Néstor reencontrado y la escena extemporánea en los albores del siglo XX
Jornada sobre la «otra» Edad de Plata española
Néstor Martín-Fernández de la Torre, Mantillas, 1915 (detalle). Fundación Endesa
Celebrada el 03 jul 2025
En el marco de la exposición Néstor reencontrado, el Museo Reina Sofía reúne en una jornada interdisciplinar a diferentes especialistas en Historia del Arte, artes escénicas, cultura popular, disidencia sexual y literatura, aspectos que atraviesan la obra de Néstor Martín-Fernández de la Torre y que ofrecen una visión coral e integrada de la escena extemporánea de principios del siglo XX.
En palabras del comisario de la exposición, Juan Vicente Aliaga, el adjetivo «extemporáneo» hace referencia a aquello que no pertenece a su tiempo. En el caso de Néstor, este fenómeno es muy evidente no sólo en su uso del lenguaje simbolista incluso décadas después de que éste dejara de ser tendencia en Europa, sino también en la representación de una escena queer con poca o ninguna visibilidad en la época.
Con el fin de dar una visión lo más completa posible de la Edad de Plata española, la jornada aborda figuras clave del circuito cultural alternativo coetáneo a Néstor y sus diferentes vías de expresión: la danza, la poesía, lo performativo o las artes plásticas.
Las intervenciones están, además, precedidas de una introducción de Juan Vicente Aliaga y una panorámica general del período a cargo de Manuel Segade, director del Museo.
Organiza
Museo Reina Sofía
Participantes
Ángeles Alemán Gómez
(Las Palmas de Gran Canaria, 1961) es doctora en Historia del Arte y profesora titular de esta disciplina en la Universidad de Las Palmas de Gran Canaria. Su investigación está centrada en el arte contemporáneo, la vanguardia en Canarias, los estudios de género y el patrimonio cultural. Es también crítica de arte, comisaria y académica numeraria de la Sección de Pintura de la Real Academia Canaria de Bellas Artes. Entre sus publicaciones más recientes destaca las monografías Maud Bonneaud-Westerdahl. La creadora surrealista (2021), Félix Juan Bordes (2021), Miriam Durango (2022); artículos como A propósito de Marina Abramovic, ¿qué es una performance? (2021), y Spanish Censorship and Buñuel's film L' Âge d'Or (2020).
Juan Vicente Aliaga
es profesor en la Facultad de Bellas Artes de la Universitat Politècnica de València. Su labor combina ensayo crítico, investigación académica y una amplia actividad curatorial en instituciones nacionales e internacionales. Reconocido por su trabajo en torno a las sexualidades, el feminismo y la diversidad en el arte contemporáneo, es autor de libros como Arte y cuestiones de género. Una travesía del siglo XX u Orden fálico. Androcentrismo y violencia de género en las prácticas artísticas del siglo XX. Ha comisariado exposiciones dedicadas a figuras como Claude Cahun, VALIE EXPORT, Pepe Espaliú o Paz Errázuriz, así como proyectos temáticos sobre los años setenta o las políticas de diversidad sexual.
Gloria G. Durán
es profesora en la Facultad de Bellas Artes de la Universidad de Salamanca y miembro del equipo de investigación EXPERIMENTA, de la Universidad de Castilla-La Mancha. Es experta en bajos fondos y vida urbana en la Edad de Plata española, disidencias y desvíos, mujeres desnortadas y hombres ambiguos. Entre sus publicaciones destacan Baronesa Dandy, Reina Dadá (2013); Dandys Extrafinos (2012); Dandysmo y Contragénero (2010); Agentes críticos (2017) y Sicalípticas. El gran libro del cuplé y la sicalipsis (2021).
Idoia Murga Castro
es científica titular en el Instituto de Historia del CSIC y jefa del Departamento de Historia del Arte y Patrimonio. Doctora en Historia del Arte por la UCM y titulada en danza clásica, investiga la relación entre danza y artes visuales. Dirige el proyecto ERC Spain on Stage y el CoreoLab del CSIC. Ha trabajado en instituciones como el Musée d’Orsay, la Fundación Mapfre y la Peggy Guggenheim Collection, y ha comisariado exposiciones como Poetas del cuerpo. La danza de la Edad de Plata o Al bies. Las artistas y el diseño en la vanguardia española. Autora de numerosas publicaciones, ha recibido premios como el Nacional de Investigación «María Moliner».
Emilio Peral Vega
es catedrático en la Universidad Complutense de Madrid, donde también ejerce como vicedecano de Cultura. Dirige el grupo de investigación «Literatura y cultura de la Guerra Civil» y ha liderado varios proyectos I+D. Es autor de más de cuarenta libros, entre ellos Pierrot/Lorca y La verdad ignorada, y ha editado obras de Lorca, Mayorga o Blanco-Amor. Ha comisariado numerosas exposiciones y ha dirigido congresos internacionales. Miembro de comités científicos y agencias de evaluación, ha dirigido veinte tesis doctorales y colabora activamente en la difusión y estudio de la dramaturgia española.
Manuel Segade
es director del Museo Reina Sofía.
Programa
10:00 - 10:15 h Presentación
Juan Vicente Aliaga (comisario de Néstor reencontrado, Universidad Politécnica de Valencia)
10:30 - 11:30 h Dar el fin de siglo
Manuel Segade (director del Museo Reina Sofía)
11:45 - 12:45 h Néstor en escena: danza española y modernismo transnacional
Idoia Murga Castro (Instituto de Historia, CSIC)
13:00 - 14:00 h El resurgir de la cultura popular a comienzos del siglo XX: el caso del tipismo canario
Ángeles Alemán Gómez (Universidad de Las Palmas de Gran Canaria)
14:00 - 16:30 h Descanso
16:30 - 17:30 h Apios y sarasas, viragos y gigolettes. Un paseo invertido por la Edad de Plata (conferencia plano-secuencia)
Gloria G. Durán (Universidad de Salamanca)
17:45 - 18:45 h Écfrasis y sinestesias. La relación entre la poesía y la plástica de vanguardia
Emilio Peral Vega (Universidad Complutense de Madrid)
Más actividades
![Joseph Kosuth. One and Three Chairs [Una y tres sillas]](https://recursos.museoreinasofia.es/styles/small_landscape/public/Actividades/joseph_kosuth.jpg.webp)
La persona (legal) y la forma legal. Parte III
Lunes 11, miércoles 13 y jueves 14 de mayo, 2026 - Ampliado el plazo de inscripción
Como parte de Constelación de Estudios, la residencia de pensamiento anual 2025-2026, el historiador y teórico del arte Sven Lütticken imparte el seminario La persona (legal) y la forma legal: compromisos teóricos, artísticos y activistas para dialogar y profundizar en las hipótesis y preguntas que animan su proyecto de investigación.
Este proyecto, titulado Deshacer la subjetividad jurídica, deformar la abstracción legal, estudia el dominio de las abstracciones reales —como el valor de cambio y la forma legal— sobre nuestros procesos de subjetivación y se pregunta cómo las prácticas artísticas pueden abrir otras formas de representar o performar al sujeto y su condición jurídica en el mundo contemporáneo.
El seminario consta de un total de ocho sesiones, distribuidas a lo largo del curso en tres partes. La primera sesión de esta tercera parte aborda la noción de propiedad, problematizándola contra el contexto del arte conceptual. La obra de arte, su propiedad, autoría y autenticidad son replanteadas y revisadas con una actitud abierta a la confección de modelos de gestión —hipotéticos y alternativos a los actuales— que revolucionen la relación artista-obra-propietario. ¿Pueden las prácticas artísticas conceptuales servir como modelos críticos? ¿Hasta qué punto es posible pensar, actuar con ellos y extrapolarlos más allá de un bello nicho?
La segunda sesión atiende a la cuestión de la representación. Mientras que la mayoría (aunque no todas) de las personas naturales humanas pueden, en principio, representarte a sí mismas en asuntos legales, otras necesitan representantes. Esto ocurre con menores y adultos bajo custodia legal, pero también con personas «ficticias» —como corporaciones y estados—que necesitan representantes humanos para firmar acuerdos o defenderse en un juicio. La sesión aborda la representación legal en conjunción con otras formas de representación (política y cultural), atendiendo a la distinción inestable e históricamente mutable que hace Gayatry Spivak entre la representación como retrato (Darstellung) y la representación como agencia política (Vertretung).
Por último, la tercera sesión sirve de recapitulación, digestión y cierre del que ha sido el primer seminario del programa de residencia anual Constelación de Estudios.
Patricia Falguières
Martes 12 de mayo, 2026 – 19:00 h
La historiadora del arte Patricia Falguières inaugura la Cátedra María Luisa Caturla con la conferencia La historia del arte en tiempos de oscuridad. Esta cátedra, consagrada a la reflexión sobre el arte de las épocas «enfermas de incertidumbre», está dedicada a desmontar, divagar o imaginar las múltiples temporalidades y materialidades de la historia del arte desde una mirada excéntrica, desplazada, fuera del centro o con un centro diferente.
El título de la conferencia hace referencia a Hombres en tiempos de oscuridad (1968), un conjunto de ensayos escritos por Hannah Arendt cuyo título parafrasea a su vez un poema de Bertolt Brecht. En esta obra, Arendt asevera que «los tiempos de oscuridad no solo no son nuevos, sino que no son una rareza de la historia».
También para Patricia Falguières la historia conoce multitud de épocas en las que el espacio público se oscurece, momentos en los que el mundo deviene tan incierto que la gente deja de demandar a la política cualquier cosa que no sea aliviar el peso de sus intereses vitales y de su libertad individual. Especialista en arte y filosofía de la Edad Moderna, pero siempre con una mirada abierta y curiosa hacia el arte contemporáneo, Falguières propone en este encuentro un recorrido «caótico y aventurero» desde el Renacimiento hasta Fukushima para indagar en preguntas como: ¿qué puede significar hoy, en un mundo que resplandece con destellos siniestros y amenazas más siniestras aún, practicar una historia del arte más allá del entretenimiento o el adorno social? y ¿de qué intereses vitales y de qué libertad puede ser testigo e instrumento esta historia del arte?
De Viva Voz 1. Cabello/Carceller
Lunes 11 de mayo, 2026 — De 18:30 a 20:00 h
La serie fotográfica de Cabello/Carceller Sin título (Utopía) (1998) se despliega en la pared de la Sala 8 de la cuarta planta del Museo como un imponente conjunto de imágenes de distinto tamaño y formato que impregna el espacio de una suerte de melancolía política. Hace reverberar el silencio que, aún hoy, domina los discursos públicos en torno al sida. El desolador escenario que proponen las imágenes de estas piscinas, vacías y fuera de temporada, activa un relato de lucha: la respuesta de activistas y artistas frente a la gestión política de dicha pandemia.
En este encuentro con el colectivo de artistas Cabello/Carceller, en diálogo con la subdirectora artística del Museo Amanda de la Garza, se busca mantener una conversación pausada y reflexiva sobre la obra y sus lecturas, así como conocer de cerca detalles sobre su génesis y repercusión.
A golpe de sample. Experimentación sonora contra el odio
7 MAY 2026
El equipo de adolescentes del Museo, equipo1517, invita a jóvenes de 15 a 17 años a participar en esta visita-taller con Rubén H. Bermúdez y Bria, artistas con quienes sumergirse en la posibilidad de romper con las categorías y los enjuiciamientos internos y transformarlos en una reivindicación musical contra el odio.
Tras una visita a las salas de las Colecciones del Museo con el artista Rubén H. Bermúdez, el taller propone una investigación en torno al sample y la automatización de la mano de Bria, artista sonora y productora musical. A través de las técnicas de sampleo sonoro, se exploran los relatos propios de vida y ficción hacia la construcción de futuros liberadores y espacios sonoros que condenen los discursos de odio.
Para inscribirse no es imprescindible tener experiencia previa o conocimiento de herramientas informáticas musicales. Aquellas personas que manejen programas de audio digital pueden traer sus ordenadores y/o instrumentos digitales. El taller es un espacio seguro para disidencias sexo-genéricas y se articula como herramienta artística antirracista.
Esta actividad se celebra en el marco del programa CAMBIAFORMAS. Eres la posibilidad propuesto por la artista Benia Nsi para la actual edición de equipo1517.
School of SUP: sesión de cine trash
Jueves 30 de abril, 2026 – 19:00 h
El disparatado plan de estudios de School of SUP, que desarrolla el equipo1821, hace pública con esta proyección su particular muestra de trabajos de clase. Durante la sesión, se comparten tres cortometrajes grabados con cámaras analógicas, escritos, montados y protagonizados de forma colectiva por el propio alumnado al más puro estilo DIY. A continuación, se presenta American SUP (2026), largometraje trash e irreverente a cargo de Soy una pringada y Dani Tezla.
American SUP (2026) es un roadtrip por el Medio Oeste de Estados Unidos, grabado con una cámara de 1997, en el que la youtuber, dj, agitadora cultural y personalidad de culto de Internet Soy una pringada y Dani Tezla dirigen y protagonizan una aventura en la que no faltan apariciones estelares y escenarios imposibles: la casa de American Football, una tienda de cadáveres, la tormenta del Rainforest Cafe, un concierto de Cannibal Corpse, un sótano en Minnesota, hoteles infectos, sillas del cornudo (cuck chairs) y un hall of fame lleno de payasos. La película es una versión lo-fi del gótico americano con tintes folk, un género practicado por cineastas como George Kuchar, Harmony Korine y Sean Price Williams.
Esta sesión, asimismo, se articula con las líneas fundamentales del programa educativo equipo1821 School of SUP. Cine, arte y nihilismo en los noventa, en el que a través del cine —fundamentalmente de la década de 1990— se profundiza en diferentes prácticas artísticas underground, las culturas urbanas, los cruces del arte con la cultura popular y una suerte de ansiedad adolescente generacional como ruido de fondo.