Juan Uslé y la experiencia neoyorquina
Mesa redonda con Juan Uslé, Vicky Civera, Txomin Badiola, Octavio Zaya y Ángel Calvo Ulloa
Juan Uslé, Mi-Mon (Miró versus Mondrian), 1992
Celebrada el 15 abr 2026
En el marco de la exposición Juan Uslé. Ese barco en la montaña, esta mesa redonda propone un viaje hacia un tiempo y un lugar decisivos: el Nueva York de los años ochenta y noventa, escenario de una efervescencia artística que marca profundamente a toda una generación de artistas procedentes de España que encuentran allí un territorio fértil, caótico, exigente y lleno de posibilidades. Tal es el caso de Juan Uslé, que en enero de 1987 atravesó el Atlántico en dirección contraria al buque Elorrio —cuyo hundimiento en 1960 en la costa de Langre (Cantabria) quedaría grabado en su memoria— y fijó su residencia en Nueva York.
La conversación, moderada por el comisario de la exposición Ángel Calvo Ulloa, reúne a Juan Uslé, Vicky Civera, Txomin Badiola y Octavio Zaya, cuatro voces que vivieron ese momento desde perspectivas diversas y complementarias. Su diálogo reconstruye la experiencia de llegar a un contexto ajeno y explora los modos en que estas figuras del arte forjan vínculos y comunidades en un ambiente atravesado por la intensidad creativa y las tensiones del cambio cultural.
Asimismo, se aborda la relación con un Museo Reina Sofía que, en esos años, comienza a redefinir su papel dentro del ecosistema artístico internacional. La mesa invita a reflexionar sobre cómo se percibe, desde la distancia neoyorquina, la escena española y la institución museística, recuperando a través de la oralidad un episodio clave de la historia del arte español.
Organiza
Museo Reina Sofía
Colabora
illycaffèParticipantes
Txomin Badiola
(Bilbao, 1957) es artista. Estudia en la Facultad de Bellas Artes de Bilbao, donde ejerce como profesor entre 1982 y 1988. Reside en Londres entre1988 y 1989 y en Nueva York entre 1990 y 1998. Junto a Ángel Bados imparte en Arteleku (San Sebastián) dos cursos en 1994 y 1997. Comisario de Propósito Experimental (Madrid, Barcelona y Bilbao 1988-1989), antológica del escultor Oteiza y, junto a Margit Rowell, Oteiza. Mito y modernidad para el Museo Guggenheim de Bilbao (2004), Guggenheim Museum de Nueva York y el Museo Reina Sofía en 2005. Ha expuesto en numerosas galerías e instituciones nacionales y extranjeras, con grandes retrospectivas celebradas en el Museu d'Art Contemporani de Barcelona (MACBA), el Museo de Bellas Artes de Bilbao (2002), el Musée d'Art Moderne de Saint Etienne-Metropole en Francia (2007) o el Museo Reina Sofia (2016-2017). Es autor del Catálogo razonado de escultura de Jorge Oteiza (FMO y Nerea, 2015). Como escritor de ficción ha publicado Malformalismo (Caniche, 2019) y las novelas El curador (Caniche) y Mamuk (Acantilado) en 2025.
Ángel Calvo Ulloa
(Lalín, 1984) es comisario y escritor. Licenciado en Historia del Arte por la Universidade de Santiago de Compostela (USC) y máster en Arte Contemporáneo: Creación e investigación por la Universidade de Vigo (UVigo). Ha desarrollado su labor en diversas instituciones nacionales e internacionales. Ha sido cocomisario de O Fantasma da Liberdade / Anozero Bienal de Coimbra 2024, junto con Marta Mestre. Entre sus últimos proyectos curatoriales cabe destacar: Jordi Teixidor. No-res, en Sala Alcalá 31 (Madrid), ¿Adónde irá el pájaro que no vuele?, en La Casa Encendida (Madrid); Humores y Espesores, de Rodríguez-Méndez, en el Centro de Arte Dos de Mayo (CA2M) (Móstoles, Madrid); El sueño de la cólcedra, de Teresa Lanceta, en el Museo Patio Herreriano (Valladolid); Siron Franco: Pensamento insubordinado (Trabalhos, 1961-2023), en Museu de Arte Contemporânea de Goiás (MAC Goiás) (Goiânia,Brasil); Anidar en el gesto: unas estanterías de Alberto, en Fundación Cerezales Antonio y Cinia (Cerezales del Condado, León); Autoconstrucción. Piezas sueltas. Juego y experiencia, de Antonio Ballester Moreno, en Artium (Vitoria-Gasteiz); Complexo Colosso, en Centro Internacional das Artes José de Guimarães (CIAJG) (Guimarães, Portugal); o, junto a Nuria Enguita, Habitación. El Archivo F.X., las chekas psicotécnicas de Laurencic y la función del arte, de Pedro G. Romero, en el Centro de Arte Dos de Mayo (CA2M) (Móstoles Madrid), el Museu Nacional d’Art de Catalunya (MNAC) (Barcelona) y el Centro Cultural La Nau (Valencia). En 2020 publicó, junto a Juan Canela, el libro Desde lo curatorial. Conversaciones, experiencias y afectos, dentro de la Colección Paper de Consonni.
Victoria Civera
(Port de Sagunt, 1955) es artista. Vive y trabaja entre Nueva York y Saro (Cantabria). Su obra se articula como un territorio de exploración íntima donde materia, forma y memoria se entrelazan en un lenguaje plástico personal. Formada en la Escuela Superior de Bellas Artes de San Carlos de Valencia, inició una pintura gestual de gran formato que, tras su traslado a Nueva York, se volvió más introspectiva y material. Su práctica abarca pintura, escultura e instalación, integrando lo femenino, lo doméstico y lo corporal como campos de reflexión sobre identidad y fragilidad. Desde los años noventa desarrolla una intensa producción tridimensional. Ha expuesto individualmente en el Espacio Uno del Museo Reina Sofía, Institut Valencià d'Art Modern (IVAM), Centro de Arte Contemporáneo de Málaga (CAC Málaga) y Museo Patio Herreriano de Arte Contemporáneo Español de Valladolid, así como en galerías de arte de Europa y Estados Unidos.
Juan Uslé
(Santander, 1954) es uno de los pintores españoles contemporáneos más reconocidos a nivel internacional. Desde 1987 alterna su residencia entre Nueva York y Saro (Cantabria). Ha participado en eventos clave como la Bienal de Venecia (2005), Documenta 9 (1992), la Bienal de Estambul (1992) y la Bienal de São Paulo (1985). Ha expuesto de manera individual en Bombas Gens Centre d’Art, Valencia (2021); Kunstmuseum Bonn (2014); el Centro Galego de Arte Contemporánea, Santiago de Compostela (2013); SMAK, Stedelijk Museum voor Actuele Kunst, Gante (2004); IMMA, Irish Museum of Modern Art, Dublín (2004); Fundación Botín, Santander (2004); MNCARS, Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía, Madrid (2003); MACBA, Museu d’Art Contemporani de Barcelona (1996) o en el IVAM, Institut Valencià d’Art Modern, Valencia (1996) entre otros. Su obra está presente en numerosas colecciones públicas y privadas internacionales, entre las que se incluyen: MoMA; The Museum of Fine Arts, Houston; Museum of Fine Arts, Boston; IMMA; MACBA; MNAM – Centre Pompidou, París; Musée d’Art Contemporain du Luxembourg; Museo Guggenheim, Bilbao; MNCARS; Museu Serralves, Oporto; SMAK, o Tate Modern; entre otros. En 2002, fue reconocida su trayectoria con el Premio Nacional de Artes Plásticas del Ministerio de Cultura.
Octavio Zaya
(Las Palmas, 1954) es comisario independiente, residente en Canarias desde 2022 tras cuarenta y cuatro años en Estados Unidos. Recientemente ha participado en la organización de la XV Bienal de Sharjah (Emiratos Árabes Unidos, 2023) y comisariado proyectos como Ríos intermitentes de Maria Magdalena Campos-Pons para la XIII Bienal de La Habana (2019) y la retrospectiva Luis Camnitzer. Hospicio de utopías fallidas en el Museo Reina Sofía (2018-2019). Otras exposiciones notables en su trayectoria son la de Lara Almarcegui para el Pabellón de España en la 55ª Bienal de Venecia (2013), Shirin Neshat. Escrito sobre el cuerpo (Fundación Telefónica, Madrid, 2013) o Yinka Shonibare. El futuro del pasado (Sala Alcalá 31, Madrid, 2011), Versiones del Sur: Cinco propuestas en torno al arte en América. Más allá del documento (Museo Reina Sofía, 2000). Fue curador de la I Bienal de Johannesburgo (1995), cocurador de la documenta 11 de Kassel (2002) y de la exposición principal de la 2ª Bienal de Johannesburgo (1997), miembro del equipo curatorial de In/Sight: African Photographers, 1940 to the Present (Museo Guggenheim de Nueva York,1997), director de la revista Atlántica (2000-2018), comisario externo y asesor del Museo de Arte Contemporáneo de Castilla y León (MUSAC, León, 2005-2012), y codirector del Centro de Arte Contemporáneo Huarte (2007-2009). En la actualidad trabaja en la creación de un Archivo Decolonial para Tenerife Espacio de las Artes (TEA) y es miembro del consejo editorial de Nka Journal of Contemporary African Art y de los consejos asesores del Museo de Arte Latinoamericano de Buenos Aires (MALBA), Museo Centro de Arte Contemporáneo de Málaga (MUCAC) y Performa (Nueva York).
Más actividades
Expedientes de revoluciones tropicales
Sábado 20 y 27 de junio, 2026 - 19:00 H
El ciclo Reencuadrando las imágenes bananeras cierra con dos obras que condensan la culminación y el ocaso de este período histórico, epopeyas que cruzan fronteras y registros para encarnar las vivencias de la lucha armada en la región. Las cámaras conviven con los fusiles, las fronteras entre naciones se difuminan y la paciencia alcanza su límite. Es aquí donde llega el punto de inflexión, cuando la sangre derramada se vuelve demasiado pesada y los murmullos de aquella cofradía regional son sepultados de nuevo.
Pan y dignidad (Carta abierta de Nicaragua) recuenta los antecedentes históricos y el proceso de reconstrucción nacional en Nicaragua a partir de la insurrección popular sandinista. Historias prohibidas de Pulgarcito sumerge la cámara en el centro de la lucha revolucionaria salvadoreña, intercalando testimonios de violencia cotidiana con los versos del poeta Roque Dalton.
Ambas obras entienden la revolución armada como un expediente abierto y en vías de construcción. La cofradía insurgente, aunque disuelta, aún resuena en la historia regional.
Circular sobre cuerpos exprimidos
Viernes 19 y 26 de junio, 2026 - 19:00 H
Cuando las formas de la violencia se someten a la sociedad, el cine responde desde la urgencia. Las imágenes se abstraen, los sonidos se difuminan y el registro disidente viene desde las vísceras. La zona intertidal es un acercamiento ensayístico y poético a la represión sufrida por docentes en El Salvador durante los años setenta; un maestro estudia la biodiversidad de la costa salvadoreña mientras un niño encuentra un cuerpo en la misma playa. A propósito de la mujer entrelaza testimonios de miseria e ira hacia las estructuras patriarcales, con escenas de ficción de una procesión simbólica a través de un desierto hostil.
Ambas películas entienden el cuerpo como blanco de violencia y como territorio de insurrección; un espacio donde la sangre derramada por la militancia y la cruz del yugo patriarcal transforman el dolor en denuncia y la existencia fuera del statu quo en un acto de disidencia política.
Sello de origen centroamericano
Jueves 18 y 25 de junio, 2026 - 19:00 H
Las tierras fértiles, las manos campesinas, los rostros de la ruralidad. Este primer programa del ciclo Reencuadrando las imágenes bananeras entiende los cimientos de la experiencia centroamericana desde la explotación, el extractivismo y el desplazamiento, así como desde la organización y resistencia que surge como reacción. Las cuatro películas que lo componen van de la lírica documental de la solidaridad campesina a la subversión lúdica del formato institucional de la United Fruit Company.
Bananeras es un combativo retrato de las condiciones inhumanas en las plantaciones estadounidenses situadas en Nicaragua durante gran parte del siglo XX. Costa Rica Banana Republic presenta una incisiva sátira del documental institucional bananero que vislumbra la naturaleza extractiva de este modelo agroexportador en la década de 1970. Organización Campesina encuadra la resistencia rural hondureña desde el registro directo y la lírica documental. Dos veces mujer disecciona la invisibilización de la doble jornada a la que es sometida la campesina centroamericana: trabajo en el campo y en el hogar. En conjunto, estas obras presentan la tierra como un cuerpo herido y, a la vez, un espacio de dignidad.
Políticas y prácticas de acogida
19, 20 JUN 2026
Coincidiendo con el Día Internacional de las Personas Refugiadas, que se celebra el 20 de junio, Museo Situado y GRIGRI organizan este encuentro internacional que promueve la discusión, el debate y el intercambio de prácticas que sostienen la solidaridad con las personas migrantes en los países de la Unión Europea.
El programa, que se concibe como un espacio de intercambio y construcción colectiva de conocimientos, incluye un taller de creación colaborativa, conversatorios, una comida popular y un cinefórum —actividades diseñadas por un comité local integrado por jóvenes menores de 30 años de diferentes territorios de Europa—. Las recomendaciones políticas sobre acogida y hospitalidad en contextos urbanos surgidas de este encuentro se presentan en Bruselas a finales de 2026.
Estas jornadas se desarrollan en el contexto del proyecto de cooperación europea Bridging Borders y en el marco del décimo aniversario del proyecto GRIGRI Pixel.
![Agnes Essonti Luque, A Journey [Un viaje], 2024. Museo Reina Sofía](https://recursos.museoreinasofia.es/styles/small_landscape/public/Actividades/AGNESESSONT.jpg.webp)
De Viva Voz 3. Agnes Essonti Luque
Lunes 15 de junio, 2026 — De 18:30 a 20:00 h
La obra Un viaje (2024), de la joven artista española-camerunesa Agnes Essonti Luque, invita al público a acompañar a una réplica de una estatuilla africana de madera del Museu Etnològic i de les Cultures del Món (Barcelona) en su periplo de retorno a Camerún. La documentación visual y fotográfica que narra esta historia actúa como estrategia de reparación y restitución simbólica frente a las políticas extractivistas de la institución museo en la modernidad occidental. De esta manera, la instalación permite activar la conversación en torno a la violencia y el vaciado que producen ciertas dinámicas coloniales, pero también sobre la memoria familiar y los saberes comunitarios.
En diálogo con la comisaria Suset Sánchez, esta visita-encuentro busca propiciar una conversación en torno a la pieza y el contexto en que se muestra, así como atender a otros desafíos, tensiones o preguntas que la obra de Essonti lanza al público.