Adolpho Arrietta

Un giro de tuerca al mito de Pigmalión inspirado por las esculturas vivas del artista argentino Alberto Greco (1931-1965), conocido de Arrietta en el Madrid de la década de 1960. La exmujer de un famoso escultor convence a su amante para que robe la estatua que su exmarido ha esculpido para su próxima exposición en la histórica galería Yvon Lambert. Este se ve obligado a colocar a una modelo como escultura real, la cual acaba siendo adquirida por un coleccionista brasileño. Interpretada por actores profesionales, Michèle Moretti o Howard Vernon, y no-actores, como la comunidad transgénero de Les Gazolines, con los iconos contraculturales Marie France o Hélène Hazéra, el filme es un musical sobre el cruising, la fiesta y el disfraz en el París postradical de Mayo del 68, también un drama entre el matrimonio clásico y las nuevas formas de amar.

«Esta película me la enseñó Jonas Mekas cuando estuve viviendo en su casa en Wooster Street en 1975. Le conocí tras el premio a Las intrigas de Sylvia Couski en el festival de Toulon de 1974, cuyo jurado él presidió y me invitó a Nueva York. Me mostró The Brig porque no tiene nada que ver con lo que yo conocía de sus trabajos, sus diarios.  Esta película tiene más relación con el cine clásico, me sorprendió por lo cruda y terrible que es. Es el Living Theater quien actúa, pero yo no sabía nada, para mí era tan real que me parecía una ficción antes que un documental. Fue una emoción tremenda, un golpe fortísimo. Después de estar con Jonas y sus amigos, como Flo y Ken Jacobs, o Andy Warhol, todo me estimuló bastante, comprendí que mi idea del cine no era una locura ni una extravagancia, lo pasé bastante bien y me sentí muy estimulado por todos ellos». Adolpho Arrietta

Con aires buñuelianos, el autor de un libro titulado Tam-Tam, interpretado por el pintor Javier Grandes, trasunto del propio Arrietta, se encuentra en Nueva York cuando debería estar en una fiesta privada en París a la que nunca llega aunque todo el mundo le está esperando. Tam-Tam proporciona un retablo protagonizado por personajes misteriosos y atractivos, habitantes de la contracultura del momento, como los escritores Severo Sarduy, Enrique Vila-Matas y Michi Panero o la diseñadora trans Maud Molyneux y la modelo activista Paquita Paquin, como si nos hubiésemos perdido en una eterna fiesta parisina. Arrietta utilizó una cámara prestada por Jonas Mekas para rodar el comienzo en Nueva York. Los diálogos improvisados, el tono glam, la actitud dandy y el barroquismo visual nos hablan de la mezcla entre vida y cine. Se escucha un tam-tam de fondo: «¿es el apocalipsis?» —dice uno de los personajes —, «el apocalipsis somos nosotros», contesta otro.

Este ciclo está organizado por equipoMotor, un grupo de adolescentes, jóvenes y personas mayores que han participado en proyectos comunitarios educativos del Museo Reina Sofía. El programa consiste en cuatro bloques temáticos alrededor de lo monstruoso.

Esta última sesión se centra en películas que sacan al museo de su eje y lo obligan a mirar desde los bordes. Obras que trabajan con lo que normalmente queda fuera: territorios periféricos, estéticas poco pulidas, gestos torpes pero llenos de intención. En lugar del brillo institucional, aquí aparecen lo áspero, lo precario y lo extraño como formas legítimas de hacer y mostrar cultura. La idea es pensar qué pasa cuando la autoridad del centro se desplaza, cuando lo feo o lo incómodo no se esconden, sino que se reconocen como parte de lo común. Un cine que no busca gustar, sino abrir espacio y permitir que otras maneras de ver y habitar el museo entren en escena.

La cuarta sesión del programa RECREO se centra en Un marco nuevo. La institución, el mercado y el arte que los excede, el Itinerario III de la nueva presentación de las Colecciones del Museo, recientemente inaugurada, Colección. Arte Contemporáneo: 1975-Presente. De las múltiples derivas que el itinerario propone, el curso se centra en el cuerpo como herramienta de acción y expresión, para poner de relieve su potencial como recurso educativo en el aula. A través de obras vinculadas a la performance, el vídeo o la documentación de acciones sobre las propias obras artísticas, se analiza cómo el cuerpo se convierte en un espacio de experimentación, resistencia y comunicación. 

Las obras presentes en este itinerario muestran cómo, desde finales del siglo XX hasta hoy, un gran número de artistas ha utilizado la acción para cuestionar normas sociales, explorar los límites del cuerpo o activar la implicación del público. Desde este prisma, RECREO #4 Cuerpos en acción. Performance y participación en el arte contemporáneo propone pensar el arte como experiencia viva y ofrece claves para incorporar en el aula dinámicas basadas en el movimiento, la acción y la interacción. 

Este taller forma parte del ciclo de formación online para profesorado RECREO, organizado por el Área de Educación del Museo Reina Sofía en diálogo con el colectivo Cápsula Cultura. RECREO combina la reflexión con propuestas prácticas adaptables a distintos niveles y contextos de enseñanza, además de fomentar el intercambio de experiencias entre docentes.

Este encuentro rinde homenaje a Gerardo Mosquera (La Habana, 1945), curador de referencia, ensayista que ha participado en debates cruciales sobre la descolonización o las derivas de la globalización, comunicador y, principalmente, un crítico de arte que ha sido capaz de situar radicalmente los discursos y las prácticas, sin dejar de asumirriesgos y manteniendo siempre posiciones éticas comprometidas.

Mosquera es uno de los curadores más reconocidos internacionalmente. Implicado en la Bienal de la Habana desde su fundación en 1984 hasta 1989, ha realizado exposicionesfundamentales en museos y centros de arte de distintas partes del mundo. Entre los proyectos que ha liderado, pueden destacarse su actividad como curador adjunto del New Museum (Nueva York, 1995-2009), la Bienal de Liverpool (2006) o la exposición No es solo lo que ves. Pervirtiendo el minimalismo (Museo Reina Sofía, 2000).

La mesa redonda, que cuenta con la participación del propio Gerardo Mosquera y de un conjunto de críticos de arte, pensadores y artistas como Fernando Castro Flórez, Diana Cuéllar, Lillebit Fadraga y René Francisco Rodríguez, plantea una aproximación a la actividad poliédrica y extraordinariamente fecunda de Mosquera como un maestro curatorial consagrado.

En esta conferencia, Manuel Segade, director del Museo Reina Sofía, expone las claves de lectura de la nueva presentación de las Colecciones en la cuarta planta del Edificio Sabatini. Esta nueva organización de los fondos se enmarca en un ambicioso plan de reordenación de los usos arquitectónicos de los edificios del Museo, que continuará en 2027 con la inauguración de la tercera planta de este mismo edificio, para culminar en la segunda en 2028.

La nueva presentación de las Colecciones, inaugurada el 16 de febrero de 2026, ofrece un recorrido por la historia del arte contemporáneo de los últimos cincuenta años desde España. A diferencia de un relato unívoco, esta planta cuenta el mismo período —desde la Transición al presente— de tres maneras diferentes, reiniciándose en los años setenta una y otra vez. 

El recorrido arranca con un prólogo que transita por los afectos, la cultura material y la institucionalidad en la Transición española como punto de partida a los tres itinerarios posteriores. El primero, Una historia de los afectos en el arte contemporáneo, navega desde los sistemas afectivos en la producción artística vinculada a la segunda ola feminista hasta el duelo como herramienta de interpretación de las nuevas realidades. El segundo itinerario, Los poderes de la ficción. Escultura, nuevos materialismos y estéticas relacionales, está concebido como una galería escultórica en la que las obras salen al encuentro del público incidiendo en la parte performativa de esta disciplina. Entre otras cosas, este itinerario muestra cómo, desde los años ochenta, la producción escultórica española ha tenido una gran proyección internacional en la que numerosas artistas mujeres han jugado un papel fundamental.  El tercer itinerario, Un marco nuevo. La institución, el mercado y el arte que los excede a ambos, permite acercarse a los orígenes del Museo y su papel en el proceso de institucionalización del arte en nuestro país. En mayo de 1986 se abría el Centro de Arte Reina Sofía, utilizando las plantas primera y segunda del antiguo hospital: los cuarenta años transcurridos desde entonces permiten reevaluar precisamente los efectos del Museo sobre el arte español y de este sobre la institución.

Con esta charla se refuerza el objetivo de socialización de los relatos producidos desde el Museo, en una etapa en el que las Colecciones están sujetas a revisión permanente.