La Columna Durruti, Escorpión y Félix. Edificio Nouvel, Auditorio 400, Museo Reina Sofía, 2020. Fotografía: Joaquín Cortés/Román Lores © Museo Reina Sofía
Celebrada el 18 nov 2020
En colaboración con el Festival de Otoño de la Comunidad de Madrid, el Museo Reina Sofía presenta el estreno en España de Escorpión y Félix, un trabajo de La Columna Durruti, colectivo iconoclasta de acciones performáticas afincado en Buenos Aires e integrado por Emilio García Wehbi, Maricel Álvarez, Marcelo Martínez, Julieta Potenze, Martín Antuña, entre otras.
La sesión se inicia con una conversación entre los fundadores del colectivo, Maricel Álvarez y Emilio García Wehbi, y la comisaria e investigadora Isabel de Naverán, sobre Trilogía de La Columna Durruti (2015-2017) y otros trabajos del colectivo, a través de textos, películas, objetos, publicaciones y acciones. Y, a continuación, la performance Escorpión y Félix (2018), articulada en torno a la lectura del único texto de ficción escrito por Karl Marx: Escorpión y Félix. Novela humorística (1837). Siguiendo la actitud inconformista de La Columna Durruti, la pieza busca provocar, desde la acción, reflexiones que interpelen el presente.
En palabras de Emilio García Wehbi: “Conocemos al Marx filósofo, conocemos al Marx economista, conocemos al Marx político, pero desconocemos al Marx humorista. Y no hablamos de Groucho ni de Harpo, sino de Carlos. A los 19 años, Karl Marx flirteó con la poesía y con la novela. Escorpión y Félix es una muestra de que también hubiese sido capaz de transitar por esos caminos. Se trata de una serie de capítulos de una novela satírica nunca acabada en donde el joven futuro filósofo ya muestra sus virtudes como polemista y discute graciosamente las tesis de los pensadores que lo precedieron. Esencialmente, se desternilla de la risa con una actitud absolutamente disparatada, que podríamos aventurar como antecesora de Dadá. Se trata de una herejía literaria que se ocupa de criticar las costumbres de su época del mismo modo irreverente con que Duchamp le pintó los bigotes a la Gioconda. De algún modo, la existencia de Escorpión y Félix es una febril celebración del asesinato de ese Marx ceñudo, soberbio, perfilado, que los libros de historia y los monumentos de los países en donde reinó el socialismo estalinista se encargaron de inventar. La Columna Durruti es, en esta ocasión, la culpable de cometer el asesinato de Julio César, de arrancarle la barba postiza a Marx”.
Comisariado
Isabel de Naverán
Línea-fuerza
Malestares contemporáneos
Colabora
Festival de Otoño de la Comunidad de Madrid
Organiza
Museo Reina Sofía
Con el patrocinio de
Con la colaboración de
Participantes
Maricel Álvarez es actriz, directora, coreógrafa, curadora y docente. Su práctica se desarrolla en la intersección del teatro, la performance, la danza y las artes visuales. Colabora estrechamente con Emilio García Wehbi desde 1999. Ha trabajado con el grupo teatral El Periférico de Objetos y con directores como Alejandro González Iñárritu (Biutiful, 2010), Woody Allen (To Rome with Love, 2012), Sophie Calle (Prenez soin de vous, 2015) o William Kentridge (Enough and more than enough. A performative lecture about drawing, 2017), entre otros. Sus trabajos han sido presentados en algunos de los más prestigiosos teatros, galerías, museos y festivales a nivel internacional. Actualmente es docente de la Maestría de Teatro y Performance de la Universidad Nacional de las Artes y curadora de la Bienal de Performance (BP.17 y BP.19).
Emilio García Wehbi es director teatral, regidor, performer, actor, artista visual y docente. En 1989 fundó El Periférico de Objetos. Sus espectáculos, óperas, performances, instalaciones e intervenciones urbanas han sido presentados en los principales escenarios, festivales y ciudades de América, Europa y Asia. Su poética intenta confrontar las disciplinas y las categorías estéticas establecidas, de manera que sus creaciones no puedan ser sometidas a ninguna definición precisa. En su trabajo trata especialmente la dialéctica con el espectador, considerándolo parte activa de la obra, las situaciones críticas, violentas o extraordinarias y la memoria. Ha sido galardonado, entre muchas otras distinciones, con el premio Konex a la excelencia artística.
Isabel de Naverán. Investiga en el cruce entre el arte, la coreografía contemporánea y la performance en proyectos de curaduría, edición y escritura. Es doctora en Arte por la Universidad del País Vasco y forma parte del grupo de investigación Artea. En 2010 fundó, junto con Leire Vergara, Miren Jaio y Beatriz Cavia Bulegoa z/b - Oficina de arte y conocimiento en Bilbao, proyecto al que permaneció vinculada hasta 2018. Desde 2017 se ha encargado de la curaduría de artes en vivo (danza-performance) en el Departamento de Actividades Públicas del Museo Reina Sofía.
Ficha artística
Texto: Karl Marx
Concepto e interpretación: Maricel Álvarez y Emilio García Wehbi
Asistencia artística: Martín Antuña
Fotografías: Andrés Manrique, Gustavo Gorrini
Realización del busto en Madrid: Ignacio García
Se utiliza la canción La Varsoviana (Warszawianka, 1883) de Wacław Święcicki y fragmentos de películas de los Hermanos Marx
Más actividades
Dificultad. Formas y efectos políticos del desvío en la escritura y el arte contemporáneo
23 de febrero – 14 de diciembre, 2026 – Consultar programa
Dificultad. Formas y efectos políticos del desvío en la escritura y el arte es un grupo de estudio orientado a pensar cómo ciertas prácticas artísticas y culturales contemporáneas se resisten a la referencialidad que domina las lógicas de producción y consumo del arte actual. Esta propuesta pone en su centro los conceptos de dificultad y desvío, bajo los que convoca a todo procedimiento capaz de evitar la absorción de las formas artísticas por un sentido que aparece como si fuera anterior e independiente de su expresión. Al garantizar la perceptibilidad de sus lenguajes, la dificultad invita a pensar el sentido como efecto de una tensión significante; es decir, como una actividad productiva y creativa que, desde la materialidad de los objetos artísticos, libera la experiencia estética del mandato representacional y a quienes participan en ella de la pasividad asociada a las tareas de mímesis y descodificación.
La economía de la norma referencial traduce la lógica social del capitalismo, donde operan formas insidiosas de captura de subjetividad y sentido. A principios de los ochenta, y adoptando un esquema marxista, el poeta Ron Silliman señaló que esta lógica consistía en separar el lenguaje de cualquier marca, gesto, grafía, forma o sintaxis que lo vinculara a las condiciones de su producción, quedando, así, fetichizado (como sin sujeto), y alienando a sus usuarios en un uso del que no son responsables. Esta doble desposesión cifra la estrategia política de la objetividad referencial: sin sujeto y sin marca de su propia consistencia, el lenguaje es solamente objeto, esa realidad en la que desaparece.
Los usos políticos de la referencialidad, hoy más sofisticados que nunca, sostienen también la fase neoliberal-extractivista del capitalismo que atraviesa política, económica y estéticamente las sociedades actuales. Contra ellos emergen prácticas artísticas fugitivas que, desde los estudios negros, queer y otras posiciones críticas subalternas, rechazan los límites objetivos de lo que existe, inventan formas para nombrar lo que está fuera de lo ya nombrado, y devuelven a los sujetos la capacidad de participar en los procesos de emisión e interpretación.
Leída desde el trabajo artístico, a la captura objetiva de la referencialidad se le puede llamar transparencia. Mirada desde un contrato social que reproduce la desigualdad sobre posiciones identitarias fijas, lo que en esta objetividad se transparenta son, precisamente, los discursos que sostienen el statu quo de la dominación. Frente al infierno de esos discursos, la intención de este grupo es explorar de forma colectiva, a partir de obras desviadas o fugitivas, el paraíso del lenguaje que Monique Wittig encontró en las prácticas extrañadas de la literatura. Porque la potencia política de la dificultad —esto es, su contribución a la utopía de una lengua libre entre iguales— pasa por hacer ver, primero, sus propios desvíos, desde ahí la norma que esos desvíos transgreden, y, por último, la estrechez de una norma que en ningún caso agota las posibilidades de decir, significar, referir y producir un mundo.
Desde esta denuncia de la alienación, fetichización y captura referenciales, Dificultad. Formas y efectos políticos del desvío en la escritura y el arte atiende a las estrategias de resistencia que llevan a cabo artistas y poetas de la contemporaneidad. Su interés se orienta a propuestas tan evidentemente difíciles o esquivas como las de Gertrude Stein, Lyn Hejinian, Theresa Hak Kyung Cha, Kameelah Janan Rasheed, Kathy Acker, María Salgado o Ricardo Carreira, y tan en apariencia sencillas como las de Fernanda Laguna, Felix Gonzalez Torres o Cecilia Vicuña, entre otros ejemplos que pueden ser añadidos según los deseos y las dinámicas del grupo.
Las diez sesiones del grupo de estudio, desarrolladas entre febrero y diciembre, combinan seminarios teóricos, trabajo con obras de las Colecciones y con exposiciones del Museo, talleres de lectura y aperturas al público. Todas estas modalidades sirven como espacios de encuentro para pensar en común ciertos problemas de poética —es decir, algunas cuestiones políticas— de la escritura y del arte actual.
Dificultad. Formas y efectos políticos del desvío en la escritura y el arte inaugura la línea de investigación Adiós, representación, con la que la Dirección de Estudios del Museo Reina Sofía se propone explorar la emergencia de prácticas artísticas y culturales contemporáneas que se alejan de la representación como estrategia estético-política dominante, y dirigen su atención hacia lenguajes artísticos que cuestionan la tendencia de señalar, nombrar y fijar, para abogar por estéticas fugitivas. A lo largo de sus tres años de duración, la línea de investigación se materializa en grupos de estudio, seminarios, proyecciones y otro tipo de programación pública.
Intergeneracionalidad
9 ABR 2026
Este ciclo está organizado por equipoMotor, un grupo de adolescentes, jóvenes y personas mayores que han participado en proyectos comunitarios educativos del Museo Reina Sofía. El programa consiste en cuatro bloques temáticos alrededor de lo monstruoso.
Esta sesión mira al cine como un lugar donde desmontar la idea de una única historia y un único tiempo. Desde una perspectiva decolonial y queer se exploran películas que rompen la línea recta del pasado-presente-futuro, que mezclan memorias, ralentizan el progreso y dejan espacio para ritmos que no suelen tener cabida en los relatos oficiales. Aquí las imágenes abren grietas por las que aparecen cuerpos, voces y afectos que trastocan el archivo y cuestionan quién narra, desde dónde y para quién. La propuesta es sencilla y ambiciosa a la vez: usar el cine para imaginar otros modos de recordar, de pertenecer y de proyectar futuros que todavía no hemos podido vivir.
Mirar de cerca. Píldoras formativas
Del 16 al 26 de marzo, 2026 - Consultar programa
Las colecciones de la Biblioteca y Centro de Documentación del Museo Reina Sofía son accesibles a cualquier persona interesada. Este programa está destinado a facilitar el acceso a estos recursos a través de varios talleres centrados en aspectos clave como el manejo básico del catálogo, las revistas y otras publicaciones seriadas, los archivos, las bases de datos y LaDigitaldelReina.
Este proyecto se desarrolla en el marco de Mirar de cerca, una de las líneas que configuran el programa de mediación Casi libros, enfocado en dar a conocer los fondos de la Biblioteca y Centro de Documentación del Museo y difundir las herramientas especializadas para la investigación en el arte y la creación contemporánea, a través de talleres, cursos y guías temáticas.
Remedios Zafra
Jueves 19 de marzo, 2026 - 19:00 h
La Cátedra José Luis Brea, dedicada a la reflexión en torno a la imagen y la epistemología de la visualidad en la contemporaneidad, inaugura su programación con la conferencia de la ensayista y pensadora Remedios Zafra.
«Que el auge antifeminista contemporáneo se construya como un impulso antiintelectual no es casual y ambas tendencias se alimentan mutuamente. Para posicionar un discurso reaccionario que defiende la desigualdad de las personas es preciso cuestionar los estudios y políticas de género, pero también devaluar los pilares del conocimiento donde estos se han construido con mayor intensidad en las últimas décadas, maltratando además su sostén institucional: universidades, centros de arte e investigación y cultura académica.
El feminismo ha estado profundamente unido a la celebración del pensamiento humanista más comprometido, y los periodos de ilustración y los momentos de transición hacia formas sociales más justas y sostenidas en la educación han sido aquellos en los que la reivindicación feminista ha surgido con más fuerza. La conciencia y logros de igualdad aumentan cuando la educación es una protagonista social, de forma que desvalorizar el trabajo intelectual también contribuye a dañar el feminismo y viceversa, en tanto que el vínculo entre el conocimiento y el feminismo no es solo conceptual e histórico, es también un vínculo íntimo y político. Hoy el antifeminismo es usado a nivel global como adhesivo simbólico de movimientos de ultraderecha, paralelamente a la devaluación de los saberes y conocimientos que emergen de la universidad y la ciencia, maltratados por bulos y desinformación en las redes y desde la espectacularización de la vida mediada por pantallas. Son consecuencias no ajenas a la primacía de un valor escópico que desde hace tiempo denosta el pensamiento y posiciona lo más visto como lo más valioso en la mediación normalizada de la tecnología. Esta inercia convive con proclamas tecnolibertarias que reactivan un patriarcado que usa el resentimiento de muchos hombres como forma seductora y cohesionadora para mantener y azuzar privilegios en el nuevo mundo como tecnoescenario.
En esta conferencia se aborda este contexto epocal profundizando en la sincronía de estos auges desde un paralelismo añadido en las formas de dominio patriarcal y tecnolaboral. Un paralelismo en el que el feminismo y el trabajo intelectual tanto están siendo damnificados como lanzando señales de que en ambos descansan respuestas emancipadoras frente a los actuales giros reaccionarios y de neutralización crítica. Esta sintonía hablaría además de cómo la perversa base patriarcal que convierte a las mujeres en mantenedoras de su propia subordinación tiene su equivalente en la autoexplotación alentada de los trabajadores culturales; en la legitimación del capital afectivo y del capital simbólico como pagos suficientes; en el desdibujamiento de los límites entre vida y trabajo y en el aislamiento doméstico; o en la presión de agrado y complacencia como forma patriarcal extendida, hoy vinculada con el entusiasmo fingido de trabajadores precarios, pero también con la adulación tecnológica. Como respuesta a la resistencia y acción intelectual posible, el patriarcado ha vinculado a las feministas con un futuro que se aventuraba desdichado para ellas igualando «pensamiento y conciencia» a infelicidad, allí donde estos justamente han sido (y siguen siendo) resorte de autonomía y emancipación».
— Remedios Zafra
27 Jornadas de Conservación de Arte Contemporáneo
Miércoles 4 y jueves 5 de marzo, 2026
Los días 4 y 5 de marzo de 2026 se celebran las 27 Jornadas de Conservación de Arte Contemporáneo, organizadas por el Departamento de Conservación-Restauración del Museo Reina Sofía, con el patrocinio de Fundación Mapfre. Se trata de un encuentro internacional que tiene como objetivo compartir y debatir experiencias e investigaciones, abrir nuevas vías de estudio y reflexionar sobre la conservación y la práctica profesional de restauración.
Esta edición se lleva a cabo de forma presencial y virtual, de manera simultánea, mediante intervenciones de 20 minutos, seguidas de 5 minutos de preguntas.