Celebrada el 27 feb 2018
El programa Documentos investiga el libro como medio artístico, las posibilidades y narraciones del archivo, la edición y la circulación independiente, así como otras líneas relacionadas con el trabajo de la Biblioteca y el Centro de Documentación del Museo Reina Sofía. Esta quinta edición está dedicada a una conversación con el artista Francesc Abad (Terrassa, 1944), a propósito de la reciente publicación que ha realizado junto con el historiador del arte Xavier Nueno: Napa(s). Persistir en lo inacabado (Ediciones La Bahía, 2017). Este encuentro, que cuenta también con la participación de Nueno y Lola Hinojosa, responsable de la Colección de Artes Performativas e Intermedia del Museo Reina Sofía, aborda el trabajo crítico y de memoria colectiva realizado por Abad dentro de las prácticas artísticas conceptuales, desde sus propuestas más recientes hasta las de sus inicios con el Grup de Treball en la década de 1970. Precisamente esta etapa temprana está ampliamente representada en la Colección del Museo Reina Sofía, gracias a la donación de parte de su archivo vinculado a este periodo de su trayectoria.
La obra de Francesc Abad se ubica en el campo del arte conceptual ideológico o de los llamados “conceptualismos”, según la denominación de las últimas revisiones internacionales. Bajo este término amplio se han agrupado una serie de prácticas artísticas híbridas y periféricas, surgidas al margen del ámbito angloamericano, y caracterizadas por plantear una intervención directa sobre el terreno de lo político. Estos trabajos tuvieron una especial incidencia en contextos dictatoriales sin libertad de expresión, como España durante el último franquismo.
Al artista catalán le gusta recordar sus comienzos formativos en los años sesenta como pintor abstracto y las innumerables horas empleadas en dibujar para una fábrica textil de Terrassa, donde trabajó desde los 17 años. Si bien su carrera artística se ha desarrollado en las antípodas de estas experiencias, las nociones de trabajo y oficio han marcado el devenir procesual de su obra y, especialmente, el compromiso político con el tiempo, el espacio y la subjetividad del trabajador asalariado. El libro Napa(s). Persistir en lo inacabado enlaza precisamente con esta etapa y este contexto, ya que se concibe como un mapa de la ruina industrial de la ciudad Terrassa, constituido a partir de referentes filosóficos como Walter Benjamin y Ernest Bloch.
Organiza
Museo Reina Sofía
Participantes
Francesc Abad. Artista. De formación inicialmente autodidacta, dejó la fábrica textil donde trabajaba realizando dibujos para formarse en la Escuela de Artes y Oficios de Terrassa y el Centro de Documentación Pedagógica de París. En los años setenta, residió en Nueva York. Tras sus primeras obras pictóricas, comenzó a realizar instalaciones, happenings y arte conceptual. A su regreso, participó en el Grup de Treball, con acciones de crítica contra el último franquismo, llegando a exhibir en la documenta 5 (Kassel, 1972) y en las bienales de París (1975) y Venecia (1976). Destacan sus proyectos vinculados a pensadores contemporáneos y a la memoria histórica, entre los que sobresalen las muestras de El Camp de la Bota en distintos espacios de Cataluña (2004-2007), Block W. B. La idea d’un pensament que crea imatges en el Museu de Granollers (2005-2006) o Estratègia de la precarietat en el Centre d’Arts Contemporànies (ACVIc) de Vic (2014-2015). Junto con Xavier Nueno, acaba de publicar Napa(s). Persitir en lo inacabado (Ediciones La Bahía, 2017).
Lola Hinojosa. Responsable de la Colección de Artes Performativas e Intermedia en el Museo Reina Sofía. Se incorpora a esta institución en 2006 y participa en la creación del Servicio de Conservación de Cine y Vídeo, en el que ha trabajado hasta 2013. Sus principales ámbitos de investigación son la performance, la imagen en movimiento y la teoría de género, en torno a los que ha publicado artículos en revistas y editoriales como Artigrama, Concreta, L’Atalante, Carta o Brumaria, entre otras. Ha formado parte del equipo curatorial de las presentaciones de la Colección del Museo Reina Sofía desde 2009, destacando las muestras Mínima resistencia. Entre el tardomodernismo y la globalización: prácticas artísticas durante las décadas de los 80 y 90 (2013-2014); o Ficciones y territorios. Arte para pensar la nueva razón del mundo (2016-2017).
Xavier Nueno. Historiador y teórico del arte. Ha estudiado en la Universidad Pompeu Fabra de Barcelona y en la École Des Hautes Études en Sciences Sociales de París. Actualmente, realiza un doctorado en el Departamento de Visual and Environmental Studies en la Universidad de Harvard. Su trabajo explora la intersección entre el arte, la tecnología y la política con especial atención a la estética de la información, las sociedades de control y la imagen computacional. Ha ejercido como traductor para las editoriales Siruela y Champ-Vallon. Junto con Francesc Abad ha publicado su primer libro, Napa(s). Persitir en lo inacabado (Ediciones La Bahía, 2017).
Más actividades
Mediaciones del archivo: arte, comunidad y acción política
Martes 7 y jueves 23 abril, 2026 – 17:00 h
El seminario online Mediaciones del archivo: arte, comunidad y acción política, comisariado por Sofía Villena Araya, aborda el papel de las prácticas archivísticas en el cuidado, la dignificación y la activación de la memoria en Centroamérica. Como parte de la primera línea de investigación del Instituto Cáder de Arte Centroamericano (ICAC), animada por la pregunta «¿Qué historias del arte produce Centroamérica?», este seminario propone un acercamiento al archivo como mediador que articula relaciones entre arte, comunidad y acción política, incorporando la problematización historiográfica que sus cruces plantean.
Aunque la propuesta no se limita a la discusión sobre el istmo centroamericano, sí se plantea desde las condiciones particulares que ha asumido la construcción de memoria en la región. Se trata de un territorio vulnerable a los desastres naturales y geológicos, marcado por una violencia política ejercida por estados autoritarios e instituciones fragilizadas, un persistente legado colonial e imperial, y la fragmentación social producto de todo lo anterior. Es también un contexto donde el archivo no necesariamente remite a un lugar específico —un edificio, un fondo documental— ni responde predominantemente a los protocolos de una disciplina como la archivística. Más bien, el interés reside en explorar cómo el archivo opera, desde el arte, como dispositivo que estrecha vínculos, genera pertenencias y abre espacios de acción política.
El encuentro se desarrolla en dos sesiones, una primera dedicada a la práctica de archivo en torno a cuestiones de memoria, violencia y guerra, y una segunda en la que se estudian las prácticas comunitarias en torno a archivos sexodisidentes. Ante la destrucción sistemática de memorias, las prácticas archivísticas abordadas en estas sesiones ejemplifican cómo el archivo emerge en otros lugares y con otras lógicas. En este marco, el espacio de intercambio e investigación propuesto explora el papel del arte como medio productivo para la construcción de archivos desde la imagen, los afectos, lo íntimo, lo performativo, el cuerpo, la oralidad y la ficción, así como materialidades otras que desafían la centralidad del documento y la escritura.
Tras el muro, ¡la playa!
12, 19 ABR 2026
¿Dónde habita la esperanza en una guerra? Tras el muro, ¡la playa! es la visión de un mundo mejor a través de los ojos de la infancia en Palestina. Una experiencia que se aborda en este programa a través de un conjunto de películas procedentes de este país en conflicto, tanto de ficción como de animación. En la apreciación adulta, la guerra encuentra una justificación de carácter político y moral. En cambio, la mirada de la infancia derriba cualquier lógica ante la barbarie y muestra la tragedia bélica como un error sin justificación. Frente a la destrucción adulta, la infancia siempre reafirma la vida en su plenitud.
La selección de cineastas de origen palestino que se presentan, Ibrahim Handal, Tariq Rimawi, Firas Khoury, Rami Abbas, Nisreen Yaseen y Haneen Koraz, son un buen ejemplo en este sentido. Ibrahim Handal se ha erigido como una de las voces emergentes del joven cine palestino. Su obra se centra en la cotidianidad, la identidad y la resistencia con un trabajo que, aun partiendo de lo real, juega entre el documental de creación y la ficción. Por su parte, Firas Khoury es un reconocido director palestino que ha contribuido a expresar cómo sería la vida normalizada de la niñez en Palestina, al mostrar la realidad de cualquier infancia. Ambos cineastas consiguen quitar el velo del prejuicio al igualar la vida de un menor palestino a la de cualquier otro en un país en paz.
La presentación del ciclo cuenta con la presencia de Rami Abbas, cineasta de origen palestino con formación en Siria y actualmente residente en Madrid. Su trabajo es un ejemplo más de la diáspora, pero de igual forma, de la memoria y la resistencia. Hide & Seek (2024) refleja esa dimensión del éxodo y, sobre dicha experiencia, la protección a los seres más vulnerables.
A su vez, Nisreen Yaseen transmite una visión del tránsito de la infancia a la adolescencia en la que se diluye el ruido de la guerra, mientras que el galardonado corto animado Zoo (2022), de Tariq Rimawi, es una obra estética de enorme calado simbólico que expone la oposición entre la opresión y la libertad.
Por último, Haneen Koraz ha llevado a cabo todo su trabajo desde los campos de refugiados en la franja de Gaza. Esta realizadora ha dado voz, a través de talleres de cine de animación, a menores, madres y familias. A day in the Tent [Un día en la tienda de campaña, 2024] es una muestra cinematográfica de resiliencia y verdad que permite al pueblo gazatí transmitir al mundo lo que supone vivir bajo las bombas. Y es solo a través de la mirada de la infancia, de sus dibujos, como se muestra esta realidad sin prejuicios.
Juan Uslé y la experiencia neoyorquina
Miércoles 15 de abril, 2026
En el marco de la exposición Juan Uslé. Ese barco en la montaña, esta mesa redonda propone un viaje hacia un tiempo y un lugar decisivos: el Nueva York de los años ochenta y noventa, escenario de una efervescencia artística que marca profundamente a toda una generación de artistas procedentes de España que encuentran allí un territorio fértil, caótico, exigente y lleno de posibilidades. Tal es el caso de Juan Uslé, que en enero de 1987 atravesó el Atlántico en dirección contraria al buque Elorrio —cuyo hundimiento en 1960 en la costa de Langre (Cantabria) quedaría grabado en su memoria— y fijó su residencia en Nueva York.
La conversación, moderada por el comisario de la exposición Ángel Calvo Ulloa, reúne a Juan Uslé, Vicky Civera, Txomin Badiola y Octavio Zaya, cuatro voces que vivieron ese momento desde perspectivas diversas y complementarias. Su diálogo reconstruye la experiencia de llegar a un contexto ajeno y explora los modos en que estas figuras del arte forjan vínculos y comunidades en un ambiente atravesado por la intensidad creativa y las tensiones del cambio cultural.
Asimismo, se aborda la relación con un Museo Reina Sofía que, en esos años, comienza a redefinir su papel dentro del ecosistema artístico internacional. La mesa invita a reflexionar sobre cómo se percibe, desde la distancia neoyorquina, la escena española y la institución museística, recuperando a través de la oralidad un episodio clave de la historia del arte español.
Familias desviadas
Jueves 9 de abril, 2026 - 18:30
Este ciclo está organizado por equipoMotor, un grupo de adolescentes, jóvenes y personas mayores que ha participado en proyectos comunitarios educativos del Museo Reina Sofía. El programa se articula en cuatro bloques temáticos en torno a la idea de lo monstruoso.
Esta sesión mira al cine como un espacio donde poder verse reflejadas y reflejados. Las personas participantes del grupo han querido elegir una pieza que permita al público conocer un poco mejor quiénes son y cómo trabajan juntas. En Salir del aula. Un día sin profes (Luz Broto Lema, 2017) un grupo de estudiantes decide abandonar el instituto durante un día. A partir de ese gesto sencillo aparece una pregunta sobre las normas que organizan una institución, sobre quién decide cómo se habita y sobre qué ocurre cuando esas reglas se suspenden.
La pieza coloca el conflicto en el centro y propone un detonante claro: «¿y si…?». ¿Y si durante un día no hubiera profesorado? ¿Qué tipo de relaciones, acuerdos o tensiones aparecerían? Desde ahí se abre una reflexión sobre las estructuras de poder presentes en espacios como un instituto, pero también en otros lugares institucionales, como puede ser un museo.
El título de la sesión, Familias desviadas, recoge otra de las preguntas que atraviesan el trabajo de equipoMotor: ¿qué ocurre cuando la idea tradicional de familia se desplaza y aparecen otras formas de organizar los afectos? En lugar de una estructura fija o jerárquica, el grupo ensaya formas de relación más circulares, asamblearias y abiertas, donde las decisiones se toman colectivamente y donde caben distintas edades, trayectorias y modos de estar.
La propia curaduría de esta sesión responde a esa lógica. El proceso ha sido colectivo, fragmentario y experimental, cercano a una forma frankensteiniana de organizarse: juntar piezas, probar combinaciones, discutirlas en grupo y volver a ensamblarlas. Un método que combina lo serio con lo lúdico y lo crítico con lo afectuoso.
Siguiendo el impulso que plantea la película, equipoMotor se hace una última pregunta que atraviesa toda la sesión: ¿y si el museo pudiera ser también un poco más Frankenstein, más afectuoso y más desviado?
![Nan Goldin, Picnic on the Esplanade, Boston [Picnic en el muelle, Boston]](https://recursos.museoreinasofia.es/styles/small_landscape/public/Actividades/AD03442_2.jpg.webp)
RECREO #2. Mirar y narrar. Arte contemporáneo e identidad
Miércoles, 8 de abril, 2026 - 17:30 h
A lo largo de tres sesiones, esta nueva edición del ciclo formativo online RECREO pretende aportar al profesorado estrategias didácticas de aproximación a la nueva presentación de las Colecciones del Museo Colección. Arte Contemporáneo: 1975 – Presente. Concebido como un recurso para personas de todo el territorio, independientemente de si pueden acudir presencialmente al Museo o no, RECREO #2 busca llevar a las aulas parte de las propuestas y contenidos del Itinerario I. Una historia de los afectos en el arte contemporáneo. Así, Mirar y narrar. Arte contemporáneo e identidad invita a explorar las Colecciones desde la idea de identidad como un proceso en constante construcción. A través de diferentes obras, se explora cómo algunas figuras del arte contemporáneo reflexionan sobre la representación del yo, la memoria, la experiencia personal y las identidades individuales y colectivas.
Las piezas seleccionadas permiten pensar la identidad como algo cambiante, influido por factores como las relaciones personales, la experiencia vital, la cultura, la sociedad o el contexto político. A partir de estas obras, se proponen estrategias para trabajar en el aula desde diversas disciplinas o asignaturas aspectos como el autoconocimiento, la expresión personal y la construcción de narrativas propias a través del arte.
Este taller forma parte del ciclo de formación online para profesorado RECREO, organizado por el Área de Educación del Museo Reina Sofía en diálogo con el colectivo Cápsula Cultura. RECREO combina la reflexión con propuestas prácticas adaptables a distintos niveles y contextos de enseñanza, además de fomentar el intercambio de experiencias entre docentes.