Celebrada el 23 ene 2021
Pan-Pan Kolektiva se constituyó en marzo de 2020 como un grupo de investigación sobre la escucha. PAN PAN es una llamada estándar de emergencia basada en el acrónimo inglés PAN que significa Pay Attention Now [presten atención ahora], que no es tan urgente como MAYDAY. Puede ser que tras la crisis sanitaria y social mundial generada por la COVID-19, la sociedad no esté en un punto terminal, pero sí requiere que se le preste atención. A esta crisis se añade la incertidumbre proveniente de situaciones laborales y personales que, de partida, ya eran dramáticas, por lo que estamos asistiendo a un incremento del individualismo, la soledad y el aislamiento, que puede llegar a producir desequilibrios sicológicos.
En estos meses Pan-Pan Kolektiva ha centrado su interés en analizar, mediante la escucha, los efectos de estas crisis. El colectivo ha estado observando cómo la fragmentación social antes descrita ha desencadenado el ascenso simultáneo y extrañamente relacionado de ideologías totalitarias con el auge del New Age, o de movimientos antimascarillas que amparan teorías de la conspiración. En general, lo que se ha denominado como “conspiritualismo”.
Pan-Pan Kolektiva parte de la hipótesis de que la situación actual está produciendo un trauma colectivo y de la siguiente pregunta: ¿Tenemos las herramientas necesarias para escucharnos lxs unxs a otrxs, o necesitamos crear unas nuevas?
A partir de esta interrogante Pan-Pan Kolektiva está trabajando en el concepto de escucha postraumática, una forma de escuchar aún no definida ni asentada, que relega nuestra posición de sujeto individual para colectivizar el malestar y las experiencias de duelo. Para ello, el colectivo ha contactado con una serie de artistas, pensadorxs y agentes culturales a lxs que ha encargado producir una serie de herramientas que se presentan públicamente en este evento.
El encuentro cuenta con diversos ejercicios de escucha conducidos por Víctor Aguado Machuca, Elisa Arteta, José Begega, José Luis Espejo, Grupal Crew Collective (GCC) Susana Jiménez Carmona, Mattin, Violeta Mayoral, Agnès Pe, Miguel Prado y Arnau Sala.
Comisariado
Pan-Pan Kolektiva
Enlace relacionado
Organiza
Museo Reina Sofía
Participantes
Víctor Aguado Machuca es artista, arquitecto, músico y comisario. Es presidente de la Asociación de Música Electroacústica de España (AMEE) e investigador en Filosofía y Ciencias de Lenguaje en la Universidad Autónoma de Madrid. Ha comisariado exposiciones en instituciones como el Instituto Iberoamericano de Finlandia (Madrid), Medialab-Prado (Madrid), el Instituto Cervantes de Berlín y Nueva York, The Graduate Center, CUNY (Nueva York) o el Oolite Art (Miami).
Elisa Arteta es bailarina y coreógrafa. Cuenta con el Máster en Arte Contemporáneo Tecnológico y Performativo de la Universidad del País Vasco, y el Máster en Práctica Escénica y Cultura Visual de la Universidad de Castilla-La Mancha y Museo Reina Sofía. Combina sus proyectos artísticos en el campo de la coreografía con su trabajo en gestión, siendo codirectora del Centro Huarte. Su trabajo, que ha podido verse en multitud de espacios artísticos dentro y fuera de España, investiga la propiocepción y la relación entre la mente y el cuerpo.
Jose Begega es artista visual licenciado en Bellas Artes por la Universidad Politécnica de Valencia y con Máster de Producción e Investigación Artística por la Universidad de Barcelona, actor porno y trabajador sexual. A través de su propio cuerpo, su experiencia vital y el entorno investiga sobre el espectador como sujeto activo del proceso artístico, la pornografía, la construcción de identidades y ficciones, internet, entrevistas y medios audiovisuales para cuestionar la noción de realidad.
José Luis Espejo es docente, investigador y comisario de exposiciones y conciertos. Formado en Historia del Arte, centra sus investigaciones en las relaciones entre el arte y la cultura de la escucha. Participa en proyectos autogestionados como Mediateletipos, Ursonate Fanzine o el Observatorio de la Escucha. Es asesor del programa de artes en vivo (música-sonido) del Departamento de Actividades Públicas del Museo Reina Sofía, de cuya Radio es colaborador y miembro fundador. Coordina el módulo de Teoría e Historia en el Máster de Industria Musical y Estudios Sonoros en la Universidad Carlos III de Madrid.
Grupal Crew Collective (GCC) es una plataforma abierta, mutante y transdisciplinar, de origen diverso y base en Madrid, que centra sus esfuerzos en investigar el potencial de la música y la fiesta como instrumentos de agitación cultural y agregación social. GCC toma su inspiración en la creación colectiva inherente a las prácticas lúdico-musicales de todo tipo de comunidades y subculturas, para reivindicar su valor normalmente desacreditado en los ámbitos del Arte, de la Cultura y la Política (las mayúsculas no son gratuitas).
Susana Jiménez Carmona es Doctora en Ciencias Humanas y de la Cultura por la Universitat de Girona y titulada superior de Guitarra por el Conservatorio Profesional de Música de Córdoba. Es profesora en el Máster en Arte Sonoro de la Universitat de Barcelona. Su trabajo discurre entre la música, el arte sonoro y la filosofía abarcando la investigación, la docencia y la propia práctica artística, especialmente en su vertiente colaborativa. Ha colaborado con diversas compañías de artes escénicas, artistas y colectivos, impartido numerosas conferencias y publicado en diferentes revistas de ámbito internacional sobre música y arte sonoro.
Mattin es artista y teórico sonoro. Su trabajo se centra en la investigación conceptual del ruido y la improvisación. Aborda cuestiones como el papel de la escucha ante la acumulación inabarcable de información digital, en un momento de creciente polarización y fragmentación social; o las potencias que la comunicación no verbal puede activar entre los cuerpos participantes de un encuentro reflexivo. Ha coeditado, junto con Anthony Iles, Ruido y capitalismo (Arteleku, 2011) y participado en documenta14 (2017) con el concierto “duracional” Disonancia social.
Violeta Mayoral es artista multidisciplinar y dramaturga experimental. Licenciada en Comunicación e Industrias Culturales en la Universitat de Barcelona con mención en Semiótica y Teoría de la Imagen en la Universidad Nacional Autónoma de México. Su trabajo se desarrolla bajo la estricta convicción de que no hay nada que no pueda ser significado, explorando, a partir de la puesta en escena de lo cotidiano, cuestiones hermenéuticas que siempre terminan desembocando en una reflexión acerca de la existencia del individuo y su condición semiótica. El ejercicio de Violeta Mayoral se ha realizado con la colaboración de Un coro amateur del CA2M.
Agnès Pe es investigadora musical y productora sonora, además de estar interesada en la pedagogía. Sus producciones sonoras se desprenden de las limitaciones de cualquier género musical, navegando en el detritus que genera a partir de archivos MIDI y narrativas ficcionadas. Actualmente conduce el programa radiofónico Mitt Paté (Radio On Berlin) en el que indaga sobre plunderphonias generadas y distribuidas en el marco de internet.
Miguel Prado es artista e investigador del Departamento de Filosofía de la Universidad del Oeste de Inglaterra, Bristol. Ha escrito extensamente sobre teoría de la información y cibernética en relación con la noción de ruido. Produce música y audio de naturaleza diversa, colaborando con diversos artistas y teóricos sonoros como Mattin, con quien recientemente produjo el pódcast Social Discipline. En la actualidad forma parte de la banda Harrga con Dali de Saint Paul.
Arnau Sala Sáez es músico y artista visual. Sus obras, en diferentes formatos, se retroalimentan unas a otras. El sonido se traduce en estructuras visuales cuya forma se condensa en composiciones sonoras. A través de este hábitat, Arnau construye un sistema en el que sus elementos se relacionan en torno a una misma conciencia. Bajo el nombre Ex Continent el artista presenta instalaciones en las que el sonido, la luz y la imagen coexisten formal y conceptualmente.
Más actividades
Paisajes en trance. El cine de Oliver Laxe
Del 5 al 28 de febrero, 2026 – Consultar programa
El Museo organiza durante el mes de febrero una retrospectiva completa de la filmografía de Oliver Laxe. El ciclo dialoga con la obra HU/هُو. Bailad como si nadie os viera, una instalación del autor de Sirāt concebida para el Espacio 1 del Museo Reina Sofía. El programa incluye los cuatro largometrajes realizados hasta la fecha por el cineasta, así como sus cortometrajes y una carta blanca de cuatro sesiones programadas por el autor en correspondencia con sus películas e intereses creativos.
Oliver Laxe representa una de las miradas más radicales del panorama fílmico contemporáneo. Su cine es un espacio resiliente, espiritual y transcultural, impregnado de un nomadismo cultural y social que refleja la vida y las creencias del cineasta, y que, en último término, propone una ética antimaterialista para afrontar nuestro tiempo. Su filmografía se caracteriza por una profunda espiritualidad, un tiempo contemplativo y una conexión íntima con la naturaleza y lo sagrado. En sus películas, Laxe ha abordado temas universales, como la redención o el sentido de la existencia, a través de relatos que se desarrollan en paisajes remotos, rurales y atemporales con atmósferas influidas por el cine de género, como el western o el policíaco. Los personajes de su cine, en su mayoría actores no profesionales, atraviesan territorios físicos a la vez que experimentan viajes interiores insuflados por la culpa, el deseo de reintegrarse en comunidad o la realización de un propósito final que ignoran. La naturaleza, con especial énfasis en el desierto y en el paisaje, es otro personaje más, una presencia viva y panteísta que condiciona y refleja los conflictos humanos. El tiempo dilatado, la atención a la experiencia sensorial y las alusiones a la religiosidad antigua nos sitúan en una concepción meditativa del cine que apela a ser un manifiesto para reencantar el mundo.
En la carta blanca el cineasta ha programado cuatro películas que cartografían sus obsesiones. Highway (1999), de Serguei Dvortsevoy, una ruta por los páramos de Kazajistan a través de un circo ambulante; Las estaciones (1975), de Artavazd Peleshian, una oda al transcurrir del tiempo a través del paisaje; Trás-os-Montes (1976), de António Reis y Margarida Cordeiro, una ficción etnográfica del campesinado portugués en sus rituales y pureza vital; y La isla desnuda (1960), de Kaneto Shindô, la lucha cotidiana de una familia de cuatro miembros en un paraíso natural.
Algorave. Compartiendo código vivo
Jueves 12 de febrero, 2026 - 19:30 h
La actividad Algorave. Compartiendo código vivo celebra, en diálogo con la exposición Oliver Laxe. HU/هُوَ. Bailad como si nadie os viera, la cultura del código abierto y la música electrónica. Se trata de una muestra-concierto en la que el alumnado de Sonología y Composición del Real Conservatorio Superior de Música de Madrid (RCSMM) pone cuerpo y sonido a los aprendizajes activados durante las VI Jornadas de Creación Sonora del RCSMM celebradas del 10 al 12 de febrero de 2026.
Al inicio de esta Algorave se introduce a las personas asistentes en algunos datos básicos de la cultura del live coding y en nociones elementales que les permitan seguir, a través de proyecciones, el proceso compositivo en tiempo real. A continuación, la música corre a cargo del alumnado del RCSMM, acompañado y respaldado por participantes de Toplap Madrid, colectivo de referencia en la práctica comunitaria y horizontal del live coding.
Este encuentro nace del compromiso didáctico del equipo de Educación del Museo Reina Sofía con el alumnado y el profesorado del Real Conservatorio Superior de Música de Madrid (RCSMM), colaboración iniciada en 2023 con el proyecto Una grieta: Escúchame a través de los oídos de un extraño.
Trabajo cultural
12 FEB 2026
Este ciclo está organizado por equipoMotor, un grupo de adolescentes, jóvenes y personas mayores que han participado en proyectos comunitarios educativos del Museo Reina Sofía. El programa consiste en cuatro bloques temáticos alrededor de lo monstruoso.
Esta segunda entrega propone abordar el cine como un lugar desde el que se visibilizan el trabajo cultural y los procesos de producción que dialogan con la creación artística. A partir de esta premisa, la sesión se centra en explorar cómo se producen, ensamblan y distribuyen los contenidos audiovisuales, desde las manos que manipulan las imágenes hasta los cuerpos que participan en su circulación. Se pretende reflexionar así sobre el esfuerzo invisible, la precariedad y las formas de colaboración que sostienen la vida cultural, que transforman la experiencia cinematográfica en un acto de reconocimiento y cuidado del trabajo común.
Alberto Greco. Viva el arte vivo
Martes 10 de febrero, 2026 - 19:00 h
Con motivo de la inauguración de la exposición Alberto Greco. Viva el arte vivo, Fernando Davis, comisario de la muestra, y Amanda de la Garza, subdirectora artística del Museo Reina Sofía, conversan en el Auditorio 400 del Edificio Nouvel sobre la vida y la obra del artista argentino, figura fundamental de la vanguardia experimental.
La exposición y la charla toman el título de la proclama «Viva el arte vivo», con la que Alberto Greco (Buenos Aires, 1931- Barcelona, 1965) inundó las calles y los muros de Roma. Para Greco, el arte vivo fue el arte del futuro. Un arte basado en un conjunto de gestos irreverentes e intempestivos, de aventuras abiertas a lo imprevisto que se fundían con la propia vida, que inicia en 1962 y para el que más tarde acuña el término «vivo-dito». En su Manifiesto dito dell´arte vivo, con el que empapeló las paredes de Génova, animaba a entrar en contacto «con los elementos vivos de nuestra realidad: movimiento, tiempo, gente, conversaciones, olores, rumores, lugares, situaciones». También en Madrid irrumpe en la cotidianidad de la calle cuando convoca un «momento vivo-dito» que culmina con la quema de un lienzo pintado de manera colectiva en el barrio de Lavapiés.
Además de fundador del arte vivo, Alberto Greco fue pintor informalista, flâneur queer o poeta y actor ocasional. Esta intensa singladura vital y artística está íntimamente conectada además con su deriva migrante, que comenzó en 1950 en Buenos Aires, pasando por Atacama y Humahuaca, París, Río de Janeiro, São Paulo, Génova, Roma, Madrid, Piedralaves, Nueva York o Ibiza, para terminar abruptamente en Barcelona, donde se quitará la vida poco después de escribir su última gran obra, la novela Besos brujos (1965).
Estas charlas inaugurales, que forman parte de una de las líneas de trabajo principales del Área de Programas Públicos, tienen como objetivo profundizar en los contenidos de las exposiciones organizadas por el Museo desde la perspectiva de artistas, comisariados y especialistas.
![Basel Abbas y Ruanne Abou-Rahme, At Those Terrifying Frontiers Where the Existence and Disappearance of People Fade Into Each Other [En esas fronteras aterradoras donde la existencia y la desaparición de personas se disuelven entre sí], 2019](https://recursos.museoreinasofia.es/styles/small_landscape/public/Colecci%C3%B3n/abbasabourahme.png.webp)
Gaza y el esteticidio
Martes 10 de febrero, 2026 – 16:00 h
«Este seminario examina la destrucción sistemática de la sensibilidad colectiva palestina —lo que podríamos denominar "esteticidio"— que ha acompañado al genocidio y ecocidio perpetrados por Israel en Gaza, y considera las condiciones de la práctica artística en su estela. A lo largo de más de dos años, la demolición de universidades, archivos, museos y bibliotecas no solo ha borrado infraestructuras culturales e intelectuales, sino que también ha atacado la propia posibilidad de la representación. La destrucción de un pueblo ha ido acompañada de la destrucción de su imagen, su historia y su capacidad de ser conocido: el periodismo, la investigación académica y la memoria cultural han sido deliberadamente socavados, con instituciones mediáticas, universidades y museos a menudo cómplices de esta represión. Gaza funciona, en consecuencia, como un espacio de ensayo de un posible futuro global —de fascismo, autoritarismo posliberal, fronteras militarizadas y guerra habilitada por la IA—, un laboratorio de un orden mundial emergente. ¿Qué ocurre entonces con el análisis crítico y la resistencia en estas condiciones? ¿Y qué sucede con la estética y la política?».
—T.J. DemosEste seminario tiene lugar gracias a la invitación del historiador del arte a España por parte de la Fundación Miró. En el contexto del museo, dialoga con una línea de trabajo más amplia en torno a la emergencia climática y las perspectivas decoloniales presentes en el proyecto Museum of the Commons (2023-2026), de la red L’Internationale, de la que el Museo Reina Sofía forma parte; así como con algunas de las preguntas que movilizan el grupo de estudio Estéticas de la paz y tácticas de deserción. Por último, también se inserta en una estrategia más amplia de apoyo y compromiso con la creación artística y discursiva de artistas de origen palestino, que tiene su mejor reflejo en la red TEJA.