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Lunes 23 de mayo, 2022 / Edificio Sabatini, Auditorio
Sesión 1. Conferencia inaugural
La inecuación de los números primos
—A cargo de Gonzalo García-PelayoLa matemática como medida del azar está detrás de importantes operaciones artísticas de las vanguardias del siglo XX, como el dadaísmo, la abstracción calculada o el arte procesual. García-Pelayo iniciaría un camino similar al de Marcel Duchamp cuando decide convertir un accidente material, la inclinación de fábrica de las mesas de la ruleta, en un método predictivo que le llevaría a ganar en los casinos de todo el mundo. Este hecho motivaría la prohibición de entrar en casinos, que el cineasta recurriría con éxito ante la justicia, y la fabricación de nuevas mesas denominadas “antipelayo”. En esta conferencia magistral, el autor desgrana la fórmula matemática que más le ha interesado, aquella que expresa la primalidad de los números, es decir, un paradigma que no se basa en lo que es, la igualdad o lo par, sino en lo que no es, la desigualdad del impar. “Para mí esta fórmula tiene una conexión estética con mis planteamientos dentro de la contracultura, ya que esta sería una inecuación de la cultura oficial”, afirma el cineasta.
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Miércoles 25 de mayo, 2022 - 19:00 h / Segundo pase: viernes 10 de junio, 2022 – 18:00 h / Edificio Sabatini, Auditorio
Sesión 2. Sevilla, capital de la contracultura, a pesar de los pesares
Gonzalo García-Pelayo. Smash y Gong en Dom Gonzalo
España, 1968, color, VO en español, super-8 transferido a digital, 4’30’’Juana Dolores. Miss Universo
España, 2021, color, VO en español, AD, 14’Gonzalo García-Pelayo. Vivir en Sevilla
España, 1978, color, VO en español, AD, 108'—Coloquio con Gonzalo García-Pelayo y Paulino Viota en el segundo pase
Existe una contracultura propia del sur, caótica, carnavalesca, marginal y popular, que tuvo en Sevilla su epicentro y su momento inicial en el club nocturno Dom Gonzalo, fundado por Gonzalo García-Pelayo en 1968. La sesión comienza con los únicos super-8 testimoniales de esta experiencia, rodados por García-Pelayo y con un concierto de Smash y Gong, bandas históricas que fusionarían la psicodelia con el flamenco, mezcla musical en la que el cineasta, también productor musical, intervendría decisivamente. Vivir en Sevilla es una película-himno que compendia la inestabilidad de la España transicional (los abusos de poder policiales, las ocupaciones y las huelgas de trabajadores) con un irrefrenable deseo de vivir amando. Con ecos de Jean-Luc Godard en el tema juvenil y pasional —Miguel se debate entre Ana y Teresa— y también de Jean-Marie Straub y Danielle Huillet en el uso del lenguaje y dirección de la interpretación, Vivir en Sevilla culmina con la lectura de la Constitución española, alumbrando un cine nuevo para un tiempo nuevo. Esta sesión cuenta también con la proyección de la pieza de vídeo Miss Universo, de Juana Dolores, y luego, en el primer pase, con la lectura de la artista de un texto propio sobre la pornografía y el erotismo en el cine documental.
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Viernes 27 de mayo, 2022 - 19:00 h / Segundo pase: sábado 11 de junio, 2022 - 19:00 h / Edificio Sabatini, Auditorio
Sesión 3. El amor loco
José Luis Tirado. Madre, santa, puta
España, 2019, color, VO en español, AD, 24’Gonzalo García-Pelayo. Manuela
España, 1975, color, VO en español, AD, 98'—Concierto homenaje a Manuela por Laura Merchal en el segundo pase
La sesión abre con un mediometraje, del también sevillano José Luis Tirado, que recorre los tres roles que las religiones monoteístas atribuyen a la mujer (la engendradora, la cuidadora y la meretriz provocadora del deseo masculino), y que todavía se encuentran bastante arraigados y visibles en la sociedad patriarcal contemporánea. La película de García-Pelayo, Manuela, interpretada por Charo López —o quizá Charo López interpretada por Manuela, porque personaje y actriz se confunden— es un arquetipo de estos tres roles. Primera película del cineasta a partir del encargo de llevar al cine la novela homónima de Manuel Halcón, será el filme más comercial y a priori convencional de toda su carrera. Sin embargo, Pelayo logra evitar cualquier prejuicio o estereotipo de género para mostrar la potencia del amor como fuerza arrasadora en mitad de la lucha de clases secular entre campesinado y terratenientes que domina la historia del campo andaluz. André Breton y su “amor loco” más el imaginario sádico de Luis Buñuel sobrevuelan la película, pero el portentoso baile flamenco del comienzo y el final transgresor del tabú más prohibido se ocupan de fulminar cualquier referente.
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Sábado 28 de mayo, 2022 - 19:00 h / Segundo pase: jueves 16 de junio, 2022 - 19:00 h / Edificio Sabatini, Auditorio
Sesión 4. La liberación del deseo
Marta Valverde. Cosas locas (trabajo en curso)
España, 2022, color, VO en español y audio con intervención en directo de la autora, AD, 22’Gonzalo García-Pelayo. Frente al mar
España, 1979, color, VO en español, AD, 84'Reflexiones filosóficas que parten de lo cotidiano y cuerpos liberados en sus deseos porque, como nos recuerda el cine de García-Pelayo, no puede existir la revolución sin la emancipación del deseo. Considerada por Paulino Viota, reconocido maestro del cineasta, como “la película más inteligente del cine español”, tres parejas se citan en una casa frente al mar para intercambiarse entre sí y, de paso, conmemorar el entierro de la doble moral conservadora del régimen dictatorial. Más de cuarenta años después, esta libertad contrasta con Cosas locas, el diario íntimo de Marina, una joven de 26 años que estudia un máster de arte contemporáneo a la vez que ejerce la prostitución: un trabajo en curso entre lo audiovisual y lo performativo de Marta Valverde, en el que lo sórdido y lo banal se mezclan con el sexo en donde el negocio es el único horizonte. En el segundo pase de esta sesión, Marta Valverde realiza una versión en directo de esta pieza.
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Miércoles 1 de junio, 2022 - 19:00 h / Segundo pase: viernes 17 de junio, 2022 - 19:00 h / Edificio Sabatini, Auditorio
Sesión 5. Alegrías de la revuelta
Ian de la Rosa. Farrucas
España, 2021, color, VO en español, AD, 17’Gonzalo García-Pelayo. Corridas de alegría
España, 1982, color, VO en español con subtítulos en francés, AD, 72’—Coloquio con Gonzalo García-Pelayo en el primer pase, moderado por la cineasta María Gisèle Royo y la artista Julia de Castro, autoras de una película-homenaje a Corridas de alegría. Coloquio con Javier García-Pelayo en el segundo pase.
La autenticidad de los márgenes o la noción de la diferencia vivida por bulerías. Farrucas es el segundo cortometraje del joven director trans Ian de la Rosa, que retrata a cuatro adolescentes gitanas y marroquíes de la castigada barriada de El Puche en Almería. Las identidades híbridas entre género y raza del que mira y de quienes son miradas se amalgaman con los deseos y anhelos de las jóvenes. Corridas de alegría, por otra parte, es una road movie de serie B sobre la amistad de dos antihéroes lúmpenes y la huida como el movimiento que da sentido a la vida. Con un ritmo acelerado y una música que cruza lo underground con lo vernacular —dos caras de la misma moneda para Gonzalo García-Pelayo—, en la película circulan una galería de gloriosos e insobornables inadaptados.
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Jueves 2 de junio, 2022 - 19:00 h / Segundo pase: viernes 24 de junio, 2022 - 19:00 h / Edificio Sabatini, Auditorio
Sesión 6. Entre el rito y la fiesta I
Ignacio Guarderas. Camino al Rocío
España, 2020, color, VO en español, AD, 20’Gonzalo García-Pelayo. Rocío y José
España, 1982, color, VO en español con subtítulos en francés, AD, 85’—Concierto homenaje a Rocío y José por el grupo rociero Madrid en el segundo pase
La contracultura andaluza se nutre de contradicciones. Así, no es extraño que la iglesia herética y ultraortodoxa de El Palmar de Troya aparezca en el fresco underground Vivir en Sevilla, de la misma manera que tampoco lo es este homenaje al camino de El Rocío. Síntesis de las sensaciones de doce años de peregrinación de Gonzalo García-Pelayo, Rocío y José trata de dos hermanos, uno entrando en la adolescencia y otro en la vida adulta avanzada, y de cómo surge el amor para el menor, José. Reverso del deseo carnal de sus primeras películas, en Rocío y José el paisaje, los sonidos del camino y las sevillanas conforman un poema místico y ascético. Abre la sesión Ignacio Guarderas, quien continúa esta mirada antropológica sobre El Rocío en un mediometraje en dos pantallas que mira el paisaje natural y humano sin estereotipos.
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Lunes 13 de junio, 2022 - 19:00 h / Segundo pase: sábado 25 de junio, 2022 - 19:00 h / Edificio Sabatini, Auditorio
Sesión 7. Entre el rito y la fiesta II
Concha Barquero y Alejandro Alvarado. Descartes
España, 2021, color, VO en español, AD, 21’Gonzalo García-Pelayo. Tres caminos al Rocío
España, 1986, color, VO en español, AD, 53’. Cortesía de RTVE—Presentación a cargo de Álvaro Arroba en el primer pase
Dos películas sobre un mismo tema marcan la historia reciente del documental español independiente: Tres caminos al Rocío, de García-Pelayo, y Rocío (1980), la película censurada de Fernando Ruiz Vergara. En esta sesión, se proyecta Descartes, documental realizado a partir del celuloide desechado para esta película por el autor y encontrado por Barquero y Alvarado en fechas recientes en el archivo de la Filmoteca Española. Ambas películas y sus epígonos responden a dos formar de ser: la protestante y la católica, dice García-Pelayo. La primera renuncia a los placeres mundanos por el miedo a la culpa o a los fines manipulativos que ocultan estos placeres. La segunda participa de la sensualidad que ofrecen estos placeres siendo consciente de que, si bien pueden obedecer a oscuros intereses ideológicos, el goce siempre merece la penitencia. Hay un problema con Rocío, de Ruiz Vergara, dice García-Pelayo: “él es la versión protestante y yo soy la versión católica”. Esta sesión es un choque entre ambos sistemas de creencias.
Celebrada el 23, 25, 27, 28, 30 may, 01, 02, 06, 10, 11, 13, 16, 17, 20, 24, 25 jun 2022
El Museo Reina Sofía y Documenta Madrid, festival internacional de cine impulsado por el Ayuntamiento de Madrid, organizan una retrospectiva del cine realizado por Gonzalo García-Pelayo (Madrid, 1947) principalmente entre 1975 y 1986. Autor de culto, empresario de la noche, productor musical, jugador de azar profesional, editor y especulador en la economía inmaterial contemporánea, García-Pelayo concentra múltiples vidas en una sola. Todas estas facetas se resumen en una concepción personal del cine, entendido como una forma de existencia basada en el vitalismo, en el deseo sin límites, en el acontecer como estrategia narrativa y en la insubordinación a todo lo predecible, ya sea a nivel formal o a nivel político.
La retrospectiva lleva el mismo título que la primera de las once películas contemporáneas que el autor realizó íntegramente durante doce meses, entre 2021 y 2022 —en sus palabras: “el año de las once películas”—, en un tour de force sin parangón que demuestra que el cine, antes que una industria o un oficio, es una manera de vivir. Estas once producciones son proyectadas en la segunda parte de este ciclo durante el mes de septiembre 2022. El título del programa es también el lema que mejor define todo el corpus fílmico de García-Pelayo y el que explica con más claridad la fascinación que el autor ha despertado entre una joven generación de cineastas, artistas y programadores, quienes han recuperado su obra como fundamento de una genealogía heterodoxa del cine en España desde la década de 1970, pero también como un modelo de confrontación ante una sociedad anestesiada.
El cine histórico que recoge este ciclo se ubica en la sociedad cambiante y tumultuosa de la España de la Transición, entre la muerte de Francisco Franco y la entrada del país en la Comunidad Económica Europea (1975-1986). Un tiempo en el que los resquicios del autoritarismo político y del conservadurismo moral de la dictadura se mezclan con la fuerza de una pujante contracultura y el anhelo utópico juvenil de construir una sociedad nueva, cualidades que habitan en el cine de García-Pelayo. Teniendo en cuenta este marco, el ciclo prescinde de la orientación tradicional de carácter historicista o revisionista y sitúa al cineasta en un diálogo contemporáneo a través de sesiones temáticas con jóvenes artistas y realizadores entre quienes reverberan sus grandes temas: el sexo como territorio libre, los inadaptados y marginados sociales como antihéroes lúcidos y honestos, la convivencia radical entre lo elevado y lo popular y la música (ya sea el flamenco, la psicodelia o las sevillanas) como una irrupción de lo real en la ficción. Junto a todo ello hay un mismo espíritu, el de transgredir las formas y los límites de la sociedad biempensante de 1975 o, incluso, de 2022.
Comisariado
Chema González (Museo Reina Sofía) y Luis E. Parés (Cineteca Madrid)
En el marco de
Enlace relacionado
Organiza
Museo Reina Sofía y Documenta Madrid (19º Festival Internacional de Cine)
![Bette Gordon, Variety [La celda de cristal], película, 1983](https://recursos.museoreinasofia.es/styles/small_landscape/public/Actividades/snippet_cine-verano-2024_0.jpg.webp)
![Miguel Brieva, ilustración de la novela infantil Manuela y los Cakirukos (Reservoir Books, 2022) [izquierda] y Cibeles no conduzcas, 2023 [derecha]. Cortesía del artista](https://recursos.museoreinasofia.es/styles/small_landscape/public/Actividades/ecologias_del_deseo_utopico.jpg.webp)
![Ángel Alonso, Charbon [Carbón], 1964. Museo Reina Sofía](https://recursos.museoreinasofia.es/styles/small_landscape/public/Actividades/perspectivas_ecoambientales.jpg.webp)
Más actividades
Clínica 2628. Comunidad de escritura e investigación en artes
Febrero – octubre, 2026
Clínica 2628 es un proyecto de acompañamiento y puesta en común de escrituras que nace con la intención de ofrecer un espacio y unos tiempos sostenibles para el trabajo de investigación en arte y cultura. En el contexto de una academia cada vez menos receptiva a las formas en que el pensamiento ocurre y es expresado, quiere rescatar lo académico de su captura neoliberal para recuperar la alianza entre precisión e intuición, trabajo y deseo. También quiere devolver la escritura al común que la hace posible a través de un trabajo de seguimiento de procesos y colectivización de ideas, posiciones, referencias y estrategias.
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¿Qué fuerzas, formas y procesos se ponen en juego al escribir sobre arte y estética? En la academia, en los museos y en otras instituciones culturales la práctica de la escritura se ve atravesada por lógicas productivistas que ponen en riesgo los ritmos de la investigación y la experimentación. La imposición cientificista implicada en la estructura del paper o la cuantificación de resultados que exigen los criterios de calidad y visibilidad higienizan, de entrada, la rugosidad propia de una escritura entendida desde lo concreto de su lengua: las resistencias fónicas, gráficas, sintácticas y gramaticales que conectan a quien usa esa lengua con la comunidad que esta une y activa. Higienizan también la rugosidad implicada en el mismo deseo de escribir, los caminos intuitivos, claros y confusos que de nuevo conectan a quien escribe con quienes leyeron y escribieron así, participando de un bien común que se descubre y se produce al mismo tiempo.
La progresiva mercantilización del saber puesta en marcha por el capitalismo cognitivo aleja cada vez más la investigación y la producción de conocimiento de las obras, los lenguajes y las prácticas artísticas. Los trabajos de comisariado y archivo, la crítica, las performances o los ensayos contaban con un horizonte de posibilidades formales, emocionales y de imaginación mucho más amplio cuando no se desarrollaban en condiciones de competitividad, indexación o impacto. ¿Sería posible hoy retomar aquellos haceres de manera no nostálgica sino crítica, esto es, recuperar por las formas, y por las formas escritas, la cercanía entre el pensamiento de arte y sus objetos? ¿Cómo escribir de otro modo, a otro ritmo, con no más exigencias que las que una obra de arte lanza a las diferentes formas de ver, de leer, de estar en el mundo?
Relatos de la Colección
Lunes, miércoles, jueves y viernes - Consultar horarios
“He comprendido que mi bienestar solo es posible cuando reconozco mi unidad con todas las personas del mundo, sin excepción.”
—Lev Tolstói“El arte es una forma de libertad, una vía para escapar de la opresión y la mediocridad”.
—Leonora Carrington
Relatos de la Colección es un ciclo de visitas diseñadas e implementadas por el equipo de voluntari+s culturales del Museo Reina Sofia. Este proyecto surge en el marco de un plan formativo y comunitario llamado equipoVol que propone un acercamiento a la Colección a través del diálogo y el intercambio de saberes y experiencias con el propio equipo de voluntari+s del Museo, integrado por miembros de la Confederación Española de Aulas de la Tercera Edad (CEATE).Las visitas tienen como finalidad acercar la Colección a los colectivos a los que van dirigidas, desde una perspectiva multidisciplinar y abierta, entrelazando los discursos artísticos y estéticos de las obras con las perspectivas biográficas tanto de l+s voluntari+s culturales como de las personas que acuden al Museo.
Trabajo cultural
12 FEB 2026
Este ciclo está organizado por equipoMotor, un grupo de adolescentes, jóvenes y personas mayores que han participado en proyectos comunitarios educativos del Museo Reina Sofía. El programa consiste en cuatro bloques temáticos alrededor de lo monstruoso.
Esta segunda entrega propone abordar el cine como un lugar desde el que se visibilizan el trabajo cultural y los procesos de producción que dialogan con la creación artística. A partir de esta premisa, la sesión se centra en explorar cómo se producen, ensamblan y distribuyen los contenidos audiovisuales, desde las manos que manipulan las imágenes hasta los cuerpos que participan en su circulación. Se pretende reflexionar así sobre el esfuerzo invisible, la precariedad y las formas de colaboración que sostienen la vida cultural, que transforman la experiencia cinematográfica en un acto de reconocimiento y cuidado del trabajo común.
La persona (legal) y la forma legal. Parte II
8, 12 y 15 de enero, 2026 – de 16:00 a 19:00 h
Como parte de Constelación de Estudios, la residencia de pensamiento anual 2025-2026, el historiador y teórico del arte Sven Lütticken imparte el seminario La persona (legal) y la forma legal: compromisos teóricos, artísticos y activistas para dialogar y profundizar en las hipótesis y preguntas que animan su proyecto de investigación.
Este proyecto, titulado Deshacer la subjetividad jurídica, deformar la abstracción legal, estudia el dominio de las abstracciones reales —como el valor de cambio y la forma legal— sobre nuestros procesos de subjetivación y se pregunta cómo las prácticas artísticas pueden abrir otras formas de representar o performar al sujeto y su condición jurídica en el mundo contemporáneo.
El seminario consta de un total de ocho sesiones, distribuidas a lo largo del curso en tres partes. Aunque son concebidas como espacios de discusión y trabajo no público, las sesiones complementan, al tiempo que nutren y amplifican, el programa público de Constelación de Estudios.
En esta segunda parte del seminario, la investigación sobre la estética y la política de la forma jurídica continúa con tres sesiones que recogen las discusiones sostenidas en la Parte I pero proponen nuevas líneas de fuga. La primera sesión, centrada en el derecho internacional a través de los escritos del autor británico China Miéville, permite reconsiderar la noción de la forma jurídica —siguiendo a Evgeny Pashukanis— y, a través de ella, una variedad de tribunales (populares). Mientras que en la Parte I se debatió el concepto crucial de la persona jurídica como titular de derechos —central en la forma de la ley—, la segunda sesión se centra en los intentos de extender la personalidad no (solo) a las corporaciones, sino también a los animales no humanos o a los ecosistemas. Finalmente, la tercera sesión lanza la pregunta: ¿cómo pueden los grupos y las redes utilizar formas organizativas reconocidas oficialmente, como la fundación o la cooperativa, y/o emplear una persona colectiva, sin que necesariamente exista una «infraestructura» jurídica que la acompañe, para actuar y representarse a sí mismos?
Oliver Laxe. HU/هُوَ. Bailad como si nadie os viera
Martes 16 de diciembre, 2025 - 19:00 h
Como preámbulo a la inauguración de HU/هُوَ. Bailad como si nadie os viera, el cineasta Oliver Laxe (París, 1982) conversa con el equipo curatorial de la exposición, Julia Morandeira y Chema González, sobre los procesos de trabajo y referencias visuales que articulan este proyecto concebido específicamente para el Museo Reina Sofía. Esta instalación inaugura la nueva programación del Espacio 1, que se dedica a partir de ahora a proyectos de artistas y cineastas que investigan la imagen en movimiento, el sonido y otros medios en sus formas expositivas.
El cine de Oliver Laxe se sitúa en un territorio resiliente y transfronterizo, donde lo espiritual convive con lo material y lo político. En HU/هُوَ. Bailad como si nadie os viera, esta deriva toma la forma de una búsqueda hacia la trascendencia que surge entre cuerpos que bailan, arquitecturas sagradas y paisajes sometidos a fuerzas elementales y cosmológicas. La conversación pretende explorar la relación de la pieza con los imaginarios de los monoteísmos antiguos, las resonancias de la literatura sufí persa o el papel de la abstracción como resistencia frente al significado literal. Asimismo, busca analizar las posibilidades de la imagen y el rol de la música —realizada aquí en colaboración con el músico David Letellier, también conocido bajo el seudónimo de Kangding Ray— en este proyecto.
Estas charlas inaugurales, que forman parte de una de las líneas de trabajo principales del Área de Programas Públicos, tienen como objetivo profundizar en el relato expositivo de las muestras organizadas por el Museo desde la perspectiva de artistas, comisariados y especialistas.