ESTUDIO I

Esta primera sesión, dirigida a los estudiantes del centro de estudios y organizada en colaboración con el equipo de la Radio Reina Sofía, presenta un encuentro y una conversación entre los artistas invitados, a partir de materiales sonoros, citas y referencias implícitas en sus respectivas investigaciones. Durante dos horas y media, quienes hablan y quienes escuchan experimentarán en directo la realización de una cápsula de radio que posteriormente será publicada en el archivo de la RRS.

El encuentro será en inglés y castellano, sin traducción.

Respondiendo a la invitación de ESTUDIO, Juan Domínguez recorre la memoria de sus obras Todos los buenos espías tienen mi edad (2002), Entre lo que ya no está y lo que todavía no está (2016) y Mi única memoria (2018); una dinámica, la de la revisión a través del recuerdo, implícita en la estructura de cada una de ellas.

Ejercicio se presenta como un experimento, una forma de prestar atención a las relaciones que se crean entre las mencionadas obras, deambulando de una a otra como si de arquitecturas se tratase, generando tránsitos y descansando de vez en cuando en una o dos de ellas para observar qué se dicen, qué le dicen y qué nos dicen en su confluencia.

Ficha artística
Creación e interpretación: Juan Domínguez

“En sus obras Juan Domínguez nos hace trabajar, pensar, sentir. Se puede decir que la combinación de intelectualidad y de pasión se percibe en cada uno de sus trabajos, pero quizás sea en los solos donde se evidencie más claramente este diálogo. En ellos se aprecia la lógica de una investigación precisa en torno al lenguaje y a la forma, y la búsqueda de una sacudida al estatuto del yo. Cada uno conlleva una reflexión en torno a las estrategias para compartirse en escena, y demuestra una urgencia por provocar movimientos en el espectador.”

(Isabel de  Naverán y Andrea Rodrigo)

Black es un solo de Mette Edvardsen en el que investiga y pone a prueba el acto de hacer aparecer cosas en el espacio gracias al lenguaje. En un primer momento, el espacio se presenta vacío, sin nada en él a excepción del cuerpo de la artista. A través de la palabra hablada y de los movimientos que ella realiza en escena, un mundo aparecerá como “visible”. Un mundo donde la artista, actuando, funciona como la mediadora entre el público y lo que está ahí, delante de sus ojos. Black propone un juego que se despliega en el tiempo y en el espacio, donde solamente el cuerpo está físicamente presente, actuando y manejando objetos invisibles, intentando constantemente salvar la distancia que existe entre el pensamiento y la experiencia, entre el aquí y el allá.

Tras la presentación de esta pieza tendrá lugar un encuentro con Mette Edvardsen, presentado y moderado por la investigadora Victoria Pérez Royo. En él ambas conversarán sobre intereses comunes tomando como eje y guía algunas de las últimas piezas de Edvardsen, como son Oslo (2017), We to be (2015) y No Title (2014). Las tres, junto a Black, forman un conjunto de piezas cuyo denominador común es el estudio de los límites del lenguaje y el acceso a la imaginación para intervenir y expandirse hacia el espacio real.

Ficha artística

Creación e interpretación: Mette Edvardsen
Producción: Mette Edvardsen/Athome
Coproducción: Black Box Teater (Oslo), Work Space (Bruselas)
Colaboradores: Kaaitheater (Bruselas), Vooruit (Gante), Netwerk (Aalst) 
Apoyos: Norsk Kulturråd, Fond for Utøvende Kunstnere, Ministerio Noruego de Asuntos Exteriores

“Estas cuatro piezas comparten una misma economía de la reducción al mínimo de los elementos con los que se juega y la exploración exhaustiva de sus posibilidades, y una forma particular de habitar el abismo entre texto y cuerpo.

 En el tránsito de uno a otro se articulan una serie de tensiones entre la repetición del texto y su anclaje aquí y ahora en cada teatro y con cada público, entre la repetición y la apertura de posibles, entre la repetición y el inventario, entre imaginar tantísimo y ver tan poco, entre la ausencia palpable de lo que no está, pero que se hace presente por medio del lenguaje, una ausencia al final tan presente, rica, variada, diversa y posible, que inaugura un paisaje escénico singular: nunca un espacio vacío estuvo tan lleno.”

(Victoria Pérez Royo)

Fregoli, de Quim Pujol, es un ejercicio que apela tanto al personaje del célebre transformista Leopoldo Fregoli (1867-1936) como a la vanguardia de las artes en vivo para celebrar, en palabras del autor, “la capacidad de transformarnos, el ser en movimiento y sus inagotables posibilidades”.

Bajo la pregunta “¿qué nos queda aún por aprender de Fregoli?”, el artista presenta una serie de números de transformismo, en los que, sin embargo, nunca cambia de apariencia; su transformación se opera a través del lenguaje y de la voluntad de repensar, desplazar y alterar lo conocido.

Ficha artística
Texto e interpretación: Quim Pujol
Asistencia artística: María y Cuqui Jerez
Agradecimientos: Eva Serra

Este proyecto se llevó a cabo con la ayuda del programa “Artistas en Residencia” de La Casa Encendida de Madrid y el Centro de Arte 2 de Mayo de Móstoles.

Gritar es un acto inmediato, afectivo, que revela al mismo tiempo un fuerte poderío y una profunda vulnerabilidad. Abres la boca y con fuerza expulsas el aire de tus pulmones, a través de la garganta, dejando que salgan sonidos por un agujero en mitad de tu rostro. Cuando chillamos, es nuestra alma la que grita.

Gritar puede ser un arma, una herramienta, la forma de expresión más individual, una manera de relajar tensiones… No gritar normalmente está relacionado con la (auto)censura, con la supresión, la conformidad, la normalización. Por tanto, gritar es un acto político.

Para esta primera edición de ESTUDIO, Vanhee elabora una conferencia performativa concebida como una suerte de antología del grito, una recopilación y recorrido histórico a través del acto de gritar vinculado a movimientos sociales y políticos. Una compilación de gritos pronunciados o no, que son reflejo de cómo la historia, la política, el género y otras dinámicas complejas influyen sobre nuestra capacidad de gritar y nos hacen preguntarnos por qué no gritamos cuando debimos hacerlo.

Ficha artística
Texto, presentación, investigación: Sarah Vanhee

Una conferencia sobre la repetición, el amor, la traducción, el ritmo y lo material. It could be that the saddest thing is not knowing that one is sad (Puede que lo más triste sea no saber que estás triste) se basa en una práctica de la escritura, del acto de dirigir los pensamientos, a través de distintas formas de escritura, hacia alguien que lo va a leer.

Lo que comenzó siendo una charla en torno a la repetición, acompañada de una banda de música, se transforma, respondiendo a esta invitación, en una carta escrita para ser traducida por su lector. La carta permite un formato que es abierto y a la vez tiene una dirección específica. Los pensamientos se comparten de manera tan directa como abstracta.

Ficha artística
Texto, presentación, creación: Mette Edvardsen
Traducción: Quim Pujol

“¿Qué tipo de actividad es la escucha del ritmo? ¿Es, quien escucha, una suerte de bailarín-escuchante incluso cuando está sentada en el patio de butacas en la oscuridad? Creo que es posible crear un puente entre quien se mueve físicamente en el espacio y quien atiende a un movimiento interior a través de la escucha, aquel o aquella que está modulando su atención, orientándose en el profundo espacio interior de la música.”

(Alma Söderberg)

Deep Etude surge como un estudio profundo en torno al polirritmo de la mano de la coreógrafa Alma Söderberg en colaboración con el artista sonoro LeChat W. DeHendrik. Es una pieza de danza y, al mismo tiempo, una obra musical en la que danza y música resultan potencialmente separables y a la vez inseparables para la vista y el oído del espectador. Si son separables es porque ambas cualidades, musical y gestual, pueden por momentos intercambiar sus roles. Y son inseparables por cuanto una hace que la otra se perciba con mayor nitidez y viceversa. En cualquier caso, ambas actúan por separado en esta pieza. Figura y fondo alternan su posición, de manera que una parece esculpir a la otra: hay momentos en que la danza pasa a ser el fondo sobre el que la música actúa y otros en que el movimiento excava un sonido que parece emerger hacia la superficie.

En este sentido, Deep Etude es una composición y una práctica, un estudio que deviene ritmo y que analiza nuestra capacidad para escucharlo y atenderlo. El acto de bailar es una transformación de diversos ritmos que, juntos, forman uno general; las distintas capas, los huecos entre sonidos y movimientos, las síncopas, los acentos en las zonas no señaladas, los quiebros, un constante discurrir de flujos y cortes musicales que juegan y actúan simultáneamente en nuestras mentes y cuerpos.

Ficha artística
Creación e interpretación: Alma Söderberg
Sonido: Lechat W. DeHendrik
Dramaturgia: Igor Dobricic
Diseño de iluminación: Pol Matthé
Asesoría artística: Anja Röttgerkamp
Producción: Manyone
Coproducción: Kunstenfestivaldesarts, BUDA, PACT Zollverein, Riksteatern, Vooruit
Apoyos: Swedish Arts Council (Kuturrådet)
Espacios de residencias: STUK, BUDA, Kunstenwerkplaats de Pianofabriek, Tanzfabrik, Charleroi Danse/Raffinerie, Beursschouwburg
Alma Söderberg cuenta con el apoyo de apap – Performing Europe 2020, un proyecto cofinanciado por el Programa de Europa Creativa de la Unión Europea