Juan Uslé y la experiencia neoyorquina
Mesa redonda con Juan Uslé, Vicky Civera, Txomin Badiola, Octavio Zaya y Ángel Calvo Ulloa
Juan Uslé, Mi-Mon (Miró versus Mondrian), 1992
Celebrada el 15 abr 2026
En el marco de la exposición Juan Uslé. Ese barco en la montaña, esta mesa redonda propone un viaje hacia un tiempo y un lugar decisivos: el Nueva York de los años ochenta y noventa, escenario de una efervescencia artística que marca profundamente a toda una generación de artistas procedentes de España que encuentran allí un territorio fértil, caótico, exigente y lleno de posibilidades. Tal es el caso de Juan Uslé, que en enero de 1987 atravesó el Atlántico en dirección contraria al buque Elorrio —cuyo hundimiento en 1960 en la costa de Langre (Cantabria) quedaría grabado en su memoria— y fijó su residencia en Nueva York.
La conversación, moderada por el comisario de la exposición Ángel Calvo Ulloa, reúne a Juan Uslé, Vicky Civera, Txomin Badiola y Octavio Zaya, cuatro voces que vivieron ese momento desde perspectivas diversas y complementarias. Su diálogo reconstruye la experiencia de llegar a un contexto ajeno y explora los modos en que estas figuras del arte forjan vínculos y comunidades en un ambiente atravesado por la intensidad creativa y las tensiones del cambio cultural.
Asimismo, se aborda la relación con un Museo Reina Sofía que, en esos años, comienza a redefinir su papel dentro del ecosistema artístico internacional. La mesa invita a reflexionar sobre cómo se percibe, desde la distancia neoyorquina, la escena española y la institución museística, recuperando a través de la oralidad un episodio clave de la historia del arte español.
Organiza
Museo Reina Sofía
Colabora
illycaffèParticipantes
Txomin Badiola
(Bilbao, 1957) es artista. Estudia en la Facultad de Bellas Artes de Bilbao, donde ejerce como profesor entre 1982 y 1988. Reside en Londres entre1988 y 1989 y en Nueva York entre 1990 y 1998. Junto a Ángel Bados imparte en Arteleku (San Sebastián) dos cursos en 1994 y 1997. Comisario de Propósito Experimental (Madrid, Barcelona y Bilbao 1988-1989), antológica del escultor Oteiza y, junto a Margit Rowell, Oteiza. Mito y modernidad para el Museo Guggenheim de Bilbao (2004), Guggenheim Museum de Nueva York y el Museo Reina Sofía en 2005. Ha expuesto en numerosas galerías e instituciones nacionales y extranjeras, con grandes retrospectivas celebradas en el Museu d'Art Contemporani de Barcelona (MACBA), el Museo de Bellas Artes de Bilbao (2002), el Musée d'Art Moderne de Saint Etienne-Metropole en Francia (2007) o el Museo Reina Sofia (2016-2017). Es autor del Catálogo razonado de escultura de Jorge Oteiza (FMO y Nerea, 2015). Como escritor de ficción ha publicado Malformalismo (Caniche, 2019) y las novelas El curador (Caniche) y Mamuk (Acantilado) en 2025.
Ángel Calvo Ulloa
(Lalín, 1984) es comisario y escritor. Licenciado en Historia del Arte por la Universidade de Santiago de Compostela (USC) y máster en Arte Contemporáneo: Creación e investigación por la Universidade de Vigo (UVigo). Ha desarrollado su labor en diversas instituciones nacionales e internacionales. Ha sido cocomisario de O Fantasma da Liberdade / Anozero Bienal de Coimbra 2024, junto con Marta Mestre. Entre sus últimos proyectos curatoriales cabe destacar: Jordi Teixidor. No-res, en Sala Alcalá 31 (Madrid), ¿Adónde irá el pájaro que no vuele?, en La Casa Encendida (Madrid); Humores y Espesores, de Rodríguez-Méndez, en el Centro de Arte Dos de Mayo (CA2M) (Móstoles, Madrid); El sueño de la cólcedra, de Teresa Lanceta, en el Museo Patio Herreriano (Valladolid); Siron Franco: Pensamento insubordinado (Trabalhos, 1961-2023), en Museu de Arte Contemporânea de Goiás (MAC Goiás) (Goiânia,Brasil); Anidar en el gesto: unas estanterías de Alberto, en Fundación Cerezales Antonio y Cinia (Cerezales del Condado, León); Autoconstrucción. Piezas sueltas. Juego y experiencia, de Antonio Ballester Moreno, en Artium (Vitoria-Gasteiz); Complexo Colosso, en Centro Internacional das Artes José de Guimarães (CIAJG) (Guimarães, Portugal); o, junto a Nuria Enguita, Habitación. El Archivo F.X., las chekas psicotécnicas de Laurencic y la función del arte, de Pedro G. Romero, en el Centro de Arte Dos de Mayo (CA2M) (Móstoles Madrid), el Museu Nacional d’Art de Catalunya (MNAC) (Barcelona) y el Centro Cultural La Nau (Valencia). En 2020 publicó, junto a Juan Canela, el libro Desde lo curatorial. Conversaciones, experiencias y afectos, dentro de la Colección Paper de Consonni.
Victoria Civera
(Port de Sagunt, 1955) es artista. Vive y trabaja entre Nueva York y Saro (Cantabria). Su obra se articula como un territorio de exploración íntima donde materia, forma y memoria se entrelazan en un lenguaje plástico personal. Formada en la Escuela Superior de Bellas Artes de San Carlos de Valencia, inició una pintura gestual de gran formato que, tras su traslado a Nueva York, se volvió más introspectiva y material. Su práctica abarca pintura, escultura e instalación, integrando lo femenino, lo doméstico y lo corporal como campos de reflexión sobre identidad y fragilidad. Desde los años noventa desarrolla una intensa producción tridimensional. Ha expuesto individualmente en el Espacio Uno del Museo Reina Sofía, Institut Valencià d'Art Modern (IVAM), Centro de Arte Contemporáneo de Málaga (CAC Málaga) y Museo Patio Herreriano de Arte Contemporáneo Español de Valladolid, así como en galerías de arte de Europa y Estados Unidos.
Juan Uslé
(Santander, 1954) es uno de los pintores españoles contemporáneos más reconocidos a nivel internacional. Desde 1987 alterna su residencia entre Nueva York y Saro (Cantabria). Ha participado en eventos clave como la Bienal de Venecia (2005), Documenta 9 (1992), la Bienal de Estambul (1992) y la Bienal de São Paulo (1985). Ha expuesto de manera individual en Bombas Gens Centre d’Art, Valencia (2021); Kunstmuseum Bonn (2014); el Centro Galego de Arte Contemporánea, Santiago de Compostela (2013); SMAK, Stedelijk Museum voor Actuele Kunst, Gante (2004); IMMA, Irish Museum of Modern Art, Dublín (2004); Fundación Botín, Santander (2004); MNCARS, Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía, Madrid (2003); MACBA, Museu d’Art Contemporani de Barcelona (1996) o en el IVAM, Institut Valencià d’Art Modern, Valencia (1996) entre otros. Su obra está presente en numerosas colecciones públicas y privadas internacionales, entre las que se incluyen: MoMA; The Museum of Fine Arts, Houston; Museum of Fine Arts, Boston; IMMA; MACBA; MNAM – Centre Pompidou, París; Musée d’Art Contemporain du Luxembourg; Museo Guggenheim, Bilbao; MNCARS; Museu Serralves, Oporto; SMAK, o Tate Modern; entre otros. En 2002, fue reconocida su trayectoria con el Premio Nacional de Artes Plásticas del Ministerio de Cultura.
Octavio Zaya
(Las Palmas, 1954) es comisario independiente, residente en Canarias desde 2022 tras cuarenta y cuatro años en Estados Unidos. Recientemente ha participado en la organización de la XV Bienal de Sharjah (Emiratos Árabes Unidos, 2023) y comisariado proyectos como Ríos intermitentes de Maria Magdalena Campos-Pons para la XIII Bienal de La Habana (2019) y la retrospectiva Luis Camnitzer. Hospicio de utopías fallidas en el Museo Reina Sofía (2018-2019). Otras exposiciones notables en su trayectoria son la de Lara Almarcegui para el Pabellón de España en la 55ª Bienal de Venecia (2013), Shirin Neshat. Escrito sobre el cuerpo (Fundación Telefónica, Madrid, 2013) o Yinka Shonibare. El futuro del pasado (Sala Alcalá 31, Madrid, 2011), Versiones del Sur: Cinco propuestas en torno al arte en América. Más allá del documento (Museo Reina Sofía, 2000). Fue curador de la I Bienal de Johannesburgo (1995), cocurador de la documenta 11 de Kassel (2002) y de la exposición principal de la 2ª Bienal de Johannesburgo (1997), miembro del equipo curatorial de In/Sight: African Photographers, 1940 to the Present (Museo Guggenheim de Nueva York,1997), director de la revista Atlántica (2000-2018), comisario externo y asesor del Museo de Arte Contemporáneo de Castilla y León (MUSAC, León, 2005-2012), y codirector del Centro de Arte Contemporáneo Huarte (2007-2009). En la actualidad trabaja en la creación de un Archivo Decolonial para Tenerife Espacio de las Artes (TEA) y es miembro del consejo editorial de Nka Journal of Contemporary African Art y de los consejos asesores del Museo de Arte Latinoamericano de Buenos Aires (MALBA), Museo Centro de Arte Contemporáneo de Málaga (MUCAC) y Performa (Nueva York).
Más actividades
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La persona (legal) y la forma legal. Parte III
Lunes 11, miércoles 13 y jueves 14 de mayo, 2026 - Ampliado el plazo de inscripción
Como parte de Constelación de Estudios, la residencia de pensamiento anual 2025-2026, el historiador y teórico del arte Sven Lütticken imparte el seminario La persona (legal) y la forma legal: compromisos teóricos, artísticos y activistas para dialogar y profundizar en las hipótesis y preguntas que animan su proyecto de investigación.
Este proyecto, titulado Deshacer la subjetividad jurídica, deformar la abstracción legal, estudia el dominio de las abstracciones reales —como el valor de cambio y la forma legal— sobre nuestros procesos de subjetivación y se pregunta cómo las prácticas artísticas pueden abrir otras formas de representar o performar al sujeto y su condición jurídica en el mundo contemporáneo.
El seminario consta de un total de ocho sesiones, distribuidas a lo largo del curso en tres partes. La primera sesión de esta tercera parte aborda la noción de propiedad, problematizándola contra el contexto del arte conceptual. La obra de arte, su propiedad, autoría y autenticidad son replanteadas y revisadas con una actitud abierta a la confección de modelos de gestión —hipotéticos y alternativos a los actuales— que revolucionen la relación artista-obra-propietario. ¿Pueden las prácticas artísticas conceptuales servir como modelos críticos? ¿Hasta qué punto es posible pensar, actuar con ellos y extrapolarlos más allá de un bello nicho?
La segunda sesión atiende a la cuestión de la representación. Mientras que la mayoría (aunque no todas) de las personas naturales humanas pueden, en principio, representarte a sí mismas en asuntos legales, otras necesitan representantes. Esto ocurre con menores y adultos bajo custodia legal, pero también con personas «ficticias» —como corporaciones y estados—que necesitan representantes humanos para firmar acuerdos o defenderse en un juicio. La sesión aborda la representación legal en conjunción con otras formas de representación (política y cultural), atendiendo a la distinción inestable e históricamente mutable que hace Gayatry Spivak entre la representación como retrato (Darstellung) y la representación como agencia política (Vertretung).
Por último, la tercera sesión sirve de recapitulación, digestión y cierre del que ha sido el primer seminario del programa de residencia anual Constelación de Estudios.
Colección. Arte contemporáneo: 1975 - Presente
Miércoles 13 de mayo, 2026 - 19:00 h
En esta conferencia, Manuel Segade, director del Museo Reina Sofía, expone las claves de lectura de la nueva presentación de las Colecciones en la cuarta planta del Edificio Sabatini. Esta nueva organización de los fondos se enmarca en un ambicioso plan de reordenación de los usos arquitectónicos de los edificios del Museo, que continuará en 2027 con la inauguración de la tercera planta de este mismo edificio, para culminar en la segunda en 2028.
La nueva presentación de las Colecciones, inaugurada el 16 de febrero de 2026, ofrece un recorrido por la historia del arte contemporáneo de los últimos cincuenta años desde España. A diferencia de un relato unívoco, esta planta cuenta el mismo período —desde la Transición al presente— de tres maneras diferentes, reiniciándose en los años setenta una y otra vez.
El recorrido arranca con un prólogo que transita por los afectos, la cultura material y la institucionalidad en la Transición española como punto de partida a los tres itinerarios posteriores. El primero, Una historia de los afectos en el arte contemporáneo, navega desde los sistemas afectivos en la producción artística vinculada a la segunda ola feminista hasta el duelo como herramienta de interpretación de las nuevas realidades. El segundo itinerario, Los poderes de la ficción. Escultura, nuevos materialismos y estéticas relacionales, está concebido como una galería escultórica en la que las obras salen al encuentro del público incidiendo en la parte performativa de esta disciplina. Entre otras cosas, este itinerario muestra cómo, desde los años ochenta, la producción escultórica española ha tenido una gran proyección internacional en la que numerosas artistas mujeres han jugado un papel fundamental. El tercer itinerario, Un marco nuevo. La institución, el mercado y el arte que los excede a ambos, permite acercarse a los orígenes del Museo y su papel en el proceso de institucionalización del arte en nuestro país. En mayo de 1986 se abría el Centro de Arte Reina Sofía, utilizando las plantas primera y segunda del antiguo hospital: los cuarenta años transcurridos desde entonces permiten reevaluar precisamente los efectos del Museo sobre el arte español y de este sobre la institución.
Con esta charla se refuerza el objetivo de socialización de los relatos producidos desde el Museo, en una etapa en el que las Colecciones están sujetas a revisión permanente.
Patricia Falguières
Martes 12 de mayo, 2026 – 19:00 h
La historiadora del arte Patricia Falguières inaugura la Cátedra María Luisa Caturla con la conferencia La historia del arte en tiempos de oscuridad. Esta cátedra, consagrada a la reflexión sobre el arte de las épocas «enfermas de incertidumbre», está dedicada a desmontar, divagar o imaginar las múltiples temporalidades y materialidades de la historia del arte desde una mirada excéntrica, desplazada, fuera del centro o con un centro diferente.
El título de la conferencia hace referencia a Hombres en tiempos de oscuridad (1968), un conjunto de ensayos escritos por Hannah Arendt cuyo título parafrasea a su vez un poema de Bertolt Brecht. En esta obra, Arendt asevera que «los tiempos de oscuridad no solo no son nuevos, sino que no son una rareza de la historia».
También para Patricia Falguières la historia conoce multitud de épocas en las que el espacio público se oscurece, momentos en los que el mundo deviene tan incierto que la gente deja de demandar a la política cualquier cosa que no sea aliviar el peso de sus intereses vitales y de su libertad individual. Especialista en arte y filosofía de la Edad Moderna, pero siempre con una mirada abierta y curiosa hacia el arte contemporáneo, Falguières propone en este encuentro un recorrido «caótico y aventurero» desde el Renacimiento hasta Fukushima para indagar en preguntas como: ¿qué puede significar hoy, en un mundo que resplandece con destellos siniestros y amenazas más siniestras aún, practicar una historia del arte más allá del entretenimiento o el adorno social? y ¿de qué intereses vitales y de qué libertad puede ser testigo e instrumento esta historia del arte?
De Viva Voz 1. Cabello/Carceller
Lunes 11 de mayo, 2026 — De 18:30 a 20:00 h
La serie fotográfica de Cabello/Carceller Sin título (Utopía) (1998) se despliega en la pared de la Sala 8 de la cuarta planta del Museo como un imponente conjunto de imágenes de distinto tamaño y formato que impregna el espacio de una suerte de melancolía política. Hace reverberar el silencio que, aún hoy, domina los discursos públicos en torno al sida. El desolador escenario que proponen las imágenes de estas piscinas, vacías y fuera de temporada, activa un relato de lucha: la respuesta de activistas y artistas frente a la gestión política de dicha pandemia.
En este encuentro con el colectivo de artistas Cabello/Carceller, en diálogo con la subdirectora artística del Museo Amanda de la Garza, se busca mantener una conversación pausada y reflexiva sobre la obra y sus lecturas, así como conocer de cerca detalles sobre su génesis y repercusión.
A golpe de sample. Experimentación sonora contra el odio
7 MAY 2026
El equipo de adolescentes del Museo, equipo1517, invita a jóvenes de 15 a 17 años a participar en esta visita-taller con Rubén H. Bermúdez y Bria, artistas con quienes sumergirse en la posibilidad de romper con las categorías y los enjuiciamientos internos y transformarlos en una reivindicación musical contra el odio.
Tras una visita a las salas de las Colecciones del Museo con el artista Rubén H. Bermúdez, el taller propone una investigación en torno al sample y la automatización de la mano de Bria, artista sonora y productora musical. A través de las técnicas de sampleo sonoro, se exploran los relatos propios de vida y ficción hacia la construcción de futuros liberadores y espacios sonoros que condenen los discursos de odio.
Para inscribirse no es imprescindible tener experiencia previa o conocimiento de herramientas informáticas musicales. Aquellas personas que manejen programas de audio digital pueden traer sus ordenadores y/o instrumentos digitales. El taller es un espacio seguro para disidencias sexo-genéricas y se articula como herramienta artística antirracista.
Esta actividad se celebra en el marco del programa CAMBIAFORMAS. Eres la posibilidad propuesto por la artista Benia Nsi para la actual edición de equipo1517.