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Sábado 20 de julio, 2019 – 22:00 h
Sesión inaugural
Madrid histórico con música en directo de Racalmuto
Anónimo. Madrid hacia 1910
España, 1910, b/n, muda, 5’Adelardo Fernández Arias. Asesinato y entierro de Don José Canalejas
España, 1912, b/n, muda, 7’Benito Perojo. Peladilla va al football
España, 1914, b/n, muda, 9’Fernando Delgado. Viva Madrid que es mi pueblo
España, 1928, b/n, muda, 2’ (fragmento)Luis Araquistáin. ¿Qué es España?
España, 1929, b/n, muda, 6’ (fragmento)José Buchs. Una extraña aventura de Luis Candelas
España, 1926, b/n, muda, 5’ (fragmento)Eusebio Fernández Ardavín. Rosa de Madrid
España, 1927, b/n, muda, 7’ (fragmento)Benito Perojo. Clara y Peladilla van a los toros
España, 1915, b/n, muda, 8’
Francisco Elías. El misterio de la Puerta del Sol
España, 1929, b/n, sonora, 3’ (fragmento)Esta sesión inaugural propone un recorrido a través de la mirada de distintos cineastas por los orígenes del cine en torno a la ciudad Madrid. El propósito es recrear el imaginario colectivo del Madrid castizo y popular de las primeras décadas del siglo XX. La sesión cuenta con música en directo de la mano de Racalmuto, un grupo de jazz que para esta esta ocasión se compone de saxo, clarinete, contrabajista y pianista.
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Viernes 26 de julio, 2019 – 22:00 h
José Antonio Nieves Conde
El inquilino
España, 1957, b/n, VO en español, 91’. Versión restaurada y proyección con dos finales
Con la presentación de Luis Deltell, profesor titular de Historia del cine español y Dirección cinematográfica de la Universidad Complutense de Madrid (UCM). Autor del libro Madrid en el cine de la década de los cincuenta (2016).
Corrosiva comedia costumbrista sobre la búsqueda de una vivienda pública en el barrio de Lavapiés durante la década de 1950. La película retrata el laberinto burocrático que impide a la clase trabajadora alcanzar las nuevas promociones oficiales de vivienda pública. El inquilino se estrenó coincidiendo con la inauguración del Ministerio de Vivienda. En este contexto, su crítica ácida y popular suponía un obstáculo para la propaganda del régimen franquista, lo que determinó su escasa circulación, así como la censura de diversas escenas, entre ellas, el final, lo que obligó a realizar uno alternativo. En esta ocasión, se proyectan sus dos finales: la película íntegra con el final original rodado por el director y, como epílogo, el final censurado proyectado en la época.
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Sábado 27 de julio, 2019 – 22:00 h
Alberto García Ortiz e Irene Yagüe Herrero
La grieta
España, 2017, color, VO en español e inglés con subtítulos en español e inglés, 76’
Con la presentación y coloquio posterior con los cineastas.
La grieta, Premio del Jurado y del Público en el festival DocumentaMadrid de 2018, muestra los acontecimientos que rodean el desahucio de una familia humilde tras la venta de su vivienda pública a un fondo buitre. El filme indaga en la violencia implacable del capital inmobiliario y en la protección que ofrecen los movimientos sociales, al tiempo que retrata con sensibilidad y empatía a la familia y a los vecinos del barrio madrileño de Villaverde.
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Viernes 2 de agosto, 2019 – 22:00 h
Sergio Cabrera
La estrategia del caracol
Colombia, 1993, color, VO en español, 116’
Con la presentación y coloquio posterior con el cineasta
Uno de los hitos del cine latinoamericano de las últimas décadas, La estrategia del caracol retrata una comunidad excéntrica y creativa opuesta al derribo de su casa en Bogotá. El filme recoge la idea de uno de los vecinos, un viejo anarquista español, sobre que un hogar es simplemente el lugar donde habita la comunidad, así que los inquilinos se disponen a trasladar la casa, con sus espacios y enseres, a las colinas vecinas. De trasfondo, la tesis de que la mejor manera de desafiar a la autoridad es la imaginación más imprevisible.
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Sábado 3 de agosto, 2019 – 22:00 h
Matt Tyrnauer
Citizen Jane: Battle for the City [Citizen Jane. Batalla por la ciudad]
Estados Unidos, 2016, color, VO en inglés con subtítulos en español, 90’
Con la presentación de Susana Jiménez Carmona, música, filósofa y doctora en Ciencias Humanas y de la Cultura. Coordinadora desde 2010 de El paseo de Jane en Madrid, recorridos tramados de manera colectiva que buscan recuperar el tejido y la historia vecinal de la ciudad. Ha publicado El paseo de Jane. Tejiendo redes a pie de calle (junto a Ana Useros, 2016) y Cómo hacer un paseo de Jane (2017).
Dos visiones opuestas de la ciudad, dos maneras confrontadas de entender la sociedad. De una parte, Robert Moses (1888-1981), alto funcionario de urbanismo durante cuatro décadas en Nueva York e ideólogo del planeamiento urbano masivo basado en espacios de trabajo y residenciales de alta densidad conectados por grandes vías de comunicación. De otra, Jane Jacobs (1916-2006), periodista, ensayista y defensora de la vida en la calle imprevisible y entremezclada como ejemplo de ciudad habitable y sostenible. Entre ambos, la batalla por Nueva York a partir del barrio de Greenwich Village. El omnipotente Robert Moses y su proyecto de derribo del corazón de Manhattan para construir una autovía y la vecina Jane Jacobs, quien convencerá a los residentes del Village, y de paso al mundo, de que las ciudades deben ser espacios para vivir.
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Viernes 9 de agosto, 2019 – 22:00 h
Manoel de Oliveira
Porto da minha infância [Oporto de mi infancia]
Portugal, 2011, color, VO en portugués con subtítulos en español, 90’
Con presentación de João Fernandes, subdirector del Museo Reina Sofía y uno de los grandes especialistas en el cine de Manoel de Oliveira y en la ciudad de Oporto, donde dirigió la Fundación Serralves.
Oporto visto a través de los ojos ya centenarios de Manoel de Oliveira. Porto da minha infância es una de las películas más seductoras y reveladoras de la poética del gran autor portugués. Documental, ficción y teatro filmado se entretejen en un relato que rastrea las huellas de la infancia y de la adolescencia del cineasta en la urbe portuguesa. La ciudad de la ópera, de las tertulias literarias o de los cenáculos burgueses, pero también del despertar sexual y de los inicios de la vocación artística de Oliveira. Episodios evocados como ruinas de un tiempo pasado, cuyo rastro pervive en la ciudad, pero que ya no pueden volver.
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Sábado 10 de agosto, 2019 – 22:00 h
Norman Cohen y Jacques Duron
Norman Cohen. The London Nobody Knows [El Londres que nadie conoce]
Reino Unido, 1967, color, VO en inglés con subtítulos en español, 45’Jacques Duron. Souvenirs de Madrid
Francia y España, 2019, color, VO en español, 56’Con la presentación y coloquio posterior con el director Jacques Duron y Sergio C. Fanjul, periodista y poeta, autor de La ciudad infinita (2019), un ensayo sobre barrio y urbanismo en Madrid.
¿Qué queda de las ciudades cuando se desvanece el tiempo uniforme de lo contemporáneo? Una sesión doble sobre Londres y Madrid dedicada a los anacronismos que persisten y que muestran la identidad de las ciudades bajo la pátina de lo último y novedoso. The London Nobody Knows es un fascinante documental recuperado en años recientes, en el que el célebre actor James Mason ejerce de cicerone por el Londres de la cultura proletaria que ha sido borrada paulatinamente por los rascacielos de esta capital financiera. Jacques Duron, por su parte, plantea un cine antropológico sobre el Madrid de la década de 1990, en el que los barrios del centro son un gran pueblo de moradores populares y fiestas locales con aires de ritual.
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Viernes 16 de agosto, 2019 – 22:00 h
Pietro Marcello
La bocca del lupo [La boca del lobo]
Italia, 2009, color, VO en italiano con subtítulos en español, 68’
Un estibador y una prostituta se aferran a su relación en un entorno en desintegración. La decadencia y el desmantelamiento del puerto de Génova evoca los recuerdos e imágenes del pasado industrial de la ciudad mezclados con la memoria obrera en extinción. A medio camino entre el documental y la ficción, Pietro Marcello se codea con la enorme tradición neorrealista para contarnos, con permiso de Pier Paolo Pasolini, el amor en el colapso.
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Sábado 17 de agosto, 2019 – 22:00 h
Alberto Morais
Los chicos del puerto
España, 2013, color, VO en español, 75’
Con la presentación y coloquio posterior con el cineasta y Javier H. Estrada, crítico de cine, programador del Festival de Cine de Sevilla y de Filmadrid.
Un periplo de tres niños para cumplir una promesa familiar despliega un atlas por los espacios de la marginación que dan forma a Nazaret, antiguo barrio de pescadores en la ciudad de Valencia. La autovía de tráfico incesante, los descampados entre fábricas y las arquitecturas abandonadas frente a la futurista Ciudad de las Artes y los nuevos apartamentos de lujo describen la condena del abandono. Entre estos contrastes, resalta la lealtad de estos tres niños del extrarradio con el compromiso adquirido. Morais, una de las voces más éticas del nuevo cine en España, sigue el camino de otros directores como Roberto Rossellini y Abbas Kiarostami para definir una poética contenida y humanista.
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Viernes 23 de agosto, 2019 – 22:00 h
Jean-Luc Godard
Alphaville, une étrange aventure de Lemmy Caution [Lemmy contra Alphaville]
Francia, 1965, b/n, VO en francés con subtítulos en español, 100’
Un clásico de la ciencia-ficción carente de efectos especiales, pero firme en su concepción del género como metáfora para cuestionar el presente. El detective Lemmy Caution (Eddie Constantine) es enviado al país de Alphaville, tecnocracia gobernada por el superordenador Alpha 60. “La esencia de los llamados mundos capitalista o comunista, pero sobre todo la ambición natural de cualquier organización es simplemente planificar todas sus acciones”, pronuncia la computadora. La película se adentra en una sociedad gobernada por la extrema racionalidad y la lógica absoluta, en la que cualquier emoción y sentimiento son borrados del lenguaje.
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Sábado 24 de agosto, 2019 – 22:00 h
Lluís Galter
La substància [La sustancia]
España, 2016, color, VO en catalán y mandarín con subtítulos en español, 86’
Con la presentación y coloquio posterior con el cineasta y Concha Mateos, Profesora de Periodismo y Comunicación Audiovisual en el Departamento de Ciencias de la Comunicación y Sociología de la Universidad Rey Juan Carlos.
Un documental inquietante sobre la réplica y el deseo en la nueva clase acomodada china y en la turistizada Europa. Un grupo de arquitectos y promotores chinos estudia la historia y la arquitectura de Cadaqués con el fin de lograr reproducir este enclave mediterráneo como ciudad de vacaciones en la costa china. La película retrata las aspiraciones de los habitantes de este simulacro urbanístico, al tiempo que visita el histórico pueblo de la Costa Brava, antes inspiración de artistas como Salvador Dalí y ahora invadido por el turismo global. ¿Cuál es la experiencia más falseada?
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Viernes 30 de agosto, 2019 – 22:00 h
Spike Lee
Do the Right Thing [Haz lo que debas]
Estados Unidos, 1989, color, VO en inglés con subtítulos en español, 120’
Con la presentación de Ana Bibang, antiguo miembro de Zona Bruta, uno de los primeros sellos especializado en rap y hip hop producido en España, y consultora legal en la actualidad.
Proyección que conmemora el 30 aniversario de esta cinta del director Spike Lee, segundo filme de su serie de seis películas, entre ellas Crooklyn (1994) o Red Hook Summer (2012), sobre el barrio neoyorkino de Brooklyn. En ella, Lee, que es también uno de los actores principales, desmonta los estereotipos racistas y analiza la frustración, el miedo y la falta de visibilidad de la comunidad afroamericana como causa de los disturbios raciales. El análisis fidedigno del lenguaje, de los gestos, de la cultura y de la música de la comunidad negra, y otras minorías, se combina con apropiaciones de la historia del cine y un profundo conocimiento de la vida del barrio para componer una película fundamental.
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Sábado 31 de agosto, 2019 – 22:00 h
Jennie Livingston
Paris is Burning [Arde París]
Estados Unidos, 1991, color, VO en inglés con subtítulos en español, 76’
Con la presentación de las artistas Helena Cabello y Ana Carceller, quienes trabajan desde mediados de la década de 1990 sobre la identidad queer y las construcciones discursivas del género. Con un amplio reconocimiento internacional, han expuesto en destacados museos y centros de arte.
Paris is Burning se centra en el baile como elemento de fiesta y resistencia para la comunidad hispana, negra y homosexual de mediados de la década de 1980 en Nueva York. Es decir, comunidades discriminadas por motivos raciales y sexuales. El documental retrata durante siete años el nacimiento del voguing en los clubes nocturnos de la ciudad. El voguing consiste en la apropiación de los gestos y poses dominantes del ámbito de la moda y música blanca por la minoría racializada y queer, y su adaptación a este nuevo baile basado en la deconstrucción de los roles de género y clase social. Muy influyente para teóricas como Judith Butler, el filme revisa cómo sus protagonistas (Pepper LaBeija, Angie Xtravaganza o Dorian Corey) asumían las estrategias de construcción del estrellato de la industria audiovisual para proclamar una identidad disidente.
Vidas de barrio
Cine de verano
![Spike Lee. Do the Right Thing [Haz lo que debas]. Película, 1989](https://recursos.museoreinasofia.es/styles/large_landscape/public/Actividades/cine-peq.gif.webp)
Celebrada el 20, 26, 27 jul, 02, 03, 09, 10, 16, 17, 23, 24, 30, 31 ago 2019
Este año el ciclo de cine de verano del Museo Reina Sofía está dedicado a las maneras de apropiarse, resistir e imaginar la ciudad desde el barrio entendido como una comunidad con una identidad de clase y un conjunto de historias en común. Partiendo de esta tesis principal, la programación se organiza en semanas temáticas en las que cada viernes y sábado las diferentes películas dialogan entre sí. A ello se suma una sesión inaugural con música en directo además de coloquios con buena parte de los cineastas participantes y presentaciones de teóricos y especialistas a lo largo de las distintas proyecciones.
En la literatura, el cine y el urbanismo del siglo XX, la ciudad se erige como una poderosa maquinaria abstracta, un artefacto mecánico de escala colosal en el que cualquier forma de experiencia resulta múltiple, anónima y efímera. Se presenta, pues, como un lugar en el que abandonarse entre la multitud, disfrutar de sensaciones fugaces y celebrar una identidad netamente individual. Basta mencionar el género fílmico de la sinfonía urbana o las metrópolis ideadas por el movimiento moderno para comprobar el predominio de este modelo de experiencia. La antítesis de este paradigma ocurre precisamente en los barrios, con todo lo que estos significan a nivel social, cultural y espacial. Este ciclo propone precisamente el barrio como el lugar desde el que repensar la ciudad: frente al anonimato de la gran urbe, los vínculos vecinales; frente a los grandes proyectos urbanísticos, la autogestión imaginativa de las comunidades; frente a los estímulos momentáneos, el sedimento de historias unidas a un territorio; frente a la aceleración contemporánea, la espontaneidad de lo cotidiano. A menudo se ha dicho que una definición de nuestro presente es la del siglo de las ciudades, ¿podemos dar la vuelta a esta afirmación jugando a plantearla como el “siglo de los barrios”?
Vidas de barrio arranca con una sesión especial dedicada a los orígenes del cine sobre la ciudad de Madrid y cuenta con música en directo. Tras esta inauguración, la primera semana se centra en la lucha por la vivienda a través de El inquilino (José Antonio Nieves Conde, 1957) y La grieta (Irene Yagüe y Alberto Ortiz, 2017), dos películas separadas por más de 50 años que tratan un drama permanente. La segunda semana aborda la solidaridad vecinal y cómo esta produce una ciudad más social, con La estrategia del caracol (Sergio Cabrera, 1993) y Citizen Jane. Batalla por la ciudad (Matt Tyrnauer, 2016). El anacronismo como signo de identidad urbano, o los vestigios de un pasado idiosincrático que se resiste a desaparecer, protagonizan la tercera semana con Porto da minha infância (Manoel de Oliveira, 2011), The London Nobody Knows (Norman Cohen, 1969) y Souvenirs de Madrid (Jacques Duron, 2019). La poética de los márgenes o la afirmación de la vida en medio de la degradación urbana es el tema de la cuarta semana, con dos películas contemporáneas de impronta neorrealista como La bocca del lupo (Pietro Marcello, 2009) y Los chicos del puerto (Alberto Morais, 2013). ¿Cómo sería la ciudad hiper-administrada, regulada hasta el más mínimo resquicio por una burocracia totalitaria? Dos películas plantean este revés distópico: una cinta de ciencia-ficción histórica, Alphaville, une étrange aventure de Lemmy Caution (Jean-Luc Godard, 1965), y La substància (Lluís Galter, 2016), documental sobre la construcción de un nuevo Cadaqués en la costa china. Las últimas sesiones se aproximan a la fiesta como celebración de la diferencia, con dos filmes sobre la ciudad de Nueva York a finales de 1980: Do the Right Thing (Spike Lee, 1989) y Paris is Burning (Jennie Livingston, 1991).
Comisariado
Chema González
Organiza
Museo Reina Sofía
Se permite acceder a las proyecciones con bebidas y refrigerio
No es posible la entrada y salida una vez comience la proyección
Todas las películas se proyectarán en formato digital
Más actividades
Mi.Mu. Soy un mundo
Todos los viernes, del 17 de octubre de 2025 al 19 de junio de 2026 - 10:30 h
Mi.Mu. Soy un mundo es un recorrido dirigido a grupos de Educación Infantil que parte de los aprendizajes derivados del proyecto MICA (museo, infancia, cuerpo y aula), desarrollado por el colectivo La Parcería Infancia y Familia. En esta actividad se investiga cómo poner en valor los espacios de aprendizaje artístico que permiten la expresión libre en la infancia mediante la observación y el respeto del tiempo y los procesos vitales que transcurren en ella, así como la forma de trazar un acercamiento a la institución como el mejor lugar social posible para la experimentación y creación.
Esta visita parte de la estructura pedagógica de los sentidos estudiada desde la antroposofía, que nos acerca a diferentes estadios de desarrollo del ser humano —el conocimiento del yo, del entorno y del otro—, y propone un recorrido lúdico por obras específicas de la Colección y por los diferentes espacios del Edificio Sabatini para potenciar las relaciones entre cuerpo y espacio. Teniendo en cuenta que la infancia está profundamente definida por el movimiento y por el cuerpo como algo presente, activo y en continuo cambio, se busca involucrar corporal, performática y sensorialmente a nuestr+s pequeñ+s visitantes y sus acompañantes, con la intención de crear memorias corporales y afectivas de esta experiencia.
Diseñado en colaboración con Nur Banzi y La Parcería Infancia y Familia, en este recorrido se explora el Museo como un espacio de aprendizaje activo y un tablero expandido de juego en el que experimentar con la observación, despertar la curiosidad y establecer una relación con el arte y sus espacios a partir del disfrute, lo lúdico y las relaciones socioafectivas. Mi.Mu. Soy un mundo toma como referencia la obra Un mundo (1929), de Ángeles Santos, para hacer un recorrido que invita a cada niñ+ a observarse a sí mism+ y a entenderse como un mundo personal cargado de ideas, gustos, expresiones, deseos y necesidades y que coexiste con otros diferentes que lo reflejan y acompañan. Un pequeño mundo entre otros mundos.
Voces situadas 36
Jueves 16 de octubre, 2025 - 19:00 h
Territorio Doméstico es un colectivo feminista compuesto por empleadas del hogar y cuidados afincadas en la Comunidad de Madrid. Conforman un espacio transfronterizo que responde a varios problemas urgentes: la defensa del derecho laboral de parte de las trabajadoras del hogar y la exigencia de la regularización de las personas migradas trabajadoras, así como de su derecho a la reagrupación familiar, el reconocimiento social y la reparación de la deuda de cuidados por parte de las instituciones.
Acompañan este encuentro proponiendo una mesa intersectorial en torno a las enfermedades profesionales que sufren determinados colectivos de trabajadoras con empleos con un marcado componente físico, como las trabajadoras del hogar y cuidados o las de la agricultura. El objetivo de esta mesa es visibilizar las consecuencias físicas y psicológicas que los trabajos de cuerpo suponen para quienes los realizan, así como el poco reconocimiento social, legal y sanitario que reciben.
Las enfermedades profesionales de las mujeres a menudo no son reconocidas como tales, siendo diagnosticadas como enfermedades comunes con todo lo que ello supone a nivel legal y administrativo. Por otra parte, obtener una baja laboral puede convertirse en toda una lucha, incumpliéndose así sus derechos laborales.
La asamblea de Museo Situado convoca a conversar sobre esta realidad, dándole el espacio que se merece para poder reivindicar soluciones de forma colectiva y que se cumplan con los derechos de todas las trabajadoras.
Conferencia de Alejandra Zanetta. Maruja Mallo en el exilio americano
Jueves 16 de octubre, 2025 - 19:00 h
En el marco de la exposición retrospectiva que el Museo Reina Sofía dedica a Maruja Mallo, Alejandra Zanetta imparte una conferencia sobre el significado del exilio americano en la obra de la artista gallega.
Comprometida con los valores de progreso y renovación de la Segunda República, Maruja Mallo se ve obligada a exiliarse en Argentina con el estallido de la Guerra Civil. La integración de la pintora en los ambientes intelectuales latinoamericanos influirá notablemente en su obra, absorbiendo las corrientes artísticas y de pensamiento del nuevo continente y enriqueciendo su perspectiva creativa.
Es durante este exilio, que es también olvido, cuando la artista inicia un viaje personal hacia la cosmografía y el universo. Mallo mostrará un gran interés por la geometría cósmica, buscando reflejar el orden del universo a partir de las leyes armónicas de los números y los trazos regulares del compás en sus conocidas Naturalezas vivas. Otro elemento clave de este período es su observación del sincretismo religioso americano y de su diversidad racial, reflejados en las diferentes interpretaciones de la máscara y en las monumentales cabezas que aparecen en la serie Retratos bidimensionales.
Esta etapa americana, de casi tres décadas, concluye con el regreso definitivo a España de Maruja Mallo en 1965. Un viaje de vuelta que acaba por convertirse en una suerte de segundo exilio para la artista.
Esta conferencia forma parte del ciclo Arte y Exilio, que pretende profundizar sobre uno de los aspectos definitorios de la vida y obra de Maruja Mallo: la experiencia del exilio. Una experiencia que, en su caso, es doble, ya que abarca no solo la vivencia americana, sino también el complejo regreso a España.
Sven Lütticken
Viernes 10 de octubre, 2025 – 19:00 h
Las disciplinas académicas son, en efecto, disciplinarias. Imponen hábitos de pensamiento, parámetros ideológicos y a priori metodológicos a quienes se han formado en ellas. ¿Qué significa haber sido disciplinado por la historia del arte? ¿Qué nos ha hecho la historia del arte? Pero también, ¿qué podemos seguir haciendo con ella? La Cátedra Juan Antonio Ramírez, la cita anual del Museo Reina Sofía dedicada a reflexionar sobre la historia y la historiografía del arte, sus límites y sus puntos de fuga, invita a Sven Lütticken a examinar estas cuestiones a la luz de diversos casos seleccionados por el autor y de su propia práctica.
Su trabajo, enmarcado en la historia y la teoría del arte, siempre ha abogado por expandir, interpelar o cuestionar los límites de la disciplina hasta el punto de que esta se vuelva teórica y (auto)crítica. A lo largo de su trayectoria, Lütticken ha dirigido su interés fundamentalmente a la investigación histórica, crítica y teórica sobre la autonomía. Un hito importante en esta línea de trabajo es su participación en The Autonomy Project, iniciativa del Van Abbemuseum de Eindhoven junto con varias escuelas de arte y departamentos universitarios que desembocó en la publicación del volumen Art and Autonomy (Afterall, 2022). Una segunda línea está constituida por el proyecto a largo plazo Forms of Abstraction, que analiza prácticas artísticas contemporáneas como intervenciones en formas de «abstracción real», como la forma-valor, tal y como la teorizó Marx.
Desde septiembre de 2025, Sven Lütticken es residente de Constelación de Estudios, el programa de pensamiento anual del Museo Reina Sofía, en el que desarrolla el proyecto de investigación Deshacer la subjetividad jurídica, deformar la abstracción legal.
Warhol-Vijande. Más que pistolas, cuchillos y cruces
Viernes 10 de octubre, 2025 – 19:00h
El Museo Reina Sofía preestrena el documental Warhol-Vijande. Más que Pistolas, Cuchillos y Cruces (2025), un proyecto de la Colección Suñol Soler, dirigido por el realizador Sebastián Galán. El Museo se hace eco así de la memoria del galerista Fernando Vijande (Barcelona, 1930 – Madrid, 1986) y de su relevancia como actor principal de la modernidad cultural y artística española. La película ilustra el rol central de este marchante de arte examinando el hito que supuso la exposición producida por Andy Warhol en la Galería Vijande en 1983, su histórica visita a España y los puentes entre la movida madrileña y las corrientes artísticas de Nueva York.
Fernando Vijande, considerado el galerista de arte de la movida, fue el promotor de una revolución artística que llevó a Madrid y a España a coger el tren de la contemporaneidad, gracias al apoyo de Andy Warhol, figura emblemática de la posmodernidad artística de finales del siglo XX. La elección de Warhol de la ciudad de Madrid y, concretamente, de la Galería Vijande para celebrar una exposición creada exprofeso para este espacio refleja cómo la ciudad y su incipiente escena cultural se convirtieron en un eje artístico de primer orden.
El documental es guiado por la cantante Alaska, personaje central de la movida, y muestra cómo aquel Madrid innovador, colorista y provocador que despertaba a golpe de arte y fiesta supuso el acicate creativo para Warhol, que sintió en la movida de la década de 1980 la rebeldía creativa del Nueva York de las décadas de 1960 y 1970. Una nueva «Factory» emergía en medio de las calles que se llenaban de tribus urbanas, sacudiéndose la letanía franquista. Aquello no supuso solo un evento, fue la cristalización de un cambio. Como asegura en el filme el gestor cultural Martín Moniche: «En los eventos de Fernando se produce lo que este país necesitaba: ¡divertirse!, porque había estado cuarenta años sin diversión. El cambio político no podía venir por un cambio radical. Entonces, ¿por dónde iba a venir el cambio? Por la cultura».