Celebrada el 27 feb 2018
El programa Documentos investiga el libro como medio artístico, las posibilidades y narraciones del archivo, la edición y la circulación independiente, así como otras líneas relacionadas con el trabajo de la Biblioteca y el Centro de Documentación del Museo Reina Sofía. Esta quinta edición está dedicada a una conversación con el artista Francesc Abad (Terrassa, 1944), a propósito de la reciente publicación que ha realizado junto con el historiador del arte Xavier Nueno: Napa(s). Persistir en lo inacabado (Ediciones La Bahía, 2017). Este encuentro, que cuenta también con la participación de Nueno y Lola Hinojosa, responsable de la Colección de Artes Performativas e Intermedia del Museo Reina Sofía, aborda el trabajo crítico y de memoria colectiva realizado por Abad dentro de las prácticas artísticas conceptuales, desde sus propuestas más recientes hasta las de sus inicios con el Grup de Treball en la década de 1970. Precisamente esta etapa temprana está ampliamente representada en la Colección del Museo Reina Sofía, gracias a la donación de parte de su archivo vinculado a este periodo de su trayectoria.
La obra de Francesc Abad se ubica en el campo del arte conceptual ideológico o de los llamados “conceptualismos”, según la denominación de las últimas revisiones internacionales. Bajo este término amplio se han agrupado una serie de prácticas artísticas híbridas y periféricas, surgidas al margen del ámbito angloamericano, y caracterizadas por plantear una intervención directa sobre el terreno de lo político. Estos trabajos tuvieron una especial incidencia en contextos dictatoriales sin libertad de expresión, como España durante el último franquismo.
Al artista catalán le gusta recordar sus comienzos formativos en los años sesenta como pintor abstracto y las innumerables horas empleadas en dibujar para una fábrica textil de Terrassa, donde trabajó desde los 17 años. Si bien su carrera artística se ha desarrollado en las antípodas de estas experiencias, las nociones de trabajo y oficio han marcado el devenir procesual de su obra y, especialmente, el compromiso político con el tiempo, el espacio y la subjetividad del trabajador asalariado. El libro Napa(s). Persistir en lo inacabado enlaza precisamente con esta etapa y este contexto, ya que se concibe como un mapa de la ruina industrial de la ciudad Terrassa, constituido a partir de referentes filosóficos como Walter Benjamin y Ernest Bloch.
Organiza
Museo Reina Sofía
Participantes
Francesc Abad. Artista. De formación inicialmente autodidacta, dejó la fábrica textil donde trabajaba realizando dibujos para formarse en la Escuela de Artes y Oficios de Terrassa y el Centro de Documentación Pedagógica de París. En los años setenta, residió en Nueva York. Tras sus primeras obras pictóricas, comenzó a realizar instalaciones, happenings y arte conceptual. A su regreso, participó en el Grup de Treball, con acciones de crítica contra el último franquismo, llegando a exhibir en la documenta 5 (Kassel, 1972) y en las bienales de París (1975) y Venecia (1976). Destacan sus proyectos vinculados a pensadores contemporáneos y a la memoria histórica, entre los que sobresalen las muestras de El Camp de la Bota en distintos espacios de Cataluña (2004-2007), Block W. B. La idea d’un pensament que crea imatges en el Museu de Granollers (2005-2006) o Estratègia de la precarietat en el Centre d’Arts Contemporànies (ACVIc) de Vic (2014-2015). Junto con Xavier Nueno, acaba de publicar Napa(s). Persitir en lo inacabado (Ediciones La Bahía, 2017).
Lola Hinojosa. Responsable de la Colección de Artes Performativas e Intermedia en el Museo Reina Sofía. Se incorpora a esta institución en 2006 y participa en la creación del Servicio de Conservación de Cine y Vídeo, en el que ha trabajado hasta 2013. Sus principales ámbitos de investigación son la performance, la imagen en movimiento y la teoría de género, en torno a los que ha publicado artículos en revistas y editoriales como Artigrama, Concreta, L’Atalante, Carta o Brumaria, entre otras. Ha formado parte del equipo curatorial de las presentaciones de la Colección del Museo Reina Sofía desde 2009, destacando las muestras Mínima resistencia. Entre el tardomodernismo y la globalización: prácticas artísticas durante las décadas de los 80 y 90 (2013-2014); o Ficciones y territorios. Arte para pensar la nueva razón del mundo (2016-2017).
Xavier Nueno. Historiador y teórico del arte. Ha estudiado en la Universidad Pompeu Fabra de Barcelona y en la École Des Hautes Études en Sciences Sociales de París. Actualmente, realiza un doctorado en el Departamento de Visual and Environmental Studies en la Universidad de Harvard. Su trabajo explora la intersección entre el arte, la tecnología y la política con especial atención a la estética de la información, las sociedades de control y la imagen computacional. Ha ejercido como traductor para las editoriales Siruela y Champ-Vallon. Junto con Francesc Abad ha publicado su primer libro, Napa(s). Persitir en lo inacabado (Ediciones La Bahía, 2017).
Más actividades
Por primera vez, el cine
7 y 14 de junio, 2026 – 12:00 h
La última sesión de esta temporada de Proyector de Luna contempla la sensación del cine por primera vez. El cine como revelación, magia, fantasía y misterio desde la primera mirada, ese primer contacto con el medio como imaginario grabado en la retina de la infancia. A través de dos de sus hitos, el programa muestra Fantasmagorie (1908) de Émile Cohl, el primer dibujo animado de la historia, y Cien niños esperando un tren (1988) de Ignacio Agüero, un largometraje sobre el juego y los orígenes del cine.
Fantasmagorie (1908) de Émile Cohl (Paris, 1857- Villejuif, 1938) es la primera expresión de la historia de un dibujo animado. Émile Cohl fue un ilustrador perteneciente al grupo artístico parisino Arts incohérents (1882-1895), de talento absurdo y surrealista. Si los hermanos Lumière consiguieron levantar de sus butacas a los espectadores que veían cómo un tren se aproximaba a ellos en 1895, Fantamagorie es una experiencia supraterrenal, como la aparición de un espíritu, pero al mismo tiempo inocua y divertida. Lo inanimado cobra vida de la nada y las figuras se mueven por primera vez sin aparente sentido. La animación se relaciona desde el primer momento con la caricatura, la fabulación y lo cómico, un lugar propicio para la ensoñación del público más joven.
Del descubrimiento de un imaginario nuevo surgido de la línea animada hasta el conocimiento del mundo a través de una pantalla. Cien niños esperando un tren (1988) del chileno Ignacio Agüero (Santiago, 1952) narra el descubrimiento del cine por un grupo de menores en un taller sobre los orígenes de este medio en una humilde localidad a las afueras de Santiago de Chile. El juego, la diversión y el aprendizaje se unen a la fascinación por las imágenes. La visión de Fantasmagorie (1908)de Émile Cohl en este taller se transforma en un acto de libertad.
Para transformar los papeles y guardar la memoria
Viernes 5, sábado 6 y martes 9 de junio, 2026 - 18:00 H
En el marco del Instituto Cáder de Arte Centroamericano (ICAC), Museo Tentacular colabora con el artista salvadoreño Jose Campos (La Paz, 1986), conocido como Studio Lenca, en la realización de talleres colaborativos a lo largo de 2026 en torno a la producción de materiales y herramientas artísticas para las luchas sociales del presente. Estos talleres proponen activar y producir elementos que acompañen en el Picnic del barrio de 2026.
El Picnic del barrio es un encuentro organizado junto con la asamblea de Museo Situado, donde el Jardín del Museo se torna plaza pública y se celebran y reivindican las luchas de Lavapiés a través de talleres, conciertos, activaciones políticas, olores, colores y sabores que toman el Museo desde el barrio. En 2026, el eje central que articula el Picnic es la campaña del movimiento Regularización Ya, que defiende el proceso de regularización de personas migrantes en situación administrativa irregular en España. Como preparación del Picnic, estos talleres con Studio Lenca están dirigidos a personas interesadas en la producción de imágenes, objetos y narrativas relacionadas con la lucha del barrio por una vida digna y el proceso de regularización en curso.
Jose Campos se nutre de su propia biografía para su producción artística, marcada por la migración desde El Salvador a Estados Unidos, y de allí al Reino Unido. Así, estos encuentros proponen la construcción de vasijas, objetos que suelen utilizarse para contener líquidos o alimentos, pero que aquí sirven para guardar historias de vida. Partiendo del trabajo con material reciclado procedente de documentos y recortes aportados por residentes del barrio y el Museo, el papel se transforma en un objeto portador de memorias e historias de vida. De esta forma, se resignifica su materialidad para construir colectivamente unos vasos que guardan, hablan, recuerdan y muestran el derecho de las vecinas y vecinos a una vida digna.
Mirar de cerca. De visu
Martes 9 de junio, 2026 - 12:00 h
El 26 de mayo de 1986 se inauguraba el Centro de Arte Reina Sofía en el edificio que durante más de doscientos años había sido sede del Hospital General, restaurado en gran medida por el arquitecto Antonio Fernández Alba. Con motivo del cuarenta aniversario de esta apertura, el Archivo Central propone una serie de activaciones de sus fondos; entre ellas, este taller donde se presentan algunos documentos que sirven para desplegar visual y textualmente los inicios de la institución.
Esta selección de documentación, producida por el Museo Reina Sofía y conservada en su Archivo Central, incluye fotografías, planos y otros documentos que testimonian la transformación arquitectónica y funcional del edificio: desde su uso como hospital a su adaptación como espacio expositivo que pone en valor sus cualidades arquitectónicas y museográficas. Junto a estos materiales, se incorporan algunos fondos heredados de instituciones precedentes, como el Museo de Arte Moderno y el Museo Español de Arte Contemporáneo, así como otros que testimonian importantes hitos de su historia. Un conjunto que, en definitiva, permite contextualizar la trayectoria administrativa y patrimonial que antecede al actual Museo y ofrecer una visión continuada de su desarrollo institucional.
Este proyecto se desarrolla en el marco de Mirar de cerca, una de las líneas que configuran el programa de mediación Casi libros, enfocado en dar a conocer los fondos de la Biblioteca y Centro de Documentación del Museo y difundir las herramientas especializadas para la investigación en el arte y la creación contemporánea, a través de talleres, cursos y guías temáticas.
Exilio y ajenidad
Sábado 30 de mayo y 6 de junio, 2026 - 18:00 H
Durante los años del gobierno de la Unidad Popular tres jóvenes cineastas se presentaron en las oficinas de Chile Films para presentar un proyecto de película: Marilú Mallet, Valeria Sarmiento y Angelina Vázquez. Esta sesión proyecta tres películas que recogen la experiencia de exilio de estas tres directoras. En Dos años en Finlandia, Angelina Vázquez retrata las condiciones sociales y laborales de las personas chilenas refugiadas en el país nórdico. La ficción Lentement, dirigida por Marilú Mallet, sigue a una joven exiliada chilena por los espacios de Montreal contaminados de nostalgia y rabia política. En Huellas, Valeria Sarmiento vuelve a Chile para indagar en la memoria de la violencia ejercida por la dictadura militar de Pinochet. La sesión culmina con un coloquio con las tres cineastas, reunidas por vez primera.
De Norte a Sur, de Sur a Norte
Domingo 31 de mayo y viernes 5 de junio, 2026 - Consultar horarios
Marilú Mallet recorre, como en una road movie, su Chile natal tras cuarenta años de exilio. El viaje supone una exploración del dinamismo de la identidad nacional, lo que lleva a la cineasta a volver a cuestiones ya tratadas en su propia filmografía y a buscar nuevas formas de filmar el encuentro entre un cuerpo y el paisaje.