Cooltura Futura

Thaqafa Mostakbalia Halal es el nombre para esta edición de la Halal Arab Queer Party. Esta fiesta es una celebración radical de la vida, la identidad y el deseo. Creada por FDIHA Asociación, esta propuesta reivindica que ser queer es halal, resignificando los imaginarios árabes y mediterráneos desde la libertad, la memoria y el orgullo. Halal nace como un espacio seguro y vibrante para las comunidades queer del sur y este del Mediterráneo, donde la música, la danza, la poesía y la performance se entrelazan como lenguajes de resistencia, placer y afirmación.

Con una estética desbordante y provocadora, Halal rompe con el orientalismo, el racismo y el patriarcado, abriendo un territorio de disfrute colectivo donde nuestros cuerpos puedan existir, crear y celebrar sin culpa ni miedo. Una invitación a imaginar futuros donde nuestras identidades no solo sean aceptadas, sino profundamente celebradas.

Inspirada en el histórico discurso de Sojourner Truth (1797–1883) «Ain’t I a Woman?», la pieza revisita el concepto de «mujer» a lo largo de la historia, cuestionando los estándares, roles y modelos impuestos por la cultura y el arte. La performance se articula a través de una estética digital cercana al pixel art y al imaginario de los videojuegos y la presencia del cuerpo como territorio de resistencia. La pieza evoca la construcción de la identidad femenina como un proceso de capas, niveles y transformaciones: cuerpos que se visten y desvisten de historia, máscaras y símbolos, como si cada época fuera una pantalla más que atravesar. 

—Performance de Quan Zhou y Verónica Ruth Frías

En formato de una conversación ilustrada, Nathalia Grilo destaca dimensiones de encantamiento, lucha política, naturaleza y culturas populares. Recupera, a través de imágenes y sonidos, los motivos que hacen del arte suramericano una herramienta potente para desestabilizar la «esclavitud imaginativa». Propone generar un espacio de pensamiento colectivo que reconozca, desde el Sur, otras formas de imaginar, crear y habitar el mundo. Presenta, de igual manera, una performance de quince minutos, gestada a partir de su investigación en poesía hablada y música experimental en Brasil.

—Conversación y performance con Nathalia Grilo.

Más que una danza, el dabke es un acto colectivo de memoria y afirmación cultural que ha acompañado al pueblo palestino en su lucha por la vida y la dignidad. En este espacio, el cuerpo se convierte en herramienta de conexión y solidaridad: baile para recordar, para resistir y para celebrar la fuerza de un pueblo que ha hecho del arte una forma de existir frente a la opresión. 

La artista propone pensar en cómo las imágenes conservan historias, duelos y renacimientos a través del collage y la intervención sobre retratos familiares. Inspirada en el inicio de la primavera y en la celebración del Día de la Madre en Siria, esta propuesta nos conecta con los ciclos de la vida, la migración y la resistencia cotidiana. En este taller, bordar se convierte en un gesto de cuidado y de raíz, entrelazando la memoria, el arte y el afecto para coser nuevas formas de pertenencia, memoria y esperanza.

Se invita a cada participante a traer una fotografía propia para bordarla.

Inspirada en el libro de Moha Gerehou ¿Qué hace un negro como tú en un sitio como este? (Ed. Península, 2021), esta conversación reflexiona sobre la importancia de ocupar espacios y reivindicar la presencia racializada y migrante en todos los ámbitos de la sociedad. A partir de los desafíos, experiencias y estrategias de las trayectorias personales y colectivas de los ponentes, este encuentro invita a cuestionar las fronteras visibles y experiencias de la pertenencia a la esfera pública, para que la presencia racializada no sea una excepción, sino una realidad cotidiana, necesaria y transformadora.

¿Dónde habita la esperanza en una guerra? Tras el muro, ¡la playa! es la visión de un mundo mejor a través de los ojos de la infancia en Palestina. Una experiencia que se aborda en este programa a través de un conjunto de películas procedentes de este país en conflicto, tanto de ficción como de animación. En la apreciación adulta, la guerra encuentra una justificación de carácter político y moral. En cambio, la mirada de la infancia derriba cualquier lógica ante la barbarie y muestra la tragedia bélica como un error sin justificación. Frente a la destrucción adulta, la infancia siempre reafirma la vida en su plenitud.   

La selección de cineastas de origen palestino que se presentan, Ibrahim Handal, Tariq Rimawi, Firas Khoury, Rami Abbas, Nisreen Yaseen y Haneen Koraz, son un buen ejemplo en este sentido. Ibrahim Handal se ha erigido como una de las voces emergentes del joven cine palestino. Su obra se centra en la cotidianidad, la identidad y la resistencia con un trabajo que, aun partiendo de lo real, juega entre el documental de creación y la ficción. Por su parte, Firas Khoury es un reconocido director palestino que ha contribuido a expresar cómo sería la vida normalizada de la niñez en Palestina, al mostrar la realidad de cualquier infancia. Ambos cineastas consiguen quitar el velo del prejuicio al igualar la vida de un menor palestino a la de cualquier otro en un país en paz.

La presentación del ciclo cuenta con la presencia de Rami Abbas, cineasta de origen palestino con formación en Siria y actualmente residente en Madrid. Su trabajo es un ejemplo más de la diáspora, pero de igual forma, de la memoria y la resistencia. Hide & Seek (2024) refleja esa dimensión del éxodo y, sobre dicha experiencia, la protección a los seres más vulnerables. 

A su vez, Nisreen Yaseen transmite una visión del tránsito de la infancia a la adolescencia en la que se diluye el ruido de la guerra, mientras que el galardonado corto animado Zoo (2022), de Tariq Rimawi, es una obra estética de enorme calado simbólico que expone la oposición entre la opresión y la libertad. 

Por último, Haneen Koraz ha llevado a cabo todo su trabajo desde los campos de refugiados en la franja de Gaza. Esta realizadora ha dado voz, a través de talleres de cine de animación, a menores, madres y familias. A day in the Tent [Un día en la tienda de campaña, 2024] es una muestra cinematográfica de resiliencia y verdad que permite al pueblo gazatí transmitir al mundo lo que supone vivir bajo las bombas. Y es solo a través de la mirada de la infancia, de sus dibujos, como se muestra esta realidad sin prejuicios.

En el marco de la exposición Juan Uslé. Ese barco en la montaña, esta mesa redonda propone un viaje hacia un tiempo y un lugar decisivos: el Nueva York de los años ochenta y noventa, escenario de una efervescencia artística que marca profundamente a toda una generación de artistas procedentes de España que encuentran allí un territorio fértil, caótico, exigente y lleno de posibilidades. Tal es el caso de Juan Uslé, que en enero de 1987 atravesó el Atlántico en dirección contraria al buque Elorrio —cuyo hundimiento en 1960 en la costa de Langre (Cantabria) quedaría grabado en su memoria— y fijó su residencia en Nueva York.  

La conversación, moderada por el comisario de la exposición Ángel Calvo Ulloa, reúne a Juan Uslé, Vicky Civera, Txomin Badiola y Octavio Zaya, cuatro voces que vivieron ese momento desde perspectivas diversas y complementarias. Su diálogo reconstruye la experiencia de llegar a un contexto ajeno y explora los modos en que estas figuras del arte forjan vínculos y comunidades en un ambiente atravesado por la intensidad creativa y las tensiones del cambio cultural. 

Asimismo, se aborda la relación con un Museo Reina Sofía que, en esos años, comienza a redefinir su papel dentro del ecosistema artístico internacional. La mesa invita a reflexionar sobre cómo se percibe, desde la distancia neoyorquina, la escena española y la institución museística, recuperando a través de la oralidad un episodio clave de la historia del arte español. 

Este ciclo está organizado por equipoMotor, un grupo de adolescentes, jóvenes y personas mayores que ha participado en proyectos comunitarios educativos del Museo Reina Sofía. El programa se articula en cuatro bloques temáticos en torno a la idea de lo monstruoso.

Esta sesión mira al cine como un espacio donde poder verse reflejadas y reflejados. Las personas participantes del grupo han querido elegir una pieza que permita al público conocer un poco mejor quiénes son y cómo trabajan juntas. En Salir del aula. Un día sin profes (Luz Broto Lema, 2017) un grupo de estudiantes decide abandonar el instituto durante un día. A partir de ese gesto sencillo aparece una pregunta sobre las normas que organizan una institución, sobre quién decide cómo se habita y sobre qué ocurre cuando esas reglas se suspenden.

La pieza coloca el conflicto en el centro y propone un detonante claro: «¿y si…?». ¿Y si durante un día no hubiera profesorado? ¿Qué tipo de relaciones, acuerdos o tensiones aparecerían? Desde ahí se abre una reflexión sobre las estructuras de poder presentes en espacios como un instituto, pero también en otros lugares institucionales, como puede ser un museo.

El título de la sesión, Familias desviadas, recoge otra de las preguntas que atraviesan el trabajo de equipoMotor: ¿qué ocurre cuando la idea tradicional de familia se desplaza y aparecen otras formas de organizar los afectos? En lugar de una estructura fija o jerárquica, el grupo ensaya formas de relación más circulares, asamblearias y abiertas, donde las decisiones se toman colectivamente y donde caben distintas edades, trayectorias y modos de estar.

La propia curaduría de esta sesión responde a esa lógica. El proceso ha sido colectivo, fragmentario y experimental, cercano a una forma frankensteiniana de organizarse: juntar piezas, probar combinaciones, discutirlas en grupo y volver a ensamblarlas. Un método que combina lo serio con lo lúdico y lo crítico con lo afectuoso.

Siguiendo el impulso que plantea la película, equipoMotor se hace una última pregunta que atraviesa toda la sesión: ¿y si el museo pudiera ser también un poco más Frankenstein, más afectuoso y más desviado?

A lo largo de tres sesiones, esta nueva edición del ciclo formativo online RECREO pretende aportar al profesorado estrategias didácticas de aproximación a la nueva presentación de las Colecciones del Museo Colección. Arte Contemporáneo: 1975 – Presente. Concebido como un recurso para personas de todo el territorio, independientemente de si pueden acudir presencialmente al Museo o no, RECREO #2 busca llevar a las aulas parte de las propuestas y contenidos del Itinerario I. Una historia de los afectos en el arte contemporáneo. Así, Mirar y narrar. Arte contemporáneo e identidad invita a explorar las Colecciones desde la idea de identidad como un proceso en constante construcción. A través de diferentes obras, se explora cómo algunas figuras del arte contemporáneo reflexionan sobre la representación del yo, la memoria, la experiencia personal y las identidades individuales y colectivas.

Las piezas seleccionadas permiten pensar la identidad como algo cambiante, influido por factores como las relaciones personales, la experiencia vital, la cultura, la sociedad o el contexto político. A partir de estas obras, se proponen estrategias para trabajar en el aula desde diversas disciplinas o asignaturas aspectos como el autoconocimiento, la expresión personal y la construcción de narrativas propias a través del arte. 

Este taller forma parte del ciclo de formación online para profesorado RECREO, organizado por el Área de Educación del Museo Reina Sofía en diálogo con el colectivo Cápsula Cultura. RECREO combina la reflexión con propuestas prácticas adaptables a distintos niveles y contextos de enseñanza, además de fomentar el intercambio de experiencias entre docentes.