Renau, cineasta

Clínica 2628 es un proyecto de acompañamiento y puesta en común de escrituras que nace con la intención de ofrecer un espacio y unos tiempos sostenibles para el trabajo de investigación en arte y cultura. En el contexto de una academia cada vez menos receptiva a las formas en que el pensamiento ocurre y es expresado, quiere rescatar lo académico de su captura neoliberal para recuperar la alianza entre precisión e intuición, trabajo y deseo. También quiere devolver la escritura al común que la hace posible a través de un trabajo de seguimiento de procesos y colectivización de ideas, posiciones, referencias y estrategias.

La propuesta, que resulta de la colaboración entre la Dirección de Estudios del Museo Reina Sofía y el grupo de investigación Artea a través del proyecto i+D Experimenta, se concreta en tres ediciones anuales, concebidas como un espacio de experimentación, discusión y muestra de haceres de escritura críticos con los que propone la academia hoy.

¿Qué fuerzas, formas y procesos se ponen en juego al escribir sobre arte y estética? En la academia, en los museos y en otras instituciones culturales la práctica de la escritura se ve atravesada por lógicas productivistas que ponen en riesgo los ritmos de la investigación y la experimentación. La imposición cientificista implicada en la estructura del paper o la cuantificación de resultados que exigen los criterios de calidad y visibilidad higienizan, de entrada, la rugosidad propia de una escritura entendida desde lo concreto de su lengua: las resistencias fónicas, gráficas, sintácticas y gramaticales que conectan a quien usa esa lengua con la comunidad que esta une y activa. Higienizan también la rugosidad implicada en el mismo deseo de escribir, los caminos intuitivos, claros y confusos que de nuevo conectan a quien escribe con quienes leyeron y escribieron así, participando de un bien común que se descubre y se produce al mismo tiempo.

La progresiva mercantilización del saber puesta en marcha por el capitalismo cognitivo aleja cada vez más la investigación y la producción de conocimiento de las obras, los lenguajes y las prácticas artísticas. Los trabajos de comisariado y archivo, la crítica, las performances o los ensayos contaban con un horizonte de posibilidades formales, emocionales y de imaginación mucho más amplio cuando no se desarrollaban en condiciones de competitividad, indexación o impacto. ¿Sería posible hoy retomar aquellos haceres de manera no nostálgica sino crítica, esto es, recuperar por las formas, y por las formas escritas, la cercanía entre el pensamiento de arte y sus objetos? ¿Cómo escribir de otro modo, a otro ritmo, con no más exigencias que las que una obra de arte lanza a las diferentes formas de ver, de leer, de estar en el mundo?

“He comprendido que mi bienestar solo es posible cuando reconozco mi unidad con todas las personas del mundo, sin excepción.”
—Lev Tolstói

“El arte es una forma de libertad, una vía para escapar de la opresión y la mediocridad”.
—Leonora Carrington

Relatos de la Colección es un ciclo de visitas diseñadas e implementadas por el equipo de voluntari+s culturales del Museo Reina Sofia. Este proyecto surge en el marco de un plan formativo y comunitario llamado equipoVol que propone un acercamiento a la Colección a través del diálogo y el intercambio de saberes y experiencias con el propio equipo de voluntari+s del Museo, integrado por miembros de la Confederación Española de Aulas de la Tercera Edad (CEATE).

Las visitas tienen como finalidad acercar la Colección a los colectivos a los que van dirigidas, desde una perspectiva multidisciplinar y abierta, entrelazando los discursos artísticos y estéticos de las obras con las perspectivas biográficas tanto de l+s voluntari+s culturales como de las personas que acuden al Museo.

con todo y con eso es el título de la presente edición de equipoVol, el proyecto comunitario para personas voluntarias del Área de Educación. En esta ocasión, la propuesta, diseñada y acompañada por Selina Blasco y Javier Pérez Iglesias, aborda algunas de las prácticas y de las obras más recientes de las Colecciones del Museo. 

todo. Un programa impulsado por la generosidad de las personas que trabajan de forma voluntaria en la mediación del Museo. Que lo hacen por gusto, porque les da la gana. Este «todo» es el de la generosidad, en sintonía con la plusvalía y el exceso que promete el arte. Es abundancia no por acumulación, no como cantidad, sino como cualidad. Es un modo.

eso. Lo sutil y lo prácticamente imperceptible. Como la huella de The Leak [La fuga], una intrigante línea azul que recorre las escaleras del Edificio Sabatini del Museo. Es un resto de la pintura que derramó el artista Francis Alÿs en una acción llevada a cabo en el año 2000 durante la exposición F(r)icciones, en el marco del proyecto expositivo Versiones del Sur. No tiene cartela, ni está en el catálogo y, como puede ser muchas cosas, activa la potencia del arte en relación con la memoria, la imaginación o, incluso, el sueño. 

Este rastro azul es la encarnación (mínima, pero aun así parte del cúmulo de artefactos materiales que habitan en el museo) de una obra performativa, la acción de un artista que ha hecho del caminar uno de los ejes de sus propuestas. Una práctica corporal como la que propone también equipoVol a través de itinerarios que reúnen y conectan lo que está separado. Como dice Tim Ingold, el pensamiento está ligado al movimiento y en el caminar se manifiesta la naturaleza física de las ideas. 

El tipo de línea elegido, un dibujo que fija lo que se deja caer al azar, invita a no pensar el tiempo de forma direccional, tampoco en términos de cronología. Es un resto que ha hecho perdurar algo que era efímero y que, al materializarse, recuerda que el deambular de unas obras a otras no tiene lugar en el vacío, ni en tiempos muertos. Junto a la comunidad de voluntariado del Museo, el deseo es enlazar las obras, y dotar así a los recorridos de formas espacio-temporales.

con todo y con eso significa «sin embargo». Estas sesiones proponen confiar en lo cerca que una parte importante de las obras de las Colecciones del Museo están del ahora. Que no nos intimiden. El reto no es su ininteligibilidad. Todo lo contrario. Es proponer un acercamiento a ellas de forma que abran nuevas vías de percepción a múltiples temporalidades, contextos y experiencias. Y así, en su compañía, volver a esas otras obras, viejas conocidas por ser más lejanas en el tiempo, y construir condiciones de buena vecindad para verlas de otra manera.

Como parte de Constelación de Estudios, la residencia de pensamiento anual 2025-2026, el historiador y teórico del arte Sven Lütticken imparte el seminario La persona (legal) y la forma legal: compromisos teóricos, artísticos y activistas para dialogar y profundizar en las hipótesis y preguntas que animan su proyecto de investigación.

Este proyecto, titulado Deshacer la subjetividad jurídica, deformar la abstracción legal, estudia el dominio de las abstracciones reales —como el valor de cambio y la forma legal— sobre nuestros procesos de subjetivación y se pregunta cómo las prácticas artísticas pueden abrir otras formas de representar o performar al sujeto y su condición jurídica en el mundo contemporáneo.

El seminario consta de un total de ocho sesiones, distribuidas a lo largo del curso en tres partes. Aunque son concebidas como espacios de discusión y trabajo no público, las sesiones complementan, al tiempo que nutren y amplifican, el programa público de Constelación de Estudios.

En esta segunda parte del seminario, la investigación sobre la estética y la política de la forma jurídica continúa con tres sesiones que recogen las discusiones sostenidas en la Parte I pero proponen nuevas líneas de fuga. La primera sesión, centrada en el derecho internacional a través de los escritos del autor británico China Miéville, permite reconsiderar la noción de la forma jurídica —siguiendo a Evgeny Pashukanis— y, a través de ella, una variedad de tribunales (populares). Mientras que en la Parte I se debatió el concepto crucial de la persona jurídica como titular de derechos —central en la forma de la ley—, la segunda sesión se centra en los intentos de extender la personalidad no (solo) a las corporaciones, sino también a los animales no humanos o a los ecosistemas. Finalmente, la tercera sesión lanza la pregunta: ¿cómo pueden los grupos y las redes utilizar formas organizativas reconocidas oficialmente, como la fundación o la cooperativa, y/o emplear una persona colectiva, sin que necesariamente exista una «infraestructura» jurídica que la acompañe, para actuar y representarse a sí mismos?

TEJA / Red de espacios culturales en apoyo a situaciones de emergencia tiene como misión promover la cooperación transnacional a través de residencias artísticas temporales para artistas y profesionales de la cultura que se encuentren en situaciones sociopolíticas complejas en sus países de origen. Durante su estancia en España, las personas residentes reciben alojamiento y asesoramiento legal y psicológico, además de acceso a una red de organizaciones y profesionales con quienes pueden compartir, desarrollar y ampliar sus proyectos creativos. El objetivo es proporcionar un entorno seguro y estimulante donde puedan continuar su trabajo a pesar de las circunstancias adversas. También generar espacios de diálogo que garanticen la libertad de expresión mediante actividades conjuntas tanto en España como con colaboradores internacionales.

En 2026, TEJA acoge tres nuevas residencias, cada una de tres meses de duración, dedicadas a apoyar a artistas y profesionales de la cultura residentes en Cisjordania y Jerusalén. Además, en la segunda mitad del año, TEJA ofrece tres residencias adicionales para artistas gazatíes, que se organizan mediante invitación (dado que España no puede actualmente facilitar evacuaciones desde Gaza, estas invitaciones se coordinan a través de Francia). Estas residencias buscan proporcionar un entorno estable y creativo, y fomentar el intercambio artístico frente a las adversidades en curso. A través de este nuevo programa, TEJA reafirma su compromiso de amplificar las voces palestinas y apoyar a sus artistas durante estos tiempos turbulentos.

La selección es realizada por la red TEJA en colaboración con cada entidad anfitriona. Este año los espacios que acogen son: La Escocesa (Barcelona), hablarenarte / Planta Alta (Madrid), Espositivo (Madrid), Institute for Postnatural Studies (Madrid) y Casa Árabe (Córdoba). La selección prioriza en primer lugar la situación personal y profesional de las personas participantes, y después la afinidad con las prácticas y temáticas de los espacios de acogida. La fecha límite para la presentación de propuestas es el 12 de enero de 2026, a las 23:59 h.