François Dufrêne. Tambours du jugement premier
Una relectura del Gran Circo Indómito
Celebrada el 12 sep 2020
François Dufrêne propone en Tambours du jugement premier [Los tambores del juicio primero], de 1952, un caso inédito de lo que él mismo denominaba “cine imaginado”. Una película sin imagen ni banda sonora en la que cuatro performers interpretan un guion imprevisible y descontrolado. ¿Cómo volver a mostrar este filme sin película otorgándole una relectura contemporánea?
Esta sesión sin proyecciones se inserta dentro del ciclo Guy Debord y René Viénet, del letrismo al situacionismo. El cine ha muerto: si les parece, pasemos al debate. Los letristas van a ser pioneros en desarmar el dispositivo cinematográfico; esto es, en pensar de otro modo la experiencia del cine. Con ello, no solo se adelantan a las instalaciones fílmicas y al cine expandido, sino que reconectan con los propios orígenes del medio, cuando el cine aún no estaba codificado en su forma dominante. Tras los antecedentes de Tratado de baba y eternidad (Isidore Isou, 1951) y El Anticoncepto (Gil J. Wolman, 1951), Dufrêne propone una película que existe sin ninguno de sus elementos habituales y que requiere del público y de la sala de cine para cobrar sentido. Conocida a través de sus guiones y de una grabación sonora de 1973, que en la actualidad pertenece a la Colección del Museo, es uno de los gestos más radicales del cine diluido en acción artística.
Con el fin de releer la obra en clave contemporánea, el Gran Circo Indómito, un laboratorio escénico experimental con miembros de formación interdisciplinar, a caballo entre la poesía, el cine, el teatro y la performance, presenta su puesta en escena del guion de François Dufrêne.
Los tambores del juicio primero como partitura
Una película sin película ni pantalla moro oro ropa y urge sin deu re mal, con un tablero de ajedrez con forma de trébol, unas piernas de mujer que se cruzan y se abren, Guadalupe, un juego de la oca, legumbres y un ojo que parpadea lentamente a la derecha, creada con el corazón, a coces y sin razón por François Dufrêne, presentada al margen del festival de Cannes en 1952 y producida en 2020 por el Gran Circo Indómito con la irrealización del gato Emenoveessach, Eduard Mont de Palol, Sonia Noya y Lola Rubio después de un susto, con la inspiración de Isidore Isou, Karl Jaspers, Antonin Artaud en el rol de Marat, Raymond Queneau, Jean Cocteau y el alemán romántico poeta Novalis, que por otro lado no están nada más y nada menos que hartos, tratan con desdén a los delegados que asistieron a la erupción del Vesubio y llaman a la revuelta como el que hace manchas por el solo placer de eliminarlas, con una parte muy aguda y prolongada, otra gutural, tensa y muy lenta, otra silbante, otra con dureza, fría, con alegría, deprisa, dolorosa y quejumbrosa, pesada, rápida, viva y lenta, larga, de cabeza y un allegro tipo swing, moderato, crescendo, acelerando, decrescendo, ralenteando, con elocuencia, un gargarísmo prolongado muy fuerte, con un tono narrativo y pueril que no tiene miedo a ser irritable aunque se trate tan solo de un pretexto y de hablar por hablar hasta llegar al número de palabras de este texto que son trescientas (bis): ¡VLOUTE ETSSIVLOUTT ETSVLOUTT WHISSELVLI MATTANN MANEMOTSE ETSDANN KTOREPRIMF VLOUTE ETSSIVLOUT ETSVLOUT WHISSEL VLITZ MATS HAP SSALT HITZ! ¡ITSSEYOPSS! ODOH ONODOH KSOHODOEH, KSOHODOEH, KSOHODOH, KSOGAM KSOHODOEH, KSOHODOEH, KSOHODOE, KSOGUIM KSOGUIMM OEKSOGAMM KSOGAMOEKSOGUIM KSOGEM OEKSOGEM KSOGEMIHIGUIM (bis) HULOUMPE TULSPE LABOURRKH TOSS OVOURPE TOD WOSTRE TUVETEUL YTOD FERUIDLUIMP.
Gran Circo Indómito
Con el apoyo de
Línea-fuerza
Vanguardias
Organiza
Museo Reina Sofía y Círculo de Bellas Artes
Ficha técnica
François Dufrêne. Tambours du jugement premier. Una relectura del Gran Circo Indómito:
Obra sonora multicanal con interpretación de fragmentos en directo, 1952-2020, 65'.
Berlín, febrero-septiembre de 2020. Estudio, interpretación, grabación y montaje sonoro de la obra: Eduard Mont de Palol, Sonia Noya, Juan Rodrigáñez, Lola Rubio.
Madrid, septiembre de 2020. Interpretación en directo: Pablo Herranz, Rafael Lamata, Juan Rodrigáñez, Nicolas Tsabertidis
![Bette Gordon, Variety [La celda de cristal], película, 1983](https://recursos.museoreinasofia.es/styles/small_landscape/public/Actividades/snippet_cine-verano-2024_0.jpg.webp)
![Miguel Brieva, ilustración de la novela infantil Manuela y los Cakirukos (Reservoir Books, 2022) [izquierda] y Cibeles no conduzcas, 2023 [derecha]. Cortesía del artista](https://recursos.museoreinasofia.es/styles/small_landscape/public/Actividades/ecologias_del_deseo_utopico.jpg.webp)
![Ángel Alonso, Charbon [Carbón], 1964. Museo Reina Sofía](https://recursos.museoreinasofia.es/styles/small_landscape/public/Actividades/perspectivas_ecoambientales.jpg.webp)
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El Museo Reina Sofía y el Museu d’Art Contemporani de Barcelona (MACBA) lanzan la convocatoria para la edición 2025 de la School of Common Knowledge (Escuela de los conocimientos comunes), que se celebra del 11 al 16 de noviembre en Madrid y Barcelona.
El proyecto School of Common Knowledge (SCK) surge de las experiencias, redes y saberes de L’Internationale, una confederación de museos, organizaciones artísticas y universidades que busca reimaginar y practicar el internacionalismo, la solidaridad y la comunalidad dentro del sector cultural. Este año, el programa de la SCK aborda el campo de fricciones interpretativas que las nociones de arraigo y desarraigo abren en el marco de los desafíos —coloniales, migratorios y ecológicos— actuales.
Tomando como punto de partida el legado del Glossary of Common Knowledge y el actual programa europeo Museum of the Commons, la SCK invita a las personas participantes a reflexionar sobre el poder del lenguaje para configurar nuestra comprensión del arte y la sociedad, a través de metodologías de coaprendizaje. Su ambición es ser a la vez nómada y situada, abordando situaciones culturales y geopolíticas específicas, a la vez que se exploran sus relaciones e interdependencias con el resto del mundo.
En este presente marcado por el militarismo y la guerra, la criminalización de la migración y el hiperidentitarismo, los conceptos de pertenencia y no-pertenencia se vuelven inestables, demandando una reflexión colectiva que podría partir de las siguientes preguntas:
¿Cómo podemos reformular el sentido y la práctica de pertenencia a un contexto alejándonos de los reductivos paradigmas nacionalistas o de la violencia del desplazamiento? ¿Cómo sostener críticamente el entrelazamiento entre las rutas coloniales y las raíces culturales de las que formamos parte? ¿Qué hacemos con los legados tóxicos que heredamos, y con las genealogías y prácticas emancipadoras con las qué elegimos alinearnos? ¿Puede una práctica renovada de arraigo planteada a través de la construcción de coaliciones desde la afinidad formar parte de un proceso de desidentificación? ¿Qué geografías —culturales, artísticas, políticas— designan estas prácticas de descentramiento, (des)arraigo, (no)pertenencia y (des)alineamiento?
Partiendo de estos planteamientos, el programa de la escuela incluye una serie de visitas a iniciativas cuya práctica aborda estas cuestiones desde una perspectiva situada (como Museo Situado, Paisanaje o La Cocina del MACBA, entre otras); exposiciones y proyectos en curso (Proyectar un planeta negro: El arte y la cultura de Panáfrica); una conferencia inaugural a cargo de Stefano Harney y Fred Moten, así como sesiones diarias de lectura y debate, sesiones de cosecha editorial y momentos de convivencia colectiva.
Residencias Joaquim Jordà 2025
Viernes 7 de noviembre, 19:00 h
En esta actividad, los galardonados de la convocatoria 2024-2025 de las Residencias Joaquim Jordà, María Aparicio (Argentina, 1992) y Andrés Jurado (Colombia, 1980), presentan sus proyectos en relación con su corpus artístico. Una sesión abierta en la que descubrir los intereses creativos de dos de los cineastas independientes más prometedores de América Latina en la actualidad.
María Aparicio presenta el proceso de trabajo de su película De sol a sol, que acompaña a su vez con un breve recorrido por las películas que anteceden el proyecto y las búsquedas cinematográficas que viene realizando en los últimos años. Aparicio sintetiza el argumento de De sol a sol a partir de las siluetas de un grupo de hombres que asoman entre las ramas de un cañaveral. El sol sobre sus cuchillos produce destellos que aparecen y desaparecen según el movimiento de sus manos; los aprendices fraccionan las cañas sin un método, los experimentados cortan con destreza. Son trabajadores de un ingenio azucarero del norte argentino y quien los mira es Juan Bialet Massé, acompañado por Rosich, asistente y fotógrafo. Es la Argentina de 1904 y ese hombre cumple una misión que el gobierno de su país le encomendó: recorrer las provincias argentinas para revelar el estado de las clases trabajadoras.
Por su parte, durante la sesión, Andrés Jurado realiza un recorrido por sus trabajos y los de La Vulcanizadora, su productora. Asimismo, abre el archivo del proceso de investigación del proyecto Tonada, un viaje por la espiral de las traiciones a los acuerdos de paz en la historia de Colombia. Desde la época colonial, entendida como una turbulencia, un huracán que todavía sigue girando, hasta los tiempos actuales, rastrea las historias de quienes, como Tacurrumbí, Benkos Biohó, Bateman y tantas mujeres y hombres fueron traicionados por gobiernos y opresores. La película busca construir un diálogo sonoro y cinematográfico entre el desarme guerrillero de 1953 y el periodo posterior al acuerdo de paz de 2016. Tonada conjura este y otros acontecimientos y enfrenta los traumas de la traición a través de una composición cinematográfica pensada para ser cantada. ¿Y qué canta? En esta presentación se escuchan algunos de estos cantos y se comparten algunas voces.
Las Residencias Joaquim Jordà son un programa de estancias para cineastas y artistas iniciado por el Museo Reina Sofía en el año 2022. La iniciativa consiste en una beca para la escritura de un proyecto fílmico de carácter experimental y ensayístico, así como dos estancias posteriores en FIDMarseille y Doclisboa, dos festivales internacionales dedicados a explorar el cine de no-ficción y las nuevas formas de expresión en el audiovisual.
Ylia & Marta Pang
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El encuentro entre la productora y DJ española Ylia y la artista visual Marta Pang se presenta como un estreno en el Museo Reina Sofía. Ambas creadoras llegan desde trayectorias distintas para dar forma a un proyecto nuevo concebido específicamente para este ciclo. Ciclo que tiene como objetivo crear nuevos proyectos escénicos a partir de la fricción entre artistas y el diálogo entre disciplinas.