Celebrada el 14 nov 2018
A partir de la publicación de su último libro, All the Things I Lost in the Flood (Rizzoli, 2018), en el que revisa una trayectoria de más de cuarenta años, Laurie Anderson ofrece en el Museo Reina Sofía una performance sobre temas como la pérdida, la memoria y la narración. En ella transforma e integra poesía, lenguaje y nuevas tecnologías, experimentación sonora y comentarios sobre esculturas, óperas e instalaciones multimedia del pasado, articulando un espacio híbrido donde se difuminan las fronteras entre testimonio, ficción y sensación. Esta conferencia performativa única, ya que Anderson no ofrece otra en España, incluye proyecciones multimedia, intervenciones sobre el código, la voz y el lenguaje digital y reflexiones sobre obras históricas (desde óperas a instalaciones), y está basada en este primer volumen que comprende todas las performances de la artista, además de algunos de sus ensayos sobre lenguaje y narración.
La actividad se enmarca en la exploración que el Museo Reina Sofía ha llevado a cabo en años recientes sobre las correspondencias entre artes en vivo y artes visuales. Esta búsqueda ha dado como resultado la intervención en el Museo de músicos, coreógrafos y bailarines cruciales en la historia de dicha relación —como Merce Cunningham, Martha Graham, Joan La Barbara, Steve Paxton y Simone Forti—, y la exposición de una parte de la Colección orientada hacia estas influencias y contaminaciones recíprocas. Así, en varias salas se muestra la forma en que, desde 1960, el cuerpo y el tiempo se introducen en el arte contemporáneo a partir de la danza, la música y el sonido.
La performance de Laurie Anderson, una de las artistas más relevantes de nuestro tiempo, es otro hito en esta exploración del Museo. Su obra está en el origen de la experimentación sonora con el lenguaje y de la performance multimedia, y ha trabajado en el espacio común entre la música experimental y el arte contemporáneo a partir de dos ideas principales: la primera, que toda experiencia está mediada por la tecnología y es producida artificialmente. Anderson es, de esta manera, una de las pioneras en considerar que la sociedad está dominada por una virtualización absoluta en la que la realidad es solo un elemento más. La segunda, que toda práctica artística es una forma de narración. Su obra, situada entre la música, la performance, las artes visuales y el cine, experimenta en todos estos medios con la forma de contar historias, utilizando el lenguaje para crear sentido. Así, su trabajo avanza y desarrolla el interés por la ficción experimental como manera de producir otros presentes.
Organiza
Museo Reina Sofía
En colaboración con
Participantes
Laurie Anderson (Glen Ellyn, Illinois, 1947) ha explorado indistintamente la performance, la música electrónica, las artes visuales y el cine. Ha publicado diez álbumes de música, entre los que destacan Big Science (1982), Mister Heartbreak (1984), Home of the Brave (1986), banda sonora de su película homónima, Life On A String (2001) y Homeland (2010). O Superman, un tema musical minimalista con voz modificada electrónicamente, marcó el inicio de la cultura posmoderna, según el crítico de arte Craig Owens, y llegó al número dos en la lista de éxitos británicos. Ha compuesto la música de películas de Wim Wenders y Jonathan Demme, de obras coreográficas de Trisha Brown, Bill T. Jones y Molissa Fenley, y de la pieza escénica Far Side of the Moon, de Robert Lepage.
Ha realizado giras internacionales con espectáculos de spoken word y complejas peformances multimedia, como United States I-V (1983), Empty Places (1990), The Nerve Bible (1995) y Songs and Stories from Moby Dick (1999), basado en la novela de Herman Melville. Su obra visual ha sido objeto de exposiciones individuales y colectivas en los principales museos europeos y norteamericanos. Como cineasta, ha realizado los filmes Home of the Brave (1984) y Heart of a Dog (2005), entre otros, además de un amplio número de vídeos.
Ha recibido distinciones y reconocimientos, como el Premio Honorífico a Leyendas del Pratt Institute (2011), el Dorothy y Lilian Gish a toda una carrera artística (2007), el Deutsche Schallplatten por el álbum Life On A String (2001) y numerosos apoyos del norteamericano National Endowment of Arts y de la Fundación Guggenheim. Fue la primera artista en obtener una residencia en 2002 en la NASA por su constante investigación sobre tecnología.
Más actividades
Gerardo Mosquera: pensador insular, curador global
19 MAY 2026
Este encuentro rinde homenaje a Gerardo Mosquera (La Habana, 1945), curador de referencia, ensayista que ha participado en debates cruciales sobre la descolonización o las derivas de la globalización, comunicador y, principalmente, un crítico de arte que ha sido capaz de situar radicalmente los discursos y las prácticas, sin dejar de asumirriesgos y manteniendo siempre posiciones éticas comprometidas.
Mosquera es uno de los curadores más reconocidos internacionalmente. Implicado en la Bienal de la Habana desde su fundación en 1984 hasta 1989, ha realizado exposicionesfundamentales en museos y centros de arte de distintas partes del mundo. Entre los proyectos que ha liderado, pueden destacarse su actividad como curador adjunto del New Museum (Nueva York, 1995-2009), la Bienal de Liverpool (2006) o la exposición No es solo lo que ves. Pervirtiendo el minimalismo (Museo Reina Sofía, 2000).
La mesa redonda, que cuenta con la participación del propio Gerardo Mosquera y de un conjunto de críticos de arte, pensadores y artistas como Fernando Castro Flórez, Diana Cuéllar, Lillebit Fadraga y René Francisco Rodríguez, plantea una aproximación a la actividad poliédrica y extraordinariamente fecunda de Mosquera como un maestro curatorial consagrado.
Conversación entre Miguel Falomir, director del Museo Nacional del Prado, y Manuel Segade, director del Museo Reina Sofía
18 MAY 2026
Los directores del Museo del Prado y del Museo Reina Sofía, Miguel Falomir y Manuel Segade, conversan el lunes 18 de mayo en el Auditorio 400 del Museo Reina Sofía con motivo de la celebración del Día Internacional de los Museos, que este año se celebra bajo el lema «Museos uniendo un mundo dividido». En la charla, moderada por el periodista y poeta Antonio Lucas, los máximos responsables de estas dos grandes instituciones culturales comparten sus reflexiones sobre el papel que desempeñan en la sociedad actual.
Además de abordar la gestión artística, la conversación pretende profundizar en el potencial de los museos como puntos de encuentro ante las tensiones sociales actuales, cumpliendo así con el mandato internacional de la efeméride de este año.
La actividad puede seguirse en directo a través de este enlace.
Colección. Arte contemporáneo: 1975 - Presente
Miércoles 13 de mayo, 2026 - 19:00 h
En esta conferencia, Manuel Segade, director del Museo Reina Sofía, expone las claves de lectura de la nueva presentación de las Colecciones en la cuarta planta del Edificio Sabatini. Esta nueva organización de los fondos se enmarca en un ambicioso plan de reordenación de los usos arquitectónicos de los edificios del Museo, que continuará en 2027 con la inauguración de la tercera planta de este mismo edificio, para culminar en la segunda en 2028.
La nueva presentación de las Colecciones, inaugurada el 16 de febrero de 2026, ofrece un recorrido por la historia del arte contemporáneo de los últimos cincuenta años desde España. A diferencia de un relato unívoco, esta planta cuenta el mismo período —desde la Transición al presente— de tres maneras diferentes, reiniciándose en los años setenta una y otra vez.
El recorrido arranca con un prólogo que transita por los afectos, la cultura material y la institucionalidad en la Transición española como punto de partida a los tres itinerarios posteriores. El primero, Una historia de los afectos en el arte contemporáneo, navega desde los sistemas afectivos en la producción artística vinculada a la segunda ola feminista hasta el duelo como herramienta de interpretación de las nuevas realidades. El segundo itinerario, Los poderes de la ficción. Escultura, nuevos materialismos y estéticas relacionales, está concebido como una galería escultórica en la que las obras salen al encuentro del público incidiendo en la parte performativa de esta disciplina. Entre otras cosas, este itinerario muestra cómo, desde los años ochenta, la producción escultórica española ha tenido una gran proyección internacional en la que numerosas artistas mujeres han jugado un papel fundamental. El tercer itinerario, Un marco nuevo. La institución, el mercado y el arte que los excede a ambos, permite acercarse a los orígenes del Museo y su papel en el proceso de institucionalización del arte en nuestro país. En mayo de 1986 se abría el Centro de Arte Reina Sofía, utilizando las plantas primera y segunda del antiguo hospital: los cuarenta años transcurridos desde entonces permiten reevaluar precisamente los efectos del Museo sobre el arte español y de este sobre la institución.
Con esta charla se refuerza el objetivo de socialización de los relatos producidos desde el Museo, en una etapa en el que las Colecciones están sujetas a revisión permanente.
Patricia Falguières
Martes 12 de mayo, 2026 – 19:00 h
La historiadora del arte Patricia Falguières inaugura la Cátedra María Luisa Caturla con la conferencia La historia del arte en tiempos de oscuridad. Esta cátedra, consagrada a la reflexión sobre el arte de las épocas «enfermas de incertidumbre», está dedicada a desmontar, divagar o imaginar las múltiples temporalidades y materialidades de la historia del arte desde una mirada excéntrica, desplazada, fuera del centro o con un centro diferente.
El título de la conferencia hace referencia a Hombres en tiempos de oscuridad (1968), un conjunto de ensayos escritos por Hannah Arendt cuyo título parafrasea a su vez un poema de Bertolt Brecht. En esta obra, Arendt asevera que «los tiempos de oscuridad no solo no son nuevos, sino que no son una rareza de la historia».
También para Patricia Falguières la historia conoce multitud de épocas en las que el espacio público se oscurece, momentos en los que el mundo deviene tan incierto que la gente deja de demandar a la política cualquier cosa que no sea aliviar el peso de sus intereses vitales y de su libertad individual. Especialista en arte y filosofía de la Edad Moderna, pero siempre con una mirada abierta y curiosa hacia el arte contemporáneo, Falguières propone en este encuentro un recorrido «caótico y aventurero» desde el Renacimiento hasta Fukushima para indagar en preguntas como: ¿qué puede significar hoy, en un mundo que resplandece con destellos siniestros y amenazas más siniestras aún, practicar una historia del arte más allá del entretenimiento o el adorno social? y ¿de qué intereses vitales y de qué libertad puede ser testigo e instrumento esta historia del arte?
De Viva Voz 1. Cabello/Carceller
Lunes 11 de mayo, 2026 — De 18:30 a 20:00 h
La serie fotográfica de Cabello/Carceller Sin título (Utopía) (1998) se despliega en la pared de la Sala 8 de la cuarta planta del Museo como un imponente conjunto de imágenes de distinto tamaño y formato que impregna el espacio de una suerte de melancolía política. Hace reverberar el silencio que, aún hoy, domina los discursos públicos en torno al sida. El desolador escenario que proponen las imágenes de estas piscinas, vacías y fuera de temporada, activa un relato de lucha: la respuesta de activistas y artistas frente a la gestión política de dicha pandemia.
En este encuentro con el colectivo de artistas Cabello/Carceller, en diálogo con la subdirectora artística del Museo Amanda de la Garza, se busca mantener una conversación pausada y reflexiva sobre la obra y sus lecturas, así como conocer de cerca detalles sobre su génesis y repercusión.