Documentos 10. Interrogando el archivo José Carlos Mariátegui y la revista Amauta
Encuentro y presentación
Archivo Mariátegui. Plataforma web, consultada en Febrero, 2019. Visualización de datos de la sección “Temas tratados en la correspondencia, año 1929”
Celebrada el 11 abr 2019
El programa del Museo Reina Sofía Documentos versa sobre publicaciones de artista, plataformas, redes y espacios editoriales de circulación independiente, así como sobre el potencial del archivo para reinventar las narraciones acerca del arte y su ecosistema. Su décima edición está dedicada al archivo de José Carlos Mariátegui (1894-1930), fundador de Amauta, una de las revistas culturales más influyentes del siglo XX y tema principal de la exposición Redes de vanguardia. Amauta y América Latina, 1926-1930 (Museo Reina Sofía, del 20 de febrero al 27 de mayo de 2019). La presentación del archivo, a cargo de su director, José-Carlos Mariátegui, teórico y comisario de arte y tecnología, y Jaume Nualart, programador de software libre, tiene lugar en las salas que albergan la muestra, con la intención de generar correspondencias entre las narraciones de la exposición y el contenido del repositorio.
El Archivo José Carlos Mariátegui alberga, conserva, digitaliza, organiza, visualiza y difunde publicaciones y documentos vinculados al intelectual y crítico peruano y a su revista Amauta. Incluye cartas, fotografías, dibujos, grabados, documentos administrativos y societarios, publicidad y manuscritos. Con el fin de catalizar nuevas ideas y enriquecer el conocimiento sobre la obra de Mariátegui, utiliza plataformas digitales y explora diversas estrategias que van desde el uso de las ciencias archivísticas hasta determinadas herramientas de visualización de datos.
Por ejemplo, para detectar la compleja red de colaboradores y corresponsales que articulaba la revista Amauta y rodeaba la actividad intelectual de Mariátegui, el archivo agregó e identificó por nombres, años, ubicación geográfica y temas toda la información disponible en sus registros. De esta manera, se localizaron 60 ciudades en las que Amauta circuló en Perú y más de 80 del resto del mundo, principalmente de América Latina, lo que pone de manifiesto la amplia escala de la distribución de Amauta a pesar de las limitaciones de las infraestructuras de la época. Asimismo, la extensa correspondencia de Mariátegui demuestra que las cartas fueron el principal medio de comunicación entre los agentes y colaboradores que dieron vida a la revista. Por último, la digitalización del archivo ha permitido, además de obtener una perspectiva global de los contenidos íntegros de Amauta, considerar una nueva forma de narrativa no-lineal, interconectada, de lectura y análisis de sus textos.
Participantes
José-Carlos Mariátegui es escritor, comisario y emprendedor en cultura y tecnología. Es director del Archivo José Carlos Mariátegui y, de 1995 a 2005, fue director honorario de la Casa Museo José Carlos Mariátegui. Ha trabajado en proyectos de arte, ciencia y tecnología durante más de dos décadas y fundado la organización no gubernamental Alta Tecnología Andina–ATA, dedicada al desarrollo de este tipo de proyectos en América Latina. Recientemente ha editado, junto con M. Hernández y J. Villacorta, El mañana fue hoy. 21 años de videocreación y arte electrónico en el Perú (ATA, 2018). Ha publicado en revistas como Third Text, The Information Society, Telos y Leonardo.
Jaume Nualart Vilaplana es investigador transdisciplinar, interesado en el análisis y la visualización de datos y en el diseño de interfaces de información. Licenciado en Química, doctorado en Información y Comunicación por la Universidad de Barcelona (2015) y en Comunicación por la Universidad de Canberra (Australia, 2017) y con un postdoc en la KULeuven (Bélgica). Actualmente es profesor colaborador en la Universitat Oberta de Catalunya–UOC y ha trabajado, junto con el equipo del Archivo Mariátegui, en la aplicación al repositorio de tecnologías semánticas y de visualización de datos.
Más actividades
RECREO #4. Cuerpos en acción. Performance y participación en el arte contemporáneo
Miércoles 20 de mayo, 2026 - 17:30 h
La cuarta sesión del programa RECREO se centra en Un marco nuevo. La institución, el mercado y el arte que los excede, el Itinerario III de la nueva presentación de las Colecciones del Museo, recientemente inaugurada, Colección. Arte Contemporáneo: 1975-Presente. De las múltiples derivas que el itinerario propone, el curso se centra en el cuerpo como herramienta de acción y expresión, para poner de relieve su potencial como recurso educativo en el aula. A través de obras vinculadas a la performance, el vídeo o la documentación de acciones sobre las propias obras artísticas, se analiza cómo el cuerpo se convierte en un espacio de experimentación, resistencia y comunicación.
Las obras presentes en este itinerario muestran cómo, desde finales del siglo XX hasta hoy, un gran número de artistas ha utilizado la acción para cuestionar normas sociales, explorar los límites del cuerpo o activar la implicación del público. Desde este prisma, RECREO #4 Cuerpos en acción. Performance y participación en el arte contemporáneo propone pensar el arte como experiencia viva y ofrece claves para incorporar en el aula dinámicas basadas en el movimiento, la acción y la interacción.
Este taller forma parte del ciclo de formación online para profesorado RECREO, organizado por el Área de Educación del Museo Reina Sofía en diálogo con el colectivo Cápsula Cultura. RECREO combina la reflexión con propuestas prácticas adaptables a distintos niveles y contextos de enseñanza, además de fomentar el intercambio de experiencias entre docentes.
Gerardo Mosquera: pensador insular, curador global
19 MAY 2026
Este encuentro rinde homenaje a Gerardo Mosquera (La Habana, 1945), curador de referencia, ensayista que ha participado en debates cruciales sobre la descolonización o las derivas de la globalización, comunicador y, principalmente, un crítico de arte que ha sido capaz de situar radicalmente los discursos y las prácticas, sin dejar de asumirriesgos y manteniendo siempre posiciones éticas comprometidas.
Mosquera es uno de los curadores más reconocidos internacionalmente. Implicado en la Bienal de la Habana desde su fundación en 1984 hasta 1989, ha realizado exposicionesfundamentales en museos y centros de arte de distintas partes del mundo. Entre los proyectos que ha liderado, pueden destacarse su actividad como curador adjunto del New Museum (Nueva York, 1995-2009), la Bienal de Liverpool (2006) o la exposición No es solo lo que ves. Pervirtiendo el minimalismo (Museo Reina Sofía, 2000).
La mesa redonda, que cuenta con la participación del propio Gerardo Mosquera y de un conjunto de críticos de arte, pensadores y artistas como Fernando Castro Flórez, Diana Cuéllar, Lillebit Fadraga y René Francisco Rodríguez, plantea una aproximación a la actividad poliédrica y extraordinariamente fecunda de Mosquera como un maestro curatorial consagrado.
Conversación entre Miguel Falomir, director del Museo Nacional del Prado, y Manuel Segade, director del Museo Reina Sofía
18 MAY 2026
Los directores del Museo del Prado y del Museo Reina Sofía, Miguel Falomir y Manuel Segade, conversan el lunes 18 de mayo en el Auditorio 400 del Museo Reina Sofía con motivo de la celebración del Día Internacional de los Museos, que este año se celebra bajo el lema «Museos uniendo un mundo dividido». En la charla, moderada por el periodista y poeta Antonio Lucas, los máximos responsables de estas dos grandes instituciones culturales comparten sus reflexiones sobre el papel que desempeñan en la sociedad actual.
Además de abordar la gestión artística, la conversación pretende profundizar en el potencial de los museos como puntos de encuentro ante las tensiones sociales actuales, cumpliendo así con el mandato internacional de la efeméride de este año.
La actividad puede seguirse en directo a través de este enlace.
Colección. Arte contemporáneo: 1975 - Presente
Miércoles 13 de mayo, 2026 - 19:00 h
En esta conferencia, Manuel Segade, director del Museo Reina Sofía, expone las claves de lectura de la nueva presentación de las Colecciones en la cuarta planta del Edificio Sabatini. Esta nueva organización de los fondos se enmarca en un ambicioso plan de reordenación de los usos arquitectónicos de los edificios del Museo, que continuará en 2027 con la inauguración de la tercera planta de este mismo edificio, para culminar en la segunda en 2028.
La nueva presentación de las Colecciones, inaugurada el 16 de febrero de 2026, ofrece un recorrido por la historia del arte contemporáneo de los últimos cincuenta años desde España. A diferencia de un relato unívoco, esta planta cuenta el mismo período —desde la Transición al presente— de tres maneras diferentes, reiniciándose en los años setenta una y otra vez.
El recorrido arranca con un prólogo que transita por los afectos, la cultura material y la institucionalidad en la Transición española como punto de partida a los tres itinerarios posteriores. El primero, Una historia de los afectos en el arte contemporáneo, navega desde los sistemas afectivos en la producción artística vinculada a la segunda ola feminista hasta el duelo como herramienta de interpretación de las nuevas realidades. El segundo itinerario, Los poderes de la ficción. Escultura, nuevos materialismos y estéticas relacionales, está concebido como una galería escultórica en la que las obras salen al encuentro del público incidiendo en la parte performativa de esta disciplina. Entre otras cosas, este itinerario muestra cómo, desde los años ochenta, la producción escultórica española ha tenido una gran proyección internacional en la que numerosas artistas mujeres han jugado un papel fundamental. El tercer itinerario, Un marco nuevo. La institución, el mercado y el arte que los excede a ambos, permite acercarse a los orígenes del Museo y su papel en el proceso de institucionalización del arte en nuestro país. En mayo de 1986 se abría el Centro de Arte Reina Sofía, utilizando las plantas primera y segunda del antiguo hospital: los cuarenta años transcurridos desde entonces permiten reevaluar precisamente los efectos del Museo sobre el arte español y de este sobre la institución.
Con esta charla se refuerza el objetivo de socialización de los relatos producidos desde el Museo, en una etapa en el que las Colecciones están sujetas a revisión permanente.
Patricia Falguières
Martes 12 de mayo, 2026 – 19:00 h
La historiadora del arte Patricia Falguières inaugura la Cátedra María Luisa Caturla con la conferencia La historia del arte en tiempos de oscuridad. Esta cátedra, consagrada a la reflexión sobre el arte de las épocas «enfermas de incertidumbre», está dedicada a desmontar, divagar o imaginar las múltiples temporalidades y materialidades de la historia del arte desde una mirada excéntrica, desplazada, fuera del centro o con un centro diferente.
El título de la conferencia hace referencia a Hombres en tiempos de oscuridad (1968), un conjunto de ensayos escritos por Hannah Arendt cuyo título parafrasea a su vez un poema de Bertolt Brecht. En esta obra, Arendt asevera que «los tiempos de oscuridad no solo no son nuevos, sino que no son una rareza de la historia».
También para Patricia Falguières la historia conoce multitud de épocas en las que el espacio público se oscurece, momentos en los que el mundo deviene tan incierto que la gente deja de demandar a la política cualquier cosa que no sea aliviar el peso de sus intereses vitales y de su libertad individual. Especialista en arte y filosofía de la Edad Moderna, pero siempre con una mirada abierta y curiosa hacia el arte contemporáneo, Falguières propone en este encuentro un recorrido «caótico y aventurero» desde el Renacimiento hasta Fukushima para indagar en preguntas como: ¿qué puede significar hoy, en un mundo que resplandece con destellos siniestros y amenazas más siniestras aún, practicar una historia del arte más allá del entretenimiento o el adorno social? y ¿de qué intereses vitales y de qué libertad puede ser testigo e instrumento esta historia del arte?