Juan Uslé y la experiencia neoyorquina
Mesa redonda con Juan Uslé, Vicky Civera, Txomin Badiola, Octavio Zaya y Ángel Calvo Ulloa
Juan Uslé, Mi-Mon (Miró versus Mondrian), 1992
Celebrada el 15 abr 2026
En el marco de la exposición Juan Uslé. Ese barco en la montaña, esta mesa redonda propone un viaje hacia un tiempo y un lugar decisivos: el Nueva York de los años ochenta y noventa, escenario de una efervescencia artística que marca profundamente a toda una generación de artistas procedentes de España que encuentran allí un territorio fértil, caótico, exigente y lleno de posibilidades. Tal es el caso de Juan Uslé, que en enero de 1987 atravesó el Atlántico en dirección contraria al buque Elorrio —cuyo hundimiento en 1960 en la costa de Langre (Cantabria) quedaría grabado en su memoria— y fijó su residencia en Nueva York.
La conversación, moderada por el comisario de la exposición Ángel Calvo Ulloa, reúne a Juan Uslé, Vicky Civera, Txomin Badiola y Octavio Zaya, cuatro voces que vivieron ese momento desde perspectivas diversas y complementarias. Su diálogo reconstruye la experiencia de llegar a un contexto ajeno y explora los modos en que estas figuras del arte forjan vínculos y comunidades en un ambiente atravesado por la intensidad creativa y las tensiones del cambio cultural.
Asimismo, se aborda la relación con un Museo Reina Sofía que, en esos años, comienza a redefinir su papel dentro del ecosistema artístico internacional. La mesa invita a reflexionar sobre cómo se percibe, desde la distancia neoyorquina, la escena española y la institución museística, recuperando a través de la oralidad un episodio clave de la historia del arte español.
Organiza
Museo Reina Sofía
Colabora
illycaffèParticipantes
Txomin Badiola
(Bilbao, 1957) es artista. Estudia en la Facultad de Bellas Artes de Bilbao, donde ejerce como profesor entre 1982 y 1988. Reside en Londres entre1988 y 1989 y en Nueva York entre 1990 y 1998. Junto a Ángel Bados imparte en Arteleku (San Sebastián) dos cursos en 1994 y 1997. Comisario de Propósito Experimental (Madrid, Barcelona y Bilbao 1988-1989), antológica del escultor Oteiza y, junto a Margit Rowell, Oteiza. Mito y modernidad para el Museo Guggenheim de Bilbao (2004), Guggenheim Museum de Nueva York y el Museo Reina Sofía en 2005. Ha expuesto en numerosas galerías e instituciones nacionales y extranjeras, con grandes retrospectivas celebradas en el Museu d'Art Contemporani de Barcelona (MACBA), el Museo de Bellas Artes de Bilbao (2002), el Musée d'Art Moderne de Saint Etienne-Metropole en Francia (2007) o el Museo Reina Sofia (2016-2017). Es autor del Catálogo razonado de escultura de Jorge Oteiza (FMO y Nerea, 2015). Como escritor de ficción ha publicado Malformalismo (Caniche, 2019) y las novelas El curador (Caniche) y Mamuk (Acantilado) en 2025.
Ángel Calvo Ulloa
(Lalín, 1984) es comisario y escritor. Licenciado en Historia del Arte por la Universidade de Santiago de Compostela (USC) y máster en Arte Contemporáneo: Creación e investigación por la Universidade de Vigo (UVigo). Ha desarrollado su labor en diversas instituciones nacionales e internacionales. Ha sido cocomisario de O Fantasma da Liberdade / Anozero Bienal de Coimbra 2024, junto con Marta Mestre. Entre sus últimos proyectos curatoriales cabe destacar: Jordi Teixidor. No-res, en Sala Alcalá 31 (Madrid), ¿Adónde irá el pájaro que no vuele?, en La Casa Encendida (Madrid); Humores y Espesores, de Rodríguez-Méndez, en el Centro de Arte Dos de Mayo (CA2M) (Móstoles, Madrid); El sueño de la cólcedra, de Teresa Lanceta, en el Museo Patio Herreriano (Valladolid); Siron Franco: Pensamento insubordinado (Trabalhos, 1961-2023), en Museu de Arte Contemporânea de Goiás (MAC Goiás) (Goiânia,Brasil); Anidar en el gesto: unas estanterías de Alberto, en Fundación Cerezales Antonio y Cinia (Cerezales del Condado, León); Autoconstrucción. Piezas sueltas. Juego y experiencia, de Antonio Ballester Moreno, en Artium (Vitoria-Gasteiz); Complexo Colosso, en Centro Internacional das Artes José de Guimarães (CIAJG) (Guimarães, Portugal); o, junto a Nuria Enguita, Habitación. El Archivo F.X., las chekas psicotécnicas de Laurencic y la función del arte, de Pedro G. Romero, en el Centro de Arte Dos de Mayo (CA2M) (Móstoles Madrid), el Museu Nacional d’Art de Catalunya (MNAC) (Barcelona) y el Centro Cultural La Nau (Valencia). En 2020 publicó, junto a Juan Canela, el libro Desde lo curatorial. Conversaciones, experiencias y afectos, dentro de la Colección Paper de Consonni.
Victoria Civera
(Port de Sagunt, 1955) es artista. Vive y trabaja entre Nueva York y Saro (Cantabria). Su obra se articula como un territorio de exploración íntima donde materia, forma y memoria se entrelazan en un lenguaje plástico personal. Formada en la Escuela Superior de Bellas Artes de San Carlos de Valencia, inició una pintura gestual de gran formato que, tras su traslado a Nueva York, se volvió más introspectiva y material. Su práctica abarca pintura, escultura e instalación, integrando lo femenino, lo doméstico y lo corporal como campos de reflexión sobre identidad y fragilidad. Desde los años noventa desarrolla una intensa producción tridimensional. Ha expuesto individualmente en el Espacio Uno del Museo Reina Sofía, Institut Valencià d'Art Modern (IVAM), Centro de Arte Contemporáneo de Málaga (CAC Málaga) y Museo Patio Herreriano de Arte Contemporáneo Español de Valladolid, así como en galerías de arte de Europa y Estados Unidos.
Juan Uslé
(Santander, 1954) es uno de los pintores españoles contemporáneos más reconocidos a nivel internacional. Desde 1987 alterna su residencia entre Nueva York y Saro (Cantabria). Ha participado en eventos clave como la Bienal de Venecia (2005), Documenta 9 (1992), la Bienal de Estambul (1992) y la Bienal de São Paulo (1985). Ha expuesto de manera individual en Bombas Gens Centre d’Art, Valencia (2021); Kunstmuseum Bonn (2014); el Centro Galego de Arte Contemporánea, Santiago de Compostela (2013); SMAK, Stedelijk Museum voor Actuele Kunst, Gante (2004); IMMA, Irish Museum of Modern Art, Dublín (2004); Fundación Botín, Santander (2004); MNCARS, Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía, Madrid (2003); MACBA, Museu d’Art Contemporani de Barcelona (1996) o en el IVAM, Institut Valencià d’Art Modern, Valencia (1996) entre otros. Su obra está presente en numerosas colecciones públicas y privadas internacionales, entre las que se incluyen: MoMA; The Museum of Fine Arts, Houston; Museum of Fine Arts, Boston; IMMA; MACBA; MNAM – Centre Pompidou, París; Musée d’Art Contemporain du Luxembourg; Museo Guggenheim, Bilbao; MNCARS; Museu Serralves, Oporto; SMAK, o Tate Modern; entre otros. En 2002, fue reconocida su trayectoria con el Premio Nacional de Artes Plásticas del Ministerio de Cultura.
Octavio Zaya
(Las Palmas, 1954) es comisario independiente, residente en Canarias desde 2022 tras cuarenta y cuatro años en Estados Unidos. Recientemente ha participado en la organización de la XV Bienal de Sharjah (Emiratos Árabes Unidos, 2023) y comisariado proyectos como Ríos intermitentes de Maria Magdalena Campos-Pons para la XIII Bienal de La Habana (2019) y la retrospectiva Luis Camnitzer. Hospicio de utopías fallidas en el Museo Reina Sofía (2018-2019). Otras exposiciones notables en su trayectoria son la de Lara Almarcegui para el Pabellón de España en la 55ª Bienal de Venecia (2013), Shirin Neshat. Escrito sobre el cuerpo (Fundación Telefónica, Madrid, 2013) o Yinka Shonibare. El futuro del pasado (Sala Alcalá 31, Madrid, 2011), Versiones del Sur: Cinco propuestas en torno al arte en América. Más allá del documento (Museo Reina Sofía, 2000). Fue curador de la I Bienal de Johannesburgo (1995), cocurador de la documenta 11 de Kassel (2002) y de la exposición principal de la 2ª Bienal de Johannesburgo (1997), miembro del equipo curatorial de In/Sight: African Photographers, 1940 to the Present (Museo Guggenheim de Nueva York,1997), director de la revista Atlántica (2000-2018), comisario externo y asesor del Museo de Arte Contemporáneo de Castilla y León (MUSAC, León, 2005-2012), y codirector del Centro de Arte Contemporáneo Huarte (2007-2009). En la actualidad trabaja en la creación de un Archivo Decolonial para Tenerife Espacio de las Artes (TEA) y es miembro del consejo editorial de Nka Journal of Contemporary African Art y de los consejos asesores del Museo de Arte Latinoamericano de Buenos Aires (MALBA), Museo Centro de Arte Contemporáneo de Málaga (MUCAC) y Performa (Nueva York).
Más actividades
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Mike Nichols. El graduado
Viernes 31 de julio, 2026
Benjamin Braddock (Dustin Hoffman) es un joven graduado perteneciente a una familia burguesa de California. Tras retornar a casa, conoce a la señora Robinson (Anne Bancroft), quien lo seducirá en continuos encuentros y le enseñará aquello que no está en los libros. La hija de la señora Robinson, Elaine (Katharine Ross), entrará en su vida para cambiar por completo sus sentimientos.
El excelente papel de Anne Bancroft nos muestra esa necesidad de sentirse viva en un mundo caduco, y las armas que el sexo posee frente al amor romántico. Ese aprendizaje es el que transita el joven Ben, y son los momentos en los que habita la piscina los que provocan su paso del aturdimiento a la lucidez. Pasa de ser un bufón con escafandra, perdido en el fondo de la pileta, a dejarse mecer por las aguas del placer o a ver el manto de la piscina manchado de hojarasca por la llegada del amor. La piscina es el lugar que permite el cambio de estado: el despertar a las fuerzas de la vida.
Sol Iglesias. Los nadadores
Sábado 1 de agosto, 2026
El fin del mundo, provocado por la crisis climática, ha llegado y un grupo de amigos deambula de piscina en piscina en medio del verano eterno de Buenos Aires. De pileta en pileta, atraviesan la ciudad en una deriva placentera y ociosa. En ese tránsito, encuentran a distintos supervivientes que buscan desesperadamente el agua hasta su propio final.
A modo de réplica de la película El nadador (1968) de Frank Perry y Sydney Pollack, Los nadadores de Sol Iglesias es, de igual forma, un camino hacia el crepúsculo. Las piscinas simbolizan, en este escenario quemado por el sol, una metáfora de refugio, pero invariablemente también de muerte dulce. El calor extremo es lo que la convierte en un final fresco y placentero. La piscina representa, además, el letargo de una juventud cansada de luchar contra lo que cree «inevitable». Al colarse los jóvenes en piletas de vecindarios privados, en lugar de mostrar espacios públicos, la piscina termina siendo un reducto de intimidad que es necesario asaltar: el falso paraíso de una sociedad que ha colapsado. El filme acerca conceptualmente al espectador a otra película argentina también presente en este ciclo, La ciénaga (2001) de Lucrecia Martel, donde los cuerpos buscan recodos de agua estancada.
Jack Hazan. A Bigger Splash
Viernes 7 de agosto, 2026
La pintura dota de permanencia y estabilidad a un instante fugaz e irrepetible. Esa es la visión del recientemente fallecido David Hockney cuando, pincelada tras pincelada, regresa a la piscina de A Bigger Splash: la gran zambullida en una piscina californiana que congela una sensación de felicidad. Quien se zambulle no es otro que Peter Schlesinger, pareja del pintor con el que este acaba de romper.
En A Bigger Splash, Jack Hazan retrata el mundo de un artista de éxito, la presión del mercado y de los marchantes, la tensión entre el ego y la fragilidad personal o la obligación para continuar con un estilo y una iconografía que, pese a su sello inconfundible, generan dudas para el propio pintor. En medio de un Londres gris y lluvioso, un Hockney melancólico y víctima del mal de amor sigue retornando a la piscina californiana como promesa de felicidad, a modo de una arcadia homosexual en la que el pintor convive con su joven pareja y un grupo de amigos igualmente lozanos y atractivos. La piscina, después de todo, como recuerda Jack Hazan en este pionero documental de artista, es un símil de la misma pintura en su función primigenia: asir lo fugaz para, pese a que ya no exista, dotarlo de permanencia para el que mira. Hockney, como uno de los últimos grandes pintores, sabe que su medio apenas ha cambiado en cientos de años de historia.
Seis piscinas. Un salto al cine experimental
Sábado 8 de agosto, 2026
Por primera vez, el cine de verano incluye un programa de cine experimental, en el que predomina la experiencia y la sensación de los cuerpos bajo el agua de la piscina. Esta sesión se desliza desde las fastuosas arquitecturas acuáticas de Barbara Hammer y Barbara Klutinis hasta las fantasías, los roces y los cuerpos húmedos y sexualizados de Jakobois. Seis piscinas completamente diferentes. Piscinas privadas, públicas, transparentes o insondables, interiores o exteriores, pero todas concebidas para el ocio, la competición y el deseo. Un recorrido que pasa de la monumentalidad de la arquitectura a la intimidad de los cuerpos mojados.
Pools, de Barbara Hammer y Barbara Klutinis, convierte las piscinas diseñadas por la arquitecta pionera Julia Morgan para el castillo del magnate William Randolph Hearst —quien inspirara Ciudadano Kane— en un espacio de juego, exploración corporal y apropiación queer, una excusa para zambullirse en un escenario reservado al privilegio. En An Algorithm, Bette Gordon fragmenta una serie de saltos de cabeza y transforma el gesto deportivo en una partitura visual de repeticiones, variaciones y ritmos. Por su parte, Water Work, de Tony Hill, seduce con la perspectiva, los reflejos y la profundidad; la piscina como ilusión óptica, como superficie inestable que distorsiona y multiplica la mirada. Cheap Imitation “They Walk and I Walk”, de Rickard Eklund, sumerge la cámara para capturar una coreografía de cuerpos sincronizados, una danza suspendida bajo el agua. Cuerpos desnudos que se esquivan, se retuercen y se abrazan en un espacio donde parece no haber gravedad se reúnen en All Under, de Gunilla Leander. Finalmente, Passage du désir, de Jakobois, cierra el programa con un montaje donde el agua deja de ser un entorno para pasar a convertirse en territorio del deseo.
Dominga Sotomayor. Debajo y Thais Fujinaga. A Felicidade das Coisas
Viernes 14 de agosto, 2026
Dos joyas procedentes de las nuevas voces del cine latinoamericano que basculan entre familias, piscinas, reencuentros y estatus. En Debajo, cortometraje de juventud de la chilena Dominga Sotomayor, conviven el abstracto y contundente plano cenital de una piscina con las relaciones que esta concita en una familia en crisis, reunida para contemplar un eclipse. Este cine de cuidados y afectos tan propio de Sotomayor se halla cercano al naturalismo cotidiano de Thais Fujinaga en A Felicidade das Coisas. En este primer largometraje de la autora, la piscina no es una pileta horizontal para la inmersión de bañistas, sino un gran monolito vertical, a modo de antimonumento, anclado en el jardín de una familia de clase media. La película cuenta el empeño y los desafíos de una madre con dos hijos por construir una piscina en su humilde casa de veraneo, sola frente a un mundo hipermasculinizado. Al mismo tempo, este filme habla del amor familiar, pero también de la búsqueda de estatus, con la piscina como tótem de la languideciente clase media brasileña durante los años del bolsonarismo.