ESTUDIO V

La coreógrafa Ola Maciejewska ha investigado profundamente en torno a Loie Fuller (Illinois, 1862-París, 1928), una de las artistas de la danza más innovadoras y reconocidas del modernismo. La pieza Loie Fuller: Research (2011), de Maciejewska pudo verse en el Museo Reina Sofía en primavera de 2018. Consistente en una sucesión de ejercicios físicos que utilizaban el “vestido danzante” inventado por Fuller, la propuesta ponía en tensión y en relación lo escultórico con la figura que esculpe y baila el tejido. Ya entonces la idea de fuerza física y de aguante (necesarios para soportar el peso de las grandes telas) revelaba una concepción singular de la danza y de la figura de la bailarina: la de un cuerpo que es siempre en relación con otros cuerpos y seres vivos o inertes.

FIGURY (przestrzenne) [FIGURA (espacial)] amplía y da continuidad a estas indagaciones. Consiste en un solo de danza que se pregunta por la relación del cuerpo con su entorno, al cual trata de incorporar a través de los gestos y movimientos de una serie de esculturas o figuras porosas, que entran en relación directa con el espacio o que, yendo más allá, son construidas por él. El trabajo corporal se activa en torno al sentido de deceleración del tiempo y a la idea de resiliencia física. Lo que se busca es habitar, adaptarse, escuchar y producir nuevas relaciones entre el cuerpo y lo que lo rodea, para así revelar no solo espacios, sino también temporalidades coexistentes. El interés por lo escultórico en esta pieza no solo tiene que ver con la disciplina artística, sino con la pregunta acerca del compromiso que un cuerpo adquiere con su entorno —espacial, arquitectónico, institucional, afectivo, físico, sensible— más inmediato. Maciejewska insiste en la idea de que todos los elementos del espacio en el cual esta pieza se despliega “devienen verbos” que participan de la acción y modifican su estado: una pared, una obra artística, un suelo frío de mármol, un perro, un árbol, una espectadora.

La palabra “przestrzenne”, significa figura espacial en polaco. FIGURY (przestrzenne) alude a la manera en que el cuerpo es siempre dependiente de algo que va más allá de sí mismo, de la manera en que las plantas dependen de la luz. Esta dependencia particular se basa en un doble ocultamiento: algo que intuimos como distinto a lo humano pero que existe dentro de lo humano.

Ficha artística:

Concepto y performance: OlaMaciejewska
Producción: Caroline Redy. So We Might As Well Dance
Coproducción: CND Pantin, Cndc Angers
Residencias: Pact Zollverein, Muzeum Susch (Programa Acziun)
Proyecto realizado con la financiación de la Direction régionale des Affaires culturelles (DRAC) Bretagne – Ayuda a proyectos coreográficos

ágidxen es una transcripción fonética de una variación dialectal del adverbio “agerian”, que en euskera deriva del verbo “ageri”, elemento importante en la lengua y epistemología vascas. Traducciones posibles de “agerian” son: a la vista, al descubierto, públicamente o abiertamente, pero es un término que, en este caso, remite al aprendizaje adquirido por el artista en el entorno del hogar para referirse a la circunstancia específica en la que una persona de la familia se queda destapada por la noche. 

Este hecho (quedarse destapada) invita a una sencilla forma de cuidado que es que otra persona lo cubra, bien de madrugada o pronto por la mañana. Es una circunstancia que se nombra —y que se sobrentiende sin necesidad de ser explicada— a través de una palabra, ágidxen, que al ser pronunciada genera una sonoridad específica. Es una manera de decir que transmite un estado particular y que hace de la palabra, y de la lengua, un lugar compartido entre los cuerpos y las voces.

Un cuerpo queda destapado, sin protección, como un llamado a ser atendido por otres. La lengua, como órgano muscular de la boca, también queda al descubierto en el momento de la pronunciación de las palabras. Hablar, decir, nombrar, es poner la lengua (anatómica y lingüística) en contacto con el aire. Dejar la lengua al descubierto, abiertamente. ágidxen pone la atención en la fonación para observar cómo se elabora cada sonido en el cuerpo, comprendiendo que la voz es cuerpo y materia, y aquí, en el Jardín del museo, es también follaje y penumbra. De la misma manera, busca tomar consciencia del momento de la emisión y de los paisajes semánticos, a veces abstractos, que esta convoca.

La acción de hacer sonar la voz, como hecho físico, también despierta la atención sobre otras formas de presencia. En primer lugar, sobre la oralidad que, como práctica colectiva, da cuenta y nos hace darnos cuenta de lo que somos, produciendo memoria y elaborando historia. En segundo lugar, porque el espacio de la acción y pronunciación se conforma junto a la vibración de la composición musical, producida por Estanis Comella. Las distintas morfologías de la voz y el sonido se entrevén, quedándose al aire o tapándose, en una acción de escucha y cuidado mutuo. Los fonemas, las palabras, las frases, el sonido ambiente, el aire, los pájaros, los susurros abren espacios mentales, imaginarios y físicos. Hacen realidad.

Ficha artística:

Performance: Josu Bilbao y Estanis Comella
Con el apoyo del Departamento de Cultura y Política Lingüística del Gobierno Vasco
ágidxen tuvo una primera fase, llamada askiè altu, en el paraninfo de la Universidad del País Vasco/Euskal Herriko Unibertsitatea, en Bilbao, en el marco de los encuentros Urak dakar, comisariados por Bulegoa z/b

“La coherencia e insistencia del trabajo de Paz ha generado vastas y fructíferas constelaciones, atravesadas por preguntas sobre lo que hace la danza y el entramado afectivo, político y estético de la coreografía y su relación con las fuerzas e impulsos del sistema capitalista, con el fin de ahondar en la posibilidad de un modo de subjetivación sustraído a su régimen de producción de valor”
Andrea Rodrigo

Lo que baila busca, a través de un modo de operar arraigado en la danza, hacer presente algo que no está, porque ya ha sido y porque, al no ser, queda guardado en forma de latencia, como un evento por venir, que puede volver a aparecer en cualquier momento y bajo muchas formas. Esta forma, nos dice Paz Rojo, es una forma encontrada, “una huella o un residuo que pide ser disfrutado desinteresadamente”.

Esta pieza recoge y moviliza, hace aparecer y desaparecer los hallazgos, se mantiene en un movimiento continuo, parecido al movimiento de la conciencia, que pasa de un pensamiento o de una observación a la siguiente, sin quedarse con ninguna de ellas, dejando que estas circulen en el desapego, que se deslicen en el sentir directo del baile físico. Abrir sentires y sentidos que se desmarcan de la pretensión de una subjetividad propia. Bailar la desubjetivación hasta agotarla. Dejar que, haciendo esto, se perciban los contornos vibrantes de un cuerpo que no termina donde termina la piel.

Ficha artística:

Concepto, danza y diseño del espacio sonoro: Paz Rojo
Edición sonora: Paz Rojo y Emilio Tomé
Con el apoyo del Festival Domingo-La Casa Encendida (Madrid, 2021) y los programas de residencias de creación escénica del Centro de Cultura Contemporánea Condeduque (Madrid) y Köttinspektionen Dans (Uppsala, Suecia)