colecciones están sujetas a revisión permanente.
Patricia Falguières
Martes 12 de mayo, 2026 – 19:00 h
La historiadora del arte Patricia Falguières inaugura la Cátedra María Luisa Caturla con la conferencia La historia del arte en tiempos de oscuridad. Esta cátedra, consagrada a la reflexión sobre el arte de las épocas «enfermas de incertidumbre», está dedicada a desmontar, divagar o imaginar las múltiples temporalidades y materialidades de la historia del arte desde una mirada excéntrica, desplazada, fuera del centro o con un centro diferente.
El título de la conferencia hace referencia a Hombres en tiempos de oscuridad (1968), un conjunto de ensayos escritos por Hannah Arendt cuyo título parafrasea a su vez un poema de Bertolt Brecht. En esta obra, Arendt asevera que «los tiempos de oscuridad no solo no son nuevos, sino que no son una rareza de la historia».
También para Patricia Falguières la historia conoce multitud de épocas en las que el espacio público se oscurece, momentos en los que el mundo deviene tan incierto que la gente deja de demandar a la política cualquier cosa que no sea aliviar el peso de sus intereses vitales y de su libertad individual. Especialista en arte y filosofía de la Edad Moderna, pero siempre con una mirada abierta y curiosa hacia el arte contemporáneo, Falguières propone en este encuentro un recorrido «caótico y aventurero» desde el Renacimiento hasta Fukushima para indagar en preguntas como: ¿qué puede significar hoy, en un mundo que resplandece con destellos siniestros y amenazas más siniestras aún, practicar una historia del arte más allá del entretenimiento o el adorno social? y ¿de qué intereses vitales y de qué libertad puede ser testigo e instrumento esta historia del arte?
De Viva Voz 1. Cabello/Carceller
Lunes 11 de mayo, 2026 — De 18:30 a 20:00 h
La serie fotográfica de Cabello/Carceller Sin título (Utopía) (1998) se despliega en la pared de la Sala 8 de la cuarta planta del Museo como un imponente conjunto de imágenes de distinto tamaño y formato que impregna el espacio de una suerte de melancolía política. Hace reverberar el silencio que, aún hoy, domina los discursos públicos en torno al sida. El desolador escenario que proponen las imágenes de estas piscinas, vacías y fuera de temporada, activa un relato de lucha: la respuesta de activistas y artistas frente a la gestión política de dicha pandemia.
En este encuentro con el colectivo de artistas Cabello/Carceller, en diálogo con la subdirectora artística del Museo Amanda de la Garza, se busca mantener una conversación pausada y reflexiva sobre la obra y sus lecturas, así como conocer de cerca detalles sobre su génesis y repercusión.
A golpe de sample. Experimentación sonora contra el odio
7 MAY 2026
El equipo de adolescentes del Museo, equipo1517, invita a jóvenes de 15 a 17 años a participar en esta visita-taller con Rubén H. Bermúdez y Bria, artistas con quienes sumergirse en la posibilidad de romper con las categorías y los enjuiciamientos internos y transformarlos en una reivindicación musical contra el odio.
Tras una visita a las salas de las Colecciones del Museo con el artista Rubén H. Bermúdez, el taller propone una investigación en torno al sample y la automatización de la mano de Bria, artista sonora y productora musical. A través de las técnicas de sampleo sonoro, se exploran los relatos propios de vida y ficción hacia la construcción de futuros liberadores y espacios sonoros que condenen los discursos de odio.
Para inscribirse no es imprescindible tener experiencia previa o conocimiento de herramientas informáticas musicales. Aquellas personas que manejen programas de audio digital pueden traer sus ordenadores y/o instrumentos digitales. El taller es un espacio seguro para disidencias sexo-genéricas y se articula como herramienta artística antirracista.
Esta actividad se celebra en el marco del programa CAMBIAFORMAS. Eres la posibilidad propuesto por la artista Benia Nsi para la actual edición de equipo1517.