«Los reyes de la página roja»

Todos los peces es una narración sobre la niñez en las zonas rurales de El Salvador, donde salen a la luz las condiciones precarias en las que crecen muchos niños y niñas, pero también las herramientas de alegría y los afectos que les sostienen. Si bien el tema principal de este largometraje es el abandono social familiar y del estado de las infancias en El Salvador, también toca el tráfico de niñas y niños que se llega a dar como un intercambio de mercancía sin más. El argumento supera lo trágico, presentando respuestas y resoluciones esperanzadoras. Es un cierre optimista a una serie de historias y visiones de una región que, a pesar de su pasado trágico, continúa floreciendo.

En esta segunda sesión, el cuerpo humano es el protagonista, en muchas ocasiones a través de una presencia performativa que se abre hacia ciertas metáforas, las cuales trazan lazos a la historia. En este caso, la selección prioriza lenguajes menos literales donde se aprecian las diferentes perspectivas de sus creadores. Güistes es la denominación salvadoreña para un vidrio de distintas caras, cuyas raíces convergen en Centroamérica y su historia, pero que al igual que semillas o esporas, se han desplazado hacia otras localidades, desde las cuales se nutren. Piel y cicatriz de Lucy Tomasino se inspira en la relación entre la pintura y la guerra civil de El Salvador para presentar metáforas sobre el conflicto, el duelo y la sanación. De la misma manera, Pulsión de Gabriela Novoa presenta imágenes que se manifiestan en la materia y el cuerpo. Variations nos introduce a la vida y secretos de Denisse, el alter ego de la autora. Public Display of Professionalism (colectivo integrado por domingo castillo flores, Patricia Margarita Hernández y Natalia Zuluaga) utiliza textos e imágenes apropiadas para construir narrativas sobre las estructuras capitalistas desde Miami. Elyla, por su parte, alude a tradiciones y prácticas vernáculas a través lo decolonial y lo cuir.

El 15 de marzo de 1993, poco más de un año después del final de la guerra civil de El Salvador, se publica el informe De la locura a la esperanza, que tenía como fin esclarecer hechos violentos y violaciones a los derechos humanos durante la guerra. Unos días más tarde se aprueba la Ley de amnistía general, la cual concedió perdón incondicional y absoluto para todas las personas responsables de crímenes cometidos en este mismo período. Esta política de indulto y olvido impidió que durante muchos años se dieran procesos de justicia restaurativa, que, además, tuvieran el potencial de abordar las raíces de la injusticia social que dieron origen al conflicto armado. Este documental presenta de manera contundente las historias de personas que vivieron los años de la guerra, así como las diferentes formas en que las mismas concilian con las heridas y consecuencias de ese pasado.

El Museo organiza durante el mes de febrero una retrospectiva completa de la filmografía de Oliver Laxe. El ciclo dialoga con la obra HU/هُو. Bailad como si nadie os viera, una instalación del autor de Sirāt concebida para el Espacio 1 del Museo Reina Sofía. El programa incluye los cuatro largometrajes realizados hasta la fecha por el cineasta, así como sus cortometrajes y una carta blanca de cuatro sesiones programadas por el autor en correspondencia con sus películas e intereses creativos. 

Oliver Laxe representa una de las miradas más radicales del panorama fílmico contemporáneo. Su cine es un espacio resiliente, espiritual y transcultural, impregnado de un nomadismo cultural y social que refleja la vida y las creencias del cineasta, y que, en último término, propone una ética antimaterialista para afrontar nuestro tiempo. Su filmografía se caracteriza por una profunda espiritualidad, un tiempo contemplativo y una conexión íntima con la naturaleza y lo sagrado. En sus películas, Laxe ha abordado temas universales, como la redención o el sentido de la existencia, a través de relatos que se desarrollan en paisajes remotos, rurales y atemporales con atmósferas influidas por el cine de género, como el western o el policíaco. Los personajes de su cine, en su mayoría actores no profesionales, atraviesan territorios físicos a la vez que experimentan viajes interiores insuflados por la culpa, el deseo de reintegrarse en comunidad o la realización de un propósito final que ignoran. La naturaleza, con especial énfasis en el desierto y en el paisaje, es otro personaje más, una presencia viva y panteísta que condiciona y refleja los conflictos humanos. El tiempo dilatado, la atención a la experiencia sensorial y las alusiones a la religiosidad antigua nos sitúan en una concepción meditativa del cine que apela a ser un manifiesto para reencantar el mundo. 

En la carta blanca el cineasta ha programado cuatro películas que cartografían sus obsesiones. Highway (1999), de Serguei Dvortsevoy, una ruta por los páramos de Kazajistan a través de un circo ambulante; Las estaciones (1975), de Artavazd Peleshian, una oda al transcurrir del tiempo a través del paisaje; Trás-os-Montes (1976), de António Reis y Margarida Cordeiro, una ficción etnográfica del campesinado portugués en sus rituales y pureza vital; y La isla desnuda (1960), de Kaneto Shindô, la lucha cotidiana de una familia de cuatro miembros en un paraíso natural. 

Este ciclo está organizado por equipoMotor, un grupo de adolescentes, jóvenes y personas mayores que han participado en proyectos comunitarios educativos del Museo Reina Sofía. El programa consiste en cuatro bloques temáticos alrededor de lo monstruoso.

Esta segunda entrega propone abordar el cine como un lugar desde el que se visibilizan el trabajo cultural y los procesos de producción que dialogan con la creación artística. A partir de esta premisa, la sesión se centra en explorar cómo se producen, ensamblan y distribuyen los contenidos audiovisuales, desde las manos que manipulan las imágenes hasta los cuerpos que participan en su circulación. Se pretende reflexionar así sobre el esfuerzo invisible, la precariedad y las formas de colaboración que sostienen la vida cultural, que transforman la experiencia cinematográfica en un acto de reconocimiento y cuidado del trabajo común. 

Con motivo de la inauguración de la exposición Alberto Greco. Viva el arte vivo, Fernando Davis, comisario de la muestra, y Amanda de la Garza, subdirectora artística del Museo Reina Sofía, conversan en el Auditorio 400 del Edificio Nouvel sobre la vida y la obra del artista argentino, figura fundamental de la vanguardia experimental.

La exposición y la charla toman el título de la proclama «Viva el arte vivo», con la que Alberto Greco (Buenos Aires, 1931- Barcelona, 1965) inundó las calles y los muros de Roma. Para Greco, el arte vivo fue el arte del futuro. Un arte basado en un conjunto de gestos irreverentes e intempestivos, de aventuras abiertas a lo imprevisto que se fundían con la propia vida, que inicia en 1962 y para el que más tarde acuña el término «vivo-dito».  En su Manifiesto dito dell´arte vivo, con el que empapeló las paredes de Génova, animaba a entrar en contacto «con los elementos vivos de nuestra realidad: movimiento, tiempo, gente, conversaciones, olores, rumores, lugares, situaciones». También en Madrid irrumpe en la cotidianidad de la calle cuando convoca un «momento vivo-dito» que culmina con la quema de un lienzo pintado de manera colectiva en el barrio de Lavapiés.

Además de fundador del arte vivo, Alberto Greco fue pintor informalista, flâneur queer o poeta y actor ocasional. Esta intensa singladura vital y artística está íntimamente conectada además con su deriva migrante, que comenzó en 1950 en Buenos Aires, pasando por Atacama y Humahuaca, París, Río de Janeiro, São Paulo, Génova, Roma, Madrid, Piedralaves, Nueva York o Ibiza, para terminar abruptamente en Barcelona, donde se quitará la vida poco después de escribir su última gran obra, la novela Besos brujos (1965). 

Estas charlas inaugurales, que forman parte de una de las líneas de trabajo principales del Área de Programas Públicos, tienen como objetivo profundizar en los contenidos de las exposiciones organizadas por el Museo desde la perspectiva de artistas, comisariados y especialistas.