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12 noviembre / Edificio Sabatini, Auditorio
La teatralización del pasado colonial
19:00 h Presentación del ciclo a cargo del comisario, TJ Demos. 19:30 h Proyecciones:
Vincent Meessen. Vita Nova, 2009
Digital, VOSE, 26’Mathieu Kleyebe Abonnenc. Ça va, ça va, on continue, 2012
Digital HD, VOSE, 26’Pedro Costa. Sweet Exorcist, 2012
Digital, VOSE, 20’Las películas de Vincent Meessen, Mathieu Kleyebe Abonnenc y Pedro Costa recrean la vida colonial y el momento revolucionario de la liberación ofreciendo una aguda perspectiva sobre la memoria colectiva, determinada tanto por una voluntad del olvido como por el doloroso recordatorio de lo que pudo haber sido pero nunca llegó a ser. ¿Cómo persigue el pasado y sus antiguos sueños de liberación a los personajes modernos?. ¿Qué puede descubrir esta investigación de los reinos fantasmagóricos, por ejemplo en relación con los pasados estudios críticos del colonialismo (como los analizados por Roland Barthes en Vita Nova )?. ¿Y cuáles son las similitudes de dichas apariciones con el recuerdo perturbador de ex-combatientes por la libertad que lucharon en movimientos de descolonización y de liberación socialista como la revolución de los Claveles de Portugal de 1974, que terminó con el régimen fascista de Estado Novo, una historia a la que aluden las obras de Costa y Abonnenc?.
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13 noviembre / Edificio Sabatini, Auditorio
Canciones contra la casta en la India
Anand Patwardhan. Jai Bhim Comrade, 2011
Digital, VOSE, 199’Estrenada en España en esta proyección, Jai Bhim Comrade narra la historia de la atrocidad del sistema de castas en la India a través de canciones, poesía y cultura de resistencia desde abajo. Rodada a lo largo de 14 años, esta obra maestra realizada por el reputado documentalista indio investiga las terribles circunstancias de los Dalits en este país, denigrados a “intocables” durante miles de años, a quienes se niega educación y acceso a instituciones religiosas, encargados del trabajo manual más bajo. La película investiga la figura revolucionaria de Bhimrao Ambedkar, que lideró la lucha por la emancipación de su pueblo, consiguió doctorarse en el extranjero y llegó a participar en la redacción de la constitución del país, que finalmente rechazó el represor sistema de castas del hinduismo a favor del budismo. Patwardhan muestra cómo las demandas de liberación e igualdad de Ambedkar —que incluyeron pasos más radicales de lo que Gandhi había previsto— permanecen vivas en la leyenda, la narración, las canciones populares, la estética oprimida y la necesidad de justicia de la clase baja de la India contemporánea, como revela la trágica historia de Vilas Ghogre, un poeta de izquierdas y muy querido cantante callejero que se ahorcó en protesta por la promesa reprimida e incumplida de la visión de Ambedkar.
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19 noviembre / Edificio Sabatini, Auditorio
La estética después del genocidio
Rithy Panh. La imagen perdida, 2013
Digital, VOSE, 90’Motivada por el deseo de Panh de encontrar documentación fotográfica sobre el brutal mandato de los Jemeres Rojos en Camboya entre 1975 y 1979, la película La imagen perdida se enfrenta no solo a la ausencia de pruebas gráficas que puedan demostrar el asesinato en masa, sino al hecho irrevocable de la deficiencia en la representación del registro de los hechos históricos y verídicos. El resultado es una emotiva historia sobre la cárcel de seguridad S-21 contada mediante figuras de arcilla, imágenes de archivo y la voz de Panh, narrando la búsqueda del director de una imagen de la atrocidad que siempre permanecerá desaparecida.
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20 noviembre / Edificio Sabatini, Auditorio
Pasados futuros potenciales
Sven Augustijnen. Spectres, 2011
Digital HD, VOSE, 104’The Otolith Group. In the Year of the Quiet Sun, 2013
Digital HD, VOSE, 33’La era de la descolonización posterior a las guerras en África estuvo repleta de futuros imaginarios de liberación e independencia, futuros que poco a poco se fueron desvaneciendo con el establecimiento de regímenes neocoloniales dependientes de los mercados mundiales y liderados por dictadores. En algunos casos, los líderes de naciones que acababan de conseguir la independencia y prometían la autodeterminación fueron arrestados, torturados y ejecutados sumariamente. Tal es el caso de Patrice Lumumba, el primer líder elegido democráticamente en el Congo poscolonial, cuya historia se muestra reconstruida de forma obsesiva por un antiguo diplomático belga, defensor del colonialismo, en la película de Augustijnen. Frente a tal dominio historiográfico, el Grupo Otolith (compuesto por los artistas y teóricos británicos Kodwo Eshun y Anjalika Sagar) recupera la diplomacia del pan-africanismo de los 60, centrándose en la emergencia de una cultura de la independencia, específicamente constituida en forma de sellos de correos con un imaginario que proclama una nueva era de soberanismo. Y sin embargo, también fue una era que, a través de su iconografía de líderes sacralizados, mostraba los síntomas del eventual eclipse que dichos futuros imaginados de emancipación proclamaban.
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26 noviembre / Edificio Sabatini, Auditorio
Ecologías espectrales
Ursula Biemann. Deep Weather, 2013
Digital HD, VOSE, 9’Ursula Biemann y Paulo Tavares. Forest Law/Selva jurídica, 2014
Videoinstalación, 41’. Formato de proyección: versión monocanal en archivo digital, 30'Zanny Begg y Oliver Ressler. The Right of Passage, 2013
Digital HD, VOSE, 19’Deep Weather de Ursula Biemann analiza una ecología devastada, incluyendo la destrucción industrial de la tierra, a través de la extracción de hidrocarburo realizada en las arenas bituminosas de Alberta, en Canadá. Este proyecto de geoingeniería de combustibles fósiles aumenta la producción de gases invernadero, dando lugar a la subida del nivel del mar. Biemann investiga también los efectos de dichas prácticas en el delta de Bangladesh. Esta pieza breve aporta visibilidad a zonas que dan testimonio de la mentira del modelo de crecimiento global neoliberal denominado “desarrollo sostenible”. En su segunda película, Biemann y Paulo Tavares investigan los recientes avances legales en Ecuador sobre “los derechos de la naturaleza”, que otorgan un estatus jurídico a sujetos no-humanos con el fin de protegerlos de la destrucción ambiental. Estas películas comparten con The Right of Passage de Begg y Ressler una reestructuración del reino de lo visible, llamando la atención en su caso sobre las presencias fantasmales de inmigrantes que, en un acto de contra-espectralización que rechaza una invisibilidad despolitizadora, refutan la normalización de las políticas racistas y de identidad nacional en la UE.
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27 noviembre / Edificio Sabatini, Auditorio
Conmemoración de sujetos poscoloniales
John Akomfrah. The Stuart Hall Project, 2013
Digital, VOSE, 100’The Stuart Hall Project se ha considerado como una obra maestra del cine reciente de John Akomfrah, miembro veterano del Black Audio Film Collective. La película explora la vida profesional de Stuart Hall, el conocido teórico de los estudios culturales e intelectual público anglo-jamaicano. Construida a partir de metraje documental procedente del archivo de la BBC, el film parte de los trabajos anteriores del Black Audio (a quienes el Museo dedicara un ciclo reciente), los cuales reflexionan en torno a intelectuales, activistas y figuras culturales negras del siglo XX, como Malcolm X, Martin Luther King Jr., Michael X, Sun Ra o George Clinton. En su nuevo trabajo, Akomfrah se plantea el desafío de dar expresión estética al descubrimiento fundamental de Hall: las identidades se forman en el punto inestable en el que las historias “innombrables” de la subjetividad se encuentran con las narraciones históricas, incluyendo relatos políticos, de la experiencia poscolonial en la Gran Bretaña de posguerra y fragmentos de los polémicos archivos mediáticos. La obra está realizada a través de material documental heterogéneo en el que resuena la experiencia real de la emigración —Hall se trasladó a Gran Bretaña en 1951 y vivió allí hasta su muerte en 2014—, así como la deriva del recuerdo desterritorializado entre la historia y la memoria.
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3 diciembre Edificio Sabatini, Auditorio
Entornos militantes
Brad Butler y Karen Mirza. The Unreliable Narrator, 2014
Digital, VOSE, 16’Sanjay Kak. Red Ant Dream, 2013
Digital, VOSE, 120’Esta sesión propone una mirada a una joven generación dedicada a las prácticas fílmicas contemporáneas que trabaja sobre el conflicto militar en la India. The Unrealiable Narrator, de Karen Mirza y Brad Butler, examina los traumáticos hechos de 2008 cuando Bombay sufrió una serie de atentados coordinados por parte de miembros del Lashkar-e-Taiba, grupo islamista violento con base en Pakistán que persigue la creación de un estado musulmán en Asia del Sur. Examinando la violencia, su mediatización y el refutado poder de la narración, la película combina documental e imágenes de circuito cerrado de televisión con escenas de un docudrama de Bollywood de 2013 sobre los hechos. Asistimos a cómo el terrorismo adopta cada vez más la apariencia de espectáculo y cómo es exorcizado a través de la industria del entretenimiento. Por su parte, Red Ant Dream de Sanjay Kak analiza la resistencia de la guerrilla militante que tiene lugar en los bosques rurales indios de Chhattisgarh, donde grupos maoístas se enfrentan a las políticas económicas de desigualdad y a su desprecio pro-industrial por los ecosistemas tribales y los derechos naturales. El espectro de una futura catástrofe ecológica, propiciada por el modelo indio de desarrollo a la occidental, conduce en este caso a una defensa militante de las tribus empobrecidas y de los campesinos agrarios de la India.
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4 y 10 diciembre / Edificio Sabatini, Auditorio
Espectrologías. Cerca y lejos
4 diciembre
Salomé Lamas. Tierra de nadie, 2012
Digital HD, VOSE, 72’10 diciembre
Los Hijos. Árboles, 2013
Digital HD, 61’
Presentación de los autores
En Tierra de nadie de Salomé Lamas nos encontramos con un mercenario y asesino a sueldo portugués que relata sus experiencias luchando en los últimos días del África colonial y como agente del GAL (Grupos Antiterroristas de Liberación), participando en los escuadrones parapoliciales organizados por el Estado español contra ETA y sus últimos resquicios en Francia. Descubrimos su relación con la crueldad y las paradojas del poder y nos enfrentamos a las tortuosas justificaciones éticas de sus crímenes. ¿Le torturan los fantasmas de la violencia cometida? Árboles se centra en los supervivientes del terror colonial. La película cuenta la visita de Antonia Pilar a Bioko, una isla de la costa de Guinea Ecuatorial, donde escuchará historias del pasado colonial español. La obra del colectivo Los Hijos (integrado por los cineastas Javier Fernández Vázquez, Luis López Carrasco y Natalia Marín Sancho) narra las leyendas de los nativos de Bubi y las yuxtapone a las experiencias contemporáneas de una pareja española joven que vive en una zona residencial a las afueras de Madrid en plena crisis económica, mientras se enfrenta al paro. Árboles muestra cómo la violencia colonial y la resistencia creativa perduran en fragmentos poéticos abandonados en el presente.
Espectros. Un cine de la inquietud
Celebrada el 12, 13, 19, 20, 26, 27 nov, 03, 04, 10 dic 2014
Este ciclo presenta una selección de recientes piezas cinematográficas internacionales que conjuran los fantasmas de nuestro imaginario cultural colectivo. Algunos de estos fantasmas se erigen desde injusticias pasadas y traumas políticos, mientras que otros son apariciones que revelan catástrofes aún por llegar o que hablan de las promesas incumplidas de un pasado que siguen existiendo, quizás latentes, en nuestro presente. El programa es diverso, e inevitablemente incompleto, pero contiene ejemplos representativos que reúnen una formulación estética evocadora y un fuerte compromiso político. Las obras proceden de una amplia diversidad de contextos geográficos y hacen referencia a la historia, a la cultura y a la política en Europa, Asia y América.
El programa, que toma su título de la película Spectres de Sven Augustijnen (2011), analiza presencias inquietantes procedentes de tiempos distintos al actual, introduciendo un conjunto de alteraciones fantasmagóricas que existen en los límites de la representación. Los artistas y cineastas incluidos desvelan múltiples fantasmas en visiones tanto negativas como positivas, reanimadas por los movimientos sociales de esperanza colectiva de los últimos años. Al mismo tiempo, el ciclo alude a la historia del cine militante, lo que el argentino Octavio Getino, cineasta y teórico del Tercer Cine, denominara cine-política, una imagen popular y radical que incorpora el legado crítico de las vanguardias.
Las películas de este ciclo no presentan demasiadas similitudes con la revuelta multitudinaria del cine militante; aunque, desde un planteamiento cercano al cine de autor, buscan devolver el protagonismo al compromiso de documentar la violencia, combatir la represión, rechazar el olvido e imaginar un mundo mejor. Así, este ciclo bosqueja una cine-política que se erige como antídoto crítico a la amnesia generalizada y como un espacio donde la imagen post-militante pueda ser revisada. Este retorno acechante no es un exorcismo ni una vuelta al olvido, sino que, en palabras de Jacques Derrida, presenta un imperativo ético y político: el de aprender a vivir con los fantasmas de una forma más justa.
Comisariado
TJ Demos
Más actividades
Mediaciones del archivo: arte, comunidad y acción política
Martes 7 y jueves 23 abril, 2026 – 17:00 h
El seminario online Mediaciones del archivo: arte, comunidad y acción política, comisariado por Sofía Villena Araya, aborda el papel de las prácticas archivísticas en el cuidado, la dignificación y la activación de la memoria en Centroamérica. Como parte de la primera línea de investigación del Instituto Cáder de Arte Centroamericano (ICAC), animada por la pregunta «¿Qué historias del arte produce Centroamérica?», este seminario propone un acercamiento al archivo como mediador que articula relaciones entre arte, comunidad y acción política, incorporando la problematización historiográfica que sus cruces plantean.
Aunque la propuesta no se limita a la discusión sobre el istmo centroamericano, sí se plantea desde las condiciones particulares que ha asumido la construcción de memoria en la región. Se trata de un territorio vulnerable a los desastres naturales y geológicos, marcado por una violencia política ejercida por estados autoritarios e instituciones fragilizadas, un persistente legado colonial e imperial, y la fragmentación social producto de todo lo anterior. Es también un contexto donde el archivo no necesariamente remite a un lugar específico —un edificio, un fondo documental— ni responde predominantemente a los protocolos de una disciplina como la archivística. Más bien, el interés reside en explorar cómo el archivo opera, desde el arte, como dispositivo que estrecha vínculos, genera pertenencias y abre espacios de acción política.
El encuentro se desarrolla en dos sesiones, una primera dedicada a la práctica de archivo en torno a cuestiones de memoria, violencia y guerra, y una segunda en la que se estudian las prácticas comunitarias en torno a archivos sexodisidentes. Ante la destrucción sistemática de memorias, las prácticas archivísticas abordadas en estas sesiones ejemplifican cómo el archivo emerge en otros lugares y con otras lógicas. En este marco, el espacio de intercambio e investigación propuesto explora el papel del arte como medio productivo para la construcción de archivos desde la imagen, los afectos, lo íntimo, lo performativo, el cuerpo, la oralidad y la ficción, así como materialidades otras que desafían la centralidad del documento y la escritura.
Tras el muro, ¡la playa!
12, 19 ABR 2026
¿Dónde habita la esperanza en una guerra? Tras el muro, ¡la playa! es la visión de un mundo mejor a través de los ojos de la infancia en Palestina. Una experiencia que se aborda en este programa a través de un conjunto de películas procedentes de este país en conflicto, tanto de ficción como de animación. En la apreciación adulta, la guerra encuentra una justificación de carácter político y moral. En cambio, la mirada de la infancia derriba cualquier lógica ante la barbarie y muestra la tragedia bélica como un error sin justificación. Frente a la destrucción adulta, la infancia siempre reafirma la vida en su plenitud.
La selección de cineastas de origen palestino que se presentan, Ibrahim Handal, Tariq Rimawi, Firas Khoury, Rami Abbas, Nisreen Yaseen y Haneen Koraz, son un buen ejemplo en este sentido. Ibrahim Handal se ha erigido como una de las voces emergentes del joven cine palestino. Su obra se centra en la cotidianidad, la identidad y la resistencia con un trabajo que, aun partiendo de lo real, juega entre el documental de creación y la ficción. Por su parte, Firas Khoury es un reconocido director palestino que ha contribuido a expresar cómo sería la vida normalizada de la niñez en Palestina, al mostrar la realidad de cualquier infancia. Ambos cineastas consiguen quitar el velo del prejuicio al igualar la vida de un menor palestino a la de cualquier otro en un país en paz.
La presentación del ciclo cuenta con la presencia de Rami Abbas, cineasta de origen palestino con formación en Siria y actualmente residente en Madrid. Su trabajo es un ejemplo más de la diáspora, pero de igual forma, de la memoria y la resistencia. Hide & Seek (2024) refleja esa dimensión del éxodo y, sobre dicha experiencia, la protección a los seres más vulnerables.
A su vez, Nisreen Yaseen transmite una visión del tránsito de la infancia a la adolescencia en la que se diluye el ruido de la guerra, mientras que el galardonado corto animado Zoo (2022), de Tariq Rimawi, es una obra estética de enorme calado simbólico que expone la oposición entre la opresión y la libertad.
Por último, Haneen Koraz ha llevado a cabo todo su trabajo desde los campos de refugiados en la franja de Gaza. Esta realizadora ha dado voz, a través de talleres de cine de animación, a menores, madres y familias. A day in the Tent [Un día en la tienda de campaña, 2024] es una muestra cinematográfica de resiliencia y verdad que permite al pueblo gazatí transmitir al mundo lo que supone vivir bajo las bombas. Y es solo a través de la mirada de la infancia, de sus dibujos, como se muestra esta realidad sin prejuicios.
Juan Uslé y la experiencia neoyorquina
Miércoles 15 de abril, 2026
En el marco de la exposición Juan Uslé. Ese barco en la montaña, esta mesa redonda propone un viaje hacia un tiempo y un lugar decisivos: el Nueva York de los años ochenta y noventa, escenario de una efervescencia artística que marca profundamente a toda una generación de artistas procedentes de España que encuentran allí un territorio fértil, caótico, exigente y lleno de posibilidades. Tal es el caso de Juan Uslé, que en enero de 1987 atravesó el Atlántico en dirección contraria al buque Elorrio —cuyo hundimiento en 1960 en la costa de Langre (Cantabria) quedaría grabado en su memoria— y fijó su residencia en Nueva York.
La conversación, moderada por el comisario de la exposición Ángel Calvo Ulloa, reúne a Juan Uslé, Vicky Civera, Txomin Badiola y Octavio Zaya, cuatro voces que vivieron ese momento desde perspectivas diversas y complementarias. Su diálogo reconstruye la experiencia de llegar a un contexto ajeno y explora los modos en que estas figuras del arte forjan vínculos y comunidades en un ambiente atravesado por la intensidad creativa y las tensiones del cambio cultural.
Asimismo, se aborda la relación con un Museo Reina Sofía que, en esos años, comienza a redefinir su papel dentro del ecosistema artístico internacional. La mesa invita a reflexionar sobre cómo se percibe, desde la distancia neoyorquina, la escena española y la institución museística, recuperando a través de la oralidad un episodio clave de la historia del arte español.
Familias desviadas
Jueves 9 de abril, 2026 - 18:30
Este ciclo está organizado por equipoMotor, un grupo de adolescentes, jóvenes y personas mayores que ha participado en proyectos comunitarios educativos del Museo Reina Sofía. El programa se articula en cuatro bloques temáticos en torno a la idea de lo monstruoso.
Esta sesión mira al cine como un espacio donde poder verse reflejadas y reflejados. Las personas participantes del grupo han querido elegir una pieza que permita al público conocer un poco mejor quiénes son y cómo trabajan juntas. En Salir del aula. Un día sin profes (Luz Broto Lema, 2017) un grupo de estudiantes decide abandonar el instituto durante un día. A partir de ese gesto sencillo aparece una pregunta sobre las normas que organizan una institución, sobre quién decide cómo se habita y sobre qué ocurre cuando esas reglas se suspenden.
La pieza coloca el conflicto en el centro y propone un detonante claro: «¿y si…?». ¿Y si durante un día no hubiera profesorado? ¿Qué tipo de relaciones, acuerdos o tensiones aparecerían? Desde ahí se abre una reflexión sobre las estructuras de poder presentes en espacios como un instituto, pero también en otros lugares institucionales, como puede ser un museo.
El título de la sesión, Familias desviadas, recoge otra de las preguntas que atraviesan el trabajo de equipoMotor: ¿qué ocurre cuando la idea tradicional de familia se desplaza y aparecen otras formas de organizar los afectos? En lugar de una estructura fija o jerárquica, el grupo ensaya formas de relación más circulares, asamblearias y abiertas, donde las decisiones se toman colectivamente y donde caben distintas edades, trayectorias y modos de estar.
La propia curaduría de esta sesión responde a esa lógica. El proceso ha sido colectivo, fragmentario y experimental, cercano a una forma frankensteiniana de organizarse: juntar piezas, probar combinaciones, discutirlas en grupo y volver a ensamblarlas. Un método que combina lo serio con lo lúdico y lo crítico con lo afectuoso.
Siguiendo el impulso que plantea la película, equipoMotor se hace una última pregunta que atraviesa toda la sesión: ¿y si el museo pudiera ser también un poco más Frankenstein, más afectuoso y más desviado?
![Nan Goldin, Picnic on the Esplanade, Boston [Picnic en el muelle, Boston]](https://recursos.museoreinasofia.es/styles/small_landscape/public/Actividades/AD03442_2.jpg.webp)
RECREO #2. Mirar y narrar. Arte contemporáneo e identidad
Miércoles, 8 de abril, 2026 - 17:30 h
A lo largo de tres sesiones, esta nueva edición del ciclo formativo online RECREO pretende aportar al profesorado estrategias didácticas de aproximación a la nueva presentación de las Colecciones del Museo Colección. Arte Contemporáneo: 1975 – Presente. Concebido como un recurso para personas de todo el territorio, independientemente de si pueden acudir presencialmente al Museo o no, RECREO #2 busca llevar a las aulas parte de las propuestas y contenidos del Itinerario I. Una historia de los afectos en el arte contemporáneo. Así, Mirar y narrar. Arte contemporáneo e identidad invita a explorar las Colecciones desde la idea de identidad como un proceso en constante construcción. A través de diferentes obras, se explora cómo algunas figuras del arte contemporáneo reflexionan sobre la representación del yo, la memoria, la experiencia personal y las identidades individuales y colectivas.
Las piezas seleccionadas permiten pensar la identidad como algo cambiante, influido por factores como las relaciones personales, la experiencia vital, la cultura, la sociedad o el contexto político. A partir de estas obras, se proponen estrategias para trabajar en el aula desde diversas disciplinas o asignaturas aspectos como el autoconocimiento, la expresión personal y la construcción de narrativas propias a través del arte.
Este taller forma parte del ciclo de formación online para profesorado RECREO, organizado por el Área de Educación del Museo Reina Sofía en diálogo con el colectivo Cápsula Cultura. RECREO combina la reflexión con propuestas prácticas adaptables a distintos niveles y contextos de enseñanza, además de fomentar el intercambio de experiencias entre docentes.