READ Madrid. Festival de Libros e Ideas

READ Madrid. Festival de Libros e Ideas. Diseño gráfico: Münster Studio
Celebrada el 17, 18 abr 2026
READ Madrid. Festival de Libros e Ideas nace como un espacio de encuentro para voces críticas y experimentales en el ámbito de la literatura, la teoría y la edición. Con especial atención a las prácticas de producción artística y de edición autónomas, y tratando de tejer un puente cultural transatlántico con América Latina, el programa busca descentrar los marcos hegemónicos de producción del saber y abrir nuevas comunidades de interpretación y horizontes de imaginación política. Para ello, toma la escritura y la lectura, entendidas de manera amplia y plural en sus modos, formas y registros, como configuradoras de un laboratorio público de aquello que llamamos estudio: un espacio para pensar en colectivo, debatir y acuñar ideas, hacer y deshacer argumentos, así como articular nuevos imaginarios y formas de enunciación.
En un contexto de crisis ecológica, política y epistemológica, el festival propone modalidades de encuentros que permiten sostener tiempos y espacios para pensar en común, y contribuir así a reconfigurar los términos del debate cultural. De esta forma, el programa se concibe como una intervención en las condiciones contemporáneas de circulación y legitimación del pensamiento y la creación, ampliando los márgenes tradicionales del libro y enlazando literatura, artes visuales, performance y pensamiento crítico. Estos formatos se organizan en torno a tres ejes temáticos protagonizados por voces relevantes de la escritura, la creación y el pensamiento actuales.
Los ejes temáticos de READ Madrid. Festival de Libros e Ideas son: lo popular minoritario, o cómo activar una práctica de lo popular emancipadora; paz rabiosa, o cómo sostener la justicia, el duelo y la reparación sin recurrir a imaginarios pacificadores exentos de conflicto; ficción frente a olvido, en el que se aborda el papel de la ciencia ficción, el terror y las narrativas especulativas como resistencia frente al liberalismo del olvido. Se trata, en definitiva, de interrogar a nuestro presente desde la potencia que las ideas y los libros pueden convocar en un espacio compartido de estudio, debate y disfrute.
Organiza
Museo Reina Sofía y READ
Agenda
viernes 17 abr 2026 a las 17:00
Por un folclore plebeyo
—Con Luciana Cadahia y Pedro G. Romero. Modera: Julia Morandeira Arrizabalaga
¿Cómo relanzar una práctica de lo popular emancipadora, hoy? ¿Qué referentes y prácticas nos permiten repensar lo popular como tecnología cultural de lo común frente a su captura por los populismos reaccionarios y folclorizantes?
Lugar: Edificio Nouvel, Auditorio 400
Aforo: 400 personas
viernes 17 abr 2026 a las 18:45
Vivir en bastardía
—Con Luz Pichel y Mario Obrero. Modera: Munir Hachemi
Conversatorio que explora la tensión entre lengua, clase, memoria y experimentación, así como las potencias críticas de los usos no estabilizados del habla.
Lugar: Edificio Nouvel, Auditorio 400
Aforo: 400 personas
viernes 17 abr 2026 a las 20:30
Da perdón la censura a los cuervos
—Performance de Álvaro Romero
Un recorrido de lectura en voz alta, pero no desde la lectura sino desde el cuerpo que la atraviesa. Un conjunto de textos que van desde la sátira de Juvenal hasta escrituras más cercanas, disidentes como las de Miguel Benlloch y Pedro Lemebel; escrituras que no se ordenan en una línea, sino que se contaminan entre sí.
Lugar: Edificio Nouvel, Auditorio 400
Aforo: 400 personas
sábado 18 abr 2026 a las 10:30
La casa cuenta. Taller para infancia y juventud
—Activación del proyecto Librería Viva de El Palomar de Jana Pacheco
Un taller de dramaturgia para la infancia, donde los menores escriben, a partir de claves teatrales, historias que sitúan en un lugar concreto: la casa como espacio de juego, de familia, de intimidad y desarrollo de la fantasía. El taller finaliza con una lectura abierta de los textos escritos.
Horario: De 10:30 a 14:00 h, incluyendo un descanso
Lugar: Edificio Nouvel, Sala de Protocolo
Dirigido a: Público infantil de 5 a 13 años
Aforo: 20 personas
Entrada: Entrada gratuita hasta completar aforo, previa inscripción mediante correo a elpalomardejanapacheco@gmail.com
sábado 18 abr 2026 a las 10:30
Desertar de una nación militar
—Con Pastora Filigrana y Louisa Yousfi. Modera: Olga Rodríguez
¿Cómo cultivar una paz rabiosa que nos permita sustraernos de los marcos violentos que organizan la vida como civilización? ¿Qué estructuras, más allá de imaginarios pacificados y técnicas violentas, podemos plantear en su lugar?
Lugar: Edificio Nouvel, Auditorio 400
Aforo: 400 personas
sábado 18 abr 2026 a las 12:15
Narrativas restaurativas y duelo colectivo
—Con Dahlia de la Cerda. Modera: Nuria Alabao
La conversación aborda la escritura como práctica de duelo colectivo frente a la violencia estructural y política. Una práctica que no pretende cerrar el conflicto, sino sostener la reparación.
Lugar: Edificio Nouvel, Auditorio 400
Aforo: 400 personas
sábado 18 abr 2026 a las 16:30
Proyección de la película Nuestra Tierra (2025), de Lucrecia Martel
Nuestra tierra (2025) es el primer documental y trabajo más reciente de la cineasta argentina Lucrecia Martel. La película se centra en el litigio por el asesinato en 2009 de Javier Chocobar, miembro de la comunidad indígena Los Chuschagasta mientras intentaba evitar el desalojo forzado de las tierras que, situadas el norte de Argentina, esta comunidad ha habitado y trabajado durante siglos.
sábado 18 abr 2026 a las 19:00
Ciencia ficción frente al liberalismo del olvido
—Con Fernanda Trías, Alberto Santamaría y Layla Martínez. Modera: Lara Alonso
Mesa redonda en torno a los géneros especulativos como manera de confrontar las formas actuales de borrado, catástrofe y desposesión, y acerca de cómo la literatura puede volver a ser un dispositivo de memoria, inquietud e imaginación radical.
Lugar: Edificio Nouvel, Auditorio 400
Aforo: 400 personas
Participantes
Nuria Alabao
es periodista e investigadora, licenciada en Periodismo por la Universidad Pompeu Fabra y doctora en Antropología por la Universidad de Barcelona. Coordina la sección de Feminismos de ctxt.es, forma parte del colectivo editor de Zona de Estrategia y desarrolla su investigación en espacios de pensamiento crítico vinculados a los movimientos sociales, como la Fundación de los Comunes. Sus libros más recientes son Ínceles, gymbros, criptobros y otras especies antifeministas (Escritos Contextarios, 2025) y Las guerras de género. La política sexual de las derechas radicales (Katakrak, 2025).
Lara Alonso
es une escritore y traductore nacide en Gijón. Ha pasado la mayor parte de su carrera en Londres y sus escritos han aparecido en editoriales independientes como Dostoyevsky Wannabe y Pilot Press. Desde su vuelta a España ha colaborado con diversas publicaciones, organizado clubs de lectura y participando en performances y mesas redondas. Ha traducido la novela experimental Playa Placer (Cielo Santo, 2025) de Helen Palmer. Su primer libro en castellano Cartografías tan incompletas, una reescritura de Las ciudades invisibles en clave de ciencia ficción, ha sido publicado por La Niña Azul.
Luciana Cadahia
es doctora en Filosofía por la Universidad Autónoma de Madrid, docente en la Universidad Católica de Chile y ha sido profesora invitada en diferentes universidades de América Latina, Europa y Estados Unidos. Dirige la red Populismo, republicanismo y crisis global y es miembro del International Consortium of Critical Theory Programs, dirigido por Judith Butler. Es autora de diferentes libros, entre los que destacan: República de los cuidados (Herder, 2024), Seven Essays on Populism (Polity, 2021) y Mediaciones de lo sensible (FCE, 2017).
Dahlia de la Cerda
es escritora, tallerista y activista feminista. Es autora de Perras de Reserva (2022), Desde los zulos (2023) y Medea me cantó un corrido (2024), publicados por Editorial Sexto Piso. Su obra ha sido traducida a diez idiomas y ha recibido reconocimientos internacionales: estuvo en la lista larga del Premio Booker Internacional, fue finalista del Premio Ribera del Duero 2023 y del premio Les Inrockuptibles 2024, y la traducción de Reservoir Bitches ganó el PEN Translation Prize. Ganadora del Premio Nacional de Cuento Joven Comala (2019) y del certamen Letras de la Memoria (2009). Es cofundadora de Morras Help Morras, colectiva feminista antirracista y transincluyente.
Munir Hachemi
es escritore y traductore. Su obra transita entre la narrativa y la poesía. Se graduó en Filología Hispánica por la Universidad de Granada y realizó un máster en Estudios Latinoamericanos en la Universidad Autónoma de Madrid. Ha publicado las novelas Cosas vivas (2018), El árbol que viene (2023) y Lo que falta (2025), además del poemario Los restos (2022), ganador del Premio El Ojo Crítico de Poesía. Ha sido seleccionade por la revista Granta como une de les veinticinco mejores narradores en español.
Layla Martínez
es escritora y columnista. Ha publicado el ensayo Utopía no es una isla (2020) y la novela de terror Carcoma (2021), la cual fue nominada al National Book Award (2024), ha sido traducida a diecisiete idiomas y se encuentra en proceso de adaptación al cine y al teatro. Además, ha sido reconocida con las becas Finestres y Montserrat Roig.
Luz Pichel
es poeta, filóloga y catedrática de Lengua y Literatura Españolas. Nació en Alén, Pontevedra, donde aprendió a hablar dentro de una lengua que podría morir, pero no quiere. Quienes hablan aquella lengua piensan que siempre son otros los que hablan bien. La tensión entre lenguas mayores y menores, y la potencialidad de un uso no estabilizado ni folclorizante del dialecto son vías que su poesía explora. Ha publicado, entre otros, El pájaro mudo (1990), La marca de los potros (2004), Cativa en su lughar / Casa pechada (2006), CO CO CO U (2017) y Din din don y más Hortensias azuis (2021).
Pedro G. Romero
es artista, comisario, investigador y editor. Opera como artista desde 1985 y fue miembro fundador del colectivo Juan del Campo (1986-1993). Desde finales de los años noventa articula su trabajo en dos grandes aparatos: el Archivo F.X., sobre imagen e iconoclasia, y la Máquina P.H., sobre flamenco y cultura popular. Formó parte de UNIA arteypensamiento y de la Plataforma de Reflexión sobre Políticas Culturales (PRPC) en Sevilla. Es fundador de pie.fmc (Plataforma Independiente de Estudios Flamencos Modernos y Contemporáneos. Ha publicado, entre otros, El ojo partido. Flamenco, cultura de masas y vanguardias (Athenaica, 2016) y Exaltación de la visión (Mudito & Co). En 2021, el Museo Reina Sofía presentó su exposición antológica Máquinas de trovar.
Alberto Santamaría
es poeta, filósofo y catedrático de Teoría del Arte en la Universidad de Salamanca. Dentro de la crítica cultural, ha publicado En los límites de lo posible (2018), Alta cultura descafeinada (2019) y Un lugar sin límites (2022), todos por Akal. Recientemente, ha escrito El único planeta verdaderamente alienígena es la Tierra. J. G. Ballard, guía para usuarios del desastre (Akal, 2025), la novela Barrio Venecia (Lengua de Trapo, 2023) y el poemario De las cosas pálidas (La Bella Varsovia, 2025), elegido entre los diez mejores libros de poemas del año por El Cultural.
Olga Rodríguez
es periodista y escritora, licenciada en Periodismo por la Universidad Complutense de Madrid y especialista en Oriente Próximo por la Universidad Nacional de Educación a Distancia (UNED). A lo largo de su carrera, ha cubierto conflictos varios como la invasión de Irak de 2003, las revueltas árabes desde Egipto, los territorios palestinos, Afganistán, Siria y la crisis de los refugiados. Es autora de libros como El hombre mojado no teme la lluvia. Voces de Oriente Medio (Debate, 2009) y Yo muero hoy. Las revueltas en el mundo árabe (Debate, 2012). Es cofundadora de eldiario.es.
Pastora Filigrana
es abogada laboralista, activista y mestiza gitana. Licenciada en Derecho por la Universidad de Sevilla y máster en Derechos Humanos, Interculturalidad y Desarrollo por la Universidad Pablo Olavide, ejerce en el Colegio de Abogados de Sevilla y forma parte del Sindicato Andaluz de Trabajadores/as. Cofundadora de la Asociación de Mujeres Universitarias Romí Andaluzas (AMURADI), alcanzó proyección pública en las luchas de las cosechadoras marroquíes de fresas de Huelva (2019). Es autora de El pueblo gitano contra el sistema-mundo. Reflexiones desde un activismo feminista y anticapitalista (Akal, 2020).
Julia Morandeira Arrizabalaga
es la directora de Estudios del Museo Reina Sofía.
Mario Obrero
es poeta. Ha publicado Peachtree City (Visor, 2021; XXXIII Premio Loewe a la Creación Joven), Cerezas sobre la muerte (La Bella Varsovia, 2022; Premio Nacional de Juventud 2023), Tiempos mágicos (La Bella Varsovia, 2024) y Con e de curcuspín (Anagrama, 2025). Presentó las dos primeras temporadas del programa Un país para leerlo en La 2 de RTVE y es colaborador habitual de la radio.
El Palomar de Jana Pacheco
es una plataforma de acompañamiento de procesos creativos desde los cuidados, la producción artística y las herramientas accesibles. Su objetivo es fomentar trayectorias artísticas de creadoras y creadores escénicos y generar proyectos performativos y de mediación vinculados al territorio. Librería Viva es su espacio[A3.1] de mediación cultural, que busca vincular las artes escénicas al territorio, los barrios y las zonas rurales, tomando la lectura como acto performativo capaz de generar vínculos entre las personas
Álvaro Romero
es cantaor, performer y activista. Su práctica parte del cante tradicional para cruzarlo con textos disidentes, memorias queer y gestos de insurrección poética. Borra su primer apellido como acto simbólico: cantar desde el matriarcado. Con Toni Martín forma RomeroMartín, proyecto sonoro que conecta flamenco y electrónica a través de textos de Pedro Lemebel y Miguel Benlloch. En 2022 estrena el proyecto musical Yeli Yeli en la Bienal de Flamenco de Sevilla, presentado posteriormente en Conde Duque, Sadler's Wells y Europalia. En 2023 participa en Coronada y el toro, de Francisco Nieva, en el Teatro Español.
Fernanda Trías
es narradora, novelista, traductora y docente. Estudió la licenciatura en Letras en la Universidad de la República (Uruguay) y posteriormente realizó un máster en Escritura Creativa en la Universidad de Nueva York (NYU). Ha publicado la plaquetteEl regreso (2012) y el libro de cuentos No soñarás flores (2016), obras que precedieron su éxito con Mugre rosa (2020), con la que obtuvo el Premio Nacional de Literatura de Uruguay, el Bartolomé Hidalgo y el Sor Juana Inés de la Cruz. Con su novela El monte de las furias (2025) ganó su segundo premio Sor Juana. Sus obras se han traducido a más de quince lenguas.
Louisa Yousfi
es periodista y ensayista, hija de la inmigración argelina en Francia. Estudió Literatura en Lille, Filosofía en Niza y Periodismo en Burdeos. Conocida como presentadora del programa Paroles d'Honneur y vinculada al movimiento antirracista y decolonial de los Indígenas de la República, su primer libro, Rester barbare (La Fabrique, 2022), la convirtió en una voz de referencia del pensamiento decolonial francés. En 2024 obtuvo una residencia en la Académie de France à Rome - Villa Médicis para escribir su primera novela. Su último libro es La grande méthode (La Fabrique, 2026).
Más actividades
![Isabel Coixet, 100 Years and You Everywhere [100 años y tú en todos los sitios], 2026, película](https://recursos.museoreinasofia.es/styles/small_landscape/public/Actividades/2.diseminar-mundo.jpg.webp)
John Berger e Isabel Coixet. Modos de seguir viendo
Jueves 17 de septiembre, 2026 - 19:00 H
Ways of Seeing [Modos de ver, 1972] es una de las series de televisión más revolucionarias sobre la historia del arte, el museo y la cultura crítica contemporánea. A lo largo de cuatro episodios, un articulado y entusiasta John Berger desgrana las relaciones del arte clásico con la mirada y las nuevas tecnologías, el desnudo y el feminismo, la pintura sobre óleo y el fetichismo de la mercancía, la publicidad y el consumo. Un nivel de compromiso crítico tan solo equiparable a su capacidad de divulgación; no es de extrañar que la serie, así como el libro que la sintetizara, continúe forjando vocaciones. En esta sesión, los historiadores del arte Alberto López Cuenca y Modesta Di Paola realizan un análisis del Berger audiovisual, con especial énfasis en los capítulos 1 y 4 de la serie. En el primer capítulo, Berger reflexiona acerca de la conexión entre el hecho de ver, mirar y ser a la luz de las nuevas tecnologías, como la cámara de cine. A su vez, analiza cómo la cultura de la reproducción está transformando las pinturas en mensajes o fragmentos de comunicación mientras defiende la importancia del silencio ante las pinturas históricas. En el capítulo cuarto, último de la serie, introduce la publicidad como un nuevo lenguaje icónico-verbal que comparte ciertos principios con el mensaje de la pintura al óleo en tanto que objeto de lujo.
La sesión abre con el estreno de una carta de Isabel Coixet, una de las cineastas españolas más reconocidas internacionalmente, a John Berger, con quien compartiera una larga amistad y admiración. El corto es un una muestra de la presencia ubicua y duradera del autor de Modos de ver, pese a su fallecimiento el pasado 2017.
![Chantal Akerman, Woman Sitting after Killing [Mujer sentada después de matar], 2001, instalación. Museo Reina Sofía](https://recursos.museoreinasofia.es/styles/small_landscape/public/Actividades/chantal-akerman-mujer-sentada-despues-matar.jpg.webp)
En tu pantalla: la historia del arte y del museo ante el reto audiovisual
18, 19 SEP 2026
El congreso En tu pantalla: la historia del arte y del museo ante el reto audiovisual invita a debatir las transformaciones que experimentan la historia del arte y el espacio museístico cuando adoptan el formato audiovisual. El punto de partida es la emblemática serie televisiva Ways of Seeing (1972) de John Berger, un hito en la democratización del discurso histórico-artístico. En esta serie, el escritor ilustraba cómo el traslado de una obra como Los fusilamientos del 3 de mayo de Goya desde las salas del museo hasta la pantalla doméstica alteraba por completo la experiencia del espectador, haciendo que la imagen viajara hacia él.
En el siglo XXI, este ecosistema de pantallas se ha expandido exponencialmente. Los museos ya no solo integran proyecciones y dispositivos en sus salas físicas, siguiendo la estela de numerosas exposiciones dedicadas a la imagen en movimiento, sino que despliegan complejas estrategias virtuales. Al mismo tiempo, multitud de personas historiadoras, estudiantes y creadoras utilizan plataformas digitales para difundir ideas y proyectos. Este giro audiovisual abre el acceso a materiales ignorados y democratiza el conocimiento, y además desafía las jerarquías tradicionales y la autoridad interpretativa de las instituciones. El congreso, promovido por el proyecto de investigación ATLAS AV: La audiovisualización de la historia del arte y del museo, propone analizar este abundante material audiovisual, sus archivos y su capacidad para transformar la memoria del arte.

Godard y Miéville: tiempo y ruina
Viernes 18 de septiembre, 2026 - 19:00 H
Habitar las ruinas del museo como institución que produce significado y ordena el conocimiento era la petición que el crítico de arte Douglas Crimp formula a los artistas de la posmodernidad crítica en la década de 1980. Es decir, exponer en el museo, pero evidenciando su crisis y sus zonas de sombra. Tal es también la pretensión de Jean-Luc Godard y Anne-Marie Miéville en estos dos mediometrajes. El primero, The Old Place. Small Notes Regarding the Arts at Fall of 20th Century (1999), es un encargo de The Museum of Modern Art (MoMA). En el ocaso del milenio, los autores proponen veintitrés tesis de lo que queda de ese «viejo lugar», que no es otra cosa que un museo extenuado tras un siglo de barbarie. Quizás, insisten con melancolía, el museo deba seguir siendo simplemente una idea, una «leyenda», mientras se suceden imágenes de obras de arte que caracterizaron el siglo XX. Reportage amateur (maquette expo) (2006) es otra ruina, en esta ocasión una reliquia. Se trata del único resto de la gran exposición nunca realizada que el autor de Film socialisme preparaba para el Centre Georges Pompidou. Una simple maqueta de papel frágil y doméstica en la que el cineasta había plasmado todo su pensamiento sobre el arte, el cine, la historia, la humanidad; la redención, a fin de cuentas. Un museo imaginario en el que conviven Matisse, Goya, Delacroix, Hannah Arendt, Sharon Stone, Emmanuel Lévinas o Charles Chaplin, y que la videocámara de Anne-Marie Miéville recorre estupefacta mientras la voz en off de Godard desgrana las diferentes salas. Pese a todo, el museo, ese viejo lugar en su dimensión más frágil, se muestra como el único dispositivo capaz de dar forma a las reflexiones de uno de los grandes intelectuales de nuestro tiempo.
![Ariella Azoulay, Un-documented. Unlearning Imperial Plunder [Indocumentados. Desaprendiendo el saqueo imperial], 2019, película](https://recursos.museoreinasofia.es/styles/small_landscape/public/Actividades/5.diseminar-mundo.jpg.webp)
Museos y restitución
Sábado 19 de septiembre, 2026 - 19:00 H
Siglos de expolio, décadas de amnesia, años de connivencia con el poder más extractivista, ¿tiene el museo, tal y como es conocido, razón de ser en una sociedad poscolonial? En esta sesión se exponen las operaciones del museo como una máquina colonial, a la vez que se apuntan ideas para pensar una institución por venir más justa, igualitaria e inclusiva con las voces marginalizadas y minorizadas de la sociedad en sus narraciones. La sesión comienza con el estreno internacional de Quinto verso, parte de Tonada, en el que se presenta una visión de la Colección Quimbaya (siglos V-VI d.C.) del Museo de América de Madrid. Montada con voces y cánticos de plañideras y guías wayúu, no solo como forma de devolver la función a estos ídolos de oro —figuras antropomorfas de hombres y mujeres usados como recipientes en prácticas rituales — más bien, de fabular que aquello que debe exhibirse no es el oro, sino el cántico mismo propio del ritual. En el clásico Me escondes (1970), el ghanés Kwate Nee-Owoo accede a la colección de arte africano del British Museum, ubicada en los sótanos del edificio, para preguntarse con qué sentido el museo expolia y anula. Un magnífico ejercicio de crítica institucional en primera persona, proyectado por vez primera en España. Casi setenta años después de que Resnais y Marker filmaran Las estatuas también mueren (1953), una reflexión sobre el valor aurático del museo frente a la pertenencia identitaria y cultural del arte africano, la teórica Ariella Azoulay vuelve a rodar las mismas estatuas en el Museo del Trocadero (actual Quay Brainly), las cuales sobreviven y esperan poder reunirse con su gente. Azoulay, en una original propuesta que apunta una lección para el museo del futuro, conecta la migración forzada de estas esculturas con el tránsito masivo de personas cruzando las fronteras artificialmente impuestas por el mismo sistema que ha expoliado su cultura.

Escuela de institucionalidad transformativa y organización local
Del 21 al 24 de septiembre, 2026
La Escuela de Institucionalidad Transformativa y Organización Local (S.T.I.L.O., por sus siglas en inglés) es un programa de coaprendizaje y coestrategia que pone en marcha un proceso de intercambio de preguntas, metodologías y experiencias entre organizaciones culturales. Todo ello con el objetivo de generar y poner en circulación y prototipar tácticas, herramientas y conocimientos colectivos sobre prácticas institucionales que abran nuevas vías para la defensa de la cultura y la transformación estructural en diversos contextos geográficos.
Este proyecto forma parte del Laboratorio de Institucionalidad Compartida (LIC) un espacio de investigación, trabajo e incidencia del Museo Reina Sofía dedicado a desarrollar, experimentar y sistematizar prácticas, protocolos y herramientas que contribuyan a un ecosistema cultural más justo y habitable.
Desde hace unos años, la llamada crítica infraestructural en los museos se cuestiona acerca de las infraestructuras materiales, jurídicas y económicas, entre otras, así como las formas de solidaridad y las prácticas necesarias para sostener el ecosistema cultural. Abordando estos debates actuales, S.T.I.L.O. plantea preguntas sobre los modos en que las organizaciones definen e interpretan sus prácticas, organizan sus relaciones y responden a los contextos sociales en los que operan.
Esta escuela reúne a cuatro organizaciones culturales que trabajan desde distintos modelos institucionales —con escalas, contextos, condiciones y modos de trabajo diferentes—, con el objetivo de poner en común estrategias y herramientas de organización, incidencia y relación con sus comunidades locales.
El programa se concibe como un proceso colaborativo en el que participan Arika, La Revuelta, BAK Basecamp y Museo Tentacular (Museo Reina Sofía), y se estructura en torno a sesiones preparatorias en línea y un seminario presencial en Madrid.
S.T.I.L.O. es una actividad enmarcada en la línea de trabajo Organizaciones Situadas del proyecto Museo de los Comunes de L'Internationale, que reflexiona sobre papel de los museos y las organizaciones artísticas como actores dentro de complejas redes sociales y ecosistemas, con el fin de explorar nuevas formas de democratizar las instituciones y hacerlas más abiertas, inclusivas y útiles.

