Laibach. We Forge The Future

La nueva presentación de las Colecciones del Museo, recientemente inaugurada bajo el nombre de Colección. Arte Contemporáneo: 1975 – Presente, dedica una parte importante de sus salas a mostrar una serie de objetos que hacen desbordar la propia idea de escultura e invitan a desviar la habitual atención monodireccional en favor de experiencias más inmersivas y participativas. Así, el Itinerario II. Los poderes de la ficción. Escultura, nuevos materialismos y estéticas relacionales propone una sucesión de obras y prácticas artísticas con las que confrontar la manera en que reaccionan los cuerpos al encontrarse de frente con volúmenes, materiales, arquitecturas y acciones que, aunque no siempre sean entendidas, activan corporalmente.

Esta nueva sesión de RECREO, dirigida a profesorado de Primaria y Secundaria de cualquier asignatura, sitúa el foco en la relación entre cuerpo y materia en las prácticas artísticas contemporáneas. Muchas de las obras de la Colección exploran los materiales —orgánicos, industriales, arquitectónicos o cotidianos— como una extensión del cuerpo o como detonadores para sentir y repensar conceptos como la materialidad, la presencia, la fragilidad, lastransformaciones o la memoria. Desde esta perspectiva, se propone un acercamiento a estas propuestas artísticas con el fin de plantear herramientas pedagógicas que trabajen con el alumnado la percepción y reflexionen en torno a los objetos, los materiales y su relación con la dimensión corporal de la creación artística.

Este taller forma parte del ciclo de formación online para profesorado RECREO, organizado por el Área de Educación del Museo Reina Sofía en diálogo con el colectivo Cápsula Cultura. RECREO combina la reflexión con propuestas prácticas adaptables a distintos niveles y contextos de enseñanza, además de fomentar el intercambio de experiencias entre docentes. 

El seminario Sobre el estudio negro. Hacia una po-ética negra de la contaminación propone los estudios negros (Black Studies) como una práctica crítica y metodológica surgida en y contra el capitalismo racial, la modernidad colonial y la captura institucional. Enmarcado en lo que el artista e investigador invitado Ishy Pryce-Parchment denomina «una po-ética negra de la contaminación», el seminario analiza lo que podría significar pensar la negritud (y, por lo tanto, el estudio negro) como una «materia contagiosa, difusa y propagable». Para ello, pone en práctica una constelación emergente de metodologías diaspóricas y prácticas estéticas negras que proponen la «contaminación» —es decir, ideas que viajan a través de textos, geografías, cuerpos e historias— como método y como condición.

Si la negritud entra en la modernidad occidental a través de la travesía transatlántica de personas esclavizadas y sus secuelas, también nombra una condición desde la cual se forjan continuamente modos alternativos de ser, conocer y relacionarse. Desde esta ausencia errante de límites, la práctica creativa e intelectual negra se desarrolla como lo que podría llamarse una «historia de contactos»: transmisiones, residuos y formas de sociabilidad que perturban la fantasía del conocimiento puro o autónomo.

El seminario, situado en el cruce de la estética radical negra, la teoría feminista negra y la poética diaspórica, pretende trazar una genealogía de los estudios negros no como objeto de análisis, sino como proposiciones metodológicas que continúan moldeando la vida estética y política contemporánea. Con este fin se desplaza la atención de lo que sabemos hacia cómo sabemos, poniendo en cuestión la idea de la «maestría» como horizonte del estudio. De esta manera se ponen en primer plano diferentes metodologías entendidas como procedimientos que desorganizan los regímenes dominantes del conocimiento, como el «anindex» de fahima ife (vía Fred Moten), el uso expansivo de la nota al pie en Katherine McKittrick, la cita como trabajo relacional y amoroso, o la estética de la miscelánea negra y las prácticas de anotación de Christina Sharpe. En este sentido, los estudios negros se abordan no como un campo académico diferenciado, sino como una sensibilidad para el saber y el conocimiento. Es decir, una constelación de prácticas insurgentes —leer, reunirse, escuchar, anotar, rechazar, crear mundo— que operan tanto dentro como más allá de la universidad. 

Estas sesiones de estudio proponen experimentar con formas y formatos con el fin de acoger la manera en que «las personas negras siempre han utilizado metodologías interdisciplinarias para explicar, explorar y narrar el mundo». A partir del diálogo con intelectuales, escritores y artistas como Katherine McKittrick, C. L. R. James, Sylvia Wynter, Christina Sharpe, Fred Moten, Tina Campt, Hilton Als, John Akomfrah, fahima ife y Dionne Brand, se plantean diferentes cuestiones como: ¿qué podría significar estudiar en colectivo, de manera incompleta y sin recurrir a la individuación? ¿Cómo podría la práctica estética funcionar como una intervención po-ética [poethical] en el trabajo continuo de lo que Sylvia Wynter denomina la práctica de hacer humanidad?

Con motivo de la inauguración de Aurèlia Muñoz. Entes, exposición comisariada por la Fundación EINA a través de su plataforma einaidea, su director científico Manuel Cirauqui y las colaboradoras Rosa Lleó y Sílvia Ventosa dialogan en torno al planteamiento curatorial de esta muestra antológica dedicada a Aurèlia Muñoz (Barcelona, 1926–2011). La exposición, organizada por el Museo Reina Sofía y el Museu d’Art Contemporani de Barcelona (MACBA), traza un amplio recorrido por su trayectoria artística y revisa los ejes conceptuales que atraviesan su obra, imprescindible para comprender el desarrollo del arte textil contemporáneo.  

El encuentro pretende explorar las nuevas perspectivas aportadas por esta exposición y ofrecer una lectura ampliada del legado de Muñoz, recorriendo más de cincuenta años de práctica artística: desde las estructuras textiles monumentales hasta las esculturas de papel hecho a mano, desde sus inicios vinculados a la nouvelle tapisserie y a la Escuela Catalana del Tapiz hasta la consolidación de un lenguaje propio que desborda los límites del tejido y la artesanía.  

Asimismo, la charla aborda el carácter experimental de su trabajo, definido por una investigación constante de técnicas y materiales que entrelaza saberes ancestrales y tradiciones artesanales con recursos contemporáneos, al mismo tiempo que sus principales referentes, influencias y su particular concepción espacial. De esta manera, se presta especial atención al concepto de los «entes», fundamental para comprender sus esculturas semiabstractas y estructuras suspendidas, concebidas como formas en constante devenir que habitan el espacio. Finalmente, el dibujo, las maquetas y su archivo personal se presentan como claves esenciales para entender la coherencia y profundidad de su universo creativo. 

Estas charlas inaugurales, que forman parte de una de las líneas de trabajo principales del Área de Programas Públicos, tienen como objetivo profundizar en los contenidos de las exposiciones organizadas por el Museo desde la perspectiva de artistas, comisariados y especialistas.