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12 noviembre / Edificio Sabatini, Auditorio
La teatralización del pasado colonial
19:00 h Presentación del ciclo a cargo del comisario, TJ Demos. 19:30 h Proyecciones:
Vincent Meessen. Vita Nova, 2009
Digital, VOSE, 26’Mathieu Kleyebe Abonnenc. Ça va, ça va, on continue, 2012
Digital HD, VOSE, 26’Pedro Costa. Sweet Exorcist, 2012
Digital, VOSE, 20’Las películas de Vincent Meessen, Mathieu Kleyebe Abonnenc y Pedro Costa recrean la vida colonial y el momento revolucionario de la liberación ofreciendo una aguda perspectiva sobre la memoria colectiva, determinada tanto por una voluntad del olvido como por el doloroso recordatorio de lo que pudo haber sido pero nunca llegó a ser. ¿Cómo persigue el pasado y sus antiguos sueños de liberación a los personajes modernos?. ¿Qué puede descubrir esta investigación de los reinos fantasmagóricos, por ejemplo en relación con los pasados estudios críticos del colonialismo (como los analizados por Roland Barthes en Vita Nova )?. ¿Y cuáles son las similitudes de dichas apariciones con el recuerdo perturbador de ex-combatientes por la libertad que lucharon en movimientos de descolonización y de liberación socialista como la revolución de los Claveles de Portugal de 1974, que terminó con el régimen fascista de Estado Novo, una historia a la que aluden las obras de Costa y Abonnenc?.
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13 noviembre / Edificio Sabatini, Auditorio
Canciones contra la casta en la India
Anand Patwardhan. Jai Bhim Comrade, 2011
Digital, VOSE, 199’Estrenada en España en esta proyección, Jai Bhim Comrade narra la historia de la atrocidad del sistema de castas en la India a través de canciones, poesía y cultura de resistencia desde abajo. Rodada a lo largo de 14 años, esta obra maestra realizada por el reputado documentalista indio investiga las terribles circunstancias de los Dalits en este país, denigrados a “intocables” durante miles de años, a quienes se niega educación y acceso a instituciones religiosas, encargados del trabajo manual más bajo. La película investiga la figura revolucionaria de Bhimrao Ambedkar, que lideró la lucha por la emancipación de su pueblo, consiguió doctorarse en el extranjero y llegó a participar en la redacción de la constitución del país, que finalmente rechazó el represor sistema de castas del hinduismo a favor del budismo. Patwardhan muestra cómo las demandas de liberación e igualdad de Ambedkar —que incluyeron pasos más radicales de lo que Gandhi había previsto— permanecen vivas en la leyenda, la narración, las canciones populares, la estética oprimida y la necesidad de justicia de la clase baja de la India contemporánea, como revela la trágica historia de Vilas Ghogre, un poeta de izquierdas y muy querido cantante callejero que se ahorcó en protesta por la promesa reprimida e incumplida de la visión de Ambedkar.
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19 noviembre / Edificio Sabatini, Auditorio
La estética después del genocidio
Rithy Panh. La imagen perdida, 2013
Digital, VOSE, 90’Motivada por el deseo de Panh de encontrar documentación fotográfica sobre el brutal mandato de los Jemeres Rojos en Camboya entre 1975 y 1979, la película La imagen perdida se enfrenta no solo a la ausencia de pruebas gráficas que puedan demostrar el asesinato en masa, sino al hecho irrevocable de la deficiencia en la representación del registro de los hechos históricos y verídicos. El resultado es una emotiva historia sobre la cárcel de seguridad S-21 contada mediante figuras de arcilla, imágenes de archivo y la voz de Panh, narrando la búsqueda del director de una imagen de la atrocidad que siempre permanecerá desaparecida.
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20 noviembre / Edificio Sabatini, Auditorio
Pasados futuros potenciales
Sven Augustijnen. Spectres, 2011
Digital HD, VOSE, 104’The Otolith Group. In the Year of the Quiet Sun, 2013
Digital HD, VOSE, 33’La era de la descolonización posterior a las guerras en África estuvo repleta de futuros imaginarios de liberación e independencia, futuros que poco a poco se fueron desvaneciendo con el establecimiento de regímenes neocoloniales dependientes de los mercados mundiales y liderados por dictadores. En algunos casos, los líderes de naciones que acababan de conseguir la independencia y prometían la autodeterminación fueron arrestados, torturados y ejecutados sumariamente. Tal es el caso de Patrice Lumumba, el primer líder elegido democráticamente en el Congo poscolonial, cuya historia se muestra reconstruida de forma obsesiva por un antiguo diplomático belga, defensor del colonialismo, en la película de Augustijnen. Frente a tal dominio historiográfico, el Grupo Otolith (compuesto por los artistas y teóricos británicos Kodwo Eshun y Anjalika Sagar) recupera la diplomacia del pan-africanismo de los 60, centrándose en la emergencia de una cultura de la independencia, específicamente constituida en forma de sellos de correos con un imaginario que proclama una nueva era de soberanismo. Y sin embargo, también fue una era que, a través de su iconografía de líderes sacralizados, mostraba los síntomas del eventual eclipse que dichos futuros imaginados de emancipación proclamaban.
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26 noviembre / Edificio Sabatini, Auditorio
Ecologías espectrales
Ursula Biemann. Deep Weather, 2013
Digital HD, VOSE, 9’Ursula Biemann y Paulo Tavares. Forest Law/Selva jurídica, 2014
Videoinstalación, 41’. Formato de proyección: versión monocanal en archivo digital, 30'Zanny Begg y Oliver Ressler. The Right of Passage, 2013
Digital HD, VOSE, 19’Deep Weather de Ursula Biemann analiza una ecología devastada, incluyendo la destrucción industrial de la tierra, a través de la extracción de hidrocarburo realizada en las arenas bituminosas de Alberta, en Canadá. Este proyecto de geoingeniería de combustibles fósiles aumenta la producción de gases invernadero, dando lugar a la subida del nivel del mar. Biemann investiga también los efectos de dichas prácticas en el delta de Bangladesh. Esta pieza breve aporta visibilidad a zonas que dan testimonio de la mentira del modelo de crecimiento global neoliberal denominado “desarrollo sostenible”. En su segunda película, Biemann y Paulo Tavares investigan los recientes avances legales en Ecuador sobre “los derechos de la naturaleza”, que otorgan un estatus jurídico a sujetos no-humanos con el fin de protegerlos de la destrucción ambiental. Estas películas comparten con The Right of Passage de Begg y Ressler una reestructuración del reino de lo visible, llamando la atención en su caso sobre las presencias fantasmales de inmigrantes que, en un acto de contra-espectralización que rechaza una invisibilidad despolitizadora, refutan la normalización de las políticas racistas y de identidad nacional en la UE.
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27 noviembre / Edificio Sabatini, Auditorio
Conmemoración de sujetos poscoloniales
John Akomfrah. The Stuart Hall Project, 2013
Digital, VOSE, 100’The Stuart Hall Project se ha considerado como una obra maestra del cine reciente de John Akomfrah, miembro veterano del Black Audio Film Collective. La película explora la vida profesional de Stuart Hall, el conocido teórico de los estudios culturales e intelectual público anglo-jamaicano. Construida a partir de metraje documental procedente del archivo de la BBC, el film parte de los trabajos anteriores del Black Audio (a quienes el Museo dedicara un ciclo reciente), los cuales reflexionan en torno a intelectuales, activistas y figuras culturales negras del siglo XX, como Malcolm X, Martin Luther King Jr., Michael X, Sun Ra o George Clinton. En su nuevo trabajo, Akomfrah se plantea el desafío de dar expresión estética al descubrimiento fundamental de Hall: las identidades se forman en el punto inestable en el que las historias “innombrables” de la subjetividad se encuentran con las narraciones históricas, incluyendo relatos políticos, de la experiencia poscolonial en la Gran Bretaña de posguerra y fragmentos de los polémicos archivos mediáticos. La obra está realizada a través de material documental heterogéneo en el que resuena la experiencia real de la emigración —Hall se trasladó a Gran Bretaña en 1951 y vivió allí hasta su muerte en 2014—, así como la deriva del recuerdo desterritorializado entre la historia y la memoria.
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3 diciembre Edificio Sabatini, Auditorio
Entornos militantes
Brad Butler y Karen Mirza. The Unreliable Narrator, 2014
Digital, VOSE, 16’Sanjay Kak. Red Ant Dream, 2013
Digital, VOSE, 120’Esta sesión propone una mirada a una joven generación dedicada a las prácticas fílmicas contemporáneas que trabaja sobre el conflicto militar en la India. The Unrealiable Narrator, de Karen Mirza y Brad Butler, examina los traumáticos hechos de 2008 cuando Bombay sufrió una serie de atentados coordinados por parte de miembros del Lashkar-e-Taiba, grupo islamista violento con base en Pakistán que persigue la creación de un estado musulmán en Asia del Sur. Examinando la violencia, su mediatización y el refutado poder de la narración, la película combina documental e imágenes de circuito cerrado de televisión con escenas de un docudrama de Bollywood de 2013 sobre los hechos. Asistimos a cómo el terrorismo adopta cada vez más la apariencia de espectáculo y cómo es exorcizado a través de la industria del entretenimiento. Por su parte, Red Ant Dream de Sanjay Kak analiza la resistencia de la guerrilla militante que tiene lugar en los bosques rurales indios de Chhattisgarh, donde grupos maoístas se enfrentan a las políticas económicas de desigualdad y a su desprecio pro-industrial por los ecosistemas tribales y los derechos naturales. El espectro de una futura catástrofe ecológica, propiciada por el modelo indio de desarrollo a la occidental, conduce en este caso a una defensa militante de las tribus empobrecidas y de los campesinos agrarios de la India.
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4 y 10 diciembre / Edificio Sabatini, Auditorio
Espectrologías. Cerca y lejos
4 diciembre
Salomé Lamas. Tierra de nadie, 2012
Digital HD, VOSE, 72’10 diciembre
Los Hijos. Árboles, 2013
Digital HD, 61’
Presentación de los autores
En Tierra de nadie de Salomé Lamas nos encontramos con un mercenario y asesino a sueldo portugués que relata sus experiencias luchando en los últimos días del África colonial y como agente del GAL (Grupos Antiterroristas de Liberación), participando en los escuadrones parapoliciales organizados por el Estado español contra ETA y sus últimos resquicios en Francia. Descubrimos su relación con la crueldad y las paradojas del poder y nos enfrentamos a las tortuosas justificaciones éticas de sus crímenes. ¿Le torturan los fantasmas de la violencia cometida? Árboles se centra en los supervivientes del terror colonial. La película cuenta la visita de Antonia Pilar a Bioko, una isla de la costa de Guinea Ecuatorial, donde escuchará historias del pasado colonial español. La obra del colectivo Los Hijos (integrado por los cineastas Javier Fernández Vázquez, Luis López Carrasco y Natalia Marín Sancho) narra las leyendas de los nativos de Bubi y las yuxtapone a las experiencias contemporáneas de una pareja española joven que vive en una zona residencial a las afueras de Madrid en plena crisis económica, mientras se enfrenta al paro. Árboles muestra cómo la violencia colonial y la resistencia creativa perduran en fragmentos poéticos abandonados en el presente.
Espectros. Un cine de la inquietud
Celebrada el 12, 13, 19, 20, 26, 27 nov, 03, 04, 10 dic 2014
Este ciclo presenta una selección de recientes piezas cinematográficas internacionales que conjuran los fantasmas de nuestro imaginario cultural colectivo. Algunos de estos fantasmas se erigen desde injusticias pasadas y traumas políticos, mientras que otros son apariciones que revelan catástrofes aún por llegar o que hablan de las promesas incumplidas de un pasado que siguen existiendo, quizás latentes, en nuestro presente. El programa es diverso, e inevitablemente incompleto, pero contiene ejemplos representativos que reúnen una formulación estética evocadora y un fuerte compromiso político. Las obras proceden de una amplia diversidad de contextos geográficos y hacen referencia a la historia, a la cultura y a la política en Europa, Asia y América.
El programa, que toma su título de la película Spectres de Sven Augustijnen (2011), analiza presencias inquietantes procedentes de tiempos distintos al actual, introduciendo un conjunto de alteraciones fantasmagóricas que existen en los límites de la representación. Los artistas y cineastas incluidos desvelan múltiples fantasmas en visiones tanto negativas como positivas, reanimadas por los movimientos sociales de esperanza colectiva de los últimos años. Al mismo tiempo, el ciclo alude a la historia del cine militante, lo que el argentino Octavio Getino, cineasta y teórico del Tercer Cine, denominara cine-política, una imagen popular y radical que incorpora el legado crítico de las vanguardias.
Las películas de este ciclo no presentan demasiadas similitudes con la revuelta multitudinaria del cine militante; aunque, desde un planteamiento cercano al cine de autor, buscan devolver el protagonismo al compromiso de documentar la violencia, combatir la represión, rechazar el olvido e imaginar un mundo mejor. Así, este ciclo bosqueja una cine-política que se erige como antídoto crítico a la amnesia generalizada y como un espacio donde la imagen post-militante pueda ser revisada. Este retorno acechante no es un exorcismo ni una vuelta al olvido, sino que, en palabras de Jacques Derrida, presenta un imperativo ético y político: el de aprender a vivir con los fantasmas de una forma más justa.
Comisariado
TJ Demos
Más actividades
Clínica 2628. Comunidad de escritura e investigación en artes
Febrero – octubre, 2026
Clínica 2628 es un proyecto de acompañamiento y puesta en común de escrituras que nace con la intención de ofrecer un espacio y unos tiempos sostenibles para el trabajo de investigación en arte y cultura. En el contexto de una academia cada vez menos receptiva a las formas en que el pensamiento ocurre y es expresado, quiere rescatar lo académico de su captura neoliberal para recuperar la alianza entre precisión e intuición, trabajo y deseo. También quiere devolver la escritura al común que la hace posible a través de un trabajo de seguimiento de procesos y colectivización de ideas, posiciones, referencias y estrategias.
La propuesta, que resulta de la colaboración entre la Dirección de Estudios del Museo Reina Sofía y el grupo de investigación Artea a través del proyecto i+D Experimenta, se concreta en tres ediciones anuales, concebidas como un espacio de experimentación, discusión y muestra de haceres de escritura críticos con los que propone la academia hoy.
¿Qué fuerzas, formas y procesos se ponen en juego al escribir sobre arte y estética? En la academia, en los museos y en otras instituciones culturales la práctica de la escritura se ve atravesada por lógicas productivistas que ponen en riesgo los ritmos de la investigación y la experimentación. La imposición cientificista implicada en la estructura del paper o la cuantificación de resultados que exigen los criterios de calidad y visibilidad higienizan, de entrada, la rugosidad propia de una escritura entendida desde lo concreto de su lengua: las resistencias fónicas, gráficas, sintácticas y gramaticales que conectan a quien usa esa lengua con la comunidad que esta une y activa. Higienizan también la rugosidad implicada en el mismo deseo de escribir, los caminos intuitivos, claros y confusos que de nuevo conectan a quien escribe con quienes leyeron y escribieron así, participando de un bien común que se descubre y se produce al mismo tiempo.
La progresiva mercantilización del saber puesta en marcha por el capitalismo cognitivo aleja cada vez más la investigación y la producción de conocimiento de las obras, los lenguajes y las prácticas artísticas. Los trabajos de comisariado y archivo, la crítica, las performances o los ensayos contaban con un horizonte de posibilidades formales, emocionales y de imaginación mucho más amplio cuando no se desarrollaban en condiciones de competitividad, indexación o impacto. ¿Sería posible hoy retomar aquellos haceres de manera no nostálgica sino crítica, esto es, recuperar por las formas, y por las formas escritas, la cercanía entre el pensamiento de arte y sus objetos? ¿Cómo escribir de otro modo, a otro ritmo, con no más exigencias que las que una obra de arte lanza a las diferentes formas de ver, de leer, de estar en el mundo?
Paisajes en trance. El cine de Oliver Laxe
Del 5 al 28 de febrero, 2026 – Consultar programa
El Museo organiza durante el mes de febrero una retrospectiva completa de la filmografía de Oliver Laxe. El ciclo dialoga con la obra HU/هُو. Bailad como si nadie os viera, una instalación del autor de Sirāt concebida para el Espacio 1 del Museo Reina Sofía. El programa incluye los cuatro largometrajes realizados hasta la fecha por el cineasta, así como sus cortometrajes y una carta blanca de cuatro sesiones programadas por el autor en correspondencia con sus películas e intereses creativos.
Oliver Laxe representa una de las miradas más radicales del panorama fílmico contemporáneo. Su cine es un espacio resiliente, espiritual y transcultural, impregnado de un nomadismo cultural y social que refleja la vida y las creencias del cineasta, y que, en último término, propone una ética antimaterialista para afrontar nuestro tiempo. Su filmografía se caracteriza por una profunda espiritualidad, un tiempo contemplativo y una conexión íntima con la naturaleza y lo sagrado. En sus películas, Laxe ha abordado temas universales, como la redención o el sentido de la existencia, a través de relatos que se desarrollan en paisajes remotos, rurales y atemporales con atmósferas influidas por el cine de género, como el western o el policíaco. Los personajes de su cine, en su mayoría actores no profesionales, atraviesan territorios físicos a la vez que experimentan viajes interiores insuflados por la culpa, el deseo de reintegrarse en comunidad o la realización de un propósito final que ignoran. La naturaleza, con especial énfasis en el desierto y en el paisaje, es otro personaje más, una presencia viva y panteísta que condiciona y refleja los conflictos humanos. El tiempo dilatado, la atención a la experiencia sensorial y las alusiones a la religiosidad antigua nos sitúan en una concepción meditativa del cine que apela a ser un manifiesto para reencantar el mundo.
En la carta blanca el cineasta ha programado cuatro películas que cartografían sus obsesiones. Highway (1999), de Serguei Dvortsevoy, una ruta por los páramos de Kazajistan a través de un circo ambulante; Las estaciones (1975), de Artavazd Peleshian, una oda al transcurrir del tiempo a través del paisaje; Trás-os-Montes (1976), de António Reis y Margarida Cordeiro, una ficción etnográfica del campesinado portugués en sus rituales y pureza vital; y La isla desnuda (1960), de Kaneto Shindô, la lucha cotidiana de una familia de cuatro miembros en un paraíso natural.
Alberto Greco. Viva el arte vivo
Martes 10 de febrero, 2026 - 19:00 h
Con motivo de la inauguración de la exposición Alberto Greco. Viva el arte vivo, Fernando Davis, comisario de la muestra, y Amanda de la Garza, subdirectora artística del Museo Reina Sofía, conversan en el Auditorio 400 del Edificio Nouvel sobre la vida y la obra del artista argentino, figura fundamental de la vanguardia experimental.
La exposición y la charla toman el título de la proclama «Viva el arte vivo», con la que Alberto Greco (Buenos Aires, 1931- Barcelona, 1965) inundó las calles y los muros de Roma. Para Greco, el arte vivo fue el arte del futuro. Un arte basado en un conjunto de gestos irreverentes e intempestivos, de aventuras abiertas a lo imprevisto que se fundían con la propia vida, que inicia en 1962 y para el que más tarde acuña el término «vivo-dito». En su Manifiesto dito dell´arte vivo, con el que empapeló las paredes de Génova, animaba a entrar en contacto «con los elementos vivos de nuestra realidad: movimiento, tiempo, gente, conversaciones, olores, rumores, lugares, situaciones». También en Madrid irrumpe en la cotidianidad de la calle cuando convoca un «momento vivo-dito» que culmina con la quema de un lienzo pintado de manera colectiva en el barrio de Lavapiés.
Además de fundador del arte vivo, Alberto Greco fue pintor informalista, flâneur queer o poeta y actor ocasional. Esta intensa singladura vital y artística está íntimamente conectada además con su deriva migrante, que comenzó en 1950 en Buenos Aires, pasando por Atacama y Humahuaca, París, Río de Janeiro, São Paulo, Génova, Roma, Madrid, Piedralaves, Nueva York o Ibiza, para terminar abruptamente en Barcelona, donde se quitará la vida poco después de escribir su última gran obra, la novela Besos brujos (1965).
Estas charlas inaugurales, que forman parte de una de las líneas de trabajo principales del Área de Programas Públicos, tienen como objetivo profundizar en los contenidos de las exposiciones organizadas por el Museo desde la perspectiva de artistas, comisariados y especialistas.
![Basel Abbas y Ruanne Abou-Rahme, At Those Terrifying Frontiers Where the Existence and Disappearance of People Fade Into Each Other [En esas fronteras aterradoras donde la existencia y la desaparición de personas se disuelven entre sí], 2019](https://recursos.museoreinasofia.es/styles/small_landscape/public/Colecci%C3%B3n/abbasabourahme.png.webp)
Gaza y el esteticidio
Martes 10 de febrero, 2026 – 16:00 h
«Este seminario examina la destrucción sistemática de la sensibilidad colectiva palestina —lo que podríamos denominar "esteticidio"— que ha acompañado al genocidio y ecocidio perpetrados por Israel en Gaza, y considera las condiciones de la práctica artística en su estela. A lo largo de más de dos años, la demolición de universidades, archivos, museos y bibliotecas no solo ha borrado infraestructuras culturales e intelectuales, sino que también ha atacado la propia posibilidad de la representación. La destrucción de un pueblo ha ido acompañada de la destrucción de su imagen, su historia y su capacidad de ser conocido: el periodismo, la investigación académica y la memoria cultural han sido deliberadamente socavados, con instituciones mediáticas, universidades y museos a menudo cómplices de esta represión. Gaza funciona, en consecuencia, como un espacio de ensayo de un posible futuro global —de fascismo, autoritarismo posliberal, fronteras militarizadas y guerra habilitada por la IA—, un laboratorio de un orden mundial emergente. ¿Qué ocurre entonces con el análisis crítico y la resistencia en estas condiciones? ¿Y qué sucede con la estética y la política?».
—T.J. DemosEste seminario tiene lugar gracias a la invitación del historiador del arte a España por parte de la Fundación Miró. En el contexto del museo, dialoga con una línea de trabajo más amplia en torno a la emergencia climática y las perspectivas decoloniales presentes en el proyecto Museum of the Commons (2023-2026), de la red L’Internationale, de la que el Museo Reina Sofía forma parte; así como con algunas de las preguntas que movilizan el grupo de estudio Estéticas de la paz y tácticas de deserción. Por último, también se inserta en una estrategia más amplia de apoyo y compromiso con la creación artística y discursiva de artistas de origen palestino, que tiene su mejor reflejo en la red TEJA.
Ensemble Sonido Extremo
2 FEB 2026
El ciclo Series 20/21 del Centro Nacional de Difusión Musical (CNDM) presenta al Ensemble Sonido Extremo, bajo la dirección de Jordi Francés, con un programa de marcada vocación contemporánea que combina obras de referencia y estrenos absolutos. El barítono Toni Marsol participa en esta propuesta que incluye música de Georg Friedrich Haas, un nuevo encargo del CNDM a Mercedes Zavala que estrenará Aieganz y el estreno absoluto de Pierrot lunaire de Carlos Fontcuberta, concebido como una obra en espejo de la célebre partitura homónima de Arnold Schoenberg.
El programa plantea así un juego de resonancias entre pasado y presente, identidad y transformación, dentro del lenguaje camerístico actual. Una muestra clara de la voluntad del ciclo por acompañar la creación más reciente con intérpretes de referencia en el repertorio contemporáneo.