Ute Aurand. Franz. Película, 2011
Celebrada el 08, 14 may 2025
—Con presentación y coloquio de Ute Aurand en el primer pase
Duración total: 61’
Ute Aurand. Maria und Die Welt [María y el mundo]
Alemania, 1995, archivo digital, color y blanco y negro, sonido, 15’
Ute Aurand. Kopfüber im Gëast [Colgando boca abajo en las ramas]
Alemania, 2009, 16mm, color, silente, 15’
Ute Aurand. Zu Hause [En casa]
Alemania, 1998, 16mm, blanco y negro, sonido, 2’30’’
Ute Aurand. Paulina
Alemania, 2011, 16mm, color y blanco y negro, silente, 5’
Ute Aurand. Franz
Alemania, 2011, 16mm, color y blanco y negro, silente, 5’
Ute Aurand. Lisbeth
Alemania, 2011, 16mm, color, silente, 3’
Ute Aurand. Lisa
Alemania, 2017, 16mm, color y blanco y negro, sonido, 5’
Ute Aurand. Renate
Alemania, 2021, 16mm, color y b/n, sonido, 6’
Ute Aurand. Zuoz
Alemania, 2009, 16mm, color, sonido, 1’30’’
Ute Aurand. Sakura, Sakura
Alemania, 2015, 16mm, color y blanco y negro, sonido, 3’
Aurand compone estos retratos fílmicos, plenos de ternura y empatía, a partir de prolongadas convivencias con los retratados, en su mayoría procedentes de la comunidad artística y afectiva de la artista. Esta galería de retratos constituye, en este sentido, un homenaje a la escena cultural alternativa de Berlín durante las últimas décadas. Las figuras se funden con su entorno en un montaje rítmico y veloz que habla del inexorable paso del tiempo.
Organiza
Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía
Ute Aurand. Gente, lugares, vidas
Actividad dentro de la programación...
Ute Aurand. Gente, lugares, vidas
El Museo Reina Sofía, en el marco de Documenta Madrid, organiza una retrospectiva dedicada a Ute Aurand (Alemania, 1957), una de las cineastas experimentales más admiradas en las últimas décadas. Autora de unas 40 películas, la obra de Aurand destaca por concebirse en primera persona, como una forma de poesía basada en las características formales del cine analógico en 16mm. El ciclo cuenta con la presencia de la autora para presentar su trabajo y dialogar con el público.
Documenta Madrid dedica la edición de este año a las imágenes de archivo, motivo por el que planteamos a Ute Aurand como protagonista de este ciclo. El cine nace como un gran archivo del mundo. Invento de la modernidad, los primeros cineastas de fines del siglo XIX viajaban para registrar, mostrar y recopilar lugares distantes en los que, tras llegar la cámara, pronto desembarcarían el comercio y la industria con fines expansivos. Ute Aurand pertenece a una tradición opuesta, en la que el cine, lejos de conquistar visualmente el mundo, se fusiona y se diluye con la experiencia cotidiana. Su cine es también un archivo, pero no un repertorio enciclopédico de lugares y sujetos, sino un conjunto de vidas, memorias y momentos cotidianos transfigurados en bellas epifanías por la cámara y por una singular poética del 16mm, que la autora pone en práctica de manera excepcional.
Ute Aurand rueda todas sus películas en celuloide de 16mm con una Bolex, la cámara por definición del cine experimental, dando vida a una obra que profundiza en todas las cualidades materiales y procesuales del cine analógico. Por esta misma razón, su trabajo es una afirmación de una estética y una práctica artesanal, inseparable de un modo de ver, que confronta las lógicas de la imagen digital predominantes en nuestro presente. Aspectos como las secuencias de 30 segundos, debidas a la duración máxima de la película, la edición desde la misma cámara o la escasez de material rodado, se unen a la vibración cromática y a la textura del grano para dar forma a una bella poética de la fugacidad que responde tanto a la técnica como al tema filmado.
Las películas de Aurand se componen de centelleantes retratos de amigos y familiares, así como de vívidos paisajes de lugares significativos para la autora. La cineasta ha trabajado en ambos géneros durante décadas y cada uno ocupa un programa monográfico en el ciclo. Los retratos y paisajes de Ute Aurand son una forma de dialogar con el paso del tiempo, a la vez que retienen el carácter profundamente íntimo de la existencia: son instantes de vida transmutados en películas. El tercer programa está dedicado a la conversación colectiva en primera persona de Aurand con otras autoras del cine en primera persona, como Margaret Tait, Marie Menken o Ewelina Rosinska. Esta sesión, comisariada por la propia Aurand, también alude a las facetas de programadora y conservadora de cine que la autora ha desempeñado durante décadas en Arsenal, Instituto para el cine y el videoarte, centro fílmico alemán de referencia internacional.
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Actividad pasada
—Con presentación y coloquio de Ute Aurand en el primer pase
Duración total: 61’Ute Aurand. Maria und Die Welt [María y el mundo]
Alemania, 1995, archivo digital, color y blanco y negro, sonido, 15’Ute Aurand. Kopfüber im Gëast [Colgando boca abajo en las ramas]
Alemania, 2009, 16mm, color, silente, 15’Ute Aurand. Zu Hause [En casa]
Alemania, 1998, 16mm, blanco y negro, sonido, 2’30’’Ute Aurand. Paulina
Alemania, 2011, 16mm, color y blanco y negro, silente, 5’Ute Aurand. Franz
Alemania, 2011, 16mm, color y blanco y negro, silente, 5’Ute Aurand. Lisbeth
Alemania, 2011, 16mm, color, silente, 3’Ute Aurand. Lisa
Alemania, 2017, 16mm, color y blanco y negro, sonido, 5’Ute Aurand. Renate
Alemania, 2021, 16mm, color y b/n, sonido, 6’Ute Aurand. Zuoz
Alemania, 2009, 16mm, color, sonido, 1’30’’Ute Aurand. Sakura, Sakura
Alemania, 2015, 16mm, color y blanco y negro, sonido, 3’Aurand compone estos retratos fílmicos, plenos de ternura y empatía, a partir de prolongadas convivencias con los retratados, en su mayoría procedentes de la comunidad artística y afectiva de la artista. Esta galería de retratos constituye, en este sentido, un homenaje a la escena cultural alternativa de Berlín durante las últimas décadas. Las figuras se funden con su entorno en un montaje rítmico y veloz que habla del inexorable paso del tiempo.
Paisajes
Actividad pasada
—Con presentación y coloquio de Ute Aurand en el primer pase, con moderación de Pablo Marín, programador y teórico de cine experimental
Proyección en 16mm
Duración total: 70’Ute Aurand. To Brasil [Para Brasil]
Alemania, 2023, 16mm, color y blanco y negro, sonido, 18’Ute Aurand. Glimpses from a Visit to Orkney in Summer 1995 [Destellos de una visita a Orkney en verano 1995]
Alemania, 2020, 16mm, color, silente, 4’30’’Ute Aurand. Four Diamonds [Cuatro diamantes]
Alemania, 2016, 16mm, color, sonido, 4’30’’Ute Aurand. Junge Kiefern [Pinos jóvenes]
Alemania, 2011, 16mm, color y blanco y negro, sonido, 43’Lugares visitados por Aurand a lo largo de su vida: Brasil, Japón o Escocia, en los que la fascinación por la cultura local se mezcla con la sensación visual de carácter impresionista. Fragmentos evanescentes de arquitecturas, gentes y naturalezas hablan de la dimensión temporal del viaje, pero también de la propia cineasta, con su cámara siempre en mano, sin trípode y en movimiento, como prolongación de su cuerpo. Una oda al conocimiento y al aprendizaje del viaje.
Conversaciones
Actividad pasada
Duración total: 76’
Margaret Tait. Portrait of Ga [Retrato de Ga]
Escocia, 1952, 16mm, color, VO en inglés sin subtítulos, 4’30’’Renate Sami. Wenn du eine Rose siehst [Cuando ves una rosa]
Alemania, 1995, DCP, sonido, 5’Utako Koguchi. Sleeping Flower [Flor durmiente]
Japón, 1991, 16mm, color, sonido, 1991, 7’Marie Menken. Notebook [Cuaderno de notas]
Estados Unidos, 1962-1963, 16mm, color, silente, 10’Maria Lang. Familiengruft - ein Liebesgedicht an meine Mutter [Cripta familiar-un retrato de amor a mi madre]
Alemania, 1981, archivo digital, VO en alemán con subtítulos en español, blanco y negro, 10’Ute Aurand y Ulrike Pfeiffer. Oh! Die vier Jahreszeiten [¡Oh! Las cuatro estaciones]
Alemania, 1986-1988, archivo digital, color, sonido, 20’Ewelina Rosinska. Erde im Mund [Tierra en la boca]
Polonia, 2020, DCP, color, sonido, 20’Aurand pertenece a una tradición lírica y vibrante del cine en primera persona, en la que sostiene un diálogo con autoras del pasado, como la norteamericana Marie Menken (1909-1970) o la escocesa Margaret Tait (1918-1999), pero también del presente, como la polaca Ewelina Rosinska (1987). Una conversación sin fronteras generacionales ni geográficas, a la que se suman la japonesa Utako Koguchi (1961), mentoras como Renate Sami (1935-2023) y coetáneas como Maria Lang (1945) o Ulrike Pfeiffer (1951), todas ellas valedoras del cine como una forma de poesía y en la concepción artesanal del 16mm.
Más actividades
Por primera vez, el cine
7 y 14 de junio, 2026 – 12:00 h
La última sesión de esta temporada de Proyector de Luna contempla la sensación del cine por primera vez. El cine como revelación, magia, fantasía y misterio desde la primera mirada, ese primer contacto con el medio como imaginario grabado en la retina de la infancia. A través de dos de sus hitos, el programa muestra Fantasmagorie (1908) de Émile Cohl, el primer dibujo animado de la historia, y Cien niños esperando un tren (1988) de Ignacio Agüero, un largometraje sobre el juego y los orígenes del cine.
Fantasmagorie (1908) de Émile Cohl (Paris, 1857- Villejuif, 1938) es la primera expresión de la historia de un dibujo animado. Émile Cohl fue un ilustrador perteneciente al grupo artístico parisino Arts incohérents (1882-1895), de talento absurdo y surrealista. Si los hermanos Lumière consiguieron levantar de sus butacas a los espectadores que veían cómo un tren se aproximaba a ellos en 1895, Fantamagorie es una experiencia supraterrenal, como la aparición de un espíritu, pero al mismo tiempo inocua y divertida. Lo inanimado cobra vida de la nada y las figuras se mueven por primera vez sin aparente sentido. La animación se relaciona desde el primer momento con la caricatura, la fabulación y lo cómico, un lugar propicio para la ensoñación del público más joven.
Del descubrimiento de un imaginario nuevo surgido de la línea animada hasta el conocimiento del mundo a través de una pantalla. Cien niños esperando un tren (1988) del chileno Ignacio Agüero (Santiago, 1952) narra el descubrimiento del cine por un grupo de menores en un taller sobre los orígenes de este medio en una humilde localidad a las afueras de Santiago de Chile. El juego, la diversión y el aprendizaje se unen a la fascinación por las imágenes. La visión de Fantasmagorie (1908)de Émile Cohl en este taller se transforma en un acto de libertad.
Para transformar los papeles y guardar la memoria
Viernes 5, sábado 6 y martes 9 de junio, 2026 - 18:00 H
En el marco del Instituto Cáder de Arte Centroamericano (ICAC), Museo Tentacular colabora con el artista salvadoreño Jose Campos (La Paz, 1986), conocido como Studio Lenca, en la realización de talleres colaborativos a lo largo de 2026 en torno a la producción de materiales y herramientas artísticas para las luchas sociales del presente. Estos talleres proponen activar y producir elementos que acompañen en el Picnic del barrio de 2026.
El Picnic del barrio es un encuentro organizado junto con la asamblea de Museo Situado, donde el Jardín del Museo se torna plaza pública y se celebran y reivindican las luchas de Lavapiés a través de talleres, conciertos, activaciones políticas, olores, colores y sabores que toman el Museo desde el barrio. En 2026, el eje central que articula el Picnic es la campaña del movimiento Regularización Ya, que defiende el proceso de regularización de personas migrantes en situación administrativa irregular en España. Como preparación del Picnic, estos talleres con Studio Lenca están dirigidos a personas interesadas en la producción de imágenes, objetos y narrativas relacionadas con la lucha del barrio por una vida digna y el proceso de regularización en curso.
Jose Campos se nutre de su propia biografía para su producción artística, marcada por la migración desde El Salvador a Estados Unidos, y de allí al Reino Unido. Así, estos encuentros proponen la construcción de vasijas, objetos que suelen utilizarse para contener líquidos o alimentos, pero que aquí sirven para guardar historias de vida. Partiendo del trabajo con material reciclado procedente de documentos y recortes aportados por residentes del barrio y el Museo, el papel se transforma en un objeto portador de memorias e historias de vida. De esta forma, se resignifica su materialidad para construir colectivamente unos vasos que guardan, hablan, recuerdan y muestran el derecho de las vecinas y vecinos a una vida digna.
Mirar de cerca. De visu
Martes 9 de junio, 2026 - 12:00 h
El 26 de mayo de 1986 se inauguraba el Centro de Arte Reina Sofía en el edificio que durante más de doscientos años había sido sede del Hospital General, restaurado en gran medida por el arquitecto Antonio Fernández Alba. Con motivo del cuarenta aniversario de esta apertura, el Archivo Central propone una serie de activaciones de sus fondos; entre ellas, este taller donde se presentan algunos documentos que sirven para desplegar visual y textualmente los inicios de la institución.
Esta selección de documentación, producida por el Museo Reina Sofía y conservada en su Archivo Central, incluye fotografías, planos y otros documentos que testimonian la transformación arquitectónica y funcional del edificio: desde su uso como hospital a su adaptación como espacio expositivo que pone en valor sus cualidades arquitectónicas y museográficas. Junto a estos materiales, se incorporan algunos fondos heredados de instituciones precedentes, como el Museo de Arte Moderno y el Museo Español de Arte Contemporáneo, así como otros que testimonian importantes hitos de su historia. Un conjunto que, en definitiva, permite contextualizar la trayectoria administrativa y patrimonial que antecede al actual Museo y ofrecer una visión continuada de su desarrollo institucional.
Este proyecto se desarrolla en el marco de Mirar de cerca, una de las líneas que configuran el programa de mediación Casi libros, enfocado en dar a conocer los fondos de la Biblioteca y Centro de Documentación del Museo y difundir las herramientas especializadas para la investigación en el arte y la creación contemporánea, a través de talleres, cursos y guías temáticas.
Exilio y ajenidad
Sábado 30 de mayo y 6 de junio, 2026 - 18:00 H
Durante los años del gobierno de la Unidad Popular tres jóvenes cineastas se presentaron en las oficinas de Chile Films para presentar un proyecto de película: Marilú Mallet, Valeria Sarmiento y Angelina Vázquez. Esta sesión proyecta tres películas que recogen la experiencia de exilio de estas tres directoras. En Dos años en Finlandia, Angelina Vázquez retrata las condiciones sociales y laborales de las personas chilenas refugiadas en el país nórdico. La ficción Lentement, dirigida por Marilú Mallet, sigue a una joven exiliada chilena por los espacios de Montreal contaminados de nostalgia y rabia política. En Huellas, Valeria Sarmiento vuelve a Chile para indagar en la memoria de la violencia ejercida por la dictadura militar de Pinochet. La sesión culmina con un coloquio con las tres cineastas, reunidas por vez primera.
De Norte a Sur, de Sur a Norte
Domingo 31 de mayo y viernes 5 de junio, 2026 - Consultar horarios
Marilú Mallet recorre, como en una road movie, su Chile natal tras cuarenta años de exilio. El viaje supone una exploración del dinamismo de la identidad nacional, lo que lleva a la cineasta a volver a cuestiones ya tratadas en su propia filmografía y a buscar nuevas formas de filmar el encuentro entre un cuerpo y el paisaje.