-
Primer pase: jueves 4 de julio - 19:00 h / Segundo pase: jueves 11 de julio - 19:00 h
Sesión 1
Imágenes de transgresión
Kirsten Bates y Allen Frame. Turmoil in the Garden [Alboroto en el jardín]
Estados Unidos, 1983, color, VO en inglés subtitulada en español, vídeo, 38’
Guion: adaptación de Sounds in the Distance, de David Wojnarowicz
Intérpretes: Allen Frame, Tara Kelly, Nan Goldin, Kirsten Bates, Elisabeth Walker, Bill Rice, Brian Burchill, Suzanne Fletcher, Frank FrancaRichard Kern. Manhattan Love Suicides: Stray Dogs [Manhattan quiere a los suicidios: perros callejeros]
Estados Unidos, 1985, b/n, VO en inglés subtitulada en español, Super8 transferido a digital, 12’
Intérpretes: Montanna Houston, Robin Renzi, Bill Rice and David Wojnarowicz
Música: J.G. ThirlwellRichard Kern. You Killed Me First [Me mataste primero]
Estados Unidos, 1985, color, VO en inglés subtitulada en español, Super8 transferido a digital, 12’
Intérpretes: David Wojnarowicz, Nick Cooper, Jessica Craig-Martin, Karen Finley, Montana Houston, Lung Leg
Música: J.G. ThirlwellDavid Wojnarowicz y Tommy Turner. Where Evil Dwells [Donde habita el mal]
Estados Unidos, 1985, b/n, VO en inglés subtitulada en español, vídeo, 31’
Intérpretes: Joe Coleman, Devil Doodie, Richard Klemann, Lung Leg, Jack Nantz, Rockets Redglare, Tommy Turner, Charlotte Webb, Scott Werner, David Wojnarowicz
Música: AC/DC, J.G. Thirlwell y Wiseblood.Tom Rubnitz. Listen to This [Escucha esto]
Estados Unidos, 1992, color, VO en inglés subtitulada en español, vídeo, 16’
Intérprete: David WojnarowiczPresenta el primer pase Alan Moore, artista, investigador y escritor. Integrante de la escena punk y activista en Nueva York durante las décadas de 1970 y 1980, es miembro de grupos y plataformas como ABC No Rio, Colab y MWF Video Club. Es autor de los libros Art Gangs: Protest and Counterculture in New York City (2011) y Occupation Culture: Art and Squatting in the City from Below (2015).
Turmoil in the garden es una obra teatral con monólogos adaptados del primer libro de David Wojnarowicz (Sounds in the Distance, 1982). Los textos son un ejemplo de etnografía artística y describen una vida de superviviente en las calles de Nueva York, escuchando y grabando a las personas marginadas con las que el artista trató en sus descensos a la prostitución. La obra, con ecos de Jean Genet y Tennessee Williams, está interpretada por amigos del artista, como Nan Goldin, Frank Franca, Allen Frame y Elizabeth Walker, entre otros. En Manhattan Love Suicides, Wojnarowicz interpreta a un acosador enamorado compulsivamente de un hombre encontrado por azar en la calle, quien resulta ser artista, interpretado por Bill Rice. You Killed Me First es la historia de una familia represiva y sus hijos, una de las cuales, interpretada por Lung Leg, musa de Sonic Youth y del Cine de la Transgresión, no puede aguantar más esta situación. Wojnarowiz interpreta al padre abusivo y autoritario, a partir de su propia experiencia autobiográfica. Where Evil Dwells explora un crimen traumático en la época: el asesinato de un adolescente por otro adolescente amigo, Ricky Kasso, bajo los efectos de las drogas y las supuestas alusiones satánicas ocultas en la música heavy, que marca el ritmo de la película. Para Wojnarowicz, Ricky Kasso era un líder de la América oscura y reprimida, “una especie de Ronald Reagan”, escribiría literalmente en sus memorias. Por último, en Listen to This, Wojnorawicz interpreta a un ejecutivo quien pronuncia desde su oficina una invectiva contra la situación del artista homosexual en la sociedad estadounidense, intercalando imágenes de la cultura contemporánea. El cortometraje muestra el poder de Wojnarowicz como símbolo y modelo social, su tempestuosa respuesta contra la reacción venenosa e inacción gubernamental durante la crisis del sida.
-
Primer pase: domingo 7 de julio - 17:00 h / Segundo pase: domingo 14 de julio - 17:00 h
Sesión 2
Melancolía y moralismo
David Wojnarowicz y Phil Zwickler. Fear of Disclosure [Miedo a la revelación]
Estados Unidos, 1989, color, VO en inglés subtitulada en español, vídeo, 5’David Wojnarowicz y Ben Neill. ITSOFOMO (In the Shadow of Forward Motion) [ITSOFOMO (En la sombra del movimiento hacia delante)]
Estados Unidos, 1991, color, VO en inglés subtitulada al español, vídeo, 49’. Originalmente presentada en 1989 en The Kitchen, Nueva YorkEn su ensayo Melancolía y moralismo, Douglas Crimp reconoce la importancia del luto y el lamento por la pérdida para producir una manifestación artística y teórica que dé respuesta a los efectos devastadores del sida. Esta sesión parte de esta contestación elegíaca y poética, en la que dos obras de carácter experimental y queer hablan del futuro de vidas medicadas, del miedo al contagio y de la desaparición del propio cuerpo con un tono crepuscular que resume los estragos de la enfermedad en toda una generación, y que acabará provocando también el fallecimiento de David Wojnarowicz con tan solo 37 años. Fear of disclosure se proyectó por primera vez en el Festival de Cine Experimental Gay y Lésbico de Nueva York en 1989. En este breve vídeo la cultura de la fiesta y del club nocturno se convierte en un epigrama sobre el encuentro sexual después del contagio. En palabras de los autores, se trata de “una exploración sobre el acto de revelar a un amante potencial que eres seropositivo, el virus que se cree que causa el sida. Dos gogós del Pyramid Club de Nueva York saltan y se restriegan mientras reconocen su propia mortalidad”. ITSOFOMO, la segunda obra, es una pieza multimedia perturbadora y visceral. Concebida como performance en directo y adaptada aquí a una proyección, reúne la escritura de Wojnarowicz, la improvisación sonora del compositor Ben Neill y las imágenes que el primero usaba de manera recurrente como símbolos y alegorías. ITSOFOMO se refiere a las consecuencias de la “aceleración”, término que ambos artistas descubren en la lectura del teórico francés Paul Virilio y su crítica al tiempo natural del capitalismo contemporáneo y que aplicarán a la inmediatez con la que el sida está liquidando los cuerpos y borrando una historia de la resistencia y lucha por la igualdad.

Celebrada el 04, 05, 09, 12 jul 2019
En el marco de la exposición David Wojnarowicz. La historia me quita el sueño (hasta el 30 de septiembre de 2019), este ciclo presenta las experiencias pospunk y trash fruto de las colaboraciones fílmicas del artista David Wojnarowicz (Nueva Jersey, EE. UU., 1954-Nueva York, EE. UU., 1992) con la comunidad artística del East Village neoyorkino durante la década de 1980. El programa, compuesto por dos sesiones con pases dobles, incluye trabajos de Richard Kern, Tommy Turner, Kirsten Bates, Allen Frame, Ben Neill y Phil Zwickler, creadores para quienes la vida al límite fue una forma de expresar su profunda rabia y descontento con el moralismo sexual y la complacencia dominante en Estados Unidos durante esa década.
El título Amor de muerte es una traducción del término deathtripping, con el que el escritor Jack Sargeant caracterizó las experiencias fílmicas underground en Nueva York durante los años ochenta (Deathtripping. The Cinema of Transgression, 1995). Esta expresión concentra también una serie de ambivalencias recogidas en el ciclo, como el vitalismo sexual de la comunidad gay frente a la paranoia tanatológica producida por el sida, o la libertad moral en los márgenes de lo convenido frente a la ira contra una sociedad que solo tolera dicha libertad mientras se mantenga precaria e invisible.
En sus dos sesiones, muy distintas entre sí, el ciclo recorre estas disyuntivas entre violencia y autonomía o entre destrucción y amor. En la primera, se muestran obras corrosivas y paródicas, que destilan con acidez una profunda disconformidad ante el estilo de vida estadounidense y se hermanan en la ficción con las manifestaciones más violentas contra el sistema, desde los asesinos en serie hasta las masacres aleatorias contra la población. Detrás del brillo del sueño norteamericano, como Wojnarowicz escribió, Estados Unidos es también una “máquina de matar”. Por su parte, la segunda sesión abandona estos gestos iconoclastas y transgresores para reflexionar sobre la pérdida y el duelo con Fear of disclosure e ITSOFOMO, dos obras situadas entre la performance, la instalación multimedia y el cine expandido. En ambas, la escritura de David Wojnarowicz, la música en directo y las imágenes fragmentarias y elusivas componen un estado de ánimo que encapsula de manera magistral un tiempo de rabia y melancolía.
Comisariado
Alan Moore y Chema González
Agradecimientos
Collaborative Projects, Inc.
Organiza
Museo Reina Sofía
Más actividades

Expedientes de revoluciones tropicales
Sábado 20 y 27 de junio, 2026 - 19:00 H
El ciclo Reencuadrando las imágenes bananeras cierra con dos obras que condensan la culminación y el ocaso de este período histórico, epopeyas que cruzan fronteras y registros para encarnar las vivencias de la lucha armada en la región. Las c ámaras conviven con los fusiles, las fronteras entre naciones se difuminan y la paciencia alcanza su límite. Es aquí donde llega el punto de inflexión, cuando la sangre derramada se vuelve demasiado pesada y los murmullos de aquella cofradía regional son sepultados de nuevo.
Pan y dignidad (Carta abierta de Nicaragua) recuenta los antecedentes históricos y el proceso de reconstrucción nacional en Nicaragua a partir de la insurrección popular sandinista. Historias prohibidas de Pulgarcito sumerge la cámara en el centro de la lucha revolucionaria salvadoreña, intercalando testimonios de violencia cotidiana con los versos del poeta Roque Dalton.
Ambas obras entienden la revolución armada como un expediente abierto y en vías de construcción. La cofradía insurgente, aunque disuelta, aún resuena en la historia regional.

Circular sobre cuerpos exprimidos
Viernes 19 y 26 de junio, 2026 - 19:00 H
Cuando las formas de la violencia se someten a la sociedad, el cine responde desde la urgencia. Las imágenes se abstraen, los sonidos se difuminan y el registro disidente viene desde las vísceras. La zona intertidal es un acercamiento ensayístico y poético a la represión sufrida por docentes en El Salvador durante los años setenta; un maestro estudia la biodiversidad de la costa salvadoreña mientras un niño encuentra un cuerpo en la misma playa. A propósito de la mujer entrelaza testimonios de miseria e ira hacia las estructuras patriarcales, con escenas de ficción de una procesión simbólica a través de un desierto hostil.
Ambas películas entienden el cuerpo como blanco de violencia y como territorio de insurrección; un espacio donde la sangre derramada por la militancia y la cruz del yugo patriarcal transforman el dolor en denuncia y la existencia fuera del statu quo en un acto de disidencia política.

Sello de origen centroamericano
Jueves 18 y 25 de junio, 2026 - 19:00 H
Las tierras fértiles, las manos campesinas, los rostros de la ruralidad. Este primer programa del ciclo Reencuadrando las imágenes bananeras entiende los cimientos de la experiencia centroamericana desde la explotación, el extractivismo y el desplazamiento, así como desde la organización y resistencia que surge como reacción. Las cuatro películas que lo componen van de la lírica documental de la solidaridad campesina a la subversión lúdica del formato institucional de la United Fruit Company.
Bananeras es un combativo retrato de las condiciones inhumanas en las plantaciones estadounidenses situadas en Nicaragua durante gran parte del siglo XX. Costa Rica Banana Republic presenta una incisiva sátira del documental institucional bananero que vislumbra la naturaleza extractiva de este modelo agroexportador en la década de 1970. Organización Campesina encuadra la resistencia rural hondureña desde el registro directo y la lírica documental. Dos veces mujer disecciona la invisibilización de la doble jornada a la que es sometida la campesina centroamericana: trabajo en el campo y en el hogar. En conjunto, estas obras presentan la tierra como un cuerpo herido y, a la vez, un espacio de dignidad.

Políticas y prácticas de acogida
19, 20 JUN 2026
Coincidiendo con el Día Internacional de las Personas Refugiadas, que se celebra el 20 de junio, Museo Situado y GRIGRI organizan este encuentro internacional que promueve la discusión, el debate y el intercambio de prácticas que sostienen la solidaridad con las personas migrantes en los países de la Unión Europea.
El programa, que se concibe como un espacio de intercambio y construcción colectiva de conocimientos, incluye un taller de creación colaborativa, conversatorios, una comida popular y un cinefórum —actividades diseñadas por un comité local integrado por jóvenes menores de 30 años de diferentes territorios de Europa—. Las recomendaciones políticas sobre acogida y hospitalidad en contextos urbanos surgidas de este encuentro se presentan en Bruselas a finales de 2026.
Estas jornadas se desarrollan en el contexto del proyecto de cooperación europea Bridging Borders y en el marco del décimo aniversario del proyecto GRIGRI Pixel.
![Agnes Essonti Luque, A Journey [Un viaje], 2024. Museo Reina Sofía](https://recursos.museoreinasofia.es/styles/small_landscape/public/Actividades/AGNESESSONT.jpg.webp)
De Viva Voz 3. Agnes Essonti Luque
Lunes 15 de junio, 2026 — De 18:30 a 20:00 h
La obra Un viaje (2024), de la joven artista española-camerunesa Agnes Essonti Luque, invita al público a acompañar a una réplica de una estatuilla africana de madera del Museu Etnològic i de les Cultures del Món (Barcelona) en su periplo de retorno a Camerún. La documentación visual y fotográfica que narra esta historia actúa como estrategia de reparación y restitución simbólica frente a las políticas extractivistas de la institución museo en la modernidad occidental. De esta manera, la instalación permite activar la conversación en torno a la violencia y el vaciado que producen ciertas dinámicas coloniales, pero también sobre la memoria familiar y los saberes comunitarios.
En diálogo con la comisaria Suset Sánchez, esta visita-encuentro busca propiciar una conversación en torno a la pieza y el contexto en que se muestra, así como atender a otros desafíos, tensiones o preguntas que la obra de Essonti lanza al público.
