Perspectivas transnacionales sobre Aurèlia Muñoz y el arte de fibra
Jornada de estudio
Aurèlia Muñoz, Personajes místicos y cruz, 1964, patchwork de telas (120 x 185 cm)
Museu Nacional d’Art de Catalunya, Barcelona. Donación de los herederos de Aurèlia Muñoz, 2019
Celebrada el 02 sep 2026
Con motivo del fin de la exposición Aurèlia Muñoz. Entes, esta jornada de estudio reúne a voces expertas del panorama internacional para explorar las conexiones y afinidades entre los diversos movimientos que renovaron los lenguajes del arte textil contemporáneo a partir de finales de la década de 1960. Movimientos como la nouvelle tapisserie o el emergente Fiber Art o «arte de fibra» encontraron, desde esa década en adelante, epicentros en lugares tan diversos como Lausana, Varsovia, Nueva York, São Paulo o Barcelona. Sus figuras clave, entre las que se encontraba la propia Aurèlia Muñoz, encarnaron una comunidad de artistas en constante diálogo y evolución formal.
De la mano de figuras expertas y el equipo curatorial de la exposición, la jornada de estudio Perspectivas transnacionales sobre Aurèlia Muñoz y el arte de fibra ofrece claves para situar la obra de la artista en un marco atravesado por grandes debates tanto ecopolíticos como estéticos, que encuentran fuertes resonancias con las dinámicas artísticas actuales.
Organiza
Museo Reina Sofía
Agenda
miércoles 02 sep 2026 a las 17:30
Aurèlia Muñoz y sus «entes» híbridos: en busca de vínculos en el mundo internacional del arte
—Conferencia magistral a cargo de Juliet Kinchin con introducción de Manuel Cirauqui, director científico de la exposición
Historiadora y conservadora de textil en instituciones europeas y norteamericanas, Juliet Kinchin es una gran conocedora de la obra de Aurèlia Muñoz y responsable también de la incorporación de sus obras a la colección del MoMA de Nueva York. En su conferencia magistral, Kinchin repasa algunos hitos de la carrera de Muñoz, desde su primera exposición en Escocia hasta su consolidación como figura de referencia en el contexto internacional del llamado Fiber Art o «arte de fibra». Una consolidación que la propia Muñoz desafió insistentemente, escapando a la categorización técnica y redefiniendo constantemente las posibilidades de la práctica.
miércoles 02 sep 2026 a las 18:30
De la nouvelle tapisserie al interés por las prácticas ancestrales y comprometidas de la actualidad
—Mesa redonda. Participan: Giselle Eberhard Cotton y Grant Watson. Modera: Rosa Lleó
Aurèlia Muñoz participó en seis ediciones de la Bienal Internacional del Tapiz de Lausana y formó parte de una importante red internacional relacionada con el arte textil entre finales de los setenta y los años ochenta del siglo XX. Con el objetivo de situar su obra en dicho contexto y entender su repercusión, y así poder enlazarlo con el renovado interés por el textil en la actualidad, esta sesión invita a dos especialistas en la materia a intercambiar perspectivas: Giselle Eberhard Cotton, primera directora de Fondation Toms Pauli de Lausana y coautora del libro de referencia From Tapestry to Fiber Art: The Lausanne Biennials 1962- 1995; y el comisario, escritor e investigador Grant Watson.
miércoles 02 sep 2026 a las 19:30
Aurèlia Muñoz. Aproximaciones a la técnica y la materialidad textil
—Conversación entre Sílvia Ventosa y Sara Martinetti
Si algo definió la práctica textil de Aurèlia Muñoz fue su capacidad de reinterpretar técnicas artesanas para la concepción de obras contemporáneas, así como su voluntad de disolver las fronteras entre tejido, escultura y arquitectura flexible. La historiadora e investigadora Sara Martinetti, cuyos trabajos buscan conectar disciplinas como la antropología de la escritura, el textil y las artesanías, aborda, en diálogo con Sílvia Ventosa, la articulación de materiales y técnicas para revelar vínculos que atraviesan la práctica de Muñoz.
Participantes
Manuel Cirauqui
(Zaragoza, 1978) es comisario, escritor y director de einaidea, plataforma de investigación y programación de la Fundació Eina (Barcelona) que opera como generadora de proyectos artísticos, programadora de estudios intensivos y oficina curatorial. En diálogo con el Archivo Aurèlia Muñoz, einaidea ha llevado a cabo las exposiciones Aurèlia Muñoz. Entes (2026) para el Museo Reina Sofía y el Museu d’Art Contemporani de Barcelona (MACBA), de la que Cirauqui es el director científico; y Aurèlia Muñoz. Taller aeri (2023), presentada en el Centro Grau-Garriga de Arte Textil Contemporáneo de Sant Cugat del Vallès (Barcelona). En la trayectoria de Cirauqui destaca igualmente su rol como curador del Museo Guggenheim Bilbao, donde ha organizado las exposiciones Artes de la Tierra (2025), June Crespo. Vascular (2024), Secciones/Intersecciones: La vida material (2022), El arte y el espacio (2017), y Anni Albers. Tocar la vista (2017), entre muchas otras. Entre sus proyectos curatoriales previos destacan colaboraciones con el Museo Tamayo (México), Dia Art Foundation (Nueva York) y Jeu de Paume (París).
Giselle Eberhard Cotton
es historiadora del arte y museóloga, formada en la University of East Anglia (Reino Unido) y en la École du Louvre de París. Tras una primera etapa profesional dedicada a la organización de exposiciones y al mercado del arte, en 2002 fue nombrada la primera directora de la Fondation Toms Pauli de Lausana, coincidiendo con su creación. Durante más de veinte años ha contribuido a consolidar el prestigio de esta institución y de sus colecciones de tapices antiguos y modernos. En 2010 publica The Toms Collection: Tapestries of the Sixteenth to Nineteenth Centuries (Fondation Toms Pauli, 2010) y en 2017, es coautora, junto con Magali Junet, de From Tapestry to Fiber Art: The Lausanne Biennials 1962–1995 (Skira, 2017). Como conferenciante, ha dado a conocer la historia del Fiber Art. Actualmente es directora honoraria de la Fondation Toms Pauli.
Juliet Kinchin
es historiadora cultural y autora independiente afincada en Escocia. Entre 2008 y 2022 es conservadora del Departamento de Arquitectura y Diseño del Museum of Modern Art (MoMA) de Nueva York, donde organiza numerosas exposiciones, entre ellas Taking a Thread For a Walk (2019-2021). Durante esta etapa, impulsa la incorporación de la obra de Aurèlia Muñoz y de muchas otras artistas mujeres a la colección permanente del museo. Su trabajo curatorial y sus publicaciones abarcan diversos ámbitos del diseño y la cultura del siglo XX. En la actualidad desarrolla una investigación, en colaboración con especialistas de Hungría y Rumanía, sobre las intersecciones entre los textiles, el arte medioambiental y la arquitectura. En el ámbito académico, ha ocupado diversos cargos en la University of Glasgow (Escocia), donde fue directora fundadora del programa de posgrado en Artes Decorativas. Asimismo, ha impartido docencia en The Glasgow School of Art y en el Bard Graduate Center for Studies in Design, Decorative Arts and Material Culture de Nueva York.
Rosa Lleó
(Barcelona, 1980) es comisaria y fundadora de la organización sin ánimo de lucro The Green Parrot (Barcelona), que dirige entre 2014 y 2023, un espacio de referencia dedicado a la producción de exposiciones, publicaciones, residencias y talleres con artistas visuales. También ha sido comisaria e investigadora asociada a la plataforma einaidea de 2023 a 2025 con varios proyectos, entre ellos, la exposición Entes (2026) de la artista Aurèlia Muñoz en el Museo Reina Sofía y el Museu d’Art Contemporani de Barcelona (MACBA). De manera independiente, ha comisariado exposiciones como Reencantamientos. Artistas en las colecciones etnológicas (2024), en el Museu Etnològic i de Cultures del Món (Barcelona), La plaga, el provecho (2024) de Eulàlia Rovira y Adrian Schindler en el Centro Cultural de España (Ciudad de México) y Pedro Neves Marques. YWY, Visions (2020-2021) en CA2M (Móstoles, Madrid), 1646 (La Haya) y CaixaForum (Barcelona). Actualmente prepara una exposición individual de la artista Regina de Miguel para el Institut Valencià d'Art Modern (IVAM).
Sara Martinetti
es investigadora en historia del arte, antropología y teoría de las artes contemporáneas, con especial atención a la escritura y los textiles. Su tesis doctoral, dirigida por Béatrice Fraenkel y defendida en 2020 en la École des hautes études en sciences sociales (EHESS), se centró en las prácticas de escritura y los aspectos teóricos de la obra de Seth Siegelaub en relación con el arte conceptual, el activismo y la investigación. Ha comisariado diversas exposiciones y publicaciones vinculadas a este ámbito de estudio, entre ellas The Stuff That Matters: Textiles Collected by Seth Siegelaub for the CSROT (Raven Row, 2012), Seth Siegelaub: Beyond Conceptual Art (Stedelijk Museum Amsterdam, 2015–2016; catálogo, Walther König, 2015) y Seth Siegelaub: "Better Read Than Dead". Writings and Interviews, 1964–2013 (catálogo, Walther König, 2020). Ha trabajado además junto al crítico de arte Michel Claura, la galerista polaca Anka Ptaszkowska —con motivo de la exposición Anka, au cas par cas (CAPC Musée d’art contemporain de Bordeaux, 2022)— y con Jean-Noël Herlin, para la exposición Jean-Noël Herlin, a junk mail junkie (Centre d’art et de recherches Bétonsalon, París, 2024).
Sílvia Ventosa Muñoz
(Barcelona, 1957) es museóloga, licenciada en Filosofía por la Universitat de Barcelona y doctora en Antropología Urbana por la Universitat Rovira i Virgili de Tarragona. Ha desarrollado una amplia trayectoria profesional en museos de Barcelona: fue conservadora de tejidos y moda en DHub-Museu del Disseny (2008-2023), conservadora y responsable de la gestión científica de las colecciones en el Museu de les Arts Decoratives (2000-2008), conservadora en el Museu Etnològic (1985-1990 y 1994-2000) y en el Museu d’Arts, Indústries i Tradicions Populars (1982-1985). Su investigación se centra en la relación entre cuerpos, identidades, vestimenta y moda, así como en su representación en los museos. Ha comisariado exposiciones sobre historia, fotografía y antropología de la moda, incluyendo proyectos dedicados a Aurèlia Muñoz, de cuyo archivo es responsable. Ha participado también en la recuperación de técnicas textiles a través del colectivo ARPA de artistas textiles y es autora de más de setenta artículos y libros sobre arte textil, vestimenta tradicional y moda.
Grant Watson
es comisario, escritor e investigador, con un interés sostenido por las intersecciones entre las políticas del textil, la sensibilidad queer, las historias de la izquierda y lo transcultural. Su trabajo ha contribuido a visibilizar ideas, medios y formas de práctica insuficientemente representados, a través de proyectos desarrollados dentro, fuera y entre instituciones, así como en plataformas digitales y contextos comunitarios. Estos proyectos incluyen el trabajo en archivos, colaboraciones con artistas e investigadores y procesos de entrevistas de larga duración, cuyos resultados se presentan mediante formatos expositivos, así como a través del sonido, el vídeo y el texto. Watson ha colaborado con instituciones como If I Can't Dance, I Don't Want To Be Part Of Your Revolution (Ámsterdam), la Haus der Kulturen der Welt (Berlín), la Bauhaus Kooperation (Berlín, Dessau y Weimar), SESC Pompeia (São Paulo), el Kiran Nadar Museum of Art (Nueva Delhi), Tate Liverpool y documenta 12.
![Aurèlia Muñoz, Ocell estel S2 [Pájaro-cometa S2], 1982. Archivo Aurèlia Muñoz](https://recursos.museoreinasofia.es/styles/small_landscape/public/Actividades/aurelia-munoz-charlainaugura.jpg.webp)
Más actividades
![Isabel Coixet, 100 Years and You Everywhere [100 años y tú en todos los sitios], 2026, película](https://recursos.museoreinasofia.es/styles/small_landscape/public/Actividades/2.diseminar-mundo.jpg.webp)
John Berger e Isabel Coixet. Modos de seguir viendo
Jueves 17 de septiembre, 2026 - 19:00 H
Ways of Seeing [Modos de ver, 1972] es una de las series de televisión más revolucionarias sobre la historia del arte, el museo y la cultura crítica contemporánea. A lo largo de cuatro episodios, un articulado y entusiasta John Berger desgrana las relaciones del arte clásico con la mirada y las nuevas tecnologías, el desnudo y el feminismo, la pintura sobre óleo y el fetichismo de la mercancía, la publicidad y el consumo. Un nivel de compromiso crítico tan solo equiparable a su capacidad de divulgación; no es de extrañar que la serie, así como el libro que la sintetizara, continúe forjando vocaciones. En esta sesión, los historiadores del arte Alberto López Cuenca y Modesta Di Paola realizan un análisis del Berger audiovisual, con especial énfasis en los capítulos 1 y 4 de la serie. En el primer capítulo, Berger reflexiona acerca de la conexión entre el hecho de ver, mirar y ser a la luz de las nuevas tecnologías, como la cámara de cine. A su vez, analiza cómo la cultura de la reproducción está transformando las pinturas en mensajes o fragmentos de comunicación mientras defiende la importancia del silencio ante las pinturas históricas. En el capítulo cuarto, último de la serie, introduce la publicidad como un nuevo lenguaje icónico-verbal que comparte ciertos principios con el mensaje de la pintura al óleo en tanto que objeto de lujo.
La sesión abre con el estreno de una carta de Isabel Coixet, una de las cineastas españolas más reconocidas internacionalmente, a John Berger, con quien compartiera una larga amistad y admiración. El corto es un una muestra de la presencia ubicua y duradera del autor de Modos de ver, pese a su fallecimiento el pasado 2017.
![Chantal Akerman, Woman Sitting after Killing [Mujer sentada después de matar], 2001, instalación. Museo Reina Sofía](https://recursos.museoreinasofia.es/styles/small_landscape/public/Actividades/chantal-akerman-mujer-sentada-despues-matar.jpg.webp)
En tu pantalla: la historia del arte y del museo ante el reto audiovisual
18, 19 SEP 2026
El congreso En tu pantalla: la historia del arte y del museo ante el reto audiovisual invita a debatir las transformaciones que experimentan la historia del arte y el espacio museístico cuando adoptan el formato audiovisual. El punto de partida es la emblemática serie televisiva Ways of Seeing (1972) de John Berger, un hito en la democratización del discurso histórico-artístico. En esta serie, el escritor ilustraba cómo el traslado de una obra como Los fusilamientos del 3 de mayo de Goya desde las salas del museo hasta la pantalla doméstica alteraba por completo la experiencia del espectador, haciendo que la imagen viajara hacia él.
En el siglo XXI, este ecosistema de pantallas se ha expandido exponencialmente. Los museos ya no solo integran proyecciones y dispositivos en sus salas físicas, siguiendo la estela de numerosas exposiciones dedicadas a la imagen en movimiento, sino que despliegan complejas estrategias virtuales. Al mismo tiempo, multitud de personas historiadoras, estudiantes y creadoras utilizan plataformas digitales para difundir ideas y proyectos. Este giro audiovisual abre el acceso a materiales ignorados y democratiza el conocimiento, y además desafía las jerarquías tradicionales y la autoridad interpretativa de las instituciones. El congreso, promovido por el proyecto de investigación ATLAS AV: La audiovisualización de la historia del arte y del museo, propone analizar este abundante material audiovisual, sus archivos y su capacidad para transformar la memoria del arte.
Godard y Miéville: tiempo y ruina
Viernes 18 de septiembre, 2026 - 19:00 H
Habitar las ruinas del museo como institución que produce significado y ordena el conocimiento era la petición que el crítico de arte Douglas Crimp formula a los artistas de la posmodernidad crítica en la década de 1980. Es decir, exponer en el museo, pero evidenciando su crisis y sus zonas de sombra. Tal es también la pretensión de Jean-Luc Godard y Anne-Marie Miéville en estos dos mediometrajes. El primero, The Old Place. Small Notes Regarding the Arts at Fall of 20th Century (1999), es un encargo de The Museum of Modern Art (MoMA). En el ocaso del milenio, los autores proponen veintitrés tesis de lo que queda de ese «viejo lugar», que no es otra cosa que un museo extenuado tras un siglo de barbarie. Quizás, insisten con melancolía, el museo deba seguir siendo simplemente una idea, una «leyenda», mientras se suceden imágenes de obras de arte que caracterizaron el siglo XX. Reportage amateur (maquette expo) (2006) es otra ruina, en esta ocasión una reliquia. Se trata del único resto de la gran exposición nunca realizada que el autor de Film socialisme preparaba para el Centre Georges Pompidou. Una simple maqueta de papel frágil y doméstica en la que el cineasta había plasmado todo su pensamiento sobre el arte, el cine, la historia, la humanidad; la redención, a fin de cuentas. Un museo imaginario en el que conviven Matisse, Goya, Delacroix, Hannah Arendt, Sharon Stone, Emmanuel Lévinas o Charles Chaplin, y que la videocámara de Anne-Marie Miéville recorre estupefacta mientras la voz en off de Godard desgrana las diferentes salas. Pese a todo, el museo, ese viejo lugar en su dimensión más frágil, se muestra como el único dispositivo capaz de dar forma a las reflexiones de uno de los grandes intelectuales de nuestro tiempo.
![Ariella Azoulay, Un-documented. Unlearning Imperial Plunder [Indocumentados. Desaprendiendo el saqueo imperial], 2019, película](https://recursos.museoreinasofia.es/styles/small_landscape/public/Actividades/5.diseminar-mundo.jpg.webp)
Museos y restitución
Sábado 19 de septiembre, 2026 - 19:00 H
Siglos de expolio, décadas de amnesia, años de connivencia con el poder más extractivista, ¿tiene el museo, tal y como es conocido, razón de ser en una sociedad poscolonial? En esta sesión se exponen las operaciones del museo como una máquina colonial, a la vez que se apuntan ideas para pensar una institución por venir más justa, igualitaria e inclusiva con las voces marginalizadas y minorizadas de la sociedad en sus narraciones. La sesión comienza con el estreno internacional de Quinto verso, parte de Tonada, en el que se presenta una visión de la Colección Quimbaya (siglos V-VI d.C.) del Museo de América de Madrid. Montada con voces y cánticos de plañideras y guías wayúu, no solo como forma de devolver la función a estos ídolos de oro —figuras antropomorfas de hombres y mujeres usados como recipientes en prácticas rituales — más bien, de fabular que aquello que debe exhibirse no es el oro, sino el cántico mismo propio del ritual. En el clásico Me escondes (1970), el ghanés Kwate Nee-Owoo accede a la colección de arte africano del British Museum, ubicada en los sótanos del edificio, para preguntarse con qué sentido el museo expolia y anula. Un magnífico ejercicio de crítica institucional en primera persona, proyectado por vez primera en España. Casi setenta años después de que Resnais y Marker filmaran Las estatuas también mueren (1953), una reflexión sobre el valor aurático del museo frente a la pertenencia identitaria y cultural del arte africano, la teórica Ariella Azoulay vuelve a rodar las mismas estatuas en el Museo del Trocadero (actual Quay Brainly), las cuales sobreviven y esperan poder reunirse con su gente. Azoulay, en una original propuesta que apunta una lección para el museo del futuro, conecta la migración forzada de estas esculturas con el tránsito masivo de personas cruzando las fronteras artificialmente impuestas por el mismo sistema que ha expoliado su cultura.
Escuela de institucionalidad transformativa y organización local
Del 21 al 24 de septiembre, 2026
La Escuela de Institucionalidad Transformativa y Organización Local (S.T.I.L.O., por sus siglas en inglés) es un programa de coaprendizaje y coestrategia que pone en marcha un proceso de intercambio de preguntas, metodologías y experiencias entre organizaciones culturales. Todo ello con el objetivo de generar y poner en circulación y prototipar tácticas, herramientas y conocimientos colectivos sobre prácticas institucionales que abran nuevas vías para la defensa de la cultura y la transformación estructural en diversos contextos geográficos.
Este proyecto forma parte del Laboratorio de Institucionalidad Compartida (LIC) un espacio de investigación, trabajo e incidencia del Museo Reina Sofía dedicado a desarrollar, experimentar y sistematizar prácticas, protocolos y herramientas que contribuyan a un ecosistema cultural más justo y habitable.
Desde hace unos años, la llamada crítica infraestructural en los museos se cuestiona acerca de las infraestructuras materiales, jurídicas y económicas, entre otras, así como las formas de solidaridad y las prácticas necesarias para sostener el ecosistema cultural. Abordando estos debates actuales, S.T.I.L.O. plantea preguntas sobre los modos en que las organizaciones definen e interpretan sus prácticas, organizan sus relaciones y responden a los contextos sociales en los que operan.
Esta escuela reúne a cuatro organizaciones culturales que trabajan desde distintos modelos institucionales —con escalas, contextos, condiciones y modos de trabajo diferentes—, con el objetivo de poner en común estrategias y herramientas de organización, incidencia y relación con sus comunidades locales.
El programa se concibe como un proceso colaborativo en el que participan Arika, La Revuelta, BAK Basecamp y Museo Tentacular (Museo Reina Sofía), y se estructura en torno a sesiones preparatorias en línea y un seminario presencial en Madrid.
S.T.I.L.O. es una actividad enmarcada en la línea de trabajo Organizaciones Situadas del proyecto Museo de los Comunes de L'Internationale, que reflexiona sobre papel de los museos y las organizaciones artísticas como actores dentro de complejas redes sociales y ecosistemas, con el fin de explorar nuevas formas de democratizar las instituciones y hacerlas más abiertas, inclusivas y útiles.