Celebrada el 07 mar 2019
Sarah Davachi presenta en el Museo Reina Sofía un concierto para sintetizador que incluye aproximaciones de su nuevo trabajo, Gave in Rest, una invitación al descanso. Grabado en el verano de 2017 en Vancouver, se centra fundamentalmente en la exploración del timbre y el espacio.
La cualidad del timbre permite distinguir un sonido por la fuente que lo emite: un piano, un coche o una gota de agua. Su enorme variedad puede ser profusamente investigada en los sonidos que crean los sintetizadores analógicos o digitales. Sin embargo, Davachi desarrolla su música indistintamente con instrumentos analógicos como el sintetizador modular, con programas digitales para la grabación y edición, y también con instrumentos acústicos como el órgano. De hecho, cuando comenzó a interesarse por la música, trabajó con varios instrumentos de teclado a la vez, y en su último disco ha utilizado un laúd, un Mellotron, órganos, piano, sintetizador y voz, además de intérpretes de contrabajo y violín.
Su fascinación por la exploración tímbrica la ha llevado a interesarse por grandes compositores de la tradición norteamericana y europea que han indagado en las cualidades espaciales del sonido, como Alvin Curran, La Monte Young, Èliane Radigue o Alvin Lucier. Además, ha colaborado con Donald Buchla, Morton Subotnick, Aki Onda, Oren Ambarchi o Ellen Arkbro, entre otros.
A raíz de estas colaboraciones, es de suponer que su estudio del timbre es de un carácter abstracto, interesado por la manera en que la vibración resuena con, o más bien en, quien escucha. Este concentrarse en los aspectos aparentemente fenomenológicos del sonido recuerda a la capacidad introspectiva, casi intrínseca y necesaria, de la escucha contemplativa. Su disco Gave in Rest propone compartir una meditación solitaria, una manera de percibir el espacio en su dimensión histórica. No por casualidad, Davachi concibió su obra en momentos en los que se refugiaba en iglesias europeas para escuchar órganos y campanas; si bien es cierto que, en el contexto actual, es difícil asociar el timbre de estos dos instrumentos monumentales con la calma y el descanso. Las campanas y los órganos, en su viaje hasta el norte del continente americano, hace más de 350 años, protagonizaron una lucha contra los demoníacos ruidos del bosque. Hoy, sin embargo, tanto han cambiado los lugares que rodean los santuarios a ambos lados del océano, que bosques y templos, como dos destinos poco asequibles, son codiciados por su aislamiento, por su cercanía a la naturaleza y a lo espiritual.
El concierto de Sarah Davachi se propone como una solicitud de asilo, una estrategia para combatir el desasosiego de la soledad que impone el ritmo de producción, sobreexposición y sobreinformación que, poco a poco, se va se va adueñando de la sociedad actual.
Comisariado
José Luis Espejo
Con el apoyo técnico de
Laboratorio de Informática y Electrónica Musical-LIEM, Centro de Tecnología del Espectáculo-CTE, Instituto Nacional de las Artes Escénicas y de la Música-INAEM
Documentos relacionados
Jordan Reyes, “On Gave in Rest, Sarah Davachi Explores Cathedral Music Through An Atheistic Lens”, en Bandcamp Daily, 14 de septiembre de 2018
Stewart Smith, “Sarah Davachi: The Canadian synthesist needs a little space”, en The Wire, núm. 408, febrero de 2018
Cris Cole, entrevista a Sarah Davachi, en Personal Best Fanzine for Noise, Music and Arctic Cod, núm. 7, agosto de 2017
David Hendy, "Colonist", Noise, BBC, 2015 (sobre campanas y órganos en Norteamérica)
Organiza
Museo Reina Sofía
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Colección. Arte contemporáneo: 1975 - Presente
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En esta conferencia, Manuel Segade, director del Museo Reina Sofía, expone las claves de lectura de la nueva presentación de las Colecciones en la cuarta planta del Edificio Sabatini. Esta nueva organización de los fondos se enmarca en un ambicioso plan de reordenación de los usos arquitectónicos de los edificios del Museo, que continuará en 2027 con la inauguración de la tercera planta de este mismo edificio, para culminar en la segunda en 2028.
La nueva presentación de las Colecciones, inaugurada el 16 de febrero de 2026, ofrece un recorrido por la historia del arte contemporáneo de los últimos cincuenta años desde España. A diferencia de un relato unívoco, esta planta cuenta el mismo período —desde la Transición al presente— de tres maneras diferentes, reiniciándose en los años setenta una y otra vez.
El recorrido arranca con un prólogo que transita por los afectos, la cultura material y la institucionalidad en la Transición española como punto de partida a los tres itinerarios posteriores. El primero, Una historia de los afectos en el arte contemporáneo, navega desde los sistemas afectivos en la producción artística vinculada a la segunda ola feminista hasta el duelo como herramienta de interpretación de las nuevas realidades. El segundo itinerario, Los poderes de la ficción. Escultura, nuevos materialismos y estéticas relacionales, está concebido como una galería escultórica en la que las obras salen al encuentro del público incidiendo en la parte performativa de esta disciplina. Entre otras cosas, este itinerario muestra cómo, desde los años ochenta, la producción escultórica española ha tenido una gran proyección internacional en la que numerosas artistas mujeres han jugado un papel fundamental. El tercer itinerario, Un marco nuevo. La institución, el mercado y el arte que los excede a ambos, permite acercarse a los orígenes del Museo y su papel en el proceso de institucionalización del arte en nuestro país. En mayo de 1986 se abría el Centro de Arte Reina Sofía, utilizando las plantas primera y segunda del antiguo hospital: los cuarenta años transcurridos desde entonces permiten reevaluar precisamente los efectos del Museo sobre el arte español y de este sobre la institución.
Con esta charla se refuerza el objetivo de socialización de los relatos producidos desde el Museo, en una etapa en el que las Colecciones están sujetas a revisión permanente.
Patricia Falguières
Martes 12 de mayo, 2026 – 19:00 h
La historiadora del arte Patricia Falguières inaugura la Cátedra María Luisa Caturla con la conferencia La historia del arte en tiempos de oscuridad. Esta cátedra, consagrada a la reflexión sobre el arte de las épocas «enfermas de incertidumbre», está dedicada a desmontar, divagar o imaginar las múltiples temporalidades y materialidades de la historia del arte desde una mirada excéntrica, desplazada, fuera del centro o con un centro diferente.
El título de la conferencia hace referencia a Hombres en tiempos de oscuridad (1968), un conjunto de ensayos escritos por Hannah Arendt cuyo título parafrasea a su vez un poema de Bertolt Brecht. En esta obra, Arendt asevera que «los tiempos de oscuridad no solo no son nuevos, sino que no son una rareza de la historia».
También para Patricia Falguières la historia conoce multitud de épocas en las que el espacio público se oscurece, momentos en los que el mundo deviene tan incierto que la gente deja de demandar a la política cualquier cosa que no sea aliviar el peso de sus intereses vitales y de su libertad individual. Especialista en arte y filosofía de la Edad Moderna, pero siempre con una mirada abierta y curiosa hacia el arte contemporáneo, Falguières propone en este encuentro un recorrido «caótico y aventurero» desde el Renacimiento hasta Fukushima para indagar en preguntas como: ¿qué puede significar hoy, en un mundo que resplandece con destellos siniestros y amenazas más siniestras aún, practicar una historia del arte más allá del entretenimiento o el adorno social? y ¿de qué intereses vitales y de qué libertad puede ser testigo e instrumento esta historia del arte?
De Viva Voz 1. Cabello/Carceller
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En este encuentro con el colectivo de artistas Cabello/Carceller, en diálogo con la subdirectora artística del Museo Amanda de la Garza, se busca mantener una conversación pausada y reflexiva sobre la obra y sus lecturas, así como conocer de cerca detalles sobre su génesis y repercusión.