La Columna Durruti, Escorpión y Félix. Edificio Nouvel, Auditorio 400, Museo Reina Sofía, 2020. Fotografía: Joaquín Cortés/Román Lores © Museo Reina Sofía
Celebrada el 18 nov 2020
En colaboración con el Festival de Otoño de la Comunidad de Madrid, el Museo Reina Sofía presenta el estreno en España de Escorpión y Félix, un trabajo de La Columna Durruti, colectivo iconoclasta de acciones performáticas afincado en Buenos Aires e integrado por Emilio García Wehbi, Maricel Álvarez, Marcelo Martínez, Julieta Potenze, Martín Antuña, entre otras.
La sesión se inicia con una conversación entre los fundadores del colectivo, Maricel Álvarez y Emilio García Wehbi, y la comisaria e investigadora Isabel de Naverán, sobre Trilogía de La Columna Durruti (2015-2017) y otros trabajos del colectivo, a través de textos, películas, objetos, publicaciones y acciones. Y, a continuación, la performance Escorpión y Félix (2018), articulada en torno a la lectura del único texto de ficción escrito por Karl Marx: Escorpión y Félix. Novela humorística (1837). Siguiendo la actitud inconformista de La Columna Durruti, la pieza busca provocar, desde la acción, reflexiones que interpelen el presente.
En palabras de Emilio García Wehbi: “Conocemos al Marx filósofo, conocemos al Marx economista, conocemos al Marx político, pero desconocemos al Marx humorista. Y no hablamos de Groucho ni de Harpo, sino de Carlos. A los 19 años, Karl Marx flirteó con la poesía y con la novela. Escorpión y Félix es una muestra de que también hubiese sido capaz de transitar por esos caminos. Se trata de una serie de capítulos de una novela satírica nunca acabada en donde el joven futuro filósofo ya muestra sus virtudes como polemista y discute graciosamente las tesis de los pensadores que lo precedieron. Esencialmente, se desternilla de la risa con una actitud absolutamente disparatada, que podríamos aventurar como antecesora de Dadá. Se trata de una herejía literaria que se ocupa de criticar las costumbres de su época del mismo modo irreverente con que Duchamp le pintó los bigotes a la Gioconda. De algún modo, la existencia de Escorpión y Félix es una febril celebración del asesinato de ese Marx ceñudo, soberbio, perfilado, que los libros de historia y los monumentos de los países en donde reinó el socialismo estalinista se encargaron de inventar. La Columna Durruti es, en esta ocasión, la culpable de cometer el asesinato de Julio César, de arrancarle la barba postiza a Marx”.
Comisariado
Isabel de Naverán
Línea-fuerza
Malestares contemporáneos
Colabora
Festival de Otoño de la Comunidad de Madrid
Organiza
Museo Reina Sofía
Con el patrocinio de
Con la colaboración de
Participantes
Maricel Álvarez es actriz, directora, coreógrafa, curadora y docente. Su práctica se desarrolla en la intersección del teatro, la performance, la danza y las artes visuales. Colabora estrechamente con Emilio García Wehbi desde 1999. Ha trabajado con el grupo teatral El Periférico de Objetos y con directores como Alejandro González Iñárritu (Biutiful, 2010), Woody Allen (To Rome with Love, 2012), Sophie Calle (Prenez soin de vous, 2015) o William Kentridge (Enough and more than enough. A performative lecture about drawing, 2017), entre otros. Sus trabajos han sido presentados en algunos de los más prestigiosos teatros, galerías, museos y festivales a nivel internacional. Actualmente es docente de la Maestría de Teatro y Performance de la Universidad Nacional de las Artes y curadora de la Bienal de Performance (BP.17 y BP.19).
Emilio García Wehbi es director teatral, regidor, performer, actor, artista visual y docente. En 1989 fundó El Periférico de Objetos. Sus espectáculos, óperas, performances, instalaciones e intervenciones urbanas han sido presentados en los principales escenarios, festivales y ciudades de América, Europa y Asia. Su poética intenta confrontar las disciplinas y las categorías estéticas establecidas, de manera que sus creaciones no puedan ser sometidas a ninguna definición precisa. En su trabajo trata especialmente la dialéctica con el espectador, considerándolo parte activa de la obra, las situaciones críticas, violentas o extraordinarias y la memoria. Ha sido galardonado, entre muchas otras distinciones, con el premio Konex a la excelencia artística.
Isabel de Naverán. Investiga en el cruce entre el arte, la coreografía contemporánea y la performance en proyectos de curaduría, edición y escritura. Es doctora en Arte por la Universidad del País Vasco y forma parte del grupo de investigación Artea. En 2010 fundó, junto con Leire Vergara, Miren Jaio y Beatriz Cavia Bulegoa z/b - Oficina de arte y conocimiento en Bilbao, proyecto al que permaneció vinculada hasta 2018. Desde 2017 se ha encargado de la curaduría de artes en vivo (danza-performance) en el Departamento de Actividades Públicas del Museo Reina Sofía.
Ficha artística
Texto: Karl Marx
Concepto e interpretación: Maricel Álvarez y Emilio García Wehbi
Asistencia artística: Martín Antuña
Fotografías: Andrés Manrique, Gustavo Gorrini
Realización del busto en Madrid: Ignacio García
Se utiliza la canción La Varsoviana (Warszawianka, 1883) de Wacław Święcicki y fragmentos de películas de los Hermanos Marx
Más actividades
![Joseph Kosuth. One and Three Chairs [Una y tres sillas]](https://recursos.museoreinasofia.es/styles/small_landscape/public/Actividades/joseph_kosuth.jpg.webp)
La persona (legal) y la forma legal. Parte III
Lunes 11, miércoles 13 y jueves 14 de mayo, 2026 - Ampliado el plazo de inscripción
Como parte de Constelación de Estudios, la residencia de pensamiento anual 2025-2026, el historiador y teórico del arte Sven Lütticken imparte el seminario La persona (legal) y la forma legal: compromisos teóricos, artísticos y activistas para dialogar y profundizar en las hipótesis y preguntas que animan su proyecto de investigación.
Este proyecto, titulado Deshacer la subjetividad jurídica, deformar la abstracción legal, estudia el dominio de las abstracciones reales —como el valor de cambio y la forma legal— sobre nuestros procesos de subjetivación y se pregunta cómo las prácticas artísticas pueden abrir otras formas de representar o performar al sujeto y su condición jurídica en el mundo contemporáneo.
El seminario consta de un total de ocho sesiones, distribuidas a lo largo del curso en tres partes. La primera sesión de esta tercera parte aborda la noción de propiedad, problematizándola contra el contexto del arte conceptual. La obra de arte, su propiedad, autoría y autenticidad son replanteadas y revisadas con una actitud abierta a la confección de modelos de gestión —hipotéticos y alternativos a los actuales— que revolucionen la relación artista-obra-propietario. ¿Pueden las prácticas artísticas conceptuales servir como modelos críticos? ¿Hasta qué punto es posible pensar, actuar con ellos y extrapolarlos más allá de un bello nicho?
La segunda sesión atiende a la cuestión de la representación. Mientras que la mayoría (aunque no todas) de las personas naturales humanas pueden, en principio, representarte a sí mismas en asuntos legales, otras necesitan representantes. Esto ocurre con menores y adultos bajo custodia legal, pero también con personas «ficticias» —como corporaciones y estados—que necesitan representantes humanos para firmar acuerdos o defenderse en un juicio. La sesión aborda la representación legal en conjunción con otras formas de representación (política y cultural), atendiendo a la distinción inestable e históricamente mutable que hace Gayatry Spivak entre la representación como retrato (Darstellung) y la representación como agencia política (Vertretung).
Por último, la tercera sesión sirve de recapitulación, digestión y cierre del que ha sido el primer seminario del programa de residencia anual Constelación de Estudios.
Colección. Arte contemporáneo: 1975 - Presente
Miércoles 13 de mayo, 2026 - 19:00 h
En esta conferencia, Manuel Segade, director del Museo Reina Sofía, expone las claves de lectura de la nueva presentación de las Colecciones en la cuarta planta del Edificio Sabatini. Esta nueva organización de los fondos se enmarca en un ambicioso plan de reordenación de los usos arquitectónicos de los edificios del Museo, que continuará en 2027 con la inauguración de la tercera planta de este mismo edificio, para culminar en la segunda en 2028.
La nueva presentación de las Colecciones, inaugurada el 16 de febrero de 2026, ofrece un recorrido por la historia del arte contemporáneo de los últimos cincuenta años desde España. A diferencia de un relato unívoco, esta planta cuenta el mismo período —desde la Transición al presente— de tres maneras diferentes, reiniciándose en los años setenta una y otra vez.
El recorrido arranca con un prólogo que transita por los afectos, la cultura material y la institucionalidad en la Transición española como punto de partida a los tres itinerarios posteriores. El primero, Una historia de los afectos en el arte contemporáneo, navega desde los sistemas afectivos en la producción artística vinculada a la segunda ola feminista hasta el duelo como herramienta de interpretación de las nuevas realidades. El segundo itinerario, Los poderes de la ficción. Escultura, nuevos materialismos y estéticas relacionales, está concebido como una galería escultórica en la que las obras salen al encuentro del público incidiendo en la parte performativa de esta disciplina. Entre otras cosas, este itinerario muestra cómo, desde los años ochenta, la producción escultórica española ha tenido una gran proyección internacional en la que numerosas artistas mujeres han jugado un papel fundamental. El tercer itinerario, Un marco nuevo. La institución, el mercado y el arte que los excede a ambos, permite acercarse a los orígenes del Museo y su papel en el proceso de institucionalización del arte en nuestro país. En mayo de 1986 se abría el Centro de Arte Reina Sofía, utilizando las plantas primera y segunda del antiguo hospital: los cuarenta años transcurridos desde entonces permiten reevaluar precisamente los efectos del Museo sobre el arte español y de este sobre la institución.
Con esta charla se refuerza el objetivo de socialización de los relatos producidos desde el Museo, en una etapa en el que las Colecciones están sujetas a revisión permanente.
Patricia Falguières
Martes 12 de mayo, 2026 – 19:00 h
La historiadora del arte Patricia Falguières inaugura la Cátedra María Luisa Caturla con la conferencia La historia del arte en tiempos de oscuridad. Esta cátedra, consagrada a la reflexión sobre el arte de las épocas «enfermas de incertidumbre», está dedicada a desmontar, divagar o imaginar las múltiples temporalidades y materialidades de la historia del arte desde una mirada excéntrica, desplazada, fuera del centro o con un centro diferente.
El título de la conferencia hace referencia a Hombres en tiempos de oscuridad (1968), un conjunto de ensayos escritos por Hannah Arendt cuyo título parafrasea a su vez un poema de Bertolt Brecht. En esta obra, Arendt asevera que «los tiempos de oscuridad no solo no son nuevos, sino que no son una rareza de la historia».
También para Patricia Falguières la historia conoce multitud de épocas en las que el espacio público se oscurece, momentos en los que el mundo deviene tan incierto que la gente deja de demandar a la política cualquier cosa que no sea aliviar el peso de sus intereses vitales y de su libertad individual. Especialista en arte y filosofía de la Edad Moderna, pero siempre con una mirada abierta y curiosa hacia el arte contemporáneo, Falguières propone en este encuentro un recorrido «caótico y aventurero» desde el Renacimiento hasta Fukushima para indagar en preguntas como: ¿qué puede significar hoy, en un mundo que resplandece con destellos siniestros y amenazas más siniestras aún, practicar una historia del arte más allá del entretenimiento o el adorno social? y ¿de qué intereses vitales y de qué libertad puede ser testigo e instrumento esta historia del arte?
De Viva Voz 1. Cabello/Carceller
Lunes 11 de mayo, 2026 — De 18:30 a 20:00 h
La serie fotográfica de Cabello/Carceller Sin título (Utopía) (1998) se despliega en la pared de la Sala 8 de la cuarta planta del Museo como un imponente conjunto de imágenes de distinto tamaño y formato que impregna el espacio de una suerte de melancolía política. Hace reverberar el silencio que, aún hoy, domina los discursos públicos en torno al sida. El desolador escenario que proponen las imágenes de estas piscinas, vacías y fuera de temporada, activa un relato de lucha: la respuesta de activistas y artistas frente a la gestión política de dicha pandemia.
En este encuentro con el colectivo de artistas Cabello/Carceller, en diálogo con la subdirectora artística del Museo Amanda de la Garza, se busca mantener una conversación pausada y reflexiva sobre la obra y sus lecturas, así como conocer de cerca detalles sobre su génesis y repercusión.
A golpe de sample. Experimentación sonora contra el odio
7 MAY 2026
El equipo de adolescentes del Museo, equipo1517, invita a jóvenes de 15 a 17 años a participar en esta visita-taller con Rubén H. Bermúdez y Bria, artistas con quienes sumergirse en la posibilidad de romper con las categorías y los enjuiciamientos internos y transformarlos en una reivindicación musical contra el odio.
Tras una visita a las salas de las Colecciones del Museo con el artista Rubén H. Bermúdez, el taller propone una investigación en torno al sample y la automatización de la mano de Bria, artista sonora y productora musical. A través de las técnicas de sampleo sonoro, se exploran los relatos propios de vida y ficción hacia la construcción de futuros liberadores y espacios sonoros que condenen los discursos de odio.
Para inscribirse no es imprescindible tener experiencia previa o conocimiento de herramientas informáticas musicales. Aquellas personas que manejen programas de audio digital pueden traer sus ordenadores y/o instrumentos digitales. El taller es un espacio seguro para disidencias sexo-genéricas y se articula como herramienta artística antirracista.
Esta actividad se celebra en el marco del programa CAMBIAFORMAS. Eres la posibilidad propuesto por la artista Benia Nsi para la actual edición de equipo1517.