Celebrada el 23 ene 2021
Pan-Pan Kolektiva se constituyó en marzo de 2020 como un grupo de investigación sobre la escucha. PAN PAN es una llamada estándar de emergencia basada en el acrónimo inglés PAN que significa Pay Attention Now [presten atención ahora], que no es tan urgente como MAYDAY. Puede ser que tras la crisis sanitaria y social mundial generada por la COVID-19, la sociedad no esté en un punto terminal, pero sí requiere que se le preste atención. A esta crisis se añade la incertidumbre proveniente de situaciones laborales y personales que, de partida, ya eran dramáticas, por lo que estamos asistiendo a un incremento del individualismo, la soledad y el aislamiento, que puede llegar a producir desequilibrios sicológicos.
En estos meses Pan-Pan Kolektiva ha centrado su interés en analizar, mediante la escucha, los efectos de estas crisis. El colectivo ha estado observando cómo la fragmentación social antes descrita ha desencadenado el ascenso simultáneo y extrañamente relacionado de ideologías totalitarias con el auge del New Age, o de movimientos antimascarillas que amparan teorías de la conspiración. En general, lo que se ha denominado como “conspiritualismo”.
Pan-Pan Kolektiva parte de la hipótesis de que la situación actual está produciendo un trauma colectivo y de la siguiente pregunta: ¿Tenemos las herramientas necesarias para escucharnos lxs unxs a otrxs, o necesitamos crear unas nuevas?
A partir de esta interrogante Pan-Pan Kolektiva está trabajando en el concepto de escucha postraumática, una forma de escuchar aún no definida ni asentada, que relega nuestra posición de sujeto individual para colectivizar el malestar y las experiencias de duelo. Para ello, el colectivo ha contactado con una serie de artistas, pensadorxs y agentes culturales a lxs que ha encargado producir una serie de herramientas que se presentan públicamente en este evento.
El encuentro cuenta con diversos ejercicios de escucha conducidos por Víctor Aguado Machuca, Elisa Arteta, José Begega, José Luis Espejo, Grupal Crew Collective (GCC) Susana Jiménez Carmona, Mattin, Violeta Mayoral, Agnès Pe, Miguel Prado y Arnau Sala.
Comisariado
Pan-Pan Kolektiva
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Organiza
Museo Reina Sofía
Participantes
Víctor Aguado Machuca es artista, arquitecto, músico y comisario. Es presidente de la Asociación de Música Electroacústica de España (AMEE) e investigador en Filosofía y Ciencias de Lenguaje en la Universidad Autónoma de Madrid. Ha comisariado exposiciones en instituciones como el Instituto Iberoamericano de Finlandia (Madrid), Medialab-Prado (Madrid), el Instituto Cervantes de Berlín y Nueva York, The Graduate Center, CUNY (Nueva York) o el Oolite Art (Miami).
Elisa Arteta es bailarina y coreógrafa. Cuenta con el Máster en Arte Contemporáneo Tecnológico y Performativo de la Universidad del País Vasco, y el Máster en Práctica Escénica y Cultura Visual de la Universidad de Castilla-La Mancha y Museo Reina Sofía. Combina sus proyectos artísticos en el campo de la coreografía con su trabajo en gestión, siendo codirectora del Centro Huarte. Su trabajo, que ha podido verse en multitud de espacios artísticos dentro y fuera de España, investiga la propiocepción y la relación entre la mente y el cuerpo.
Jose Begega es artista visual licenciado en Bellas Artes por la Universidad Politécnica de Valencia y con Máster de Producción e Investigación Artística por la Universidad de Barcelona, actor porno y trabajador sexual. A través de su propio cuerpo, su experiencia vital y el entorno investiga sobre el espectador como sujeto activo del proceso artístico, la pornografía, la construcción de identidades y ficciones, internet, entrevistas y medios audiovisuales para cuestionar la noción de realidad.
José Luis Espejo es docente, investigador y comisario de exposiciones y conciertos. Formado en Historia del Arte, centra sus investigaciones en las relaciones entre el arte y la cultura de la escucha. Participa en proyectos autogestionados como Mediateletipos, Ursonate Fanzine o el Observatorio de la Escucha. Es asesor del programa de artes en vivo (música-sonido) del Departamento de Actividades Públicas del Museo Reina Sofía, de cuya Radio es colaborador y miembro fundador. Coordina el módulo de Teoría e Historia en el Máster de Industria Musical y Estudios Sonoros en la Universidad Carlos III de Madrid.
Grupal Crew Collective (GCC) es una plataforma abierta, mutante y transdisciplinar, de origen diverso y base en Madrid, que centra sus esfuerzos en investigar el potencial de la música y la fiesta como instrumentos de agitación cultural y agregación social. GCC toma su inspiración en la creación colectiva inherente a las prácticas lúdico-musicales de todo tipo de comunidades y subculturas, para reivindicar su valor normalmente desacreditado en los ámbitos del Arte, de la Cultura y la Política (las mayúsculas no son gratuitas).
Susana Jiménez Carmona es Doctora en Ciencias Humanas y de la Cultura por la Universitat de Girona y titulada superior de Guitarra por el Conservatorio Profesional de Música de Córdoba. Es profesora en el Máster en Arte Sonoro de la Universitat de Barcelona. Su trabajo discurre entre la música, el arte sonoro y la filosofía abarcando la investigación, la docencia y la propia práctica artística, especialmente en su vertiente colaborativa. Ha colaborado con diversas compañías de artes escénicas, artistas y colectivos, impartido numerosas conferencias y publicado en diferentes revistas de ámbito internacional sobre música y arte sonoro.
Mattin es artista y teórico sonoro. Su trabajo se centra en la investigación conceptual del ruido y la improvisación. Aborda cuestiones como el papel de la escucha ante la acumulación inabarcable de información digital, en un momento de creciente polarización y fragmentación social; o las potencias que la comunicación no verbal puede activar entre los cuerpos participantes de un encuentro reflexivo. Ha coeditado, junto con Anthony Iles, Ruido y capitalismo (Arteleku, 2011) y participado en documenta14 (2017) con el concierto “duracional” Disonancia social.
Violeta Mayoral es artista multidisciplinar y dramaturga experimental. Licenciada en Comunicación e Industrias Culturales en la Universitat de Barcelona con mención en Semiótica y Teoría de la Imagen en la Universidad Nacional Autónoma de México. Su trabajo se desarrolla bajo la estricta convicción de que no hay nada que no pueda ser significado, explorando, a partir de la puesta en escena de lo cotidiano, cuestiones hermenéuticas que siempre terminan desembocando en una reflexión acerca de la existencia del individuo y su condición semiótica. El ejercicio de Violeta Mayoral se ha realizado con la colaboración de Un coro amateur del CA2M.
Agnès Pe es investigadora musical y productora sonora, además de estar interesada en la pedagogía. Sus producciones sonoras se desprenden de las limitaciones de cualquier género musical, navegando en el detritus que genera a partir de archivos MIDI y narrativas ficcionadas. Actualmente conduce el programa radiofónico Mitt Paté (Radio On Berlin) en el que indaga sobre plunderphonias generadas y distribuidas en el marco de internet.
Miguel Prado es artista e investigador del Departamento de Filosofía de la Universidad del Oeste de Inglaterra, Bristol. Ha escrito extensamente sobre teoría de la información y cibernética en relación con la noción de ruido. Produce música y audio de naturaleza diversa, colaborando con diversos artistas y teóricos sonoros como Mattin, con quien recientemente produjo el pódcast Social Discipline. En la actualidad forma parte de la banda Harrga con Dali de Saint Paul.
Arnau Sala Sáez es músico y artista visual. Sus obras, en diferentes formatos, se retroalimentan unas a otras. El sonido se traduce en estructuras visuales cuya forma se condensa en composiciones sonoras. A través de este hábitat, Arnau construye un sistema en el que sus elementos se relacionan en torno a una misma conciencia. Bajo el nombre Ex Continent el artista presenta instalaciones en las que el sonido, la luz y la imagen coexisten formal y conceptualmente.
Más actividades
Mediaciones del archivo: arte, comunidad y acción política
Martes 7 y jueves 23 abril, 2026 – 17:00 h
El seminario online Mediaciones del archivo: arte, comunidad y acción política, comisariado por Sofía Villena Araya, aborda el papel de las prácticas archivísticas en el cuidado, la dignificación y la activación de la memoria en Centroamérica. Como parte de la primera línea de investigación del Instituto Cáder de Arte Centroamericano (ICAC), animada por la pregunta «¿Qué historias del arte produce Centroamérica?», este seminario propone un acercamiento al archivo como mediador que articula relaciones entre arte, comunidad y acción política, incorporando la problematización historiográfica que sus cruces plantean.
Aunque la propuesta no se limita a la discusión sobre el istmo centroamericano, sí se plantea desde las condiciones particulares que ha asumido la construcción de memoria en la región. Se trata de un territorio vulnerable a los desastres naturales y geológicos, marcado por una violencia política ejercida por estados autoritarios e instituciones fragilizadas, un persistente legado colonial e imperial, y la fragmentación social producto de todo lo anterior. Es también un contexto donde el archivo no necesariamente remite a un lugar específico —un edificio, un fondo documental— ni responde predominantemente a los protocolos de una disciplina como la archivística. Más bien, el interés reside en explorar cómo el archivo opera, desde el arte, como dispositivo que estrecha vínculos, genera pertenencias y abre espacios de acción política.
El encuentro se desarrolla en dos sesiones, una primera dedicada a la práctica de archivo en torno a cuestiones de memoria, violencia y guerra, y una segunda en la que se estudian las prácticas comunitarias en torno a archivos sexodisidentes. Ante la destrucción sistemática de memorias, las prácticas archivísticas abordadas en estas sesiones ejemplifican cómo el archivo emerge en otros lugares y con otras lógicas. En este marco, el espacio de intercambio e investigación propuesto explora el papel del arte como medio productivo para la construcción de archivos desde la imagen, los afectos, lo íntimo, lo performativo, el cuerpo, la oralidad y la ficción, así como materialidades otras que desafían la centralidad del documento y la escritura.
Tras el muro, ¡la playa!
12, 19 ABR 2026
¿Dónde habita la esperanza en una guerra? Tras el muro, ¡la playa! es la visión de un mundo mejor a través de los ojos de la infancia en Palestina. Una experiencia que se aborda en este programa a través de un conjunto de películas procedentes de este país en conflicto, tanto de ficción como de animación. En la apreciación adulta, la guerra encuentra una justificación de carácter político y moral. En cambio, la mirada de la infancia derriba cualquier lógica ante la barbarie y muestra la tragedia bélica como un error sin justificación. Frente a la destrucción adulta, la infancia siempre reafirma la vida en su plenitud.
La selección de cineastas de origen palestino que se presentan, Ibrahim Handal, Tariq Rimawi, Firas Khoury, Rami Abbas, Nisreen Yaseen y Haneen Koraz, son un buen ejemplo en este sentido. Ibrahim Handal se ha erigido como una de las voces emergentes del joven cine palestino. Su obra se centra en la cotidianidad, la identidad y la resistencia con un trabajo que, aun partiendo de lo real, juega entre el documental de creación y la ficción. Por su parte, Firas Khoury es un reconocido director palestino que ha contribuido a expresar cómo sería la vida normalizada de la niñez en Palestina, al mostrar la realidad de cualquier infancia. Ambos cineastas consiguen quitar el velo del prejuicio al igualar la vida de un menor palestino a la de cualquier otro en un país en paz.
La presentación del ciclo cuenta con la presencia de Rami Abbas, cineasta de origen palestino con formación en Siria y actualmente residente en Madrid. Su trabajo es un ejemplo más de la diáspora, pero de igual forma, de la memoria y la resistencia. Hide & Seek (2024) refleja esa dimensión del éxodo y, sobre dicha experiencia, la protección a los seres más vulnerables.
A su vez, Nisreen Yaseen transmite una visión del tránsito de la infancia a la adolescencia en la que se diluye el ruido de la guerra, mientras que el galardonado corto animado Zoo (2022), de Tariq Rimawi, es una obra estética de enorme calado simbólico que expone la oposición entre la opresión y la libertad.
Por último, Haneen Koraz ha llevado a cabo todo su trabajo desde los campos de refugiados en la franja de Gaza. Esta realizadora ha dado voz, a través de talleres de cine de animación, a menores, madres y familias. A day in the Tent [Un día en la tienda de campaña, 2024] es una muestra cinematográfica de resiliencia y verdad que permite al pueblo gazatí transmitir al mundo lo que supone vivir bajo las bombas. Y es solo a través de la mirada de la infancia, de sus dibujos, como se muestra esta realidad sin prejuicios.
Juan Uslé y la experiencia neoyorquina
Miércoles 15 de abril, 2026
En el marco de la exposición Juan Uslé. Ese barco en la montaña, esta mesa redonda propone un viaje hacia un tiempo y un lugar decisivos: el Nueva York de los años ochenta y noventa, escenario de una efervescencia artística que marca profundamente a toda una generación de artistas procedentes de España que encuentran allí un territorio fértil, caótico, exigente y lleno de posibilidades. Tal es el caso de Juan Uslé, que en enero de 1987 atravesó el Atlántico en dirección contraria al buque Elorrio —cuyo hundimiento en 1960 en la costa de Langre (Cantabria) quedaría grabado en su memoria— y fijó su residencia en Nueva York.
La conversación, moderada por el comisario de la exposición Ángel Calvo Ulloa, reúne a Juan Uslé, Vicky Civera, Txomin Badiola y Octavio Zaya, cuatro voces que vivieron ese momento desde perspectivas diversas y complementarias. Su diálogo reconstruye la experiencia de llegar a un contexto ajeno y explora los modos en que estas figuras del arte forjan vínculos y comunidades en un ambiente atravesado por la intensidad creativa y las tensiones del cambio cultural.
Asimismo, se aborda la relación con un Museo Reina Sofía que, en esos años, comienza a redefinir su papel dentro del ecosistema artístico internacional. La mesa invita a reflexionar sobre cómo se percibe, desde la distancia neoyorquina, la escena española y la institución museística, recuperando a través de la oralidad un episodio clave de la historia del arte español.
Familias desviadas
Jueves 9 de abril, 2026 - 18:30
Este ciclo está organizado por equipoMotor, un grupo de adolescentes, jóvenes y personas mayores que ha participado en proyectos comunitarios educativos del Museo Reina Sofía. El programa se articula en cuatro bloques temáticos en torno a la idea de lo monstruoso.
Esta sesión mira al cine como un espacio donde poder verse reflejadas y reflejados. Las personas participantes del grupo han querido elegir una pieza que permita al público conocer un poco mejor quiénes son y cómo trabajan juntas. En Salir del aula. Un día sin profes (Luz Broto Lema, 2017) un grupo de estudiantes decide abandonar el instituto durante un día. A partir de ese gesto sencillo aparece una pregunta sobre las normas que organizan una institución, sobre quién decide cómo se habita y sobre qué ocurre cuando esas reglas se suspenden.
La pieza coloca el conflicto en el centro y propone un detonante claro: «¿y si…?». ¿Y si durante un día no hubiera profesorado? ¿Qué tipo de relaciones, acuerdos o tensiones aparecerían? Desde ahí se abre una reflexión sobre las estructuras de poder presentes en espacios como un instituto, pero también en otros lugares institucionales, como puede ser un museo.
El título de la sesión, Familias desviadas, recoge otra de las preguntas que atraviesan el trabajo de equipoMotor: ¿qué ocurre cuando la idea tradicional de familia se desplaza y aparecen otras formas de organizar los afectos? En lugar de una estructura fija o jerárquica, el grupo ensaya formas de relación más circulares, asamblearias y abiertas, donde las decisiones se toman colectivamente y donde caben distintas edades, trayectorias y modos de estar.
La propia curaduría de esta sesión responde a esa lógica. El proceso ha sido colectivo, fragmentario y experimental, cercano a una forma frankensteiniana de organizarse: juntar piezas, probar combinaciones, discutirlas en grupo y volver a ensamblarlas. Un método que combina lo serio con lo lúdico y lo crítico con lo afectuoso.
Siguiendo el impulso que plantea la película, equipoMotor se hace una última pregunta que atraviesa toda la sesión: ¿y si el museo pudiera ser también un poco más Frankenstein, más afectuoso y más desviado?
![Nan Goldin, Picnic on the Esplanade, Boston [Picnic en el muelle, Boston]](https://recursos.museoreinasofia.es/styles/small_landscape/public/Actividades/AD03442_2.jpg.webp)
RECREO #2. Mirar y narrar. Arte contemporáneo e identidad
Miércoles, 8 de abril, 2026 - 17:30 h
A lo largo de tres sesiones, esta nueva edición del ciclo formativo online RECREO pretende aportar al profesorado estrategias didácticas de aproximación a la nueva presentación de las Colecciones del Museo Colección. Arte Contemporáneo: 1975 – Presente. Concebido como un recurso para personas de todo el territorio, independientemente de si pueden acudir presencialmente al Museo o no, RECREO #2 busca llevar a las aulas parte de las propuestas y contenidos del Itinerario I. Una historia de los afectos en el arte contemporáneo. Así, Mirar y narrar. Arte contemporáneo e identidad invita a explorar las Colecciones desde la idea de identidad como un proceso en constante construcción. A través de diferentes obras, se explora cómo algunas figuras del arte contemporáneo reflexionan sobre la representación del yo, la memoria, la experiencia personal y las identidades individuales y colectivas.
Las piezas seleccionadas permiten pensar la identidad como algo cambiante, influido por factores como las relaciones personales, la experiencia vital, la cultura, la sociedad o el contexto político. A partir de estas obras, se proponen estrategias para trabajar en el aula desde diversas disciplinas o asignaturas aspectos como el autoconocimiento, la expresión personal y la construcción de narrativas propias a través del arte.
Este taller forma parte del ciclo de formación online para profesorado RECREO, organizado por el Área de Educación del Museo Reina Sofía en diálogo con el colectivo Cápsula Cultura. RECREO combina la reflexión con propuestas prácticas adaptables a distintos niveles y contextos de enseñanza, además de fomentar el intercambio de experiencias entre docentes.